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03May
- 異端の奇才 ― ビアズリー展　　三菱一号館美術館
  異端の奇才 ― ビアズリー展三菱一号館美術館２０２５年３月２９日（日）今まで観たビアズリー展の中では今回が一番でした。撮影ゾーンも広く、内容もわかりやすく、三菱一号館という建築とのマッチングも良かったです。オーブリー・ビアズリー（１８７２～１８９８）は夭折の天才画家です。なぜ天才と呼べるか？理由は３つ。若くして成功した。独学で絵を学んだ。ペンと紙で世界を制した。1. 若くして成功した。ビアズリーは１８７２年、イギリスのブライトンで生まれました。オスカー・ワイルドの戯曲『サロメ』（1894）の挿絵で世に出ます。この時、２２歳。しかし、オスカー・ワイルドの男色に端を発した裁判により、ビアズリーも同性愛を疑われ、干されることとなります。こんなトラブルがありながら亡くなる２５歳までの４年、この短い活動期間で世界的に名を残しました。偉業と言っていいです。2. 独学で絵を学んだ。ビアズリーの家庭は貧乏で母親が働いて生活費を稼いでいました。そのためビアズリーも早くしてお金を稼がねばならず１０代で昼間は事務職、夜に自宅にこもって絵の勉強という生活を強いられます。当然美術学校へは通うこともありませんでした。天分はあったのでしょう。小さい頃、ケイト・グリーナウェイを真似た絵を描き、お金をもらったというエピソードも残っています。当時流行したジャポニズムやジェームス・マクニール・ホイッスラーの「孔雀の間」にインスピレーションを得たと言われています。3. ペンと紙で世界を制した。　ビアズリーの作品は、主にモノクロです。経済的に苦しいと画材も買えませんし、紙にペンで描いた絵を出版社に使ってもらうのが、名もなき青年にとり現金を得る手っ取り早い方法でした。イギリスの画家で東京で個展を開催して人を集めることができるのは、風景画の巨匠ターナーを除けば、ビアズリーぐらいしか思い浮かびません。しかもＡ４サイズほどのペン画ですから、天才としか言いようがない。では、ここからは作品を見ていきましょう。初期の作品「アーサー王の死」。この頃すでに画力の高さは圧倒的で程なく「サロメ」の挿絵を描くチャンスを得ます。「サロメ」「サロメ」は新約聖書に基づく戯曲です。当時のイギリスではセンシティブな内容だったため、作者のオスカー・ワイルドはフランス語で執筆しパリで出版。大女優サラ・ベルナールが主演で舞台になっています。アルフォンス・ミュシャのポスターも印象的ですが話がそれるのでここまで。あらすじを超シンプルに述べると、サロメという女が自分に振り向かない愛する男と接吻するために、王に頼んで男の首をはねてもらい望みを果たす。という内容。（超シンプル！)大胆な省略、白地（余白）と黒ベタの生む強烈なコントラスト。一度見たら決して忘れることはできないでしょう。この衝撃的な物語に相応しい絵に見えますが、原作者のオスカー・ワイルドは全く気に入らなかったそうです。「イエロー・ブック」ビアズリーが構想段階から関わった文芸雑誌。作家が出版業者の都合に振り回されないような雑誌を目指して創刊されました。ビアズリーは表紙、中面にも挿絵を描いていました。上の絵は顔に下から光が当たって光っている感じがあります。ただの黒白の塗り分けではなく、光の表現を意図し始めている。さらなる表現の挑戦を目指し始めたところが、ワイルドの裁判沙汰で編集から遠ざけられるようになっていきます。しかし、その才能は放っておかれることはなく新しい仕事に取り組んでいきます。「髪盗みー　英雄喜劇的な５篇の詩」「髪盗み」はイギリスの詩人、アレキサンダー・ポープの詩（というか物語）です。この挿絵で特筆すべきは普通に可愛い女性を描いていること。これは描こうと思えば描けるが、描いてこなかった。つまりビアズリーの美意識には可愛いだけの女性は表現の対象としてつまらないということでしょう。確かに「サロメ」という究極のファムファタールの象徴は妄想を掻き立てられます。「サヴォイ」モノクロではあるものの、２トーンではなく階調のある明暗表現を取り入れています。大きな余白はなりを潜めて、緻密な装飾性の高いモチーフが画面を覆うようになります。「サロメ」とは違う世界観でまだ新しい引き出しがあることを予感させます。若くして亡くなったとは本当に惜しいです。　当時イギリスで流行したアングロ・ジャパニーズ様式の家具や関連する工芸品も展示しています。ビアズリーも影響を受けたであろう品々です。その時代の雰囲気は絵だけでは感じにくいので、こういう展示は参考になります。三菱一号館美術館の所蔵品もあり、この美術館の目指す立ち位置と整合性がとれていて上手いなあと思いました。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
30Apr
- 三鷹天命反転中！！　　三鷹市美術ギャラリー
  三鷹天命反転中！！三鷹市美術ギャラリー２０２５年４月２７日（日）荒川修作というと、アート好きの私でも難解なイメージがありまして無意識に避けていたようなところがありますが、とっつきやすそうな展覧会のチラシを見て、訪れることにしました。場所は三鷹市美術ギャラリー。ＪＲ中央線三鷹駅のすぐ前にあります。市民ギャラリーにしては尖ったアーティストを取り上げる理由は、氏の作品が三鷹市にあるからです。荒川修作は１９３６年に名古屋で生まれました。武蔵野美術大学中退。1957年に読売アンデパンダン展に初出展、1960年にネオ・ダダイズム・オーガナイザー結成に参加するも脱退。詩人、美術評論家の瀧口修造の勧めでニューヨークへ。マルセル・デュシャンと交流をもちます。現代アート史を知っている方であれば、さりげなく聞いたことがある固有名詞ばかりで驚きます。その後、マドリン・ギンズをパートナーに活動するようになり「意味のメカニズム」という研究を始めます。詳しく知らない（あまり知るつもりもない）のですが、描かない絵とでも言いましょうか。私なりの理解で作品を数点取り上げます。9 THE DIAGRAM OF BOTTOMLESS No.2真っ青な地に白い線で描いた図面のような絵画。ブループリントで描いた作品です。ブループリントとは日本語で青写真、青焼きのこと。建築図面などを描く時に使うコピーの一種です。真っ青な地に白い線、或いは白い地に青い線で出力します。　絵画を描くのは油絵の具ではなくてよいのではないか。また、図面を作るように描くことができるのでは。そのような問いかけ、試行錯誤の作品です。　11 Self Portrait （自画像）細長いカンヴァスの上の方と下の方に印が描いてありあります。これは荒川修作本人の背丈をそのまま記したもの。人の姿は何も描いていません。昔、日本では子供の成長を思い出として記録するために、自宅の柱に背丈の高さに印をつけていました。あれと似たような考え方です。一見ただの印ですが間違いなく自画像です。15 料理法いわゆる料理のレシピが英語で書かれています。料理を絵画作品にするのであれば、出来上がった美味しそうな料理をシズル感たっぷりに描けばよい。それでは料理することそのものを絵にするには？料理している姿を絵にする？いいえ、この絵を観ているあなたが実際に料理すればいい。ということで、レシピを文字で書いています。荒川修作はアメリカ在住のアーティストだったため英語で作品を作っています。日本語であれば、日本人にもわかりやすいのですが。19 1個のレモンにおけるあいまいな地帯の提示これは少し絵画的で画面にいくつものレモンが描かれています。レモンには「◯◯◯なレモン」というような言葉が添えてあり、見る者は様々なレモンのイメージを思い浮かべるという趣向です。何となく方向性はわかったでしょうか。絵画とはビジュアルなイメージをもって鑑賞者の心を動かすものですが、違う方法で鑑賞者の心を動かそうとしているのです。言葉による指示書のようなものにも思えますが、荒川修作が目指すものはそこではありませんでした。そして、その表現は絵画から建築に向かいます。荒川修作＋マドリン・ギンズの建築とは、人の心を動かす装置です。建築の構造を特殊な形にすることで、そこに住む人間の日常の動作、生活に刺激を与えて新しい感覚を呼び覚まし、価値観すらひっくり返すことを意図しています。そのコンセプトを実現したのが、養老天命反転地奈義町現代美術館三鷹天命反天地 In Memory of Helen Kellerどれもまだ見たことはないです。いずれ行くつもりですので詳しくはその時に取り上げるとして、今回はこのうちのひとつ、展覧会の目玉である三鷹天命反天地　模型を取り上げましょう。これは模型、実物は三鷹市にあり、建築してから今年で２０年目。今でも賃貸で使われています。９世帯分の空間に分かれており、事務所として使用している方と、住居として使用している方がいます。ですから、実物の中を見ることはできません。建物としては、立方体、球体、円柱で構成してあり、室内の床も丸かったり、波うたせたりしています。使い勝手をあえて悪くすることで、生活する人の能力、知覚を変容し、価値観、運命までもひっくり返す、そう、天命を反転することを意図しています。会場では、室内の写真、映像、使っている方たちの言葉ばかりでなく、建築の詳細、建築会社の方々の苦労話などが展示されています。プロの建築業者と、芸術家荒川修作のやりとりはとても面白いです。建築は垂直水平をとるところから始めるのがキホンのキなのに、それではダメだ真っ向から意見がぶつかる、法律上も懸念事項だらけで侃侃諤諤。カタチが特殊なため構造上、耐えられるかわからない。大手ゼネコンのシミュレーションシステムまで使い、実現に至っています。荒川修作＋マドリン・ギンズの構想はこのような建物を世界中に広める使ることで、人類の運命を変えることです。荒唐無稽な発想でしょうか。私は彼らに賛同します。アートの力を信じるからこそ、このようなブログを書いているので、途方もないとも思いません。天才とか、芸術家とか、そう呼ばれる人たちの活動は同時代の人々からは異端視されながら、後世では常識となっていることは少なくない。ＧＷも始まりますし、遠くに行く予定のない方は尖った発想で心を飛ばしてみてはいかがでしょうか。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
29Apr
- 松山智一展 FIRST LAST
  松山智一展　FIRST LAST麻布台ヒルズギャラリー２０２５年４月１１日（土）松山智一はニューヨークで活躍するアーティスト。過去の名作、現代のモチーフを大量に引用したカラフルな色彩の絵画が印象的です。カラフル過ぎていい印象を持っていなかったのですが、実物を見ずに判断するのは良くないと思い、麻布台ヒルズに足を伸ばしました。03 We Met Thru Match.com　初期の出世作です。狩野派の絵画の植物や動物、ジャクソン・ポロックのポーリング、素朴派のルソーのような世界観、黒い背景に黒く描かれた西洋の紋様。それと分かるたくさんの要素を画面に散りばめているにも関わらず、二人の人物の出会いの場面に視線が誘導されます。この作品が一番良かった。04 This is What It Feels Like仮面のような顔に切金の紋様、上着に施された派手な植物の装飾、組んだ足の先に乗る鷹は日本の伝統的な金属細工。異なる文化の誰もがどこかで観たような気がする、そういう意味を込めたタイトルです。これは松山智一の作品に共通する感覚です。松山の絵画の多くはカンヴァスの形が四角ではないです。単に四角を否定したものではなく、構図に奥行きや動きを与える必然性のある形をしています。それを更に展示空間全体に展開したインスタレーションは洗練された展示でした。18 The Dancer立体作品では引用が少ないので、作品そのものの力が問われると思います。この作品は野外展示を前提にした公共彫刻です。複雑な構造で見る方向により違う作品に見えますが、滅茶苦茶ではない。幹や枝が曲がった樹木がそれでも共通の造形性を持つように、この作品も一貫性を感じます。磨きあげたステンレスの鏡面は、周囲の景観を作品に取り込むことを意図しています。21 Glory Slowly22 Immorality Morality別々の作品ですが、対の作品でもあります。ひまわりの花の彫刻です。一方は花が力強く咲き誇り、他方は花が枯れ果てています。見る方向により違った形に見えますが、やはり破綻していない。　車輪のようなパーツに施されている模様は引用です。光を受けて影や像が地面に映り込み、周囲も取り込んでひとつの作品となっています。20 Keep Fishin’ For Twilight千羽鶴に着想を得た作品です。折り紙の鶴を解体、再構成したパーツを大きなカンヴァスに敷き詰めました。この圧倒的な集積は千羽鶴をコンセプトにしたことで生まれたものです。25 Passage Immortalitas中央に受胎告知のポーズの二人。いろいろ描いていますが、西洋人には聖書の一場面しか見えないでしょう。松山智一の両親はキリスト教の信者で、アメリカに在住していました。