Transformation 越境から生まれるアート、アーティゾン美術館、京橋 ３

京橋の「アーティゾン美術館」でちぃさんと過ごす楽しい企画展鑑賞の続き。

観ている企画展は、”Transformation 越境から生まれるアート”。

第3章は、”移りゆくイメージ－パウル・クレー”。

私も多くの日本人同様、絵画の知識と興味はルネッサンス、新古典主義、写実主義や印象派で途絶えてしまい、その後の美術界の変遷については無知であるため、パンフレットの紹介を丸写し。

「20世紀前半は、新たな美術を志向するアヴァンギャルドの動きが国際化を牽引する時代です」。

「画業初期、同時代のフランス美術に影響を受けたドイツ人画家クレーは、第一次大戦後、総合造形学校バウハウスのマイスターとして、あるいはシュルレアリスムの先駆者として、多様なイメージのもとに受容されていきます。その多面性は、美術をめぐる戦間期のドイツとフランス、さらにはヨーロッパとアメリカの関係の変容を映し出しています」。

ジョルジュ・ブラック、「円卓」（1911年）。

ブラックはピカソとの関係を”ザイルで繋がれた二人”と表現し、二人で1909年頃にキュビスム絵画を創出。

円卓の上には、絵筆、パレット、絵の具など、絵を描くのに必要な道具類。

ロベール・ドローネー、「街の窓」（1912年）。

この絵は石橋財団の新規収蔵品で、今回の企画展が初公開。

この絵の重要性については、以下参照。

パウル・クレー、「小さな抽象的－建築的油彩（黄色と青色の球形のある）」（1915年）。

1910年代は、ピカソやブラックが主導したキュビスムが美術界に大きな影響を与えた時期。

フランスの美術界の動向に刺激を受け、この絵は”クレーがこれからクレーになろうとしている時期”の作品なのだそうだ。

「アーティゾン美術館」はクレーの絵を27点も所蔵している。

パウル・クレー、「平和な村」（1919年） 水彩、グワッシュ。

石橋財団の新規収蔵品。

パッと見ただけでは村に見えない。

三角形や四角形は家、緑は樹々、そして細長い線は道を表し、遠景には波型の山々が見える。

描かれたのは1911年のミュンヘン。

第一次世界大戦が終結したばかりのミュンヘンは厳しい混乱の中にあった。

その中で平和を希求して描かれた作品。

パウル・クレー、「庭園の家」（1919年）。

庭園にある家を描いたと言えば、確かにそう見える。

パウル・クレー、「ストロベリーハウスの建築工事」（1921年）。

パウル・クレー、「家の投影」（1923年） 水彩、インク。

この年代頃から画風が変化しているのがわかる。

パウル・クレー、「数学的なヴィジョン」（1923年） 油彩、水彩。

何だかとてもユーモラスな作品。

この時期クレーはバウハウスのマイスターとして働いていて、教育者および研究者として、線や色彩を始めとする造形の理論的な追及に取り組んでいたのだそうだ。

パウル・クレー、「空飛ぶ竜の到着」（1927年）。

フランシス・ピカビア、「アニメーション」（1914年） グワッシュ、水彩、鉛筆。

ピカビアはフランス人のキュビスム、ダダイスム、そして一時期シュルレアリスムの画家。

ピカソと同じく時期により作品のスタイルが目まぐるしく変わったことで知られる。

この作品はフォーヴ・キュビズム・オルフィスムの時代の作品。

大の車好きで、生涯に170台の車を購入したのだそうだ。

パウル・クレー、「守護者のまなざし」（1926年） インク、水彩。

ガラスが入っているので、ちぃさんと私が写っていて絵が見えにくい。

幼い子供を抱いた母親の図像。

観る人によって色々なイメージが膨らむ作品だ。

パウル・クレー、「負け試合」（1928年）。

この絵は一度描いた絵の左半分を切り取って単独の作品としたもの。

右半分には犬の彫像が描かれていた。

描いた絵を切断してばらばらの作品にしたり、切断したものを組み合わせて再構築したりするのがクレーの特徴なのだそうだ。

パウル・クレー、「守護者」（1932年） 水彩。

1936-37年にニューヨーク近代美術館で開催され、アメリカにおけるシュルレアリスム受容の大きな契機となった展覧会、「幻想美術、ダダ、シュルレアリスム」の出品作品。

