アートコラム Conceptual Cafe -4ページ目

アートコラム Conceptual Cafe -4ページ目

ホームピグアメブロ

芸能人ブログ人気ブログ

12Aug
- 超・日本刀入門 revive　― 鎌倉時代の名刀に学ぶ
  超・日本刀入門 revive　― 鎌倉時代の名刀に学ぶ静嘉堂＠丸の内２０２４年８月８日（木）日本刀って流行っているみたいだけれど、今さら日本刀のことなんて聞けない。と、お悩みのあなた。静嘉堂文庫美術館が「超・日本刀入門」と題した展覧会を開催しています。国宝、重要文化財もあり、写真も撮り放題。展示も見どころがよくわかるパネルつき。例えば2 刀　銘（一葉葵紋）主馬首藤原朝臣一平安代こんな感じです。これならどこを鑑賞すれば良いかよくわかりますね。ちなみに「一葉葵紋」はこちら。日本刀の鑑賞のポイントは３つあります。姿　　　全体のかたちのこと鍛え　　鉄そのものの質感刃紋　　刃の部分にある模様実はもう一つ来歴もありますが、これはおいておきます。３つの中で「鍛え」と「刃紋」が難易度が高い。実際手にとって光の当て方を変えながら、目を近づけないと見えません。幸い平日でガラガラでしたので、納得いくまで見て写真を撮ることができました。10 伝　相州行光　刀　大磨上げ（号　渋江行光）刃が厚く切先が大きい長い刀です。刀は長く使っているうちに消耗してくるので短くすることがあります。それを磨上げ（すりあげ）といいます。この刀の「大磨上げ」とは元の刀をかなり短くしたので、ついた呼び名です。鍛えは、よく練れた板目肌。白く光っているすぐ左の部分にうっすらと見えます。15 奥州宝寿　≪太刀　銘　寶壽≫これも長い。奥州とは奥州藤原氏のいた東北地方の奥州。平安時代は一大勢力でしたから鍛造の技術も高く、平泉で活動していた一派が、宝寿です。光っている部分、鍛えがキレイに写っています。綾杉肌といいます。これに重なるように刃紋が入っています。16 大原安綱　≪太刀　銘　安綱≫平安時代の刀です。反りのある日本刀「彎刀（わんとう）が作られるようになったのはこの時代ですが、現存するものは多くありません。１０００年前のこの安綱は状態がいい。反り具合がゆったりしていて、刃紋は直刀（すぐは）、地金は梨地（なしぢ）とシンプルで好感が持てます。17 古備前高綱　太刀　銘　高綱（号　滝川高綱）附　朱塗鞘打刀拵意識して刀身を重点的に見ていますが、こちらは鞘を見てみましょう。朱塗りの鞘の打刀拵（うちがたなこしらえ）は戦国末期の様式。柄の先端、頭（かしら）に２種類の家紋「織田木瓜」「桐紋」が入っていますので、織田信長の注文したものと考えられています。18 古備前行光　太刀　銘　行光鎌倉時代。８００年前の太刀です。展示していた刀のなかで、最も長かったと思います。わずかに磨上げた形跡があります。これを振り回していたとは。21 左安吉　短刀　銘　安吉（名物　日置安吉）短刀、脇差は、短い刀の呼び名です。一尺（約３０センチ）以下なら「短刀」、一尺（約３０センチ）以上なら「脇差」です。名前の中に「名物」とあるように本阿弥家の編纂した「亨保名物帳」に載っている一振りです。25 伝長船兼光　≪刀　大磨上げ無銘（号　後家兼光）≫姿が大ぶりで端正、堂々として美しい。直江兼続のイメージにあっています。太閤秀吉から直江兼続に渡り、兼続の死後、妻のお船の方から主家に献上。「後家兼光」と呼ばれるようになりました。　美しい蒔絵の打刀拵は明治になって新調されました。大切に扱われていたということでしょう。空いていたのはラッキーでした。日本刀の理解が一段深まりました。パネルも入門者向けの基礎的なものがあり、今さら聞けない話もよく理解できました。静嘉堂＠丸の内は、美術館と冠していないようにギャラリーというくらいの広さです。日本刀のような鑑賞に集中力を必要とする美術品を見るにはちょうど良い空間だと思います。東京駅丸の内という便利のよい場所ですので、立ち寄ってみてはいかがでしょうか。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
10Aug
- 表参道ヒルズ　チームラボボーダレス
  森ビルデジタルアートミュージアム：エプソンチームラボボーダレス２０２４年８月９日（金）表参道ヒルズにあるにチームラボボーダレスへ行きました。外国人観光客がいっぱいいました。入ると壁一面に花。波空通路床にも。映像が映って無い場所がない。四季折々。藤の花。朝顔。綺麗です。広大なお花畑のような。飛びかう八咫烏。伊藤若冲のオマージュ。ゾウもいました。高精細モニター。舞い散る花びら。鳥獣戯画の蛙や兎の行列。宙に浮かぶ楽師。一般の入場料４０００円は安くはありませんが、このクオリティなら納得です。表参道ヒルズに行く口実に行ってみてはいかがでしょうか。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです。　
09Aug
- 徳川美術館展　尾張徳川家の至宝　サントリー美術館
  徳川美術館展　尾張徳川家の至宝サントリー美術館２０２４年８月３日（土）この展覧会、見どころは２つです。（３つじゃないの？と思う方、いいんです。２つで。）豪華な大名の婚礼調度国宝徳川美術館は名古屋にあります。東京に住んでいると、なぜかあまり聞くことがないのですが、コレクションがとても充実している立派な美術館で、絶対に行くべき美術館です。今回は尾張徳川家の所蔵していた品々のほんの一部がきています。さすが御三家の筆頭である尾張徳川家という内容です。10 太刀　銘　長光　名物　津田遠江長光丁子の刃文が特徴的。織田信長の所蔵していたもので、本能寺の変で明智光秀の手にわたり、色々あって尾張徳川家へ。12 刀　銘　村正徳川家に災いを招く妖刀と呼ばれることもありますが後世になって広まった作り話というのが専門家の見解です。刀全体に広がる花びらのような刃文が珍しい。これが気味が悪く感じられたのかも。13　脇差　無銘　貞宗　名物物吉貞宗徳川家康が所有していたもので、これを帯びて戦に臨むと負けなかったそうです。物吉とは縁起がよいことを意味してます。刀身に素剣と梵字の彫刻がいれてあります。私の好みの脇差は彫刻がなく梨地で、地味によく切れそうな実用性の高いものなのでこれは違いますね。40　柳燕図その名の通り、柳の葉の下を飛ぶ燕の図。伝牧谿（もっけい）筆。牧谿は中国の南宋末から元初の水墨画家です。日本では高く評価されていて、国宝、重要文化財も何点かあります。これまでも何点か見ましたが、大体紙が黄色く墨も掠れてよく絵が見えないものが多い。未だに良さがわからないので、誰かに良さを教えてほしい。51　織部筒茶碗　銘　冬枯織部にしてはずんどうで筒のような整った円柱のかたちをした茶碗です。この展覧会で展示されていた茶碗はどれも大きいものが多い中、これは小ぶりで織部らしい衣装。ただ釉薬は緑ではなく黒い。148　琴龍頭と竜尾に施された装飾が凝っていて、はめ込んである大きな鼈甲が印象に残ります。琴のほかに三味線、琵琶などの楽器も展示されていました。保存状態がどれもとても良い。106　香木　手鑑　銘　蘭奢待　　十種名香の内蘭奢待ですよ。