日本人でありながら、ここまで大胆にこのモチーフを取り上げるのは珍しいと思います。31 You, One Me Erase松山が影響を受け、リスペクトしている絵画作品を架空の部屋の壁一面にかけて並べた作品です。作品だけではなく生き様も合わせてのチョイスでしょう。一種の自画像だと思います。32 We The People中央に「ソクラテスの死」、右のショッピングカートに「マラーの死」。「最後の晩餐」のような一点透視の構図。背景のスーパーマーケットといい、ここまでやると、もはやパズルのようでどうかと思います。私は西洋美術の中で、聖書や神話、史実の引用、寓意、を散りばめたを絵画を、読み解いていく鑑賞スタイルが好きではありません。アートという視覚芸術は絵本のように読んでいくものではなく、瞬間的に見てわかるものであるべきだと考えるからです。　しかし、それは現代でも引き継がれているセオリーで寧ろ主流でもあります。松山自身は自分の作品は読み物だと述べていますので、そのつもりで制作しています。スーパーの食品売り場で、食品を買い漁る客の姿はアメリカなら誰もが自分事として見えるのでしょう。飽食の限りをつくし死ぬ者たちの姿は様々です。死を受け入れるのか、死を与えられるのか？選ぶ自由はあるのでしょうか。うまい棒　げんだいびじゅつ味ギャラリー外の展示スペースにされていた「うまい棒」とのコラボ作品。たしか定価１０万円とかで販売という設定になっていたような。うまい棒としては超高価格ですが、アートとしてはお値頃な値段です。こういう現代アートでよくあるやり方は食傷気味ですがこれは好きかな。展示は屋外にもあります。麻布台ヒルズのこの庭は気持ちの良いスペースです。さて、見終わっての感想ですが食わず嫌いは良くないなと思いました。よく練られた作品で観ていると色々考えさせられます。説明パネルもしっかりしているので、アートファンでなくともとっつきやすい。色も綺麗で写真栄えします。まあ、そういうことが逆に気に入らないのですが。これはきっと私がひねくれた人間だからでしょう。要チェックなアーティストであることは確かです。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
26Apr
- 士郎正宗の世界展～『攻殻機動隊』と創造の軌跡～世田谷文学館
  士郎正宗の世界展～『攻殻機動隊』と創造の軌跡～世田谷文学館　２０２５年４月１９日（土）士郎正宗は異色の経歴の漫画家です。デビューは１９８５年。出版社の主催する漫画賞に投稿して新人賞を取ることもなく、いきなり単行本デビュー。しかも作品は次々にアニメ化。手描きにスクリーントーンで描くアナログな時代に、未来社会を緻密に正確に深く予見した「ＳＦ作品」を世に出します。中でも押井守監督のアニメーション映画「攻殻機動隊　GOHST IN THE SHELL」は世界的にヒットしました。ただ作品が独り歩きしてしまい原作者と別のイメージがついてしまうという妙な状況に。それも含めて士郎正宗ワールドなのです。主な作品は「ドミニオン」「アップルシード」「仙術超攻殻 ORION 」「攻殻機動隊」今回の個展では原画を中心に展示しています。ドミニオン昔懐かしい版下の指定紙。接写しました。スクリーントーン、見えますか？アップルシード何度かフルＣＧでアニメ化されています。攻殻機動隊アニメ映画、ＴＶシリーズ、ゲーム、ハリウッドによる実写映画と何度も映像化されました。そして再び新テレビシリーズの制作が決定しています。２０２６年放送予定。コマの外側に書かれた考察は情報量が多く、読むのが楽しくもあり苦しくもあり。草薙素子は、女性キャラクターの革命と言えるくらいの存在で今でも変わらぬ人気を誇ります。阪神淡路大震災で被災したことをキッカケに、制作にパソコンを導入したそうです。色使いに手描き感のあるのは、手描きの手法から手探りで描き方を編み出しているからでしょう。漫画の描き方に決まりはありませんから、百人いれば百人の技法があります。それから世田谷文学館、恒例の和室展示。ＡＩが人間にとって代わる。そんな未来は遠い話ではなく、もう現実の問題として議論されるようになりました。ジュール・ヴェルヌのＳＦ小説「月世界旅行」「海底二万里」は、未来を予見するという面で革新的でした。しかし現代人が読むと科学的な設定に無理があり、使われている技術も古く、昔の人が考えた未来となっています。士郎正宗も今年デビュー４０周年。過去の作品をリバイスし続けているとはいえ、ネットワーク社会は生活のインフラとなり、ＡＩも使いこなすべき技術となった中、未来をどう描いていくのでしようか。ご覧になったことのない方は、新作のＴＶアニメシリーズもありますが、漫画にチャレンジしてみてほしいです。攻殻機動隊（１） (ヤングマガジンコミックス)Amazon（アマゾン）攻殻機動隊（２） (ヤングマガジンコミックス)Amazon（アマゾン）↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
14Apr
- 相国寺展―金閣・銀閣鳳凰がみつめた美の歴史東京藝術大学大学美術館
  相国寺展 ― 金閣・銀閣鳳凰がみつめた美の歴史東京藝術大学大学美術館２０２５年３月３０日（日）室町時代の美術なら足利義満の金閣寺、足利義政の銀閣寺と、歴史の教科書的な連想をして「相国寺」はピンと来なかったのですが、この展覧会でつながりました。それが最大の収穫でした。そこから確認しましょう。相国寺は足利義満の発願によって作られたお寺。金閣寺（鹿苑寺）も銀閣寺（慈照寺）も相国寺の寺院のひとつです。つまり、金閣寺・銀閣寺が凄いということは、相国寺が凄いということです。相国寺の凄さ、わかりましたでしょうか？相国寺は臨済宗相国寺派、開山は夢窓疎石（むそう　そせき）です。開山とはお寺を作ることです。夢窓疎石は多くの寺を各地に開山しています。相国寺ができた時、亡くなっていたのですが名前だけでも使われるほどの偉い僧でした。はじめに夢窓疎石の書を紹介しましょう。5 夢窓疎石墨蹟　　応無所在　而生其心「応に住する所無くして　其の心を生かすべし」臨済宗は禅宗です。特徴は看話禅であること。いわゆる禅問答、公案という矛盾した問いを禅を通して解き明かすのが修行です。その心を端的に述べた墨蹟。執着することなく、自在に心を働かせよ。言うのは容易ですが実行は難しい。6　夢窓疎石墨蹟　別工夫無「別に工夫無し」凄いことを成し遂げるためには、何か特別のやり方、激しい取り組みが必要と思いがちですが、目の前の当たり前のことをひとつひとつ進めることが、大切であるということです。似たような言葉は、現代でもありますよね。　さて、ここからは絵画を取り上げます。室町時代は中国から多くの文化が入ってきました。相国寺はその中心ですので、中国画が多く展示されています。32　鳴鶴図　　文正筆展示されていた中国画には花鳥風月を色彩豊かに描いたものが何点もありました。しかし私はどうも技巧的過ぎてあまり好みではなく、むしろこの二幅の掛け軸の方が良いと思います。右が飛ぶ鶴。左が地に立つ鶴。シンプルな構成で無駄がない。私が日本人だからかもしれませんが、描き込みすぎて情報量過多なものより、こういう絵に強さを感じます。50　墨梅図　　永公筆　紅白梅図です。墨だけで描いているのに、はっきり紅梅と白梅の区別ができます。それどころか、色を感じます。背景に薄墨をひいてあり、白梅の白が際立つようにしているのですが、この微妙な明度の差でもメリハリがあるのは不思議です。47　墨梅図　　伝如拙筆　絶海中津讃枝垂れの梅図です。紅梅のみで背景に墨を敷いているようです。幹の部分は描いておらず、縦長の画面の上から下へ枝が垂れて画面いっぱいに梅の花が配置されています。梅の花は桜のように咲き誇りませんから、梅の絵も余白の大きいものが多いですがこれは賑やかな梅図です。52　十牛図巻　　伝周文筆十牛図は禅によって悟りに至るまでの修行の段階を十にわけてわかりやすく説いたものです。禅宗の画僧はよく描きます。十の段階とは、尋牛、見跡、見牛、得牛、牧牛、騎牛帰家、忘牛存人、人牛倶亡、返本環源、入鄽垂手。簡単に言うと牛を悟りに例え、前半は牛を探して捕まえ、後半は牛を忘れて元に戻るというもの。　巻物に１０点の図が描かれています。どの絵も円い形の中にまとめてあります。牛や牛を探す男、野外の景色と描く要素も多彩で、描写も繊細です。63　鳳凰石竹図　　林良筆伊藤若冲が参考にしたともいわれる中国の水墨画。中国の色のついた花鳥風月の絵が何点もそばに展示されていたのですが、この水墨画が圧倒的でした。岩の上に立つ鳳凰の姿。大胆な筆使い、しかも多彩な技術をパッチワークのように使い分けて描いた鳳凰の異形ともいえる佇まい。凝りすぎて破綻するギリギリのさじ加減でまとめています。76　異国通船朱印状　　西笑承兌筆学校の歴史の授業で習う朱印船貿易に使われていた朱印状の実物。初めて見ました。とてもシンプル。真っ白な和紙に墨でわずか４行、そして大きな四角い朱印。偽造されないのでしょうか。95　飛鶴図　　狩野探幽筆一羽の鶴が岩壁の近くで海（川？）の上を舞う姿を描いた絵で中国画を模倣したものです。狩野派の中でも探幽は研究熱心で模写は多く残っています。今回中国画が多く展示されていて、それらを見た後に見ると、本当にそっくりです。118　鹿苑寺大書院障壁画　　伊藤若冲筆鹿苑寺とは金閣寺だけではありません。鹿苑寺大書院は、金閣寺とは別の場所にあります。その大書院の襖の水墨画を伊藤若冲が手がけています。葡萄図、松鶴図、鶏図、と、いくつもの部屋を手がけており、入り口から奥の部屋に入るにつれて、シンプルな絵から迫力のある絵に変化していきます。141　売茶翁像　　伊藤若冲筆　梅荘顕常讃　売茶翁（ばいさおう）は凄い人なのですが、あまり取り上げられないのは何故なのでしょう？黄檗宗の僧で、６１歳の時に上洛して、茶道具を担いで野外で人と話しをしながら煎茶を振る舞うという禅者らしい暮らしぶりをするようになります。若冲とは親交があり、だから肖像画を描いたのでしょう。執着のない奔放な性格を感じます。146　散花紋天目茶碗　　𠮷州窯天目というと、窯変天目を思い出します。これはあれとは違い、お花のような模様が散らばめられた装飾的な可愛らしい茶碗です。確か松平不昧が所有したことがあるものだそうです。164　萩芒図屏風　　長谷川等伯筆長谷川等伯もありました。六曲一双の大きな金屏風です。左隻は芒、右隻は萩。金地の画面いっぱいに芒（すすき）と萩しか描いていない。風景ともパターンとも見える、現代的、前衛的ですらあります。170　七難七福図巻　　円山応挙筆人生に起こり得る災いと幸せを描いた巻物です。円山応挙らしい、緻密で妥協のない絵が見応えあります。七難は天災編と人災編の二巻。七福は一巻という構成。天災では、大蛇、狼、地震に襲われる人々。（大蛇は大きく過ぎて非現実的ですが。）人災は追い剥ぎ、強盗、など。（そのまま描いています。）七福は、農民、職人、貴族と階層ごとに、豊かな暮らしをしている様を描いています。脈絡もなく、作品を取り上げてしまいました。作品だけみると共通点がわかりにくいですが、すべて相国寺でつながります。相国寺は室町時代以降、現代まで存続しています。初期の中国の文物が中心だったところから、多くの画家たちがそこに学び、安土桃山時代、江戸時代と日本独自の文化を生み出す礎となりました。雪舟、伊藤若冲、狩野探幽、もその流れに入ります。重文、国宝も展示されていて個々に見るべきものもありますが、私には相国寺の歴史的な存在意義を感じることができ、ためになった展覧会でした。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
05Apr
- ボッティチェリ　美しきシモネッタ　特別公開展　　丸紅ギャラリー