クレーの絵は20点が展示され、重要な地位を占めていた。

パブロ・ピカソ、「少女に導かれる盲目のミノタウロスⅡ（「ヴォラールのための連作」より）」（1934年） エッチング。

アテナイの王子テーセウスによって殺されたはずのミノタウロスが盲目となって生き残っていて少女に導かれるというこの絵の背景は実に興味深い。

でも話は長くなるので、ここでは省略。

ジョアン・ミロ、「夜の女と鳥」（1944年）。

とても馴染みのある絵だ。

「アーティゾン美術館」にはミロの絵や版画が21点収蔵されている。

ジョルジョ・デ・キリコ、「吟遊詩人」（1948年）。

イタリア人の画家で形而上絵画の旗手。

後のシュルレアリスムに大きな影響を与えた。

彼の謎に満ちた不思議な絵画は一度見ると忘れない。

座右の銘は、「謎以外の何を愛せよう」というニーチェの言葉。

パウル・クレー、「島」（1932年）。

点、線、面、そして色彩という基本的要素を使って造形の無限の可能性を追求する作品なのだそうだ。

音楽を表現したとも言われているが、シチリア島を訪問した後に描かれており、標題どおり島を描いているのかもしれない。

ジャン・アルプ、「夢ともくろみ」（1952年） 木版。

アルザス出身の彫刻家・画家で、ダダイスム、シュルレアリスム活動を通じ、クレーとも親交があった。

これで第3章は終了。

第4章へと続きます。

Transformation 越境から生まれるアート、アーティゾン美術館、京橋 ２

京橋の「アーティゾン美術館」でちぃさんと過ごす楽しい午後の続き。

観ている企画展は、”Transformation 越境から生まれるアート”。

第2章は、”西欧を経験する－藤島武二、藤田嗣治、小杉未醒”。

明治期以降、日本では西欧由来の油彩技法の受容が進み、彼の地を自ら踏み、息づく伝統に直に触れる経験は、画家たちの創作をめぐる意識に様々な方向性をもたらすこととなった。

洋画家の「西洋経験とその後」を、藤島武二を中心に三人の画家の絵画創作で追う企画。

藤島武二：1867-1943

藤田嗣治：1886-1968

小杉未醒：1881-1964

藤島武二、「ヴェルサイユ風景」（1906-07年）。

1905年12月から1907年12月までパリの国立美術学校で学んでいる。

その後ローマに移るが、盗難に遭い多くの絵を失っているため、パリ時代の絵で現在に伝わるものは数少ない。

藤島武二、「ネミ湖」（1908年）。

近くで見ると大胆で粗い筆遣いなのだが、一歩離れると、水面に映る夕陽が美しい繊細な景色が現れる。

これも藤島が追及したサンブリシテ、単純化の作品。

藤島武二、「糸杉（ヴィラ・ファルコニエリ）」（1908-09年）。

画面を二分する大きな糸杉と、水面に映る糸杉。

不思議な画面構成だ。

藤島武二、「黒扇」（1908-09年）。

代表先のひとつ。

ローマ滞在時代に描かれた作品で、白いベールの質感に技量の高さを感じさせる。

藤島武二、「縮図帖（Study Notes）」（制作年不詳）。

藤島がヨーロッパの絵画、壁画、彫刻をスケッチし、熱心に学んでいたことがよくわかる。

1冊はルネッサンス期イタリアの美術が中心で、ミケランジェロ、ラファエロ、ヴェロネーゼ、そしてレンブラントの作品の模写もある。

もう1冊はピュヴィス・ド・シャヴァンヌの作品の模写。

ヨーロッパで実物を観て模写したのかと思ったが、どうやら渡航前に画集等から模写したものが中心とのこと。

藤田嗣治、「巴里風景」（1918年）。

第一次世界大戦開戦の約一年前、1913年8月にパリに渡っている。

大戦中に約一年間ロンドンに避難したことを除けばパリで創作活動を続け、この絵はモンパルナス駅から東にほど近いエドガー・キネ広場を描いたもの。

藤田嗣治、「自画像」（1927年） エッチング。

おかっぱ頭、黒い丸ぶち眼鏡、両耳の金のピアスは藤田のトレードマーク。

藤田嗣治と言えば、猫。

この自画像にもちゃんと猫が描かれている。

藤田嗣治、「横たわる女と猫」（1932年）。

ここにも猫が。

1920年頃、日本画の肌の表現に着想を得て、油彩での独自の乳白色の肌の表現を生み出した。

これが藤田の名を世に知らしめた、”乳白色の画肌”の代表作の一つ。

藤田嗣治、「猫のいる静物」（1939-40年）。

1939年の再渡仏のあと、第二次世界大戦開戦により1940年に帰国するまでの短い間に描かれた作品。

ここにも猫。

小林未醒、「山幸彦」（1917年）。

1913年2月にパリに渡ったが、同年11月には帰国している。

西洋の文化に根付いた油彩画に違和感を覚えたのが理由で、帰国後は油彩画でありながら日本や中国的な主題の絵を描いている。

藤島武二、「東洋振り」（1924年）。

西洋の油彩画の技法を用いながら、題材は中国服を着た東洋の女性。

この試みは藤島のこの言葉に要約されている。

藤島武二、「淡路島遠望」（1929年）。

主に人物画を描いていた藤島武二が風景画を描くようになったのは1928年から。

この絵は画面構成上、敢えて実景を変えているそうで、本人はこう語っている。

「舞子あたりの風景で、遠景に淡路島が見えて、帆船を配しておいた。近景に赤い屋根の家など三軒を書いた。事実あんな別荘風の建築があったが、実際はよほど旧式な西洋館である。画面構成にいけないと思へば勝手に実景を冒涜してゐる。画因は、からっと晴れた瀬戸内海の風光明媚な処を書いて見たかった」。

藤島武二、「屋島よりの遠望」（1932年）。

この絵においても中心をなす海面に意識を集中させるため、周辺の景色をぼかして描かれている。

藤島武二、「東海旭光」（1932年）。

藤島は1928年に昭和天皇の即位を祝って絵画制作を依頼され、題材を”日の出”と定め、1937年に「旭日照六合」（三の丸尚蔵館）の絵を完成させた。

完成までの約10年間、藤島は世界各地を回り、”日の出”の絵を多数描いている。

「東海旭光」はそんな”日の出”の中の代表作の一枚。

藤島武二、「蒙古の日の出」（1937年）。

この作品も”日の出”の一枚。

「アーティゾン美術館」には藤島の作品が64点収蔵されている。

第二章も素晴らしかった。

ちぃさんと過ごす「アーティゾン美術館」での午後は続きます。

Transformation 越境から生まれるアート、アーティゾン美術館、京橋

絵画鑑賞後のディナーと順番が逆転したが、京橋の「アーティゾン美術館」でちぃさんと過ごす楽しい午後の続き。

6階の企画展、”写真と絵画-セザンヌより 柴田敏雄と鈴木理策”を鑑賞した後は、5階で開催されている企画展、”Transformation 越境から生まれるアート”を鑑賞。