蘭奢待。正倉院に保管されている門外不出の伝説の香木。時の権力者たちが、手に入れるために手を回したので、ここにも展示されています。大きさは女性が貼り付けるネイルくらい。一体どんな香りがするのでしょう。117　菊折枝蒔絵四種盤調度品の香のセットが贅をつくしたものでした。繊細な装飾が施されていて、見るからに高価なものです。徳川美術館の大名の婚礼調度は本当に豪華です。「菊折枝」とは菊の折枝を散らしている蒔絵が施されているもの。近衛家の福君（さちぎみ）が、尾張徳川家十一代斉温（なりはる）に嫁いだ際に準備した調度品です。142　純金葵紋蜀江文皿143　純金葵紋牡丹唐草文皿三代将軍家光の娘、千代姫が尾張徳川家に嫁いだ時の婚礼調度の品。素材を調査した結果、金９５%、銀５%、２３金の皿と判明しました。表面と裏面の両方に施された牡丹や唐草などの繊細な模様が見事です。125　銀檜垣に梅図香盆飾り先ほどの香のセットは蒔絵を施したものでしたが、こちらはヨーロッパで作られるような洋食器っぽい銀細工。日本の職人は腕がいいです。175　源氏物語絵巻　橋姫国宝です。現存する源氏物語の絵巻としては最も古い。三巻の巻子として伝わりましたが傷んでいたので、明治の初めに額装に直しました。その後、空気に触れるのが保存上よくないとわかり、改めて15巻巻物となって今日にいたります。展示されていたのは宇治十帖の「橋姫」。薫が八の宮の屋敷を訪ねて、その姉妹を覗き見る場面。繊細な極細の線で描かれた人物像、色彩豊かな姫君たちの着物。やまと絵の代表的なものです。170　胡蝶蒔絵将棋盤・駒箱その名の通り、将棋盤と駒。将棋盤の盤面と駒は普通に地味な通常の仕様ですが、盤の側面な蒔絵の飾りがすごい。建築、柵、木々、宝珠、岩がきっちり描かれた凝った将棋盤です。全体的な感想は権力者って金持ちなんだと納得した展覧会でした。茶道具も展示されていたのですが、侘び寂びとか忘れてしまうのは贅沢な雰囲気に包まれているからでしょう。ハイソなカルチャーもこれはこれはでいいモノです。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
06Aug
- ロートレック展　時をつかむ線
  フィロス・コレクション　ロートレック展時をつかむ線SOMPO美術館２０２４年７月１４日（日）ロートレック（１８６４年〜１９０１年）は短命でした。３６才で亡くなりました。貴族の出身でありながら、パリのモンマルトルに住み、キャバレなどに通いつめ、ベル・エポックと呼ばれる時代の雰囲気を切り取ったポスターやリトグラフを残しています。今回のフィロス・コレクションからは素描が多く取り寄せられています。ロートレックの作品にとって線は大きな魅力です。だから素描を取り上げるのはとてもいい。子供の頃に絵を学んだ先生は馬を描くのが得意だったそうで、馬の素描もありました。上手さは神童というレベルではないと思います。しかし、動いているものをとらえる訓練は、後に作品に生かされているかもしれません。2-8　イヴェット・ギルベール当時の人気歌手の一人。目が細く鼻筋が通った特徴的な顔立ち。肘まである長い手袋がトレードマーク。この絵はそれほどでもないですがデフォルメを効かせて描くこともよくあり、そういう絵はご本人には不評だったとのことです。ロートレックは女性を美人に描かず、絵として面白く描くことに長けた画家です。この資質はどこから生まれたのでしょう。2-14　キャバレのアレスティド・ブリュアン（文字のせ前）アレスティド・ブリュアンは歌手であり、キャバレのオーナーでもあったそうです。上半身の丸みをおびた形は紺のベタな面なのに立体的なボリューム感があり、とても貫禄のある人物像です。赤いマフラーが鮮烈で目を引きます。ポスターになったロートレックの代表作です。2-16　マルセル・ランデール嬢の胸像ロートレックにしては美人に描いています。きっと本当にすごい美人だったのか、好みのタイプだったのか、或いは両方か。多色刷りのリトグラフで、色数の多さからもロートレックがとても力を入れていたことがよくわかります。2-21　斜め向きのランデール嬢の胸像もう一点、ランデール嬢です。ロートレックの素描には舞台の照明が顔に下から当たっているものがいくつもあります。子供が懐中電灯を下から顔に当ててお化けのフリをするようなライティングであまり顔が魅力的に見えないと思いますが、舞台ならではの臨場感があります。素描では顔の部分の陰影は線を重ねて描いていて、対象の明暗を正確に捉えています。枠線だけで描かれたリトグラフやポスターとは違う一面が見えます。2-39　クレオ・ド・メロード（版画集『男優と女優の肖像』）背後から横顔を描いた女性像。黒い帽子に黒いドレス、黒いソファで、画面がベタな黒で覆われています。魔女のような妖しい雰囲気です。どんな女優なのかググったら、すごい美人でした。これはきっと役作りした後の姿でしょう。5-15　ポニーのフィリベール馬に乗った女性の絵です。馬がよく描けています。若い頃はまだまだでしたが、馬の描き方も習得していたようです。3-10『ラ・ルヴュ・ブランシェ誌』のためのポスター雑誌のポスターです。スケートをしている女性を描いています。スケート靴は見えませんので、そのものを描いたのではなく動いている人物の面白いポーズをうまく切り抜いています。軽快な感じが洒落ていて魅力があります。4-1　エルドラド、アリスティド・ブリュアン、彼のキャバレにて再びアレスティド・ブリュアン。こちらも貫禄があります。この衣装が板についていますね。手にしているのは杖のようですが、サーベルのようにも見え、将軍のような風格があります。Ｔ字型をした真っ赤なマフラーがとても効いています。4-2-1　ジャヌ・アヴリル（文字のせ前）ダンスをしている足のポーズ、顔の表情の捉え方がロートレックらしいです。最もカッコいいポーズを選ぶより、面白い形を選んでいるように見えます。これがドガならステージの踊り子はもっと素敵に描くでしょう。弦楽器をつかむ手が絵を囲み装飾的にあしらわれているアイデアも面白いです。4-2-2　ジャヌ・アヴリル（ポスター傑作集）スカートの色が元の絵と違う赤なのは、元の絵が褪色したからなのか定かではありませんが、赤の方が断然良いです。リトグラフは色を変えるのは容易いので、試行錯誤を繰り返していたのかもしれません。4-3　ディヴァン・ジャポネこれ、いいですね。女性のプロポーションを正確に捉えているのに、帽子とドレスのシルエットが独特でおかしな黒ベタの形をした女性に見える。奥手にニョキニョキと突き出た弦楽器の先端と指揮者の手が奇妙で目を引きます。早くのびのびとした線ではなくて、ムクムクとした動きを感じさせる線で、生々しく対象を表現しています。ポスターの点数は多くはありませんでしたが、ロートレックらしさが感じられる展覧会でした。限られた線と色で人となりが表現出来るのが、ロートレックの上手さです。そういう魅力が堪能できると思います。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
29Jul