  ボッティチェリ　美しきシモネッタ　特別公開展丸紅ギャラリー２０２５年３月２２日（土）丸紅が所蔵しているボッティチェリの絵画「美しきシモネッタ」の特別公開展です。丸紅ギャラリーは美術館ではありませんので、常設のコレクション展は行っていません。せっかくの機会ですので、その辺の情報から確認していましょう。丸紅ギャラリー丸紅は日本を代表する総合商社です。創業は１８５８年（安政５年）、江戸時代。近江商人の伊藤忠兵衛の麻布の＂持ち下り商い＂から始まりました。それから凄い勢いで商いの幅を広げていきますが、第二次世界大戦後の財閥解体によって、丸紅となりました。戦後１９６９年から美術品の輸入事業に参入。ギャラリーも創設しイギリスのマーガレット王女も見学に訪れています。１０年間ほどの取り組みで終わっていますが、この時期に「美しきシモネッタ」を手に入れました。元々繊維を生業としていたので、染色品（着物、能装束、裂など）、染色図案に充実したコレクションを所有。それに国内外の絵画を合わせた３つの分野が現在の丸紅コレクションの中核です。現在の丸紅ギャラリーは、２０２１年１１月にオープンし、年に数回展覧会を開催しています。サンドロ・ボッティチェリサンドロ・ボッティチェリ（１４４５ー１５１０）はイタリアのフィレンツェの生まれです。父は皮なめし職人で４人兄弟の末っ子でした。フィリッポ・リッピなどの元で修行。メディチ家の保護を受けて多くの作品を残しています。ルネッサンス初期の作品、「ヴィーナスの誕生」「プリマヴェーラ＜春＞」が代表作です。文字通り、ギリシャ神話のヴィーナスを主題にしています。人体の把握は写実的ですが陰影ではなく線で描いています。空間処理は平面的で、小さい花々などの事物まで繊細に色鮮やかに描写し装飾的な印象も与える個性的な作品です。この作品のモデルがシモネッタと言われています。シモネッタ・ヴェスプッチシモネッタ・ヴェスプッチはジェノヴァの生まれ。結婚してフィレンツェに住むようになりました。フィレンツェ一の美男子と言われたジュリアーノ・デ・メディアの「愛人」でもあり、誰もが知る美人でした。２３歳ぐらいで亡くなっていて美人薄命という言葉が当てはまるタイプです。彼女にインスパイアされた絵画、詩などがいくつも残されています。ボッティチェリも彼女をモデルに何点も絵を描いています。「プリマヴェーラ＜春＞」では、描かれているどの女性がシモネッタか専門家の意見が分かれていて、中には全員シモネッタ説まであります。美しきシモネッタそして、この作品です。実物を見て思い出したのですが初見ではありませんでした。確かこの時代の作品をまとめて構成した別の企画展で観たよう気がします。シモネッタの横顔を描いた作品は５点存在し、これは最初に描いたものと言われています。真横の横顔の肖像画は当時はベーシックなものでした。来歴が華々しく、ジャン・バティスト＝ピエール・ルブラン（マリーアントワネットを描いた女流画家エリザベート＝ルイーズ・ヴィジェ＝ルブランの夫）が購入。その後、イギリスに渡り、続いてドイツの医師の保有となりました。第二次世界大戦の頃にナチスドイツに接収されますが、ドイツが敗北して、持ち主に返却されました。その後のイギリスに渡り、そして丸紅の所有となります。（どういう経緯で入手したのか説明がありませんでした。とても気になります。）日本に来た当時、ネックレスの真珠の配置が過去の図録と異なっていることがわかり、贋作の疑いをかけられたこともあります。真贋鑑定を依頼し科学的分析により修復の痕跡が確認されて、本物であると結論づけられました。私の印象は、顔、頭部の描写は丁寧。衣装の肩のレースの描き込みはとても繊細ですが、身体とのバランスがおかしい。赤い衣のドレープの陰影の描写や、窓枠のような四角い背景はあまり描きこんでない。全体として完成度はあまり高くない。この絵の題名は日本のボッティチェリ研究の第一人者、矢代幸雄が「美しきシモネッタ」と呼んだのが始まりです。ネーミングが良かったですね。観に行きたくなる作品名です。この絵の魅力は顔にあり、シモネッタという美女の伝説にあります。それを端的に伝えています。この企画展は「美しきシモネッタ」だけを紹介したもので、コンパクトでよくまとまっていておすすめです。東西線の竹橋駅のそばにありますからの、東京国立近代美術館に行った帰り覗いて見るのも良いかと。何といっても日本で唯一のボッティチェリですから。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
30Mar
- スピリチュアル画家　ヒルマ・アフ・クリント展　　東京国立近代美術館
  ヒルマ・アフ・クリント展東京国立近代美術館　1F企画展ギャラリー２０２５年３月８日（土）ヒルマ・アフ・クリントを一言で表現するなら本格派スピリチュアルアーティスト。アメブロでブログを書いていれば、スピリチュアル系の頂点、女王となっていたでしょう。展覧会のチラシでは、カンディンスキー、モンドリアンより早い抽象絵画の先駆者とありますが、その見方は美術の視点過ぎて見誤っている気がします。１８６２年、スウェーデンのストックホルム生まれ。王立芸術アカデミーに入学し優秀な成績で卒業します。当時の作品を見ると確かな表現技術をもち写実的な絵も上手です。しかし型にハマった感じで面白みがない。むしろそういう表現につまらなさを感じていたのは本人かもしれません。若い頃から死者との交信に興味を持ち交霊会に参加、１８９１年に霊的存在からメッセージを受けます。こうしてこの世ではない世界を表現するようになり、あとは一直線。抽象絵画っぽいですが、色彩が華やか、仕上がりがお洒落で綺麗、上品な雰囲気です。文字が入っていてパワポの説明図のようでもあります。私は抽象画には２つのタイプがあると思っています。作家本人も何かわからないものを描く滅茶苦茶なタイプ作家本人には確か見えている抽象的概念や違う世界・宇宙を形にするタイプクリントは間違いなく後者。何を描いたか説明を求めれば、何時間でもしてくれそうです。聞いても内容を理解できるとは思えませんが。思想としては、キリスト教の信仰をベースに神秘主義、神智学などを探求しています。知識としではなく、実感、体感、直感を重んじます。本ばかり読んでないで、エクササイズもやりましょうという感じでしょう。表現の振れ幅は大きく、その熱量には驚きます。特にこの作品。１０の最大物１０点で構成されるシリーズ作品。１点１点がとても大きく、縦３メートル、横２メートルはあります。どこで展示する計画だったのでしょうか。国立近代美術館の展示も大胆でした。広い展示室を丸ごと使い中央に壁を立てて、通路をロの字型にし、１０点を回って見るようになっています。外側の壁には椅子をつけて、腰かけてゆっくり鑑賞もできます。幼年期青年期成人期老人期それぞれ題名が順番に、幼年期、青年期、成人期、老年期となっています。幼年期には精子が卵子に受精しているようなモチーフがありますから、人間の成長、進化の過程、人生を表現していると解釈するのが無難な線でしょう。イメージも段階的に変化させてあり、幼年期　始まりを感じさせる青年期　明るく動的で力強い成人期　複雑さを増しつつ落ち着いてくる老年期　静的、形ができているやはり、人間の一生のようです。スピリチュアル的な解釈としては、魂の成長と進化が引き起こす宇宙そのものの創生、など、最も深く広く捉えていくものなのかもしれません。これも、単なる図形というより、祭壇画のようです。単にイメージを平面に落とし込むだけではなく、何らかの用途を持っている、例えば特別な儀式の時に使う道具のようにも見えます。晩年になると、小さいサイズのアプローチの違う作品を作るようになります。絵画表現というより何かを観察、整理・分析したノートのようです。現代科学とは違う独自の体系を持った学問のようなものによって世界を認識している。私はこれは絵画ではないと思います。こちらは生涯書き続けたノートです。こういうノートが何冊も残っています。通常、絵画、彫刻はパッと見て内容を理解するものですが、作品の理解のために資料を全部読まねばならないのなら気が遠くなります。ヒルマ・アフ・クリントは晩年には自らの作品を展示する美術館の建築を目指していたそうです。生涯追求し続けた作品、いや宗教か哲学のようなものを総括し、社会に残すことを使命にしていた。全作品を通して感じられるのは、一貫性。私たちには理解できない抽象的な絵画ですが、表現に迷いがなく細部までイメージされています。実験的に試みとは思えない。彼女には確かに何かが見えていて抽象ではなく具象だったのではないでしょうか。圧倒的な神秘体験がこの確信に満ちた世界観を支えている。私には足を踏み入れることができない領域ですが、少しだけ羨ましくもあります。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
28Mar
- ＦＡＣＥ展２０２５　ＳＯＭＰＯ美術館
  ＦＡＣＥ展２０２５ＳＯＭＰＯ美術館２０２５年３月２０日（木）ＦＡＣＥ展（Frontier Artists Contest Exhibition ）は、新進作家の発掘を目的とした絵画の公募コンクールです。応募資格は年齢・所属を問いません。今回が１３回目。応募が１３１２件、入選は５７点でした。展示されている全入選作品の中から私がいいと思った作品を１０点ほど紹介します。1 斎藤大　　キャンプファイヤ今回のグランプリ作品です。入選作品を一通り見てもグランプリは納得でした。圧倒的に力強い。青緑、朱色、躍動する白の３色の組み合わせの力強さが際立っています。キャンプファイヤのタイトル通りの絵というわかりやすさもその一助です。2　春日佳歩　　必要条件入選作品の中で具象画はこれ一点でした。女性の生々しさ、水面の揺れで歪む肉体、反射する水の輝き、周囲の緑から覗いているような構図と、惹きつけられる絵画です。リアリズムにより過ぎていないさじ加減が飽きない秘密かもしれません。他にも人物があったらこれを選択したかは分かりませんが。8　The Mp 二千二十五の顔コンクールでは他人と同じような作品だと埋もれてしまいます。その観点ではもっとも差別化できていたのがこの作品です。近づいてみると丁寧に描かれた様々なキャラクターが魅力的で見ていて楽しい作品です。アートとしてどう評価するかは意見がわかれるでしょう。7　ジェイリン祝重　　Daydreamアーティストは誰も個性的ではあるのに、たくさん集めると意外と似たようなものを作っていることに気づきます。その中で異色な印象を与える作品は違う文化圏に生まれ育った人の手によるものであることが多い。女性の顔立ち、色の組み合わせ、装飾的なモチーフと異国を感じさせます。名前の通り、ハーフの作家でしょうか。人魚が浴槽にいるのはヨーロッパの物語のようで、絵柄は中東っぽい。日本人でも知っている点が理解のハードルを下げています。25 川並宏道　　幻影コンクールに入選するために重要なポイントの１つは唯一無二であること。この作品は表現技法で唯一無二です。黒いカンヴァスに針金を張り巡らせて立体的に描いたように見えるスプーンとナイフとフォーク。近づいて見ると、黒い画面を削って描いています。三角刀の一刀彫りでしょうか。黒と白の世界でありながら、普通の絵画とは全く違う視覚体験をさせてくれます。14　ウラサキミキオ　　向こう側のまど入選作の中で一番小さかったかもしれない。背景は窓にかけられたカーテン。薄暗い感じがするのは、外側が太陽の光が届かない場所にあるからでしようか。カーテンに見える白い斑点は木洩れ陽のようです。実は写実的に描いているのですが、低い明度と対象の切り取り方で抽象画のような画面になっています。そして、仕掛けの面白さは手前に見える盛りつけた絵の具。色彩がビビッドで前に飛び出して、奥行き感があります。もしかしたら、透明なガラスに絵の具を盛りつけ手前に実際において描いたのではと見えるほど、納まりがよい。　一見、地味で前を通り過ぎてしまいそうですが、引力のある作品です。55　吉田茉莉子　　美しいものが滅びてしまっても心象画か、空想画か、わかりませんが、木の枠に紐でくくりつけて貼った布に描いたジャングルの中の人物像には、メッセージ性を感じます。こういう世界観を追求し続けている方なら他の作品も見てみたいです。31　渋谷健　　ノスタルジア作者の思い出にもとづく心象画、あるいは誰かの物語のそれでしようか。中央に大きく乗馬する女性の姿を置いたことで、散らばってしまいがちな要素が時間的な流れも含めてまとまり、見やすくなっています。36　nag. They are, I am.抽象画でありながら、具象的な物体感。髪の毛、植物の様な有機的な形状には動きがあり、何か妖しい雰囲気があります。こういうミニマルなアプローチは意外に発展性があるので、今後の展開が楽しみです。42　不二　　諸行無常漆を用いて描いています。沈み込むような暗い色彩。フラットな画面に施される繊細な模様。似たような形状を油絵で描いたとしてもこの雰囲気は出せないでしょう。技法が印象を左右するといういい例です。日本の技法を用いた作品は他にもあり、どれも面白いものでした。45　松野純子　　Ritual抽象画においてカンヴァスに絵の具を叩きつけるというのは、よく使われる手法ですが、この作品のオリジナリティは近づくとわかります。飛び散った絵の具の跡のすべてに、線で模様を上書きしています。その膨大な手間に驚かされると共に、接近して見える作品の姿、離れて見える作品の姿の非対称なギャップが面白いところです。33　手塚好江　　部屋の中のダイイン抽象画の作品には独自の技法を盛り込んだ作品が多かったです。これはよく見ると、かけられた衣服を描いており、抽象画ではないかもしれません。離れて見ても絵の具で引かれた線が盛り上がっているのがわかります。今回の入選作はこのような大変手間のかかる技法が多い気がします。26　木村萌　　風をなぜて裏が透けて見えるほど薄い生地に描いています。最初、模様のような抽象画かと思ったのですが、植物と風景と空を重ね合わせたようなもので、そうともいえないです。タイトルのような風を感じます。この手法ならではの透明感、爽やかがテーマとマッチしています。38　西花純佳　　FUNタイトルの通り、楽しげな色彩で幸福感を感じます。絵の具は所々かなり盛って使っており、躍動感があります。こういう抽象画で他者から突出するためには、微妙なさじ加減、ダイナミズムを高度にバランスさせるセンスが必要です。楽しげな色の構成といい将来有望な気がします。さて、１４点になってしまいました。厳選しようと思ったのですが、どれも一定のレベルを超えており甲乙つけ難かったです。　この展覧会は５階、４階がＦＡＣＥ展２０２５の展示、３階は過去のＦＡＣＥ展の歴代グランプリ作品が展示となっていました。　グランプリ作品を見ると２０２５入選作品の平均値から比べ明らかに違うレベルとわかります。全く違う作風のものであるにも関わらず、どれも力強さ、統一感、一貫性があります。　緻密なものもシンプルなものも、細部まで意思が行き届いていて無駄な部分がない。後世に残っていく作品は違いがあるということを確認できました。この中から新しいスターが生まれることを期待しています。最後にＳＯＭＰＯ美術館といえば、恒例の作品をチラ見しました。フィンセント・ファン・ゴッホ　　ひまわりゴッホにしては中くらいの落ち着いたタッチ、色彩もそれほどは飛び込んでこない方です。ここに来るまでＦＡＣＥ展の発色の鮮やかな新作をたくさん見てきた影響もあるでしょう。炎の画家というイメージが強いので、激しさばかり好まれますが調和のとれた作品も良いものです。今回はこの辺で。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