19世紀半ば以降に加速する美術を取り巻く世界の国際化と、それが芸術家たちの創作に及ぼした影響をテーマとした企画展。

この企画展は四つの章で構成されている。

第1章は、”歴史に学ぶ－ピエール＝オーギュスト・ルノワール”。

ヨーロッパ諸国の過去の美術についての研究が発展する19世紀のフランス。

「画家は美術館で学ばねばならない」として、ルーブル美術館のみならず諸国の美術館を訪問し、先人の残した芸術との対話を重ね、自らの理想とする絵画の追及に晩年まで取り組んだルノワールの創作が取り上げられている。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール：1841-1919

エドゥアール・マネ、「メリー・ローラン」（1882年）。

ルノワールと同時代の画家の作品も何点か展示されている。

マネは最晩年になると病気のため大作を描くことができなくなり、親しい女性たちの肖像画を描くようになった。

その中でもお気に入りはメリー・ローランで、彼女の絵を何枚も描いている。

アンリ・ファンタン＝ラトゥール、「静物（花、果実、ワイングラスとティーカップ）」（1865年）。

果物はレモンとザクロ。

ザクロのルビー色の実が活き活きと描かれている。

エドガー・ドガ、「レオポール・ルヴェールの肖像」（1874年頃）。

ルヴェールは、ドガの友人の印象派の画家。

頭部は極めて精緻に描かれ、一方で洋服や背景は素早く大胆な筆遣いで描かれ、印象派の特徴が出ている。

ベルト・モリゾ、「バルコニーの女と子ども」（1872年）。

柔らかな印象がとても心地よい。

モリゾは印象派の数少ない女性画家の一人。

メアリー・カサット、「日光浴（浴後）」（1901年）。

この絵も好きだ。

カサットはアメリカ出身の印象派の女性画家。

この絵を見ると、日本の浮世絵の影響が感じられる。

クロード・モネ、「アルジャントゥイユ」（1874年）。

アルジャントゥイユは、モネが住んでいたパリの北西の街。

印象派の風景画家のモネはアルジャントゥイユを流れるセーヌ川の景色を繰り返し描いている。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール、「ルーベンス昨”神々の会議”の模写」（1861年）。

ここからはルノワール。

1861年はルノワールが本格的に絵画を学び始めた年。

国立西洋美術館所蔵。

この作品は梅原龍三郎から国立西洋美術館に寄贈されたもの。

ルノワールが尊敬の念を抱いて読んでいた、チェンニーノ・チェンニーニ（1360年頃-1440年頃）の絵画技法書、「芸術の書 絵画技法論」が展示されている。

チェンニーノ・チェンニーニ、「芸術の書 絵画技法論」（1923年刊）。

これはルノワールが序文を寄せた再刊版の重版だと思われる。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール、「すわるジョルジェット・シャルパンティエ嬢」（1876年）。

ルノワールの少女像は本当に可愛い。

パトロンの出版業者、ジョルジュ・シャルパンティエから最初に依頼された家族の肖像画で、モデルは長女のジョルジョット（当時4歳）。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール「少女」（1887年）。

ブルーの瞳と、ドレス、背景のブルーが調和して美しい。

イタリア・ルネッサンスや新古典主義の影響を受けていた”硬い時代”の作品。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール、「浴後の女」（1896年）。

東京富士美術館所蔵。

1890年代から盛んに描き始めた室内風俗画の代表作の一つ。

この頃は、脱がれた服、シーツ、クッションなどのファブリックの質感が丁寧に描かれている。

実に豊かな体型をしている。

19世紀末はこのような体型が一般的だったのだろうか、それともルノワールの好みだったのだろうか。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール、「モーリス・ドニ夫人」（1904年）。

諸橋近代美術館所蔵。

モーリス・ドニは画家兼美術評論家で、ドニの希望で妻マルトの肖像画が描かれた。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール、「カーニュのテラス」（1905年）。

ルノワールはリウマチを患い、温暖な南仏で過ごすようになり、ニースの西、カーニュ＝シュル＝メールに1903年に拠点を移している。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール、「葉と果実の飾りのある若い裸婦」（1905年頃）。

アサヒビール大山崎山荘美術館の所蔵で、撮影禁止。

写真はアメブロ記事からお借りしました。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール、「水浴の女」（1907年頃）。

先の「浴後の女」とは明らかに画風が変化している。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール、「裸婦」（1908年）。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール、「パリスの審判」（1913-14年頃）。

ひろしま美術館所蔵。

残念ながら6月中旬からの展示（私がアーティゾン美術館を訪れたのは5月の連休）。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール、「すわる水浴の女」（1914年）。

晩年になると、水浴する女性をテーマにした絵が数多く描かれている。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール、「花のついた帽子の女」（1917年）。

ルノワール最晩年の作品。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール、「闘牛士姿のアンブロワーズ・ヴォラール」（1917年）。