- 高田賢三　夢をかける　東京オペラシティアートギャラリー
  高田賢三　夢をかける東京オペラシティアートギャラリー２０２４年７月２８日（日）ファッションに疎い私でも「ＫＥＮＺＯ」、高田賢三（１９３９〜２０２０）は知っています。１９６４年に単身パリに渡り、１９７０年には自分ブランドを立ち上げ、あれよあれよという間に世界的なデザイナーとなりました。とはいえ、ファッションはよくわからないので、サクッと写真を並べます。1 ドレス２０年かけて集めたリボンを縫い合わせたウエディングドレス。2 ドレス　3 ドレスデビュー（？）当時は日本の素材を用いていました。「木綿の詩人」と評されていたそうです。9 ドレス、シャツ、帽子これ、カワイイですね。15 ドレスバルーンルック。16 ジャケット、ベスト、帽子17 ジャケット、パンツ、帽子18 カーディガン、サロペット、帽子テニスルック。19 ジャケット20 プルオーバーツイードルック。25 ブラウス、スカート26 ブラウス、スカート僧侶ルック。28 コート29 ジャケットミリタリールック。32 プルオーバー33 プルオーバー、スカートＢＤルック（バンドデシネルック）。34 ドレス、帽子サンクトペテルブルクのイメージでデザイン。サンクトペテルブルクルックとは言わないみたい。ここまでが最初の１０年くらいの作品で、世界中のファッションからヒントを得て、次々と作品を生み出してきたことがよくわかる展示でした。T-3 「宝石の女」の衣装宝塚の舞台用の衣装。兵庫出身の高田賢三は、子供の頃、宝塚歌劇を見て影響を受けたそうです。宝塚だけあって、派手です。T-4 アテネオリンピック開会式用公式服装　　トップス、フーディー、パンツ、帽子T-５　アテネオリンピック開会式用公式服装 Tシャツ、パンツ、帽子アテネオリンピックの選手服。これ覚えています。オリンピックとなると、日の丸の真っ赤と真っ白で最悪な選手服というイメージでしたが、これは爽やかでした。最後の展示室は、ファッションショーさながらに華やかなでした。これだけ色彩が乱舞していると気分も上がります。難解なものではなく、親しみやすい展覧会でした。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
27Jul
- ブランクーシ　本質を象る　アーティゾン美術館
  ブランクーシ　本質を象るアーティゾン美術館２０２４年７月７日（日）展覧会の最終日の来館となりましたが、来てよかったです。ブランクーシ（１８７６〜１９５７）はルーマニア生まれ。ブカレスト国立美術学校卒業し、パリに出て国立美術学校入学します。1 プライド初期の作品。ブロンズです。当時は彫刻の巨匠、ロダンがまだ健在でした。80　オーギュスト・ロダン　カミーユ・クローデルブランクーシはロダンの工房で働いていたこともありますが、１年を待たずに辞めています。対象を正確にとらえ、その内面を形にしていくロダンを真似る気はなかったということでしょう。確立した形式の先に独自の美は生まれない。対象の本質とは何か。この問いかけに全く違う答えを導き出したのがブランクーシです。2　苦しみ心情がタイトルになっているものの、傾いた頭部は髪の毛のボリュームが薄く表面に光沢のある卵形。時系列に見ると形そのものの美しさを追求していくこの後の展開を感じさせる作品です。4 接吻フォルムを重視する以前の作品。原始時代の彫刻のようなシンプルさが強いインパクトを与えます。写実的な表現技術を使いリアルな造形をすることよりも大切なことに、この頃気づき始めたと思います。彫塑でなく、直彫りというのも大きな変化です。素材と向き合うという方向性が現れています。3　眠る幼児頭部だけの彫刻。それだけなら珍しくありませんが横に寝かせて置いてしまうと話は違います。人体をモノと扱っているようにも見えますが、身体はなくとも横たわる身体というイメージは内包できるという気づきが、この後の作品に応用されていきます。7　うぶごえ　いきなりピカピカになりました。ここに至るまでの試行錯誤となるような作品は展示されてはいなかったです。タイトルからすれば、赤ちゃんのはずです。あまり顔には見えないのですが、顔でしょうか。丸まった赤ちゃん身体とも違うようです。元の形がわかるかわからない極限まで対象をシンプルにしていくのは、匙加減がむずかしい。8　ミューズ　確かにミューズに見えます。現実的な立体から徹底的に要素を省いていき、幾何学的形状に近づくと生物とは違うフォルムの美しさが生まれます。ピカピカに仕上げた鏡のような表面に映り込む周りの景色も美しい模様や時には表情のように意味をもってきます。9　新生Ⅰどちらが前かよくわからない作品もあります。これは後ろから撮っています。前からみても顔には見えないし、どこが何かわからないと単なるオブジェです。完成した作品からもとのイメージを想起できるかできないかで印象は変わります。ブランクーシがどこまで具象的なニュアンスを残そうとしているのか、聞いてみたいところです。　12　眠れるミューズⅡこれはわかりやすい。どう見ても顔です。逆にいうとオリジナリティが少ない。ここまでなら誰でも辿り着けますし、フォルムに元の具体的なイメージが勝ってしまっていると思います。10　頭部先ほどとは反対にこれはどこがどこだかわかりませんでした。顔には目、鼻、口、耳とありますが面になってしまったのでしょうか。ここまで来ると、完全な抽象を目指しても良さそうなものですが、その一線は越えないのも面白いところです。82 モディリアーニ　若い農夫モディリアーニが元々彫刻家だったことを最近知りました。それを知ってなぜこの顔の形にこだわるのか納得がいきました。ブランクーシとは交流があり卵型の頭部という造形に共感しあう部分があったそうです。モディリアーニにはこの平面的な人物像のむこうに三次元が見えていたはずです。83 マルセル・デュシャンマルセル・デュシャンあるいはローズ・セラヴィの、または、による（トランクの箱）シリーズＢ撮影ＯＫのマルセル・デュシャンの作品は珍しい気がしましたので、撮影しました。デュシャンとブランクーシは交流があり仲も良かったそうです。デュシャンはアメリカでブランクーシのために展覧会の企画もしています。アトリエブランクーシのアトリエには作品の展示もされていました。これは再現展示です。展示台にもこだわりがあり、単なる倉庫とは一線を隠したものだったようです。11　若い女のトルソトルソですから女性の裸体から作り出したものですが、これは女性には見えないなあ。こういう女性は現実にいますけど。15　若い男のトルソこれは見た瞬間に男性のトルソだとわかりました。どこがそれらしかったのでしょう。下部の二股に別れた部分が尻と腿をイメージさせます。胴体はずんどうですが、筋肉質な体躯が見えるようです。18 レダギリシャ神話です。ゼウスが白鳥に化けてレダを誘惑して、レダは卵（？）を産み、、、云々。彫刻の円い台座が鏡面仕上げとなっていることで、水面に浮かぶ白鳥がイメージされます。ピカピカで神々しい白鳥は神の変化（へんげ）とも見え神話らしさのある彫刻です。17　魚この魚をそれらしくないと思ったのは私が日本人で、おそらくブランクーシより魚を知っているからでしょう。魚ってこうじゃないと感じます。レダと違いただの魚ですし。13　雄鶏なんとなく雄の鶏に見える。どちらか頭でどちらか尾か判別できないのに、力強く屹立する雄鶏を感じます。19 空間の鳥ブランクーシの代表作にして到達点。具体的なモチーフから極限まで単純化したフォルム。この作品の主張は明らか。鳥とは空を飛ぶものである。翼がないのに飛翔感があります。ここまで単純化されれば、複製は容易い。この作品のすごさはこの形に辿り着いたことです。鏡のように輝く表面の加工もこの形状によって引き立ちます。鳥の本質を端的に表現しています。今回の展覧会はとても見やすかったです。よい作品集めてコンパクトに構成されていました。動線の自由度も高く、撮影もしやすい。彫刻は３６０度、全方向から見せる必要があるので、そのあたりが功を奏しましたね。最終日にしては混んでいなかったのはラッキーでした。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