23Mar
- 「evala　現われる場　消滅する像」展インターコミュニケーション・センター
  「evala　現われる場　消滅する像」展NTTインターコミュニケーション・センター [ICC]　ギャラリーA，B２０２５年３月１日（土）タイトルが難解な印象を与えるのは狙いではないでしょうが、結果そうなって来場者の足が遠のくなら、もったい無い展覧会です。evala はアーティスト名。音楽家、サウンド・アーティスト、日本人です。サウンド・アートは文字通り音を主体にした作品です。芸術祭などでたまに見かけることはありますが個展は珍しい。見ることを前提にしている美術館では展示が困難というのもあるでしょう。以前からevalaの作品を展示しているＩＣＣだからこそ、実現した企画展といえます。音を主体にした作品は直感、感覚に訴えるものが多いので、実際に触れると、予備知識はなくとも見やすい、いや、聞きやすいです。Ａ《ebb tide 》　2024年展示室ひとつを丸ごと使ったサウンドインスタレーションです。暗い室内の中央に展示室の半分ぐらいの面積を占める丘のようなものが作られています。入場者はここに登って座り、リラックスした状態で作品を鑑賞することができます。室内は奥の方にわずかに明かりが差し、霧が立ち込めています。何かこの先にありそうで周囲に注意を引かれます。四方から聞こえる音に集中するように工夫されているのだと思います。聞こえてくる音は様々で段々と変わっていきます。心臓の音水の音雨の音森の音民族楽器の音電磁波の音環境音楽のような音・・・映画館のサラウンドシステムさながらに、臨場感のある響きです。たまに、フラッシュの光が音と共に瞬きます。時に雨に打たれているような、時に森の深くで木々に囲まれているような、時にどこかの村で佇んでいるような、リアルな情景が脳裏をかすめ、ただならぬ空間に放り込まれたようです。1 《 Sprout "fizz"》　2024年展示空間一面にスピーカーを設置したインスタレーション。コードがむき出しのままクネクネと配されているのが有機的な印象を与えます。しかし、スピーカーも床も壁も真っ黒で色彩が皆無。見ることより聞くことが主の作品だからです。　この中を歩き回ると、足元のスピーカーから電波ノイズのような音が聞こえ、鳴き声のようでもあります。スピーカーは単なる音声の出力装置ではなく、ひとつひとつが生物と見ることもできます。そうするとスピーカーは花か蕾でしょうか。4 《 Score of Presence》　2019年展示室の四方の壁に平面作品が架けられています。どれも黒い地に線が網のようにひかれた抽象画のような作品で、照明の光が反射し見る位置を変えると七色に変化します。　　これは単なる平面作品ではなくて、カンヴァスの裏にスピーカーが仕込まれて、近づくとカリカリという音が聞こえてきます。なぜこの音にしたのかは興味深いところです。雑音じみていて正体がイメージしにくい。もう少し生き物に寄せるとか、絵のイメージに近い異空間のような効果音とかの方が、作品としてまとまりは出せたでしょう。　既視感（既聴感？）のあるものは避けて、違和感、ギャップを狙ったのかもしれません。5 《 Inter-Scape "slit" 》　2024年暗い展示室の壁にスピーカーが設置され、その前の椅子があります。座って鑑賞する試聴室型のサウンドアートです。ジャングルの音水の音動物、鳥の鳴き声女性の息づかい都会の街の音、人の声飛行機のフライトの音・・・「ebb tide」と比べると、景色が目に浮かぶわかりやすい音が多いです。世界を旅して集めたサウンドスケッチのようなものに近い。音だけだと関係があまりない素材でも、違和感なく繋がるところも不思議です。6 《 Embryo》　2024年小さな展示室の壁に黒い円がぼんやりと映し出されています。黒い円はモヤモヤしていて、赤い色や青い色が絵の具で滲んだように被さって、変化します。音はというと、ボウーッとした低音が鳴り響き重苦しい感じです。いわば悪い夢でも見ているような世界。しばらく見ていてもこの状態が続くばかりでした。もしかしたら、この後に新たな展開があったのかもしれません。なかったとするなら、まさに悪夢を体感させる作品だったのでしょう。2 《大きな耳を持ったキツネ》 2013-14年3 《 Our Muse 》 2017年この二つの作品は予約制で既に定員に達していたため聞けませんでした。なぜ予約制か？それは、ＩＣＣにしか存在しない特別な部屋に展示しているからです。その部屋とは無響室。壁、天井、と全方向に尖った吸音の部材が取り付けてあります。普通は研究所にしかないような代物ですが、ＩＣＣは１９９７年の開設時にアートのためにこの部屋を設けました。音の反響しない空間に入ると不思議な感覚になります。音だけがそこに存在するとでもいえば良いのか。単なる静寂とは違うものです。evala の作品はこの部屋のために作られた特別なものです。京都府北部の北丹後で録音したフィールド・レコーディング音源を元に制作した４曲。沖縄・竹富島の御嶽（うたき）でのフィールド・レコーディング音源を元にした作品。　もちろん一般的な音楽とは違う、さらに普段耳にする音とは全く響きの違う作品です。ここ以外で体験することは難しいでしょう。　もう会期は終了していますので鑑賞することはできません。ブログの公開が会期終了後となり、申し訳ない限りですが、この部屋には今後の展覧会でも非日常的な音の体験ができる作品がきっと展示されると思いますので、興味のある方は事前に確認して訪れるのがよいと思います。アートにおいて音を中心にした作品の始まりは、１９５３年８月２３日に初演されたジョン・ケージの《４分３３秒》からというのが、現代アートの常識です。ＩＣＣのホームページのサウンド・アート史の年表もそうなっています。前回取り上げた坂本龍一の作品でもわかるように、今も進化（深化）を続けているジャンルです。耳にする機会があれば、是非足を運んでみてください。ＩＣＣは尖った企画展が多いので要チェックです。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
23Feb
- 坂本龍一 | 音を視る時を聴く　　東京都現代美術館
  坂本龍一 | 音を視る時を聴く東京都現代美術館２０２５年１月５日（日）２０２３年３月に逝去した坂本龍一の回顧展です。音楽家ではなく現代アートのアーティストとして一面を見ることができます。私は坂本龍一は現代アートの作家としてはコンセプチュアルアーティストと捉えています。もちろん音楽家ならではの感性が起点にありますし、テクノロジー先行の今日でいうメディアアートの実績も多い。ではあるものの、音楽の領域を飛び出すそのコンセプチュアルな発想に際立つものを感じるのです。今回は単に過去の作品を再現するだけではなく、共作したアーティストがこの企画展に合わせて新作も展示しています。昨年のＩＣＣのトリビュート展もそうでしたが、死後にも新作が生まれ続けているとも言えます。そうなる理由は坂本龍一の現代アートの作品はコラボが多いからです。中でもメディアアートグループのダムタイプの一員の高谷史郎との作品は代表的なものと言っていいでしょう。1.坂本龍一＋高谷史郎《TIME TIME》2024 （新作）２０２１年に初演の舞台作品を映像で再構築した作品。舞台は昨年、東京オペラシティで再演されました。見に行ったのですが半分くらい眠ってしまいました。（私はパフォーマンス系、舞台系はよく寝ます。断言することではありませんね。）　横長の大型スクリーンの映像の前に水がはられています。「夢十夜」「邯鄲」という物語が、田中珉の舞踏、宮田まゆみの笙の調べ、坂本龍一の音楽、で進みます。舞台では水面の上で演者が即興パフォーマンスをしましたが、今回は記録映像をスクリーンで流していました。舞台をうまく再構築していると思います。　どんな内容？と聞かれれば時間についての様々な物語が錯綜する、という感じでした。寝てしまいましたので、時間が所々欠けておりますが。2.坂本龍一＋高谷史郎《water state 1》2013ダムタイプの作品は地球規模の事象をテクノロジーを駆使してインスタレーションに落とし込むものが、よくあります。これは全地球の気象データを元に動作する作品です。天井に水滴を落とす装置が設置され、その真下にある黒い水槽に水がはってあります。水面が動かなければ黒い鏡のようです。この水面に地球全土の降雨量のデータを元に水滴を落とす仕組みです。ポツポツと水滴が落ちると波紋が広がります。地球の天候を反映して、大量に水滴が落ちる時もあれば、全く落ちない時もあります。展示室の照明、効果音も合わせて変化します。数量データは一切、示されないので、この状況が何を意味しているかは想像する他ありません。熱帯雨林が焼失、砂漠が増え、干魃が増える一方で、氷河がとけ、豪雨が街を襲う。不吉な兆候をイメージしてしまうのは、作り手の狙いが成功しているからと思います。3.坂本龍一 with 高谷史郎《IS YOUR TIME》2017/2024東日本大震災の際に津波にのまれ、破損したグランドピアノ。坂本龍一はこれを自然が調律したピアノと捉えて引き取り、いくつもの作品に使用しています。坂本龍一は人間が築き上げた音楽という枠組みの外に存在する音を常に意識しています。いわゆる音楽活動を行ったあと、その外での活動を行うという振り子のような創作活動を生涯続けました。両方を鑑賞するには見る側にも、力が求められます。私は外側の人間に属する者ですので、この破損したピアノを楽器と見立てるところにコンセプチュアルアートの系譜を観ます。6.坂本龍一＋高谷史郎《async–immersion tokyo》2024以前、東京都現代美術館でダムタイプの個展が行われた時、これと同じタイプの作品が展示されていました。画面がデカいというのは大事ですね。この展示室の壁一面にワイドな四角い画像から、左辺の縦一本分の線の画像データを真っ直ぐ水平に引き伸ばすことによって生まれるボーダー模様です。これが何を意味しているかは解釈は自由です。ひとつのイメージが少しずつリアルに解体、変換、されるとき、それは何のメタファーとなっているでしょうか。7.坂本龍一＋Zakkubalan《async–volume》2017スマホやタブレットを用いたインスタレーション。うまいなあと感心した作品。使われている映像は坂本龍一の在住していたニューヨークの映像。照明の落ちた真っ暗な部屋の壁に配置されたたくさんの映像装置に、たわいもないのどかな日常の風景が映し出されています。定点撮影の映像なので、窓のように見える効果があり、坂本龍一の生活した空間にいるような擬似体験ができます。8.坂本龍一＋高谷史郎《LIFE–fluid, invisible, inaudible…》2007これは前から見たかった作品で夢が叶いました。コンセプトの元になっているのは坂本龍一のオペラ作品「ＬＩＦＥ」です。それをインスタレーションとして再構築しています。「ＬＩＦＥ」を見ていないのでコンセプトも理解していないのですが、見た目の出来が良い。天井から吊るされた透明な水槽の水面には波と霧が発生し、そこにプロジェクターの映像が当てられて、床に幻想的な映像が、写し出されます。*アーカイブ特別展示：1996–97年のパフォーマンスを再現した新作インスタレーション11.坂本龍一×岩井俊雄《Music Plays Images X Images Play Music》1996–1997/2024（初公開）坂本龍一のライブ演奏の音源データと記録映像を組み合わせて、1996年〜1997年当時のパフォーマンスを再現しています。３０年近く前のメディアアート作品。坂本龍一の演奏に合わせて映像が生成される仕組みです。鍵盤ひとつひとつの音に対して、光の粒が放たれていくシンプルな作りですが、音の強弱、音程に応じて微妙に変化するので、演奏と一体感のあるものなっています。今はもっと凝った映像技術が存在しますが、それが気にならないくらい洗練されたデザインと坂本龍一のパフォーマンスでずっと見ていられます。