日本テレビの所蔵で、撮影禁止。

写真はエキサイトブログからお借りしました。

ヴォラールはパリの有名な画商で、ルノワールと24年間の長い交友を保った人物。

この作品はルノワールの最後の肖像画と言われている。

最後はソファーに腰掛け、「アーティゾン美術館」制作の”ルノワール、過去の美術への旅”を観て第一章を終了。

第一章は石橋財団以外の所蔵作品6点も加えられ、素晴らしいルノワールの展示だった。

「アーティゾン美術館」の企画展、”Transformation 越境から生まれるアート”の鑑賞記は続きます。

アーティゾン美術館で絵画鑑賞のあとは、日本酒でディナー、酢重正之 楽、丸の内 ２

「新丸ビル」の『酢重正之 楽』で、ちぃさんと過ごす楽しい夜の続き。

二杯目の酒は、長野県佐久市の佐久の花酒造が醸す、佐久乃花 純米吟醸 無濾過生酒 spec d。

使用米は長野県産ひとごこちで精米歩合は59%。

使用酵母は、長野D酵母（spec d）。

アルコール度数は17%と高め。

佐久乃花でちぃさんと乾杯。

カプロン酸エチル系の爽やかなリンゴの香りを持つ美味い酒だ。

レンコンの肉味噌がけ。

この料理も日本酒との相性が素晴らしい。

稲荷ずしが大好きな私は、黒酢いなりを注文。

米に黒酢の色が付いている。

これは美味い。

酢重風鶏唐揚げ。

酔わないように、お腹にたまる揚げ物も注文。

三杯目の酒は、長野県佐久市の伴野酒造が醸す、澤の花 超辛口 純米吟醸 ささら。

またまた乾杯。

使用米は長野県産ひとごこち、精米歩合は60%。

日本酒度は+12。

季節の天麩羅盛り合わせ。

茄子、椎茸、ぜんまい、あとは何が入っていたか忘れてしまった。

やはり天麩羅は揚げたてをお店で食べるのが美味い。

四杯目の酒は、信州地酒頒布会でのみ購入することが出来る、”シークレット”の酒を選ぶ。

長野県小諸市の大塚酒造が醸す、浅間嶽 シークレット。

長野県駒ケ根市の長正社が醸す、信濃鶴 シークレット。

頒布会専用の酒なので、情報が無く詳細は不明。

バックラベルによると、浅間嶽は長野県産山恵錦で醸されている。

浅間嶽はちぃさんに。

信濃鶴は私に。

またまた乾杯。

〆は、田舎太打ちそばの、もりそば。

太い麺の上に、たっぷりの白ゴマと刻み海苔。

麺は太くてコシが強い。

漬け汁に麵を浸して食べるのではなく、最初から丼の中に麺つゆが入っている。

美味しく完食。

ちぃさんはお腹がいっぱいで食べ切れないとのことなので、残り半分をいただく。

残った出汁に蕎麦湯を入れ、スープも完飲。

「アーティゾン・カフェ」でイタリアンとワインのランチを楽しみ、『アーティゾン美術館』で三つの企画展を鑑賞し、「新丸ビル」の『酢重正之 楽』で蕎麦と日本酒を堪能した、楽しい一日でした。