17Jul
- 第８回横浜トリエンナーレ
  第８回横浜トリエンナーレ　野草：いま、ここで、生きてる２０２４年５月３日（金）横浜トリエンナーレは第８回を迎えました。リニューアルした横浜美術館と合わせて主な会場は３カ所。横浜美術館　旧第一銀行横浜支店BankART　KAIKO今回はキュレーターの意思が強く反映されたトリエンナーレでした。タイトルの中にある「野草」という言葉に野に咲く花みたいな牧歌的なイメージを持っていましたが、そんなヤワな意味ではありませんでした。国家、権力に対する草の根の個人とも言うべき意味で、個人の表現の極地たるアーティストの連帯こそ世界の課題に対抗できる、そんな想いを感じました。キュレーターの中国人アーティスト、リウ・ディン、キャロル・インホワ・ルーの二人に企画を託した事務局に敬意を表したい。中国のアーティストは、日本人より社会的、政治的なテーマに対して前のめりで日本の近代史についても造詣が深いと感じました。実際、最初の展示室から政治的な作品が溢れて、困惑した方もいそうです。私もその一人でした。アートができることは何か？新自由主義が主流になりつつある世界で持たざる者はどうやって不遇な境遇から抜け出せるのか？１９００年以降から現代まで、闘争めいた作品を何点も取り上げています。ジョシュ・クライン今話題の生成ＡＩにとって代わられてしまう人たちの末路を表現。弁護士、秘書など用済みになってビニール袋に放り込まれうち捨てられている。社会に大きな変革が起きる時、階級も覆ります。明日は我が身と思うか、調子にのっていた奴がいい気味だと思うか。トマス・ラファ世界各地の政治的デモの様子を映した映像作品。日本ではそのスジの専門家の集まりのように見えるデモですが、海外は違うように見えます。移民の拡大に反対といった理想と現実が衝突する問題に対して、自ら行動してアピールすることが少ない日本人も変わって行くのでしょうか。インゴ・ニアマン／エリック・ニードリング人里離れて自然で独りで暮らす男のモノローグ。自然の中で心静かに生きているのかと思えば、文明や歴史についての哲学的な考察が続きます。生活を変えても、心の中に自然が溢れる訳でもない。休暇をとっても仕事が頭から離れない日本人のように、人はなかなか変わらないものです。浜口タカシ日米安保をめぐる学園紛争などの記録写真。政治活動が暴力を伴うことは世界的は珍しくありませんが、今日の日本では歴史上の話になっています。豊かさが奪ったこの国の暴力性は貧困によって蘇るかもしれません。エクスパー・エクサー香港のミュージシャンにして現代アーティスト、エクスパー・エクサー。聞いたことがないのですが、たくさん作品が展示されていました。この猫はパフォーマンスの舞台で使ったオモチャで、ステージでの緊張を和らげる意味もあったそうです。　今の香港のアート界はどのような感じなのでしよう。中国では表現の自由が規制されているといいますが、中国の現代アーティストは日本より過激な表現を好むようにも見えます。リタ・ジークフリード不思議な雰囲気の風景画を描きます。緻密でリアル、画面の隅々までフォーカスが合っていて、非現実的な印象を与えます。想像で構築して描いたのか、実際の風景を見つけたのか、構図や切り抜きかたも巧妙です。ポツンと座る１匹の犬が寓意を匂わせます。ジョナサン・ホロヴィッツアメリカではエッセンシャルワーカーが移民によって維持されていることが、コロナによって顕在化されました。被写体は「アメリカ合衆国は移民を受け入れろ。」と主張する人々。アーティスト自身の直接的な表現でもなく、記録写真とも違う、それでいてメッセージの明快な作品です。ラファエラ・クリスピーノ／オズギュル・カー左側の鏡の壁はラファエラ・クリスピーノの作品。上部のネオン管の白い文字はＳＦ小説「惑星ソラリス」からの引用。We don’t want other worlds, we want mirrors.我々は別の世界を必要としているのではない、我々は鏡を必要としているのだ。人間は世界の不可解を受け入れることができるほど賢くはない。自分の知っていることを受け入れるだけ。宇宙の神秘、真理に対して用いる言葉なら諦めもつきますが、政治的な文脈の芸術祭においては、人間は自己の主義主張以外は受け入れることはできないという世界の変わらぬ対立の構図とも読めてしまい暗い気分になります。右側の奥の縦長のディスプレイに表示されている骸骨の映像作品はオズギャル・カー。骨の楽器を奏でる骸骨の姿はこの細長い画面に合いますね。会場のあちこちに展示されています。社会的な表現のそばでメメントモリと囁いています。佃弘樹日頃心に浮かぶ色々な妄想を二次元に叩きつけ、近未来的な世界観を作り上げる日本アーティスト。子供の頃から触れてきたアニメ、ゲームなどのイメージを源泉に描いています。左の作品を見て「北斗の拳」のジャギを思い出したのは私だけでしょうか。アネタ・グシェコフスカ今回もっとも好きな作品。ある種の皮膚感覚のようなものが立ち上がってきます。自分の姿を模した胸像をつくり、自分の娘と遊ばせています。次第に打ち解け（？）ていき、胸像と遊ぶ様子を捉えた写真を見ていると、人間が他者と関係を作る能力の高さに気づかされます。静謐で落ち着いたモノクロの画面がかえって生々しさを引き立てます。丹羽良徳自らに設定したルールに則り行動するパフォーマンス作品。社会のルールに対して疑義を投げかけるのがテーマ。足場の周りに政治スローガンの体裁で描かれているのがルールで、これを実際に行った記録動画も展示されています。コンセプトは理解できるのですが実際に実行すると、おかしな行動をする怪しいオッサンにしか見えません。そう、それがアートなのです。你哥影視社台湾の工場でベトナム人労働者が起こしたストライキを作品化したもの。給料の未払いに抗議して出稼ぎ労働者が工場に立てこもりました。ストの様子はインターネットにより中継され、中の様子も知られることとなりました。常時接続された映像からはデモばかりでなく、立てこもり生活の普通な日常も流されました。闘争の中にも常に当たり前の日常があります。