この居心地の良さは大衆音楽もこなす坂本龍一ならでは。　12.坂本龍一＋真鍋大度《センシング・ストリームズ 2024–不可視、不可聴 (MOT version)》2024電磁波を可視化した作品。昨年ＩＣＣの坂本龍一トリビュート展で観ましたので詳しくはこちらをご覧ください。『坂本龍一トリビュート展』坂本龍一トリビュート展NTTインターコミュニケーションセンター　ギャラリーＡ２０２４年１月７日（日）インターコミュニケーションセンターが行ってきた坂本龍一の展…ameblo.jp今回のバージョンは、見るだけのものになっていました。地球上に満ちている電磁波を可視化するなら、空の下に展示するのは合っていると思います。10.坂本龍一＋中谷芙二子＋高谷史郎《LIFE–WELL TOKYO》霧の彫刻 #47662 2024（新作）中谷芙二子は霧の彫刻家。１９７０年の大阪万博から活躍し続けるまさにレジェンド。霧は自然環境のに大きく左右される素材です。風が強ければ吹き飛んでしまうし、閉鎖性のない空間にはたまりにくく、仕込みが大変。これまで何度か見たことがあるですが、霧っぽくなかった。その点このプールのように四角く深さがあり建物に囲まれたこの空間は濃霧で最高の出来でした。歩けないくらい。音の印象が薄くて坂本龍一の関わり方が今ひとつわかりませんが。きっと何かそれらしい音が流れていたのでしょう。さて、一点一点、見応えのある展覧会でした。インスタレーション、映像作品など見るのに時間を要するものが多く時間が足りなかったです。来場者が業界人ぽいオーラがある方が多く、普通（？）の展覧会と雰囲気が違うのもおもしろいところでした。３月末の会期終了に向け連日の混雑で、チケットも日付指定に変更となりました。早めにチェックしておくことをおすすめします。今年見るべき展覧会のひとつです。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
27Jan
- どーなる？「お台場トリエンナーレ」
  今、巷をお騒がせしているフジテレビ。中居正広の女性トラブルに端を発した一連の問題について、本日１月２７日（月）１６時から再記者会見が行われており、夜になってもまだ続いております。テレビはつけっぱなしにして、チラ見していたのですが、記者の質問の中に「トリエンナーレはどうなりますか？」というのがあり「おやっ？」と思いました。アートファンとして「トリエンナーレ」という言葉は聞き捨てならない。今年の「瀬戸内国際芸術祭２０２５」「あいち２０２５」にフジテレビが協賛とかしていたっけ？調べたらありました。東京お台場トリエンナーレ 2025 泰平の眠りを覚ます上喜撰－野生とカオスと新世界－東京・台場での初めての国際芸術祭の開催が2025年秋に開催！www.tot2025.art東京お台場トリエンナーレ2025 開催決定｜東京都東京都は一般社団法人お台場トリエンナーレ実行委員会との共催により、2025年10月から12月に「東京お台場トリエンナーレ2025」を開催いたします。www.metro.tokyo.lg.jpサイトが無くなってしまうかもしれませんので、概要は書き出します。名称　東京お台場トリエンナーレ2025 タイトル泰平の眠りを覚ます上喜撰 ―野生とカオスと新世界― 日程 2025年10月18日（土）～12月25日（木）会場台場公園、フジテレビ本社屋・湾岸スタジオ、日本科学未来館ほか主催：東京都、お台場トリエンナーレ実行委員会後援：港区、江東区、品川区協力：日本科学未来館ほか昨年２０２４年１１月２６日（火）にヒルトン東京お台場で、記者発表会があったんですね。全然存じませんでした。アートファンとしてお恥ずかしい。東京都も主催ですので、小池百合子都知事のお言葉もあります。そして、お台場トリエンナーレ実行委員会の実行委員長は、フジテレビ副会長の遠藤龍之介氏。まさに今記者会見中。それで突っ込まれていたんですね。「運営できると思えない。」とコメントし物議を醸しているようです。東京都は寝耳に水でしょう。トリエンナーレのアーティスティック・ディレクターは実績のある方が３人就任しています。建畠晢（たてはた　あきら）（美術評論家、詩人／埼玉県立近代美術館長、草間彌生美術館長、京都芸術センター館長、京都市立芸術大学及び多摩美術大学名誉教授）三木あき子（みき　あきこ）　（キュレーター／ベネッセアートサイト直島インターナショナル・アーティスティック・ディレクター、直島新美術館長[2025 春開館］)山峰潤也（やまみね　じゅんや）　※2025年1月9日、病気のため死去。享年41。（キュレーター、プロデューサー／株式会社NYAW 代表取締役、東京藝術大学客員教授）出展作家も一次発表済み。草間彌生｜KUSAMA Yayoi 笹岡由梨子｜SASAOKA Yuriko アブラハム・ポワンシュヴァル｜Abraham POINCHEVAL ヤギの目｜Goat's Eyes（Yaginome）ルー・ヤン｜LU Yang ブラスト・セオリー｜Blast Theory フジテレビですから、キャッチーなアーティストが招待されそうで、楽しそうです。そもそもフジサンケイグループは、あの箱根の「彫刻の森美術館」を創った企業グループ。芸術への理解は確かなものがあります。（今、館長は日枝久です。）会社は違いますが同じグループのＢＳフジでは昨年まで「アートフルワールド　〜たぶん、すばらしき芸術の世界」というアート番組が放送されていました。新進気鋭の日本人アーティストを紹介するよい番組でした。トリエンナーレは３年に一度の開催。中長期にわたってアートを盛り上げていこうという意気込みを感じます。素晴らしい。（実現すれば。）１０月開催なら３月までに第三者委員会が報告を済ませ、６月の株主総会で決着をつけてダッシュで立ち上げる、、、というスケジュールとなりますが、これはかなり厳しい。アーティストの制作の時間が足りないですね。とは言っても、いまの時点では何も動かせないでしょう。声をかけられてもこの状況では出展を躊躇する方もいるかもしれません。今年はトリエンナーレが他にもありますから、私的には１年延期してくれてもよいのですが。さて、脈絡もなくぐだぐだ書いてしまいました。どこかの記者会見のようです。遅くに読んでいただいた方、誠にありがとうございました。まだお仕事中の方は、身体にお気をつけて頑張って下さい。それでは、おやすみなさいませ。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
25Jan
- 始まりました！大河ドラマ「べらぼう〜蔦重栄華乃夢噺」
  ２０２５年１月５日（日）からＮＨＫ大河ドラマ「べらぼう　〜蔦重栄華乃夢噺〜」（脚本　森下佳子、主演　横浜流星）が始まりました。大河ドラマ「べらぼう〜蔦重栄華乃夢噺〜」横浜流星主演（蔦屋重三郎役）【NHK公式】大河ドラマ「べらぼう〜蔦重栄華乃夢噺〜」日本のメディア産業、ポップカルチャーの礎を築き時にお上に目を付けられても面白さを追求し続けた人物 “蔦重”こと蔦屋重三郎の波乱万丈の生涯。笑いと涙と謎に満ちた“痛快”エンターテインメントドラマ！【放送予定】2025年1月5日（日）スタート［総合］日曜午後…www.nhk.jp物語は江戸時代中期に活躍した出版王、蔦屋重三郎（以下　蔦重）が主人公です。喜多川歌麿、東洲斎写楽。今や世界的に有名な絵師たちをプロデュースした今日でいうメディア王。初回から少年期は飛ばして大人の蔦重が活躍しています。私は大河ドラマファンではないけれども、今年はアートファンとしてコンプリートする気満々です。＜ここからは、ネタバレ含みます。＞大河ドラマといえば武士の物語がメインの中、江戸時代中期の町人文化を取り上げるのは初となります。当時の様子は浮世絵にも描かれているのである程度イメージはできるものの、実写にはおよびません。映画にしても２時間程度。２０２５年は江戸のあの時代をバーチャルに追体験できる素敵な一年になるでしょう。見どころは登場人物。不自然なほどカッコいい田沼意次（渡辺謙）。マルチな天才平賀源内（安田顕）。寛政の改革の松平定信（寺田心）。日本史を学べば必ず出てくるビッグネームばかり。序盤は勝川春章（前野朋哉）が人気絵師の時代。春章は多くの絵師を育てており、葛飾北斎もその一人です。北斎は蔦重との関わりが薄いので出番はなそうですが、話題作りに人気俳優を起用してチラ見せ程度に現れるかもしれません。他にも、北尾重政（橋本淳）、磯田湖龍斎（鉄拳）という絵師たちが若い蔦重を盛り上げます。それから蔦重の仕事で欠くことのできない世界的に有名な二人の浮世絵師。喜多川歌麿東洲斎写楽　蔦重は喜多川歌麿の大首絵の美人画によって時代の寵児となります。吉原に生まれ育った蔦重が、吉原に生きる人々のために、数々のアイデアで版元として成り上がり、市中の娘や花魁を時代のスターにしていきます。おそらくここまでが前半のヤマ。　現代の私たちには浮世絵の人物画はみな同じ姿をしているように見えますが、そうではありません。特に歌麿は当初は定型的な表現だったものを、顔の特徴、仕草、場面など、人間観察に基づいたものに発展させてていきます。それは後に西洋の画家たちにも強い影響を与えます。　後半は幕政が田沼意次から松平定信に変わり次々と繰り出される改革（規制？）と戦いながら謎の絵師、東洲斎写楽をプロデュース、デビューさせるまでというのが私の予想です。東洲斎写楽は世界的にも有名で人気の肖像画家です。一体誰が写楽になるのか？そして写楽は話題にはなったものの人気は今ひとつだったはずで、そのあたりの評価をどう描くかは興味があります。　ＮＨＫですから、時代考証もしっかりしているでしょう。放送期間も長いので、絵師、彫師、摺師の仕事ぶりも丁寧に映像化するようです。先日の第三回では、本作りの作業を長い尺で見せていました。浮世絵が分業によって制作されていることを知らない方も意外に多いので、新鮮な驚きもあるのではないでしょうか。浮世絵という版画は技術的な進化、工夫が常に行われていきます。一方でコスト、利益という視点でも成立させるというビジネスの観点があるので、そこが従来の大河ドラマにはない面白さになると思います。　吉原の再現も楽しみです。まさに江戸のスターとなる個性豊かな花魁たち。蔦重の作ったガイド本『一目千本』では植物に例えて紹介されます。さらに技術の進化で遊郭の街並みや遠景もリアルに再現されます。一方で病を患い薄汚れた暗く狭い部屋で床に伏す女郎、死んで衣服をはがれ裸で棄てられる亡き骸、そんな場面もあります。綺麗事では済まされない境遇にありながら文化を築いた世界の光と闇、幸福と不幸も描かれていくでしょう。話は少しそれますが、昨年開催された東京藝術大学大学美術館の『大吉原展』。吉原をテーマに展覧会を開くことについて、現代の人権意識からすれば、一種の奴隷制度ともとらえることができるような場所を肯定するものではないと、しっかり記されていました。博物館なら社会学的な視点で長短合わせてみせるというのもわかりますが、美術館はそういうものではないと私は思います。偉大な芸術家の中には人格的にはクズな人が結構いますが、展覧会では偉人のように見せていることもよくあります。その辺の加減はうまくやってほしいです。この大河ドラマも茶々が入って、夢物語が渋い話にならないことを祈ります。あくまでも想像ですが、当時の人たちは表に出す姿には己の矜持をかけていたのではないでしょうか。だから輝きがあり、その美が今でも多くの人々を魅了している。タイトルのように夢物語が続くとよいのですが。最後に、小芝風花が演じる花魁、花の井（後の五代目瀬川）が、平賀源内に放ったこの言葉で締めさせていただきます。引け四つまでのたかが戯れ、　咎める野暮もおりますまい。大河ドラマ「べらぼう〜蔦重栄華乃夢噺〜」横浜流星主演（蔦屋重三郎役）【NHK公式】大河ドラマ「べらぼう〜蔦重栄華乃夢噺〜」日本のメディア産業、ポップカルチャーの礎を築き時にお上に目を付けられても面白さを追求し続けた人物 “蔦重”こと蔦屋重三郎の波乱万丈の生涯。笑いと涙と謎に満ちた“痛快”エンターテインメントドラマ！【放送予定】2025年1月5日（日）スタート［総合］日曜午後…www.nhk.jp↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
07Jan
- 須田悦弘　渋谷区立松濤美術館