アーティゾン美術館で絵画鑑賞のあとは、日本酒でディナー、酢重正之 楽、丸の内

「アーティゾン美術館」での企画展鑑賞記はまだまだ続きますが、ひとまずお休み。

絵画鑑賞をたっぷり楽しんだ後は、日本酒を飲めるお店で軽く食事をして帰ることにする。

ランチの後、三時間近く絵画を鑑賞し、脚がかなり疲れてしまった。

振り向くと、「ミュージアムタワー京橋」が空に聳え立つ。

中央通りから八重洲通りに入る。

青空には薄い雲。

八重洲通りにはこんな面白い場所ができている。

ここは、『Beeat八重洲』。

2022年7月中旬までの期間限定の野外フードコート。

コンセプトは、”食の未来につながるものがたりの発信”。

東京駅の八重洲側まで来た。

丸の内側に続き、八重洲側も再開発が急速に進んでいる。

一番注目しているのは、この高層ビル。

この中に「東京ミッドタウン八重洲」が入居するので、開業が楽しみだ。

（9月17日にB1の商業スペースが部分開業。全館開業は、2023年3月。）

向かったお店は、「新丸ビル」の地下にある、『酢重正之 楽』。

狭いお店なので席があるかどうか不安だったが、右手前の２席が丁度空いたところだった。

右奥に厨房があり、真ん中のサービスエリアを挟んで左右にカウンター席が並ぶ。

入口上部の壁には、今夜のお薦め料理と日本酒のメニュー。

まずは生ビールで乾杯。

泡がきめ細かく美味い。

長時間の絵画展鑑賞のあとなので、冷えた生ビールが五臓六腑に染み渡る。

真アジと野菜の南蛮漬け。

二人に取り分ける。

稚アジが使われているので、骨まで柔らかい。

疲れた時は酢の物を食べたくなるものだ。

揚げ出し豆腐。

豆腐がきめ細かく濃厚で美味い。

私は生ビールの次は、日本酒。

長野県木曽郡木曽町の中善酒造店が醸す、中乗さん 特別純米。

ここの日本酒は全て長野県産。

米は長野県産ひとごこちを用い、精米歩合は59%。

ちぃさんは、この店のオリジナル・ハイボールの、蕎麦茶ハイボール。

ウイスキーはサントリー・オールドが使われている。

ハイボールと日本酒で乾杯。

料理が美味しいので酒も進む。

ちぃさんと過ごす、丸の内の楽しい夜は続きます。

ウォーキングと晩春の花、そして今夜のお家ワイン、エスト、シャルドネ、レゼルヴァ、チリ

5月初旬のウォーキング。

空に現れた巨大なパックマン。

そう言えば、パックマンは2022年5月22日が42回目のお誕生日。

パックマンも結構なオジサンになっていた。

この時期、目を楽しませてくれるのはクレマチス。

キンポウゲ科センニンソウ属（クレマチス属）の落葉性の、蔓性多年草。

北半球の世界各地に多くの原種が存在し、今では交配・改良によりさらに多くの園芸品種が生まれている。

これは、パテンス系のフラウ・ミキコ。

早咲き大輪系の人気品種。

クレマチスには、原種だけで300種もあると言われ、色々な系統に分かれ、多種多様な花を咲かせる。

開花時期も、一季咲き（春咲き、冬咲き）、四季咲き（初夏～秋咲き）があり、一年中花を楽しませてくれる。

花言葉は、”精神の美”、”旅人の喜び”、”策略”。

これは何という品種か知らないが、多花性のビセチラ系だろう。

白い花はテッセンなどのフロリダ系かと思ったが、雄蕊の色、花弁の数が異なる。

パテンス系のミセス・ジョージ・ジャックマンのようだ。

八重のクレマチスも豪華だ。

パテンス八重系のジョセフィーヌ。

パテンス八重系のマルチブルーだろうか。

見たことが無い派手な花を見付けた。

調べてみると、パテンス・ラヌギノーサ系の花炎。

まさに炎のような花だ。

淡い紫の花がふわふわで素敵だ。

パテンス八重系のベル・オブ・ワーキング。

濃いピンクの可愛い花は、テキセンシス系のプリンセス・ダイアナ。

多花性で生育旺盛なので、とても人気がある。

梅雨が驚きの早さで明け毎日猛暑が続いても、ポーチュラカは花言葉通り”何時も元気”。

この日は43輪の花が咲いた。

一日花なのだが、この小さな鉢で毎日30～40輪の花が咲くのは素晴らしいとしか言いようがない。

ベビーサンローズも花数が増えてきた。

この日は20輪余りが開花。

この花は数日間開花する。

今も賑やかなベランダガーデニングです。

一方で、ベランダ菜園は被害甚大。

高温障害でイタリアンパセリは葉が茶色くなってしまい、鷹の爪は実が熟す前に干からびてしまっている。

ミニトマトは週に１～２回収穫しているが、今日は60個。

でも喜んではいられない。

高温障害で花が全て落ちてしまったので、現在生っている実を収穫し終えると、あとはもう無いのだ。

野菜の無人販売所に行くと、農家のおじさんが居て立ち話。

高温日照りで茄子が茶色く傷だらけになり、売り物にならないとのこと。

傷が入っていても食べるのに支障はないと言ったら、100円で6個分けてくれた。

キュウリも高温障害でほとんど収穫出来ず、穫れても徒長して曲がったものばかりとのこと。

これは三本で100円。

大きさの比較に消しゴムを乗せてみたが、かなり長くて太い。

今夜はキンキンに冷やした濃いシャルドネを飲むことにする。

選んだワインは、チリのサンタ・カロリーナが造る、エスト、シャルドネ、レゼルヴァ、2020年。

サンタ・カロリーナは1875年創業の家族経営の名門。

星のチリワインと呼ぶ所以は、ナイト・ハーベスト（夜間に収穫）したぶどうを使用しているため。

”EST”は、ラテン語の”est＝存在、ある”、またはイタリア語の”est＝東”という意味かと思ったら、スペイン語の”estrella＝星”から取った名前だった。