この環境が砦に見えるか、わが家に見えるか。クララ・リデン街を歩いて行く男の姿をワンカメで撮影したゲームのようなアングルが面白い映像作品。テーマは違いますが、他のアーティストでもこういう表現を見たことがあります。すれ違う通行人もそれっぽくて何が起こるか気になって目が離せない妙な魅力があります。坂本龍一２００６年、ビデオアートの巨匠、ナム・ジュン・パイクが亡くなった時に坂本龍一が制作したトリビュート作品。元ネタはパイクがバイオリンを引いて海辺を歩くパフォーマンス。坂本龍一もそれにならって壊したバイオリンを引っ張って歩きます。音楽家として大家の坂本龍一が、バイオリンを壊すと、作品のもつ音楽的な意味がパイクを上回っていて単なるトリビュートを超えていきます。さすが巨匠です。ルイス・ハモンド痛みを表現することにこだわって描かれた作品です。構図は人物に寄っています。薄黒くムラのある肌はアザのようにもみえます。顔を背け表情は見えませんが却って耐えがたい痛みを耐え、それを悟られないように隠しているかのようです。肉体的な痛みではなく精神的な痛みでしょうか。絵画における人物表現にまだ見ぬ新しい可能性を感じさせる作品です。志賀理江子　霧の中の対話宮城県牡鹿半島山中にて、食猟師の小野寺望さんが話したこと以前、東京都現代美術館で志賀理江子の作品を見ました。じっくり読まないと理解できない社会派の作品です。ここでは最近日本各地で話題になっている野生動物の駆除にまつわる話。動物は自然のままに生きているだけなのに、現代人は危ないから殺せ、かわいそうだから生かせ、など、人間社会の価値観で命を語ります。自然の中で命と対峙する食猟士の語る言葉の重みは、読んでいて息がつまります。マイルズ・グリーンバーグ自らの体の動きを３Ｄスキャンし、立体として出力した彫刻作品。新しいテクノロジーの使い方として面白いアイデアです。ヨアル・ナンゴ　物に宿る魂の収穫北欧の遊牧民、サーミ族は、なにも持たずそこにあるものを利用して生きていくのが習わしです。サーミ族の血をひくナンゴは、その土地にあるものを使い作品を作ります。「彼らは決められた道を行かず、誰かが定めた秩序にも従わない」横浜美術館の外壁に展示されたのはサーミ族の言葉を記した作品です。サンドラ・ムジンガ　　出土した葉天井から吊り下げられたり、フロアから大きく立ち上がっている紫色の物体。植物のようでもあり、動物のようでもあり。横浜美術館の広いエントランスにいくつも展示された大きな作品は空想上の未知の世界の生物のようです。オープングループ（ユリー・ビーリー、パヴロ・コヴァチ、アンドン・ヴァルガ）繰り返してくださいウクライナのアーティストグループの作品。写真は動画を撮影したため、おかしな色になっていますが、実物は普通の映像です。ロシアのウクライナ侵攻後、リヴィウにいた市民にインタビューしています。ウクライナ政府は国民にロシア軍の攻撃を受けた時の避難マニュアルを配布しました。兵器の発する音によって何の兵器か判別し、とるべき避難行動が書かれています。インタビューを受ける市民が覚えた兵器の音（オノマトペ）を発声します。英会話の練習のように視聴している人に真似して繰り返すよううながします。BankART　KAIKO の会場の外の地面のガラスの下にモニターが仕掛けられています。足もとに仕掛けられたモニターに映る地下のフロアに人が現れ脚立に登って、ガラスに何かの言葉を書いては消していくパフォーマンス的な映像作品。設置の妙に感心しました。インターアジア　木版画マッピンググループ東南アジアでは木版画のアートが盛んです。画材に費用がかからない媒体だからです。木材があれば板木にできますし、色も黒一色。大きさの自由度も高く、何枚も印刷ができます。およそ経済が強くない国である事が多いので、テーマも政治的なものが多いです。その分、メッセージが明快で力強い作品が多いです。ヤマガタ・トゥイークスター（山形童子）韓国では、政治活動と音楽が密接に結びついているようです。政治闘争、デモの現場に飛び込みライブパフォーマンスを繰り広げ、ＣＤ、制作物の販売も行うアーティストです。パンカチーフ　ナンシー・リウ、マイケル・ユン、ジョン・ユー香港の深水ふにある布市場の移転反対運動が起きた時、市場で売られている布でハンカチを作り、店主や支援者の言葉を刺繍やプリントして配布するという活動を展開しました。香港のように社会活動が市民のレベルに浸透しているところでは、アピールの方法としてアートな表現もよく用いられます。これはかなり洗練されていると思います。アートな表現はアートなのか？平和な国に生まれた自分はここにいつも違和感を感じます。森山泰久会場の外に展示されていた大型作品。ファッションブランドの大型広告のような体裁をとっています。森山泰久の作品には珍しくコスプレしていません。いや、このモデルっぽい姿がコスプレなのでしょう。アーティストが商業的制作物の中に入り込み、生活の中に登場する。芸術祭にふさわしいメディアジャックアートです。さて、トリエンナーレが終了してからだいぶ経ちました。出展数が多いので時間がかけた割りに、ひとつひとつの作品にはサラッとしか触れておらず、まだまだ書く力が足りないと痛感した次第です。今回は社会運動の色彩を帯びた作品が多数展示されていました。執筆に時間がかかったのは、背景を把握するのに時間がかかったからと言い訳をしておきます。こういう作品をパッと見て感じるに任せるほどの知識や教養は持ち合わせてはおらず、普段から勉強も大事だと思いました。久しぶりの横浜トリエンナーレは面白かったです。芸術祭が各地で開催され都市型の芸術祭は差別化が難しくなっている中、アジアのアーティストを集め、今日の課題に向き合っていくのは正攻法といえます。アートの楽しさより、アートの存在意義を示すことがこれからは重要になってくるでしょう。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
21Jun
- 三島喜美代―未来への記憶　練馬区立美術館
  三島喜美代―未来への記憶　練馬区立美術館２０２４年６月９日（日）三島喜美代の美術館での個展は２０２３年に開かれたのが初めて、練馬区立美術館は２回目だと言う。空き缶や新聞の陶製のオブジェ作品をあちこちで見かけるポピュラーなアーティスト。９０歳を越える今日まで精力的に活動し続けてきたので意外だった。もっと知られるべきだし、これから人気も右肩上がりなのは確かだろう。9 Work-64-Iこれも意外だったのだが初期の作品。コラージュ、抽象画、シルクスクリーンと当時の主流だったものにストレートに取り組んでいる。そもそも具象画を描いていて抽象画はよくわからなかったそう。始めから型破りなアーティストではなかった。14 ヴィーナスの変貌Ｖ抽象画は大きな作品が多くなかなか力強いと思いながら見ていると、解説に、当時本人は自分の作品には迫力がないと感じていたという。思うにこの頃、関西では「具体」が大活躍していてインパクトのある抽象芸術が溢れていたのが理由ではないだろうか。唯一無二の個性がなくては目立たない。他人のやっていないことにしか活路はない。