  須田悦弘渋谷区立松濤美術館２０２５年１月４日（土）　須田悦弘は彫刻家です。本物そっくりの実物大の植物の木彫作品を手がけます。私が初めて見たのは原美術館かどこかの芸術祭。あまりに本物なので、作品なのか分からなかった覚えがあります。16　雑草17　雑草こんな感じですので、実物の雑草を使った作品なのか、彫刻なのか見て判別はほぼ不可能。14　ミケリテしかも、たしかこんな感じで離れたところに展示されていたような。今回は個展ですから、近い距離の展示が多くわかりやすかったです。3　雑草（金）5　スルメ本格的に初めて彫った彫刻がこれです。天分があると言っていいでしょう。多摩美術大学在学１年の時の模刻の課題で、見本の干物を用意するのを忘れて友人から借りたスルメを、購買で３００円で購入した彫刻刀で彫ったといいます。8　朴の木卒業制作です。大学の構内に生えていた朴の木を対象にしています。朴の木の花は立派なので印象に残っていたという程度の理由だったのですが、その後、朴の木を材料に彫刻を作るようになりますから因縁を感じます。ただ、この作品は楠で制作しています。9　東京インスタレイシヨングラフィックデザイナーとして就職したものの、作品を作りたい気持ちは断ち切れず、１年で会社を辞めます。東京インスタレイションは、ギャラリーを借りるお金もない中、銀座で作品展示をするために自作した仮設ギャラリーです。駐車場に自動車１台分のスペースを借りそこに設置しました。この細長い展示室内に入ると、奥に精巧な植物の木彫を天井、展示台、床に配置しています。この狭いスペースが天井の金地、床の漆のような黒によって品の良い和室のようなインスタレーションになっています。当時話題にもなって、以後このスタイルで活動を続けていきます。11　バラ花びら一枚一枚の薄さ、精巧な彩色の技で本物に見えます。13　ヒナゲシ接近すると、おしべとめしべ一本ずつまで丁寧に作り込んであり、対象に迫る高い集中力が伝わってきます。26 朝顔こういう超絶技巧の小品は手にとって見ることのできる距離で展示するものですが、須田悦弘は違います。33 ドクダミあえて見えにくいところに、距離をとって展示します。植物は地面に生えるものだから床に展示するという理由だけでないようです。私たちの普段いる立ち位置から、植物の目線で見える世界へ連れて行ってくれます。37　春日若宮神鹿像　　五髷文殊菩薩掛仏須田悦弘は仏教彫刻にも関心をもっているそうです。それを聞きつけた杉本博司から仏教彫刻の補作を依頼されます。日本の古い仏教彫刻には破損しているものが多くあります。補作とは、失われた部位、破損した部位を修理するようなもので、ただの修理と違うのは必ずしも元の状態を再現するものではないということ。　この鹿の角、背中から生える榊、鹿の乗る台座の雲が須田悦弘の補作です。38 随身坐像こちらは左手と弓が補作です。手首の年輪の向き、弓のしなる形。あとで継ぎ足されたようには全く見えません。もとの彫刻の姿を徹底的に見つめてあるべき形を想像、創造しています。須田悦弘の作品は小さくて、あまりに実物に近く、私たちの目の届かないところに展示されているので、ここにあるよと言われなければ気づきません。しかし、ひとたび作品とわかれば、それは驚きとともに私たちの見る力を引き出してくれます。テクノロジーを駆使したキラキラのメディアアートも良いですが、小さく静かなものの中にある驚きに目を凝らし耳を澄ますのも良いのではないでしょうか。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
01Jan
- ２０２５年に訪れたい美術展
  新年あけましておめでとうございます。本年もよろしくお願い申し上げます。一年の計は元旦にあり、元旦の恒例企画。２０２５年に私が訪れたい、いや、私が訪れるつもりの展覧会や美術館、芸術祭を紹介します。展覧会マシン・ラブ：ビデオゲーム、AIと現代アート森美術館2025年2月13日（木）～ 2025年6月8日（日）ＡＩを脅威に感じているアーティストがいる一方で、積極的に活用して作品をつくるアーティストもいます。しかし具体的に何が進行しているのか制作の現場を知らない者にはわかりません。森美術館なら最新のＡＩアートの数々を見せてくれるでしょう。創る側ではなく、見る側の我々の価値観も覆してくれるかもしれません。異端の奇才 ― ビアズリー三菱一号館美術館2025年2月15日（土）～　2025年5月11日（日）１９世紀のイギリスの挿絵画家オーブリー・ヴィンセント・ビアズリーは好きな画家です。官能的、耽美的で独自の世界観にハマる方は少なくないのではないでしょうか。三菱一号館美術館の煉瓦造りの建築との相性もいいです。美術館の春まつり『ボッティチェリ　美しきシモネッタ』特別公開展丸紅ギャラリー2025年3月18日～5月24日お恥ずかしながら2021年に開館した丸紅ギャラリーにまだ行ったことがありません。丸紅コレクションは、染織品（着物、能装束、裂など）、染織図案、絵画で構成されていますが、そのうちの絵画の目玉作品を特別公開。ボッティチェリの作品が日本にあるというのも驚きです。特別展「蔦屋重三郎コンテンツビジネスの風雲児」東京国立博物館平成館2025年4月22日(火)～ 6月15日(日)１月５日から始まるNHK大河ドラマ「べらぼう～蔦重栄華乃夢噺～」との連動企画です。出版というメディアは２０世紀までは、社会的に強い影響力のあるメディアでした。ネット、スマホの普及により様相は一変したので、平成以降の生まれの人にはピンとこないでしょう。とは言え、人の営みやヒットの法則の原理は変わらないものです。今日の社会に置き換えてどのような解釈、展示を見せてくれるのか楽しみです。円山応挙 ― 革新者から巨匠へ三井記念美術館2025年9月26日(金)～ 11月24日(月)最近では、円山応挙より同時代を生きた日本画家、伊藤若冲、曾我蕭白の方が人気があるそうです。そこで、三井記念美術館が考えたのが逆張りの企画展。本当に人気に差があるとは思えませんが、おかげで円山応挙の個展を観ることができるので有り難いことです。ジャム・セッション　石橋財団コレクション×山城知佳子×志賀理江子　漂着アーティゾン美術館2025年10月11日（土）～ 2026年1月12日（月）山城知佳子は沖縄、志賀理江子は東北と、地域性のある作品を創るアーティストです。どちらの作品も見たことがあります。面白い作品ですが、なかなか手ごわい内容でブログに書ききれなかったことがあります。このジャム・セッションでまとめてリベンジしたいと思います。美術館直島新美術館2025年春、ベネッセアートサイト直島に新しい美術館が誕生します。地中美術館、李禹煥美術館、ANDO MUSEUM、いずれも魅力的な美術館が多い直島の新しい観光名所となるでしょう。設計はやはり安藤忠雄です。田中一村記念美術館田中一村記念美術館は奄美大島にあります。昨年、大盛況だった東京都美術館の田中一村展を見て行ってみたくなりました。美術館はもちろん、田中一村の魅了された奄美大島の自然をこの目で確かめたいです。デジタル文化財ミュージアム KOISHIKAWA XROSS　＜公式サイト＞旧凸版印刷株式会社の時からある印刷博物館に昨年できた新しい施設です。印刷会社は昔から美術館との共同プロジェクトにコンスタントに取り組み数々のデジタルコンテンツを制作しています。予約制ですが一般向けにも解放されたので行ってみたいと思います。Ｍ＋　＜公式サイト＞香港にある視覚芸術を中心にしたアジア最大級の美術館です。これまでも取り上げたことがありますが、国際情勢が不安なので、なかなか機会がありませんでした。中国行きのビザが滞在３０日未満免除になりましたので今年は本気です。芸術祭EXPO 2025 大阪・関西万博　＜公式サイト＞2025年4月13日(日) ～10月13日(月)　大阪　夢洲(ゆめしま)前評判が悪い大阪万博も始まれば手のひら返しで高評価に変わるでしょう。展示内容が公表されるのはこれからですが、現時点の私の注目はシグネチャーパビリオンのひとつ、落合陽一のてがける「null²」です。瀬戸内国際芸術祭2025 ＜公式サイト＞春会期　2025年4月18日（金）～ 2025年5月25日（日）夏会期　2025年8月1日（金）～ 2025年8月31日（日）秋会期　2025年10月3日（金）～ 2025年11月9日（日）３年に１回開催する芸術祭。瀬戸内海の島々にある会場を船で巡るが魅力のひとつです。今年は直島に前述した直島新美術館も開館しますので、楽しみが増えました。　国際芸術祭「あいち2025」　灰と薔薇のあいまに＜公式サイト＞2025年9月13日（土）～11月30日（日）愛知芸術文化センター/愛知県陶磁美術館/瀬戸市のまちなか大都市で行われる芸術祭として存在感があります。過去にトラブルがあった時も期待を裏切らない内容でした。今年はテーマが重そうですので心して行かねば。さて、まだこれから発表のものもあるのに、予定がすでに埋まってきました。２０２５年はアート当たり年になりそうな予感がします。今年もアートを楽しみましょう。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
31Dec
- ２０２４年末企画「お蔵入りコラム」のお蔵出し
  「アートコラム Conceptual Cafe」大晦日の恒例企画。２０２４年にアップできなかった展覧会をまとめて紹介（整理）するコーナーです。早いもので５年目となりました。諦めた原稿はスイスイ書けるというこの矛盾。それでは早速始めましょう。とても近い遠さ　NTTインターコミュニケーションセンターＩＣＣの展覧会は作品を理解するのが大変で、それをわかりやすく説明するのも大変なので、ま、年末企画でいいか、と避ける傾向がありまして、今年もそうなりました。古澤龍これは映像を立体と定義して、その再生は立体の切断面の移動とした時、切断面の角度、動かし方を変えることでシームレスに違う時間の画像を結合した映像を再生する試みです。どうです。何を言っているか不明でしょう。米沢柊アニメーションの表現に「オバケ」と呼ばれるものがあります。動きをシンプルに強調するために、キャラクターの一部のような図形をフレームに入れたりします。それをあえて抜き出して、絵や動画を制作してしています。オバケなので、なんかよくわからないものが浮遊しています。たかくらかずきゲームっぽいインターフェースの作品です。キャラクターを動かして、画面上に浮遊している平仮名を１７文字集めて川柳をつくり、バーチャルな神社に奉納するものです。これはブームが去った感のあるＮＦＴアートの仕組みも組み込んでいます。彫刻の森美術館彫刻の森美術館は「舟越桂」の企画展は執筆しましたが常設展示は触れませんでした。早歩きでひと通り巡ったのですが作品も変わっていましたので、近いうちにリベンジします。ヘンリー・ムーアとか久しぶりでした。ピカソ館もまた今度。箱根美術館　箱根美術館は庭園の神仙郷が良すぎて、美術館の方を端折りました。立派な火焔式土器、弥生式土器、埴輪がありました。大型の土器、陶器のコレクションは珍しいです。日本中の大型の甕を集めています。少し地味なので、空いているのもわかります。一階の企画展示室では吉田博展が行われていました。西川勝人　静寂の響き　ＤＩＣ川村記念美術館休館が発表されているＤＩＣ川村記念美術館。先日２０２４年１２月２６日に、今後の美術館運営の方針が発表されました。「ダウンサイジング＆リロケーション」を進めるということで要点は千葉県佐倉市から東京に移転。佐倉市の施設の扱いは地元と今後協議。保有するコレクション数は1/4に縮小。3/4は売却を目指す。運営は単独ではなく公共性の高い団体との連携を前提。そのまま終わることにならなくて良かったです。多くの方々の反対の署名、団体の声明など、これまでの活動が評価が形になって表現されたことが決定に影響を与えたそうです。連携する良い運営先が見つかることを祈ります。さて、西川勝人です。表現の手法は多彩ながら、通底する思想が感じられます。白い彫刻作品、大形のガラス作品を用いたインスタレーション、色のついた板ガラスを重ねた合わせた色彩作品、白い花びらを集めたインスタレーション。　繊細で微弱なものの中にある変化・差異を地道にストイックに組み上げ、周囲の環境の変化を取り込んでいる。地味すぎて正直すこし退屈ではあります。シアスター・ゲイツ：アフロ民藝　森美術館結構難解な企画展でした。作品勝負という意味では潔かったです。日本人の知らないような日本の歴史、文化も知っていて、よく考えて構成されていました。しかしアメリカ国内での活動実績をわかりやすく見せた方が、とっつきやすかったと思います。「アフロ民藝」というワードはいい響きですが、厳密な定義はなく、日本人でも共感する人は限られるでしょう。タール・ペインティングは最初ゴミにしか見えませんでした。説明読んで、ずっと睨んでやっと入ってきました。こういう自分を洗脳するような見方はおかしいですが、アメリカの文化、歴史に根差した表現を理解するにはアリかと。大吉原展　東京藝術大学大学美術館大吉原展は色々あって書くのはやめました。大人の事情とでも言いましょうか。なかなか取り扱いは難しい。それでも「鬼滅の刃　遊郭篇」はしっかりアニメ化され、来年のＮＨＫ大河ドラマは「べらぼう〜蔦重栄華乃夢噺〜」です。この場所、この時代の魅力をうまく表現する方法はあるのでしょうね。長安夜の宴唐王朝の衣食住展　　日中友好会館美術館日中友好会館美術館は飯田橋にあります。入場料は無料。美術館というよりギャラリーに近いです。唐の時代、長安のピンポイントの企画です。といっても３００年あります。女性の流行の髪型の変遷の展示が面白い。再現動画。顔が２倍の高さ。盛ってます。唐三彩などの展示も。これは確か複製品。素人にわかりやすい展示内容で、難解になりがちな中国美術を理解するのにはうってつけでした。さて、駆け足でしたが今年のお蔵出しもここまでです。他にもいろいろ思い出したものの、触れ始めると年内の公開が不可能になりますから、心を鬼にして打ち切ります。今年も読んでくださった方、いいねをしてくださった方、本当ありがとうございました。よいお年お迎えください。来年もアートコラム Conceptual Cafe をよろしくお願い申し上げます。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