アルコール度数は13.5%としっかり目。

色合いは濃い黄金色。

完熟したパイナップルやトロピカルフルーツの香り。

口に含むと、濃厚な果実味。

酸とミネラルは少なく、後味には軽い苦み。

辛口ではあるが、温度が高くなると果実の甘みが強くなるので、よく冷やして飲む方が美味い。

このワインはサクラアワード2019年で金賞を受賞している。

チリの濃厚なシャルドネを楽しんだ、今夜のお家ワインでした。

写真と絵画－セザンヌより 柴田敏雄と鈴木理策、アーティゾン美術館、京橋 ４

京橋の「アーティゾン美術館」でちぃさんと過ごす、企画展鑑賞の楽しい午後の続き。

この企画展の最後、セクションⅥでは二人の写真家と雪舟の水墨画のコラボ。

このセクションだけは4階で展示されている。

照明を落とし、ほとんど真っ暗な展示室の中に、三人の作品が並ぶ。

柴田敏雄、「グランドクーリーダム、ダグラス郡（ワシントン州）」（1996年）。

シカゴ現代美術館の依頼によって制作された作品。

グランドクーリーダムは、ワシントン州のコロンビア川に建設されたアメリカ最大のダム。

鈴木理策、「White 07, H-17 &　H-18」（2007年）。

柴田敏雄の作品は黒が支配し、鈴木理策の作品は白の世界。

黒い人造物と白い自然の対比が面白い。

雪舟の掛け軸が四幅。

雪舟の絵の実物を間近で見ることが出来る機会は滅多にないので、時間をかけて鑑賞する。

雪舟、「四季山水図（春幅）」（室町時代 15世紀）。

雪舟等楊（1420-1506）は室町時代の禅僧の画家。

雪舟、「四季山水図（夏幅）」（室町時代 15世紀）。

当時の日本の水墨画は精緻で整った様式だったが、そこに雪舟は豪胆な筆使いで独自の空間表現という革新をもたらした。

雪舟、「四季山水図（秋幅）」（室町時代 15世紀）。

雪舟、「四季山水図（冬幅）」（室町時代 15世紀）。

久し振りに見る雪舟の水墨画はその前に立つだけで心が穏やかになる。

墨だけで四季を表現するにはどれだけの技量が求められるのだろうか。

長々と記したが、”写真と絵画－セザンヌより 柴田敏雄と鈴木理策”の鑑賞記はこれで終了。

ところで、「アーティゾン美術館」の4階～6階には、常設のオブジェクトも置かれている。

これは、6階の展示品。

田中信太郎、「ソノトキ音楽ガキコエハジメタ」（1986年）。

スイスホワイト光壁、真鍮プレート、ビアンコ大理石彫刻、ブビンガ木彫刻。

5階には、二つの作品。

エジプト・テーベ（ルクソール）、「セクメト神立像」（新王国時代第18王朝、アメンヘテブ3治世 1390-1352B.C.）

花崗閃緑岩あるいは花崗岩。

アリスティド・マイヨール（1861-1944）、「欲望」（1905-08年）。

ブロンズ。

5階の踊り場から3階の受付階を見下ろす。

ここで椅子に腰かけひと休み。

4階にも二つの作品。

クリスチャン・ダニエル・ラウホ（1777-1857）、「勝利の女神」。

大理石。

衣装の柔らかな質感まで感じられる素晴らしい彫刻だ。

清水多嘉示（1897-1981）、「石橋正二郎氏之像」（1970年）。

石橋正二郎氏はブリヂストンの創業者であり、石橋財団の創設者。

鑑賞を終え、4階から3階に下る前に見送ってくれるのは、デジタルコレクションウォール。

画面は右から左に流れ、知っている作品、今観てきた作品が次々と現れるので、しばらく立ち止まり見入ってしまう。

京橋の「アーティゾン美術館」でちぃさんと過ごす楽しい美術の旅は続きます。

写真と絵画－セザンヌより 柴田敏雄と鈴木理策、アーティゾン美術館、京橋 ３

京橋の「アーティゾン美術館」で、ちぃさんと鑑賞する企画展の続き。

6階で開催されているのは、”写真と絵画－セザンヌより 柴田敏雄と鈴木理策”。

セクションⅣは、再び柴田敏雄の作品。

ここで柴田が自分の作品とのコラボに選んだのは、カンディンスキーの絵画と円空の仏像。

柴田敏雄、「山形県米沢市」（2019年）。

柴田敏雄の作品は水の表現がとても美しく、硬いコンクリートの構造物としなやかな水のコントラストが素晴らしい。

自然と人工物の調和を奥行きのある画面に落とし込む、柴田敏雄が目指すフォルムだ。

ヴァシリー・カンディンスキー、「３本の菩提樹」（1908年）。

カンディンスキーは20世紀前半の抽象絵画の創出と発展に大きな役割を果たしたロシア出身の画家。

バイエルン州のアルプス山脈に近い場所で描かれた、カンディンスキーの作風が大きく変化した頃の作品。

強い構築性を持つ構図と溢れるばかりの固有色の組み合わせが一体となって不思議な調和を生み出している。

円空、「仏像」（江戸時代 17世紀）。

柴田敏雄は自分の作品との対比に、円空の仏像を選んでいる。

江戸時代の修験僧であり仏師でもあった円空は日本各地を行脚し、12万体の仏像を作ることを発願したとされ、5千体以上が現存している。

二体目も、円空、「仏像」（江戸時代 17世紀）。

各地の山林の樹木をそのまま用い、装飾を一切施すなく粗いタッチで彫られた仏像には、不思議な霊力、そして自然との調和を感じることが出来る。

これも人造物と自然の調和のひとつの形なのだろう。

セクションⅤは再び鈴木理策の作品と、絵画・彫刻とのコラボ。

ここで鈴木理策は二つのテーマをあげている。

鈴木理策、「りんご 21，P-11，P-13，P-2，P-32，P-52」（2021年）。

一つ目のテーマは、”絵画を生きたものにすること”。

ここで鈴木が選んだのは、ピエール・ボナールとアルベルト・ジャコメッティ。

ピエール・ボナール、「ヴェルノン付近の風景」（1929年）。

ノルマンディー地方、ヴェルノンの自宅近くの風景を描いたもの。

奥に突き抜けた中心を明瞭に描き、周囲は抽象的に曖昧に描く構成は、ボナールが人間の眼が見ている情景をそのまま絵画に落とし込んだもの。

この思想は鈴木理策の写真に共通しているのだそうだ。

ピエール・ボナール、「桃」（1920年）。

ボナールの絵を理解するのに、そしてここで鈴木理策がボナールを選んだ理由を知るのに役立つボナール本人の言葉がある。

「絵画にまったくふさわしい公式がある。一個の大きな真実をつくり出すためのたくさんの小さな嘘」。

「要は、生きた対象を描くのではなく、絵画を生きたものにするということである」。

アルベルト・ジャコメッティ、「歩く人」。

このテーマで取り上げられているもう一人の作家は、アルベルト・ジャコメッティ。

アルベルト・ジャコメッティ、「矢内原」（1958年）。

矢内原伊作は実存主義哲学の研究者。

フランス国立科学研究センターの研究員としてパリに滞在していた時にジャコメッティと出会い、モデルを務めた。

その後もジャコメッティは日本に帰国した矢内原を四回もモデルとしてパリに招聘しているほど、矢内原を描くことに拘った。

凡人の私から見ればこの絵を描くのにわざわざ日本からモデルを呼ぶことは無いと思うのだが、描き、造ることにより、その存在の本質を追求するジャコメッティにとって、実存主義哲学の研究者である矢内原は欠くことのできない存在だったのだろう。