そういう自覚があったのだろう。平面から立体へ、というよりこれまで誰も作ったことのないものを。新聞を陶に転写するというアイデアを思いつき、それを実現するため試行錯誤を重ねて新しい手法を編み出してゆく。薄く割れやすい焼き物の新聞という斬新なアイデアは賛否両論を起こしながら評価されていきます。66　Work 20-Tこれは陶でなく、本物の新聞を使った珍しい作品。平成３１年４月３０日と、令和元年５月１日の新聞の束。生の時代の躍動感をそのまま作品化したもの。本物を使ったことが、時を経て作品を力強くしていくだろう。取扱注意の赤い札は陶製。それがなければただの古新聞で、それはそれで面白かったと思う。　38 Package '78それにしても再現性の高さには驚かされる。若干もったりしている気がするものの、本物のビンと段ボール箱に見える。汚しがうまく、古びた崩れ方もそれらしい。30 Film 75２１世紀生まれの若者は１６ｍｍフィルムを知らないのでは？フィルムも記録媒体だから新聞と同じ見え方になるかというとそうでもない。新聞記事は公共のもので大量に印刷され読者数が多いので、人々の共通の記憶になっている。これはプライベートな日常の景色を撮影したフィルムを転写しているので、第三者には興味が薄い作品になると思う。54 Work C-92この作品、中も詰まっているんですかね。だとしたら重さは何キロなんでしょう。三島喜美代は作品を大きくすることに何のためらいもない。そんなパワフルでエネルギッシュな方には見えないのですが。どちらかと言うとリミッターが外れているタイプだと思います。50 閉じ込められた情報Ｂくしゃくしゃの新聞紙をコンクリートと鉄筋で作った檻のようなものに閉じ込めた作品。タイトル通りですが、テクノロジーが更新されるにつれ過去のものは情報ですら廃棄物になり捨てられて埋もれてゆく。解釈しやすい作品です。81　Work　22-P三島が収集したゴミを組み合わせた作品。古新聞の記事のないものがゴミ。実際ただのゴミですし、ただのアートです。手前の新聞は三島が制作したもの。ゴミはゴミとしてぐちゃぐちゃに仕上げたかったそうですが、生花のように綺麗に整ってしまうのはアーティストの性。　55　サンキスボックスダンボールの作り込みが見事です。サンキストではなくてサンキス。本物に見えます。77　Work　17-Cゴミ箱に空き缶。接近して見ると手描きの塗りむらがわかるし、寸法も少し大きいようだと気づきますが、離れて見ると本物と区別がつかない妙なバランスで描いています。新聞と違い空き缶は本物のゴミに見えますね。79　Work　21-Gゴミ箱にダンボール。空き缶よりさらに再現性は高いです。美術館に展示していなければ、ただのゴミと思って通り過ぎてしまうでしょう。逆に実は本物のダンボールのゴミだったとしてもアートと思って見てしまうでしょう。結局、見る側がこの作品をアートにしているのです。82 20世紀の記憶展示室一面に敷き詰められた耐火ブロック。それぞれのブロックには新聞の記事が転写されています。「情報の化石化」というコンセプトを分かりやすく作品にしています。圧倒的な物量がこれまでに氾濫した膨大な情報を体感させます。古びたひとつひとつのブロックの記事を見ると、見たこと聞いたことがある様々な出来事が写されています。今日では何もかも情報にして、もの凄い勢いで消費していきます。カタチがないものにカタチを与えることでそれが可視化されます。83 化石になった情報 88台車もセットで作品です。古代遺跡から発掘されたような体裁をとることで、化石感が増しています。こういう分かりやすい見せ方が得意です。三島喜美代はインタビュー映像を見ると小柄で華奢な人物で、ガツガツとしていない飄々とした、それでも可笑し味のある関西人。ああしたらオモロそう、こうしたらオモロそう、そんな軽そうなノリで、とんでもないものをじゃんじゃん作ってしまう。とても楽天的な性格に見えます。アーティストでは珍しいタイプではないでしょうか。１００歳越えても一層のご活躍を期待します。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
10Jun
- チャールズ国王の肖像画がアレな件
  イギリス国王チャールズ３世の戴冠後初の公式肖像画がロンドンのバッキンガム宮殿で２０２４年５月１４日に披露されました。この肖像画が物議をかもしています。ご覧になっていない方は、まずこちらを。King Charles: First official portrait since coronation is unveiled, painted by Jonathan YeoQueen Camilla is said to have looked at the painting and told the artist: "Yes, you've got him."www.bbc.comなかなか攻めた作品です。描いたのはイギリス人肖像画家ジョナサン・ヨー。３年の歳月をかけて描いたそうです。本人によると描く時のポイントは２点。蝶国王の右肩に舞う蝶は絶滅危惧種の「モナーク・バタフライ（オオカバマダラ）」。皇太子時代から環境活動に取り組んでいる国王自ら入れるよう提案したそうです。赤国王がウェルシュカーズ（ウェールズ近衛連隊）大佐として着用していた礼服の真っ赤な赤にヨーは鮮烈な印象を受けたそうで（本当に真っ赤です。)赤を全面的に使っています。さて、肖像画とは特定の個人を描くものです。本人とわかることは大前提。その上で、大切なことは良く描くか悪く描くか　そして、何はともあれ本人が喜ぶのが一番です。どんな人間も長所短所があります。長所を盛って描いて欲しいというのが人情でしょう。ところが美術史に名を残す肖像画の名画が、ご本人の長所を描いていないことは多々あります。　「夜警」レンブラント・ファン・レインレンブラントの代表作にしてオランダ絵画の至宝。明暗のコントラストが強烈で演劇の舞台のようなドラマチックな群像絵画、ではなく実は集団肖像画です。中央の隊長ばかり目立ち、脇に追いやられた隊員たちは前にいる人々の後ろに隠れ短所どころか部分的にしか登場していない。当然隊員たちからは不満の声が上がったそうです。東洲斎写楽世界にその名を轟かす浮世絵師、東洲斎写楽の大首絵。「市川鰕蔵の竹村定之進」「三代目大谷鬼次の奴江戸兵衛」「嵐龍蔵の金貸石部金吉」など短期間に多く作品が出版され、江戸中にセンセーションを巻き起こしたました。ところが人物の悪い外見の特長を極端にデフォルメしたため、役者本人や芝居好きの評判は芳しくなく、実際一年立たずに姿を消してしまいます。「泣く女」パブロ・ピカソ天才芸術家パブロ・ピカソが愛人のドラ・マールを描いた肖像画です。ゲルニカにも登場するこの女性像は、１００点以上のバリエーションがあると言われています。顔がクシャクシャに描かれていて、ここまでするのはあんまりな気がします。もっともモデルのドラ・マールは芸術家でしたからこの絵を嫌ってはいなかったかもしれません。さて、チャールズ国王の肖像画に戻りましょう。実は顔はキチンと描いています。　