19Dec
- 「田名網敬一記憶の冒険」国立新美術館
  田名網敬一記憶の冒険国立新美術館２０２４年１１月４日（月）いい意味でインパクトのある展覧会で想像の上を行っていました。しかし、見終わった後の読後感は少し違いました。幼い頃の空襲の記憶、結核を患い四カ月にわたる闘病生活という死との対峙の経験が、カオスでグロい作品世界に影響しているといいます。グラフィックデザインの実績は華々しく学生時代から仕事を受けて現在に至るまで第一線で活躍、時代の流行の先端を走り続けてきました。初期のポスターです。昔はこういうポスターはグラフィックデザインであり、ファインアートと線引きがありました。今では美術館に展示されることは珍しくありません。アンディ・ウォーホルの影響から作品一点主義に異を唱えています。大量の複製可能な商業的印刷物も作品であるというスタンスで、今日では先見の明があったという評価になってきています。忙しい仕事の合間をぬって、コラージュを始めるようになります。アニメーションの制作も手がけます。立体作品も溢れんばかり。この方の作風からして、アルチンボルドに行き着くのはよくわかります。多用される奇妙なモチーフは、当時の流行したスタイルでもあり、作者の記憶の断片でもあり、妄想でもあります。単なる繰り返しとも違い、どこからともなく無限に湧き上がる巨大な津波のようなものです。コロナで仕事がなくなった時期にはピカソの模写に取り組みます。後半のキュビズムの時代の作風で平面化された顔のパーツの組み替えのような描き方にハマるのもよくわかります。ＤＴＰを活用するようになって無数の素材の組み合わせで大量生産が可能になります。ご本人がインタビューで、深く作品を掘り下げることはしないと明言しています。商業的な仕事が中心で、納期のある仕事を大量にこなす中でアウトプットを優先する、クライアントの意思がトリガーとなる仕事は自分の主張とは分けて取り組むという姿勢が染み付いているのでしょう。どの作品も情報量が多く、一定のクオリティは担保しています。ただあまりに同じモチーフを繰り返し使いコラージュという技法で制作を続けると、似たものばかりを再生産し、何が伝えたいかわからない作品もでてきます。一方で異物が混入すると、それをキッカケに際立つこともあります。赤塚不二夫とのコラボなどは、ナンセンスさが際立っています。こちらは　adidas とのコラボ。以前、イラストレーター宇野亜喜良の展覧会で感じたのですが、何かテーマを掲げずとも強いビジュアルを創作できるクリエイターがいて、田名網敬一はそういうタイプの一人ではないかと思います。江戸時代の浮世絵師のように時代を生き抜くために誰にも真似のできないものを作り続けているうちに誰もついて来れない高みに辿り着いていた、本人も何を作っているか理解していなかった。葛飾北斎の「神奈川沖浪裏」が何を伝えたいのかといっても、ビジュアルインパクトとしか言えない。それでも世界を制してしまう。あれと似た類いです。見終わった後、スゴイものを見たと思う反面、一体何を見たのだろうとも思いました。何でも解説できる訳ではないのがアートですから、こういうこともあります。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
13Dec
- SIDE CORE 展｜コンクリート・プラネットワタリウム美術館
  SIDE CORE 展｜コンクリート・プラネットワタリウム美術館２０２４年１１月２４日（日）都会の夜はキレイです。暗闇に光るライトが並んで流れていく様、派手に目立つ大きなサイン、回転するランプ、点滅しながら動いていく小さな電球の輝き。これを使ってアートを制作しようと考える人が現れても不思議ではありません。SIDE COREはアートチームです。メンバーは高須咲恵、松下徹、西広太志。映像ディレクターが播本和宜。屋内にこもることなく、都市公共空間、ストリートにこだわって活動を続けています。モノトーン・サンセットナトリウムランプは単色光で、低消費電力。道路やトンネル、工事現場に昔はよく使われていましたが、最近は珍しくなってきています。見たことのない方は、色が一色のモノトーン世界に新鮮な驚きがあるでしょう。夕暮れの世界と言われれば、そうかもなと思います。夜の息自動車のヘッドライト、テールライトで制作した作品です。中古ショップに片方だけ売っていたものです。夜の街の明かりひとつひとつがそれぞれの人の生活と営みの証であるように、自動車のライトも誰かの人生と共に歩んできた光です。中島みゆきの歌、「ヘッドライト、テールライト」を思い浮かべたのは私だけでしょうか。表現しているものは同じだと思います。コンピューターとブルトーザーのための時間建築工事の現場で使われるパイプをつなげて制作した彫刻、と見えますがそうではありません。パイプの空洞は上から下までつながっていて、中に玉を転がすことができます。大型のスペースレールのようなものです。中身は見えませんが、玉を転がすとけたたましい音が響き渡ります。よく耳をすますと、音が移動しているのがわかります。子供が喜びそうなサウンドアート作品です。東京の通り工事現場にあるピクトグラムを集めて制作しています。東京に住んでいるとあちこちで再開発が進んでいるので見慣れたものですが、実は標準化されていません。ですので、微妙に形状が違う。ピクトグラムばかりでなく、文字の書体も統一されていません。固定されているようで、固定されていないイメージのカオスを作品に仕立てています。カオスも含めて共通のイメージとなって無題ワタリウムの周辺にある建築物を撮影して流しています。このあたりはハイカラな建物が多いのでスチル写真でもアートな感じがよく出ます。使用している３台のテレビはあのナム・ジュン・パイクの作品に使われていたものです。ワタリウムならではの仕込みです。unnamed road photographs携帯電話に撮り溜めた膨大な写真からセレクトしたものをプリントした作品。壁に貼られた写真は交互に点灯し、画像が現れます。携帯のカメラ機能が一般的になってから、写真や映像は手のひらの四角いフレームの中で見るものとなりました。そのようにな新しい視覚体験をアイデアにした作品です。untitled羽田空港の近くにあるトンネルの歩道はほとんど人が通りません。そのため、永らく清掃も行われていない。歩道の壁には何年もかけて汚れがついています。その壁に肩をつけて擦りながら歩道を歩いていくという作品です。トンネルの壁をカンヴァスにした絵画であり、道路に刻んだ都市のランドアートであり、パフォーマンスともいえます。empty springコロナ禍で人のいなくなった街で撮影したポルターガイスト現象の映像です。人が誰もいないにも関わらず、横断歩道を渡るコーン。よく見るとコーンにつけられた糸が反射してチラッと見えるのはご愛嬌。無人の街を映像作品に仕立てるというのもありですが、その舞台装置を使いテーマの違う作品に仕立てました。４階の展示室の絵画の前に置かれたベンチ。近くに何故かポリバケツ。のぞいて見ると思わぬ景色を見ることができます。ヒヤっとする高さです。仮設の床が丈夫かどうか急に不安になります。下から見上げるとこんな感じです。ワタリウムの４階どうなっていたっけ？と考えを巡らせてしまいました。ねずみくんワタリウムの向かいの建物の屋上に展示している作品です。SIDE COREの展覧会には、よく登場するキャラクターです。大都市にネズミはつきものです。ここ以外にも無数のネズミたちが隠れているでしょう。SIDE COREの作品は見た目がカッコいいものが多いです。それは都会のカッコ良さとも言えますが、実は普段見向きもされない場所や風景、事物を使っているものが多く、やはり見せ方が上手いのだと思います。これからも見たことがあるようで、見たことがないカッコいい景色を見せてくれると思います。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
07Dec
- 毛利悠子 — ピュシスについて
  ジャム・セッション石橋財団コレクション × 毛利悠子 — ピュシスについてアーティゾン美術館２０２４月１１月２３日（土）アーティゾン美術館の恒例企画、ジャム・セッション。アーティストがアーティゾン美術館の所蔵作品にインスパイアされて企画する展覧会です。毛利悠子は繊細なインスタレーションを制作するアーティスト。これまで見たことがあったのでイメージはありました。相互に干渉しあう微弱なはたらきを作品にしています。タイトルのピュシス（physis）とは、ギリシャ語で自然を意味する単語です。宗教的アプローチから離れて、世界の全ての源となるものとして考察されました。現代科学とは別のものです。アートの視点で世界を見た時、現代の文明では説明できない見落とされている何かとも言えます。01 Decompositionレモン電池を覚えていますか。小学校の理科の実験、自由研究によく出てきます。その原理で動作する作品です。中央の家具の上の果物に電極が刺してあり、そこから発生する微弱な電流をアンプで増幅して、スピーカーのような楽器から音を出す仕組みです。背後の照明も明るさも合わせて変化します。02 Decompositionこちらも同じ仕組みです。ここで発生する電流を展示室内の照明に接続しています。電球はゆっくりと明滅を繰り返し、展示室の作品を照します。03 ジョルジュ・ブラック　梨と桃実物の果物の働きによって浮かび上がる果物の絵画。絵画を元にインスタレーションを制作したのか、今までに制作した作品に合う作品を見つけたのか。両方のようですが、いずれにしてもうまくハマっています。２つの離れた何かが作品という枠組みを通してひとつのイメージとして繋がりを持っています。物理的な繋がり、イメージの繋がり、そこから生じる何か。それは何でしょう？それがピュシスかもしれません。07　パウル・クレー　数学的なヴィジョンこのミロの作品を設計図に制作したような作品がこちら。08　Magnetic Organアンテナから発生する電磁波を受けて、コイルに電流が流れモビールが動く。そういう仕組みと思いますが、あまりに微弱でほとんと動かない。館内の空調の風に当てられ少し揺らぐ程度です。10 クロード・モネ　雨のベリールベリールはフランスのブルターニュ半島の島です。モネはここに滞在し、海の景色を何点も描いています。荒々しい波が磯の岩に打ちつけています。波の音が聞こえるようです。09　Piaono-Solo:Belle-lle海岸で撮影した海の映像。その波の音を大型のスピーカーから再生。その前に設置したマイクで音を拾い、その音をベースに電子ピアノを弾く作品です。波の音の音域ごとに鍵盤を割り当ててあり、波の音に合わせて音を鳴らします。波の絵画が人の心に波の音のイメージを響かせらように、波の映像がピアノの調べを響かせます。この映像がベリールの海かは定かではありませんが同じテーマを油絵とミックスメディアという違う手法で作品にしています。12 めくる装置、３つのヴェールフタのないイメージスキャナーの上に布がかけられています。そばにサーキュレーターがあり、スキャナーが動作し始めるのに合わせて風を送ります。宙で揺らぐ布の画像が、天井に吊られているモニタに映される仕組みです。この作品の動作するタイミングは、向かい側に設置されている別の作品です。台の上に取り付けられた幾何学模様の電極を、ゆっくりと円を描いて動くホウキのようなものが撫でてると電気が流れる仕組みです。この作品の設計図になったものはこの作品。11　マルセル・デュシャンマルセル・デュシャンあるいはローズ・セラヴィの、または、によるトランクの箱（シリーズB）マルセル・デュシャンのややこしい作品から制作すると、ややこしいものができますね。19　I／Oこれはもとの作品は無かったような。仕掛けが込み入っていて、すべて理解はできなかったです。作品の一部です。モーターで動くスプーンが中央の金具に触れると電流が流れ、離れた場所のブラインドを動かします。吊り下げられたランプがゆっくり明滅しています。その明かりを受けた太陽電池パネルが発電する電流で奥に仕掛けられた蝶が動きます。タイトルの「Ｉ/Ｏ」とは、Input/Output の意味だと思います。毛利悠子の作品はどれも動くインスタレーションです。何かをきっかけに動き出すとそれがカタチを変えて伝わっていきます。それは電気であったり、音であったり、風であったり、光であったり。物理学で説明できる仕組みではありますが、伝わったもの、この作品を見た私たちの印象はその限りではありません。そこにある何か、そこを伝わる何か、日常生活では意識することもない何かを、静かに心と知性を働かせて見つめる。そのような瞬間も大切だと私は思います。ありきたりに感じる世界が全く違うものに見えるようになるかもしれません。毛利悠子については、以前に坂本龍一とのコラボ作品でも触れていますので、こちらもどうぞ。『特別上映　坂本龍一パフォーマンス記録映像　《After the Echo》　』《After the Echo》２０２４年４月７日（日）ＩＣＣ　４階シアターＮＴＴインターコミュニケーションセンターで、３月２８日から４月２１日まで、坂本龍…ameblo.jp↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