アルベルト・ジャコメッティ、「ディエゴの胸像」（1954-55年）。

ジャコメッティの”見えるものを見えるとおりにかたちづくり、描くことで、つくられたものの本質に迫ることを追求する”制作態度に、鈴木理策は自分との共通点を見出している。

二つ目のテーマは、”交わらない視線”。

左右に並ぶ多くの顔写真の奥には、一枚の肖像画。

ここで鈴木が選んだのは、マネ、岸田劉生、アングル、古賀春江、ビゴー、ヴュイヤール。

左右に並ぶ顔写真は、鏡に映る自分を見つめる人を、ハーフミラー越しに撮影した作品群。

自分を見つめる肖像写真と、自分が見た自分を描いた肖像画の共通点を追及している。

突き当りの肖像画は、エドゥアール・マネ、「自画像」（1878-79年）。

マネは肖像画の名手でもあったが、自画像は二点しか描いていない。

この絵で面白いのは、鏡を見て描いたため、左右反転していること。

上着が右前になっているし、身体を支えている脚が不自由だった左足になっている。

本人はこの左右反転に気が付いていたのだろうか。

この絵は私的に描いたもので、親しい人にしか見せなかったのだそうだ。

岸田劉生、「麗子坐像」（1920年）。

劉生は妻の蓁や娘の麗子をモデルにした絵を繰り返し描いている。

それだけ家族への愛情が強かったのかと思っていたが、どうやら絵に異常なまでの拘りを持ち癇癪持ちでもあったことから、モデルのなり手が居なくなったためのようだ。

岸田劉生、「画家の妻」（1914年）。

劉生の妻、蓁（しげる）が24歳の時の絵。

和風の顔立ちの若い蓁が、随分ごつごつした年長の女性に描かれている。

エジプト（ファイユーム）、「ミイラの顔面覆い肖像画」（1世紀-2世紀）。

この顔立ちは近年に描かれたものだと思って観ていたら、1～2世紀の作品とは驚きだ。

岡田三郎助、「婦人像」（1907年）。

これは誰でも一度は見たことがある絵。

1907年の東京勧業博覧会で一等賞となった作品で、三越呉服店の経営陣の一人、高橋義雄に依頼され、その妻、千代子を描いたもの。

三越呉服店のポスターや切手の原画として使われたので有名。

ジャン=オーギュスト=ドミニク・アングル、「若い女の頭部」。

頭部一点に意識が集中する、美しい絵だ。

この絵は描かれた年がわからないようだ。

古賀春江、「自画像」（1916年）。

日本で最初のシュールレアリスムの画家の一人。

詩歌にも通じ、その言葉は美しい。

「水彩は長編小説ではなく詩歌だ。その心算（つもり）でみて欲しい。水彩はその稟性（ひんせい）により、自由にして柔らかに而（しこう）して淋しいセンチメンタルな情調の象徴詩だ。そのつもりで見て欲しい」。

ジョルジュ・ビゴー、「日本の女」。

ビゴーと言えば風刺漫画家として有名。

「魚釣り遊び」（1887年）

この絵を見たことがある人は多いはず。

魚（朝鮮）を狙う日本と中国、それを横取りしようとするロシアが描かれている。

ビゴーは、1882年（明治15年）に来日し、1899年（明治32年）にフランスに帰国。

この間、1894年（明治27年）に34歳で、17歳年少の日本人女性、佐野マスと結婚しているが、離日時に離婚し、フランスで再婚している。

エドゥアール・ヴュイヤール、「鏡の前」（1924年頃）。

ヴュイヤールは私には馴染みのない画家。

モーリス・ドニ、ピエール・ボナールなどと共にナビ派の一人。

穏やかな作風が、観ていて心地よい。

京橋の「アーティゾン美術館」での楽しい企画展鑑賞は続きます。

ところで、今日最高に楽しい記事を見付けました。

この動画、観る人を明るく楽しくさせてくれますよ！

『日印（日米）融合　』

写真と絵画－セザンヌより 柴田敏雄と鈴木理策、アーティゾン美術館、京橋 ２

京橋の「アーティゾン美術館」で、ちぃさんと鑑賞する企画展の続き。

6階で開催されているのは、”写真と絵画－セザンヌより 柴田敏雄と鈴木理策”。

セクションⅢは二人の写真家の作品とセザンヌのコラボ。

ポール・セザンヌ：1839-1906

この展覧会は、写真を作品創造のメディアとして選んだ二人の作家が、セザンヌの絵画作品を起点に、現代の写真と絵画の関係を問う試み。

二人とも高校時代に出会ったセザンヌの作品、「赤いチョッキの少年」が制作者への道を歩み始めるきっかけだったのだそうだ。

セクションⅢは小振りな部屋での展示。

まず展示されているのは、ポール・セザンヌの写真。

ウジェーヌ・ピルー、「ポール・セザンヌ」（1900年頃）。

続いて、撮影者不詳、「ポール・セザンヌ」（撮影年不明）。

どちらも写真がとても小さいので、拡大してみた。

顔の詳細まではわからないが、何となく雰囲気は感じることができる。

”普通は対象とならないものに画面を構成する上で必要なフォルムを見出す”、”それ自体を説明するのではなく、その存在によってタブローと言える力を持つ作品となることを目指す”、なるほど、それが柴田敏雄のコンセプトなのか。