ジョナサン・ヨーの過去の作品を見ると、顔はしっかり描いて、顔以外の身体の部分は背景に溶け込ませるようにしています。背景の色彩は地味めなものが多く、記念写真のような伝統的な肖像画ではないものの、尊厳の感じられる絵画です。チャールズ国王の肖像画もこのスタイルを踏襲しており、例外ではありません。やはり問題はこの全面の赤。実物を見ていないので、微妙な色合いはつかめませんが、血、炎とみることもできます。血に染められた王室、炎に覆われた国王、そんな連想を止めるのは無理でしょう。ミッシェル・ヨーもそれはわかっていたはずですが描くことをやめなかった。芸術家の性ですね。この絵を見た瞬間チャールズ国王はギョッとした表情をしたという報道もありました。写真や映像を見ると気に入らないようにも見えますが、ポーカーフェイスで本心はわかりません。気に入らないから受け取らないなんて大人気ない対応はしないでしょう。炎上上等の英王室ですし。イギリスといえば、肖像画の伝統がある国です。そもそも国王の肖像画は立派に描くのが基本、画家の美意識なんて二の次と言うのが発注者の本音でしょう。しかし画家から見ればちゃんとした肖像画を描くほどつまらんものはない。一方で、画家にとって国王が最大のパトロンだったヨーロッパでは立派な国王の肖像画を描いて、生きている時から名実共に最高の画家として美術史に名を残した人が多いのも事実ですから、うまいやり方もあったのではとも思います。結局、後世になってこの作品の評価を決めるのは、国王自身のこれからの行いでしょう。これからの在位中この絵を悪い意味で想起させるような活動をすれば、そういう絵として完成されていくでしょうし、いい意味でこの赤を想起させるような行いで歴史に名を残せば、偉大な国王を描ききった名画として美術史に刻まれるかもしれません。皆さんはどう思いますか？↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
01Jun
- ホー・ツーニェン　エージェントのA 東京都現代美術館
  ホー・ツーニェン　エージェントのA 東京都現代美術館２０２４年５月２日（木）ホー・ツーニェン（何子彦）は、シンガポール生まれの中国系の現代アーティスト。歴史や文化への造詣が深くインテリだと思います。日本の現代アートの展覧会や芸術祭にもしばしば出展していますので作品は見たことがありました。時間のＴ：タイムピース時間をテーマにした連作です。時間についての色々な蘊蓄を絵にしています。ＣＧで制作した画像を液晶モニターに映し出す形式で、この展覧会では４２点の映像が展示されています。ペインティングにはこだわりがないところが、現代アーティストらしいです。この時計は、イギリスの大工ジョン・ハリソンが製作したマリンクロノメーター H-4 です。YouTube チャンネル「山田五郎のオトナの教養講座」で見たことがあったので、すぐわかりました。とてもおもしろい話でした。ご参考まで。【昔の人はどうやって広い海を渡って船の旅をしていたの？？】ガリレオ、ニュートン、ハレー！名だたる天才科学者も苦戦した「経度」の発見と計算狂時代【超重要！経度問題と、ある大工さんの偉業を山田五郎が解説】今回のテーマは・・・経度問題🌏今となってはわかるのが当たり前の時代ですが、実は、経度の発見はガリレオ🌞やニュートン🍎でも不可能なほどの難問でした。しかし、ある一人の大工さん🔨によって経度発見の糸口を掴みます❣️時計好きも必見👀❗️「ジン横丁」についてはこちら↓https://www.youtube.co...www.youtube.com時計の歴史は古く、日時計、水時計が初めて作られたのがいつか定かではありません。有史以来、文明国家だった中国でも古くから時計が作られていました。中国で作られた水時計は漏刻と呼ぶそうです。北宋の科学者、宰相だった蘇頌（そしょう）が作った水時計、水運儀象台（すいうんぎしょうだい）は世界最初の天文時計と言われてます。かなり大きく三階建ての建物に匹敵する大きさです。当時はスーパーコンピュータのようなハイテクの機械でした。放射性元素は時間の経過とともに原子核が崩壊し、減っていくことがわかっています。元素に寿命はありませんが数学的に示せる一定の確率で崩壊していきます。独立で確率的な現象は統計的には法則性があります。ドップラー効果という言葉を聞いたことはあると思います。近づく自動車のエンジン音は高く、遠のく自動車のエンジン音は低く聞こえます。近づく光源の色は青く見え、遠のく光源の色は赤く見えます。　相対性理論では移動する物体の時間は遅くなることが導かれています。ヴァニタスです。この作品は元ネタがあり、フィリップ・ド・シャンパーニュの絵画の本歌取りです。静物画の１ジャンルであるヴァニタスは、１６世紀から１７世紀、ヨーロッパの北部を中心に描かれました。「人生の空しさ」をテーマとしています。人はいずれ老い、死ぬ。それを連想させる寓意のモチーフを写実的に描写します。写実性はＣＧが担保しています。銅羅。静止画と思いきや、３０秒間に１回叩く映像が入ります。全く変化のない静止画に動きが入るのをじっと待つ。人の時間を奪う作品です。一頭あるいは数頭のトラ虎にまつわるシンガポールの歴史や文化をテーマにした映像作品です。１９世紀に虎に襲われたイギリスの測量士ジョージ・Ｄ・コールマンのエピソードをストーリーの中心にすえつつ、虎が人間の祖先であるという信仰や、第二次世界大戦で「マレーの虎」として名を馳せた日本の軍人山下奉文などにも触れています。この作品の肝はシンガポール人にとっての「虎」。国の誕生の神話にも関わる動物で単なる野生の生き物ではないのです。解説をよく読まないと感覚的に理解するのは厳しいかもです。ウタマー歴史に現れたる名はすべて我なりシンガポールの歴史を映像化した作品。シュリーヴィジャヤ王国の王子サン・ニラ・ウタマが、シンガポールを発見するまでの物語。ちょっとした歴史ドラマという感じです。「シンガポール」の名称は、獅子を意味する「シンハ」、町を意味する「プーラ」を合わせた「シンガプーラ」（ライオンの町）に由来します。１４世紀、この地に訪れたウタマが海岸でライオンを見たという言い伝えが、そのまま採用されて今に至ります。ライオンの生息地はアフリカなですのでウタマが虎を見間違えたのか、それとも政治家らしいハッタリかもしれません。この作品上では、家来があれは虎ですとご丁寧に訂正するシーンまでありました。シンガポールに着くまでに海で嵐にあい、家来を守るために自らの王冠を海に捨てたりと、英雄らしいエピソードも盛り込まれています。中華系、マレー系、インド系、が混在し、海外からの移民を積極的に受け入れる多民族国家にとって、シンガポールの伝説はどのように接続しているのでしょうか。名のない人フランスの植民地だったベトナム生まれの華僑ライ・テク（莱特）という人物を映像化した作品。とても見ごたえがありました。その理由は後で述べるとしましてライ・テクについて。ライ・テクの表向きの顔は共産主義の活動家です。英領マラヤ（現在のマレー半島）のマラヤ共産党のメンバーとして総書記まで上り詰めました。