28Nov
- 田中一村展　奄美の光魂の絵画
  田中一村展　奄美の光魂の絵画東京都美術館企画展示室２０２４年１１月１７日（日）なぜかとても混雑していました。田中一村はいつの間にこれほど一般の人気を得ていたのでしょう。今まで晩年の作品しか見たことがありませんでしたので、ほぼ生涯を網羅したこの企画展で、初めてその歩みを知ることができました。第１章　若き南画家「田中米邨」東京時代009 「池亭聞蛙」１０代の頃は神童でした。いや、７〜８才の頃から神童でした。この絵は１４歳で、初めて本格的に掛け軸に取り組んだものと言われています。池にのほとりに建てられた東屋でくつろぐ人。水辺をとりまく木々、水面に群生する草、浮かぶ蓮の葉と花。　この後、次々と掛け軸を描いていきます。２０才になるまでに描かれた掛け軸がたくさん展示されていました。若き南画の天才といえるでしょう。東京芸術大学に一発で合格するのも納得がいきます。技術の習得が早いということは、描くのも速いということのようです。023 「明月前身図」月夜に映える白梅の水墨画。画面は真っ黒になるほど、枝と梅の花に覆われています。画題を知らなければ、何が描かれているかわからないくらいダイナミックな筆致。標準的な南画がどういうものかわからないので断言はできませんが、濃く描き込み過ぎる癖があるように感じます。　葉の一枚一枚、花の一輪一輪までキッチリ捉える、観察眼のあるとても目の良い人だったのではないでしょうか。描かずにいられない。この特徴は生涯続いていきます。027 蘭竹図／「富貴図」衝立　衝立の両面に絵が描かれています。一方の「蘭竹図」は、金地に墨で描いた蘭と竹の水墨画。かなり黒いのが特徴。濃淡の調子はつけてはいますが、淡い部分も黒め。総じて濃くしてしまう傾向があります。竹の葉の描写は執拗で過剰なまでに描き重ねています。写実的に見えるので写生に基づくものかもしれません。左上には讃が細かい字でびっしり書き込まれています。それもまた一村らしさと思います。　反対の面は牡丹が全面に描かれています。赤、白、ピンク、花びらが細やかで、緑の鮮やかな葉、画面の端に舞う蝶や蜂、と彩りの華やかな吉兆画です。　035 木魚田中一村の父親は彫刻家でした。そのため、幼少から彫刻にも親しんでいて、小さな彫り物も展示されていました。木魚は楽器ですので、形が同じであれば良いというものではありません。この木魚は実用品としてお寺で使用していたので、腕も確かだったようです。048 椿図屏風二曲一双の屏風。右隻は画面一杯の椿。葉の濃い緑、椿の花は赤、白に赤い模様が入ったものとシンプルな配色。これも過剰な感じですが、一方の左隻は何も描かず金地のまま。広い空間を表現しています。田中一村は２０才の頃には南画から離れて新しい画風への模索を始めていたようです。余白をもうけているのは、そのための一歩ではないでしょうか。074 秋色秋の草木が全面に描かれています。一本一本、一葉一葉丁寧に描きこまれ画面を埋め尽くしています。晩年の作品に通ずるものがあります。第１章は２０才くらいまで。この頃は田中米邨と名乗っていました。東京藝術大学に一発で合格を果たしながら２ヶ月で退学します。事情は不明です。掛け軸が何点も残っていますので、絵を辞めた訳ではありません。精力的に描き続け２０才には南画の技術を習得した感があります。そして伝統的な画題から脱皮し、独自の画風の模索を始めています。第２章　千葉時代「一村」誕生ハッキリ述べますと、この千葉時代は模索の時代でした。２０代では、弟、父の逝去など身内の不幸が重なります。２９才で千葉県に移住。名前も柳一村と変えます。千葉県の風景を色紙によく描いています。なにか絵葉書のような作品が多く、飾るにはいいが芸術的な魅力が薄い。人や仏、鳥を描くのはイマイチで、植物が得意です。富岡鉄斎風な仏の絵もありますがパッとしない。そもそも描く対象として興味がなかったのかもしれません。４０代では日展、院展、に出品するも、ことこどく落選。新しい自分の絵を求めて奄美へ行くことを決意します。第３章　己の道　奄美へ奄美に移住してからの画風の変遷はいろいろあり興味深いのですが、最後の展示室が結論です。田中一村といえばコレという奄美の島の自然をとらえた絵がとても魅力的で、この展示室なら何時間でも絵を見て過ごすことができます。南国の生命力に満ちた自然の姿が、田中一村のエネルギッシュな感性にフィットしたといえます。293 奄美の郷に褄紅蝶左に枇榔樹（ビロウジュ）、右上に南国の果実がなっている。中央に褄紅蝶（ツマベニチョウ）が舞っている。奥にはうっすらと島の遠景。構図といい要素といいバランスが良いのですが、一村らしさは少し薄い感じもします。295 草花に蝶と蛾中央に蛾、周りに蝶が舞う。背景の足元に生える葉を塗りつぶす黄緑色の淡い色彩が、一村の見出したコントラストの落とし所と思います。晩年の絵も画面一杯に植物を描きこむ癖は変わっていませんが、少しコントラストの強さの加減が落ちて、刺激が抑えめとなり見やすくなりました。297　枇榔樹と浜木綿中心に枇榔樹。墨で描かれた熊手のような形のうす黒い葉が画面を覆い尽くしています。下の部分、手前の浜木綿の白く細い花が引き立って見えてきます。この過剰さの中の繊細さが、なんとも言えません。加減を知ったのだと思います。298 枇榔樹の森に浅葱斑蝶田中一村は奄美に生息する蝶の絵を何点も描いています。浅葱斑蝶（アサギマダラチョウ）は青いマダラ模様の蝶です。一村にとって南国の蝶の羽の派手な色彩と複雑な模様は自然の造形美の極致、象徴と見えたのでしょう。「美は細部に宿る」と言いますが、森に舞う蝶たちはまさに美の化身に違いありません。300 枇榔樹の森黒い枇榔樹の葉の幾何学的模様が画面全面を覆い尽くしています。葉を墨で描くというのは、初期の水墨画に通ずるものがあります。ですが、この墨はモノクロームではなく、色の一つとして使われています。では、なぜ黒なのか。これは奄美で枇榔樹を見ないと確かめられませんが、強い日差しの森の中で濃い緑の葉が光の影になった時、ほぼ黒く見えるからではないでしょうか。絵で見た時は作者による象徴的表現、ないし抽象的表現に見えるものが、実は見たままだったということはあります。301 「アダンの海辺」この絵は他の絵と全く異質です。主題は手前の植物ではありません。一村本人も言及していて、主題は植物ではなく奥行きのある景色の方。砂浜と打ち寄せる波のリアルな描写。視線は自然と手前の植物を飛び越えて、後方の海に誘導されます。他の作品から何段階も飛躍した、まさに新境地。もっと長生きしていれば、新しい一村の作品が見れたことでしょう。１９７７年６９歳で逝去。まだ若かったと思います。間違いなく一つの境地に達した画家ですが、時が許せば更なる高みも見せてくれたのではないでしようか。奄美の田中一村記念美術館には必ず行こうと思います。 ↓ランキング参加ありがとう中！押していただけると嬉しいです！　
15Nov
- MEET YOUR ART FESTIVAL 2024
  MEET YOUR ART FESTIVAL 2024天王洲運河一帯２０２４年１０月１４日（日）２年ぶりの開催のMEET YOUR ART FESTIVAL です。天王洲とはいい場所を選びました。とても気持ちの良い会場でした。水があると心が安らぎますし、空が広い。次回もここでお願いしたい。アートエキジビジョン「SSS：Super Spectrum Specification」寺田倉庫 G1ビル作品ごとのスペースは大きくとってあり、パフォーマンスもありました。MES ≪ダイ／DA-I≫じっくり見るべき作品だったのですが、最初の展示でしたのでサラッと流してしまいました。中央に倒れている人にプロジェクターで、文章が投影されています。奥のスクリーンにも同様の文章が。ここに横たわる何者かの考察めいた言葉が綴られていきます。生と死にまつわる内容です。松田将英　≪Emergency Stacks≫これは笑ってしまいました。現代アートは文脈が大事とよく言います。ミニマルアートで有名なドナルド・ジャッドという方がいまして、その作品にミネラルウォーターのペットボトルを突っ込んだ作品。という説明は怒られるかもしれません。本当にその通りなのでやはり文脈が大事です。ボマ・パク　≪真昼の黒水≫行列の入場整理に使用するテープのようなものに鈴がついています。解説を読んでもよく分からず地味な作品だなあと通り過ぎてしまいます。実は可動式の作品で、係りの方が定期的に配置を変えると、鈴の音がジャラジャラと鳴る。これが意外に会場内でよく響いて、何じゃと目を引きます。題名の意味がわかりませんがサウンドアート作品と理解しました。シュウ・ジャウエイ　≪黒と白　ジャイアントパンダ≫シュウ・ジャウエイは台湾のアーティスト。政治的な内容を積極的に楽しく、わかりやすく見せています。いわゆる中国のパンダ外交を漫才形式にして説明する作品です。日本人向けに日本人の芸人を使い日本語で行うバージョンもあります。ゴッドスコーピオン　≪無始無終（VR）≫ＶＲ作品です。予約しないと見ることができないのがネックです。見れなかったので、忘れないように記録しておきます。Collecting? Connecting?WHAT MUSEUM元々このアートフェアとは別に開催されている展覧会ですが、同じ天王洲エリアなのでＭＹＡＦ期間中は共同開催となっています。現代アートの展覧会ですのでうまくハマっています。やんツー遅いミニ四駆　－　サンダードラゴンプレミアムその名の通り、遅いミニ四駆。カタツムリや亀のようにジリジリとゆっくり進みます。急ぎ過ぎる日常をおくる現代人を揶揄しているようです。長田綾美　floating ballast重力を用いた作品です。シンプルな美しさがあります。松山智一　　Baby, it's Cold Outside松、竹、桜、鶴と日本の伝統的のモチーフが織り込まれた現代の日本画ともいえます。カンヴァスの形が面白いです。奥中章人　「Synesthesia」展　３０分待ちの作品。待った甲斐はありました。部屋いっぱいの巨大な風船の中に入る体感型のインスタレーション作品です。大きな水ぶとんが敷いてあり寝ることができます。たぷんたぷん、ゆらゆらして気持ちが良かったです。アートフェア「MEETS　YOUR　ARTISTS」B&C　HALLアートフェア「CROSSOVER」E　HALLギャラリーが作品を持ち寄って行うアートフェア。日本人アーティストの作品が色々見れました。米澤柊アニメーションで発生するオバケをテーマに様々な作品を作っています。徳永葵リアルな風景の中にいるペランペランな人物像。切なさ、繊細さが伝わってきます。松村咲希あざといくらいに見た目の綺麗さとオシャレさが盛り込まれている。Lee Yuen Chen身の回りの雑貨を描いただけなのに、存在感があります。YU SORAレシートの黒く印刷されている部分を黒い糸で器用に刺繍にしています。髪の毛のようでもあり、ちょっと怖いです。すずえり小物を集めて作る役に立たない動くオモチャです。見ていて飽きない魅力があります。Sareena Sattapon偏光フィルターを通すと映像が見える作品。この作品の本質的な面白さはそこではなく、下にあるカバンだったりするのですが、目は行ってしまいますよね。佐々木類化石のように植物などをガラスに封じ込めた作品。美しいです。松井照太中にある木片ではなく、歪んだ透明なアクリルケースが作品の肝。ライブも行っていました。さすがはエイベックス系。私が訪れた時は台湾のアーティスト「南西肯恩」が演奏中。アコースティックな癒し系の曲で休日の午後にピッタリ。せっかくだったのでＣＤ買いました。展示も多く、イベントも盛りだくさんでした。それでもほどよい賑わい、落ち着いた雰囲気のアートフェアでした。MEET YOUR ART は、YouTube チャンネルも好きなので、今後もますます盛り上がって行くことを期待しています。「アートと出会う」現代アート専門番組【MEET YOUR ART】「MEET YOUR ART」は、YouTubeのアート専門番組を中心に、ECやフェスティバルなどを複合的に展開するアートプロジェクトです。“新たな手法で、多くの方へアートに触れるきっかけや、特に若手のアーティストを知る機会を創出すること”を目指します。"MEET YOUR ART" is a project centered around a You…youtube.com↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。