柴田敏雄、「高知県土佐郡大川村」（2007年）。

東京都写真美術館蔵。

絵画と人造構造物が合体したような不思議な存在感。

ポール・セザンヌ、「帽子をかぶった自画像」（1890-94年頃）。

モデルを使うことを不得手としていたセザンヌは、30点余りの自画像を描いている。

抽象化、省略された画面の中に、セザンヌの強固な意志が現れている。

ポール・セザンヌ、「鉢と牛乳入れ」（1873-77年頃）。

初期の作品。

身の回りの物を色々並び変えて書くことが出来る静物画を、セザンヌは絵画表現の実験の場として捉えていた。

現実の形状とは思えない器が、却って画面に安定感をもたらしていることが不思議だ。

ポール・セザンヌ、「サント＝ヴィクトワール山とシャトー・ノワール」（1904-06年頃）。

生まれ故郷のエクス・アン・プロヴァンスに聳え立つ石灰岩の山、サント＝ヴィクトワール山の連作の一枚。

目に見える一瞬のきらめきを絵画にする印象主義の絵を超え、より強固で堅牢な質感を持つ絵を追い求めた作品。

この革新的絵画が後のキュビスム、フォービスムに与えた影響は大きい。

色々な参考資料も展示されている。

ジョアシャン・ガスケ、「セザンヌ」（1921年）。

資料展示されている、セザンヌの習作の小品。

「水浴」（1865-70年頃）。

「水浴群像」（1897-1900年頃）。

「三人の水浴の女たち」（1874-78年頃）。

「休息する水浴の男たち」（1875-77年頃）。

京橋の「アーティゾン美術館」での楽しい絵画鑑賞は続きます。

写真と絵画－セザンヌより 柴田敏雄と鈴木理策、アーティゾン美術館、京橋

「アーティゾン美術館」の『ミュージアムカフェ』で、ちぃさんとイタリアン・ランチとワインを楽しんだ後は、美術館で開催されている企画展を鑑賞。

ここでは一部作品を除き、ほとんどの作品を撮影することが出来る（ただしフラッシュ撮影、動画は禁止）。

3階で入館手続きを終えると、最上階、6階の展示室に進む。

ここで開催されているのは、”写真と絵画－セザンヌより 柴田敏雄と鈴木理策”。

写真家の柴田敏雄と鈴木理策の作品と、石橋財団所有の絵画とのコラボ展。

展示は5つのセクションに分かれ、合わせて285点の作品が展示されている。

セクションⅠは柴田敏雄。

館内が薄暗いので、説明パネルの写真がボケてしまった。

パンフレットの表紙にも使われている柴田敏雄の代表作、「山形県尾花沢市」（2018年）。

ダムの水路を流れ落ちる水が美しい造形として捉えられている。

この展示では、ダムやコンクリート擁壁などの写真に、柴田敏雄が選んだ藤島武二やマティス、モンドリアンの絵画が合わされている。

藤島武二、「日の出」。

藤島武二は”日の出”を題材とした絵を数多く描いている。

彼が絵画制作の大切な肝としていつも語っていたのは、”サンブリシテ”＝単純化。

日の出は単純化された究極の題材だったのだろう。

藤島武二、「青富士」（1941年）。

これも”サンブリシテ”の一つの形。

柴田敏雄の写真に関する評論は、凡庸な私には理解を超えている。

そして、アンリ・マティス、「コリウール」（1905年）。

マティスは1905年に南フランスの漁村、コリウールに滞在し、それまでの点描画から色彩を大胆に描く画風に変化させた。

まさにフォーヴィスム（野獣派）の誕生だ。

ピート・モンドリアン、「砂丘」（1909年）。

極限まで抽象化された新造形主義。

色彩の点を重ねただけなのだが、砂丘に見える。

セクションⅡは鈴木理策。

自然を題材とした写真に、鈴木理策が選んだモネ、クールベがよく合っている。

鈴木理策、「水鏡」（2014年）。

合わせる絵は、クロード・モネの「睡蓮の池」（1907年）。

ブリヂストン美術館の時から、モネの「睡蓮」を観に何度も来たものだ。

鈴木理策、「ジヴェルニー」（2016年）。

ジヴェルニーの池は、まさにモネの睡蓮の池。

鈴木理策は水面には三つの層があり、それは水面に写り込むイメージ、水面そのもののイメージ、そして水底のイメージの層なのだと言っている。

クロード・モネ、「睡蓮」（1903年）。

モネの睡蓮の絵は、その三つの層を絵画で表現しているのだろう。

鈴木理策、「海と山のあいだ」（2008年）。

合わせる絵は、クロード・モネの「雨のベリール」（1886年）。

ベリールはブルターニュ半島の南にある小さな島。

モネはベリールの絵を40点ほど描いている。

続いて、ギュスターヴ・クールベ、「石切り場の雪景色」（1870年頃）。

好きな絵だ。

クールベはレアリスム（写実主義）の画家、民衆や労働者の生活を題材とした物語画（歴史画）を多く描いている。

さらに、ギュスター・クールベ、「雪の中を駆ける鹿」（1856-57頃）。

クールベの狩猟画は人気があり、特に彼が好んだ題材は鹿。

セクションⅢは二人の写真家の作品とセザンヌの共演。

長くなったので、この続きはまた明日。