当時世界的に共産主義による国家建設を目指す活動が活発で、ライ・テクは共産党の多くの指導者がそうであるように政敵を次々と粛清しています。その一方で第二次世界大戦の前後にスパイとして活動していました。フランス、イギリス、日本のスパイと二重どころか三重スパイだったらしく、実像はよくわかっていません。第二次世界大戦の集結後に日本のスパイであったことが発覚。逃亡します。このミステリアスな人物を、香港の映画スター、トニー・レオンの出演作品の映像を切り貼りして作品にしています。バイオレンス、サスペンス、人間ドラマ、複雑な国際情勢など、それっぽいシーン、セリフがふんだんにあるので、実は本当に映画化されたのではと錯覚するくらい説得力があります。もちろんライ・テクを演じる（？）のは、トニー・レオン。緊迫感のある映像が続き、見終わったあとは気が重くなる作品でした。問題があるとすれば主人公がカッコ良すぎることですかね。このほか、シンガポールの歴史ではなく日本の近代史を扱ったＶＲ作品もあり、情報量の多い展覧会でした。落ち着いてしっかり見れば、面白い作品ばかり。見て損はないです。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
11May
- 津田道子／サエボーグ　　東京都現代美術館
  津田道子「Life is Delaying　人生はちょっと遅れてくる」／サエボーグ「I WAS MADE FOR LOVING YOU」Tokyo Contemporary Art Award 2022-2024 受賞記念展東京都現代美術館２０２４年５月３日（金）毎年 Tokyo Contemporary Art Award 受賞者の作品展は注目しています。このコラムでは何度か執筆を挫折という不名誉な実績のある展覧会でありますが、今回は大丈夫でした。津田道子「Life is Delaying　人生はちょっと遅れてくる」インスタレーションを中心にした作品を展示していました。複雑になりそうなコンセプトを徹底的にシンプルに表現している点に好感が持てます。残念なことに撮影ＮＧでしたので、作品の良さを説明するのが大変です。T2 《生活の条件》暗い展示室に畳くらいの大きさの黒い四角い枠がいくつも設置されています。一見同じに見えますが、ただの四角い枠のもの、枠の中にスクリーンがはめてあり映像を映しているもの、枠に鏡をはめ込んでいるものの３種があります。スクリーン付きの枠には誰もいない展示室が映されていて、たまに人が通り過ぎたりします。それとは別にリアルに通り過ぎる来場者が鏡に映ったり、ただの枠の向こうを通り過ぎたり、虚像と実像が入れ替わり、見ているものを混乱に陥れる作品です。T3 《振り返る》細長い通路の中に黒い四角い枠が設置されています。枠には鏡がはまっているもの、スクリーンが取り付けられているものがあります。枠を通り過ぎて振り返ると、枠の中の鏡に映る自分や、枠の向こうにこちら向かって歩いてくる少し前の自分が見えたりします。２つの作品は視覚的なトリックを通して、そこにいた自分、いなかった自分、いたかもしれない自分。あるいは、そこにいた誰か、いなかった誰か、いたかもしれない誰か。を意識させる作品です。人生における選択肢と決断、別の可能性、過去と未来、そんなことが、頭の中をよぎります。T4 《カメラさん、こんにちは》キッチンルームのセットを用意し、カメラを設置。老若男女３人に何組も登場してもらい、テーブルを囲んで座ってもらいます。それぞれ座る場所を入れ替えながら撮影した作品です。カメラに対して座る位置が変わることで、それぞれ立ち居振舞いや発言に変化が生じます。こちらは意図しているほど差異はなかったと感じました。もう少し工夫が必要なのかもしれません。サエボーグ「I WAS MADE FOR LOVING YOU」サエボーグとは？サイボーグみたいな造語から連想できるように、人造人間、改造人間的なもの。ラテックス製のボディスーツでできた動物のような生き物です。このサエボーグたちがさまざまなパフォーマンスを行うという作品です。今回は展示室に入るとまずウンコ。この企画で必要なのか疑問ですが、インパクトは大です。ウンコの先に可愛らしいお家があり、その先には円い円形のステージとそれを取り囲むように円い椅子のようなものが、配置されています。そして円形のステージの上には犬（？）のようなサエボーグが。よく見ると悲しい表情をし、目からは涙を流しています。（私としては顔の下の空気穴というか覗き穴がどうしても気になってしまいましたが。）この可愛い犬が何をするという訳でもないのですが、ステージの側に来場者がいると近寄って行き、悲しい目で見つめます。すると、やさしい人や犬好きの人であれば、頭をナデナデしたり、舌に手を出したりします。これは、人の心を動かそうという作品です。ノンバーバルな方法で人の善意や感情に働きかけることはできるのか。答えはイエスです。私のように優しくなく犬好きでもない人間は、反応もしないですが、そのような冷たい人間にも自他の振る舞いの違いの気づきにより、己に欠けているものを悟らせるところまで考えて制作したのであれば、作者はなかなかの知恵者だと思います。もっと来場者がすべきことをわかりやすく誘導することもできたでしょうが、それでは自発的な心の動き、行動までの心の迷い、行動を起こした後の達成感の純度が低いと考え、このさじ加減に落ち着いてような気もします。そのあたりは、現代アートらしいです。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
06May
- デ・キリコ展　東京都美術館
  デ・キリコ展東京都美術館２０２４年５月２日（水）違和感を感じた展覧会だった。私の知るキリコ、私の好きなキリコと、実在のキリコにギャップがあったからだ。キリコは１８８８年イタリア人の両親のもとギリシャで生まれた。その後９０才まで生き、長い活動期間の中で作風を何度も変えていた。キリコの代名詞、形而上絵画が生まれたのは１９１０年代。美術の教科書にも載っているこの時期の作品は、キリコにとっては前半の作品である。13 バラ色の塔のあるイタリア広場形而上絵画を閃いたのはフィレンツェのサンタ・クローチェ広場にいた時で、不思議な感覚に囚われたという。そのイメージを具現化したのが、イタリア広場のシリーズ。意図的にずらされたパースペクティブが与える不思議な印象は、ピカソとアポリネールに賞賛され、その後のアーティストに多くの閃きを与えた。おそらく今日のアーティストにも影響を与え続けている。しかし、キリコはここに止まることこなく新たな作品を作り出していく。イタリア広場の手法を室内画に持ち込み発展させた形而上的室内。消失点がなくなり、コラージュのような印象を与える作風。ただ、イタリア広場にあった奇妙な感覚は生じない。そして、キリコが生み出した代表的なモチーフがマヌカン（マネキンと同じ）。25　予言者カンバスの前で首をかしげるマヌカン。表情や人格や個性を剥ぎ取られた人体が、却って見るものの想像力を掻き立て、深い考察に誘う。32 不安を与えるミューズたち１９５０年頃の作品。キリコの面白いのは過去のヒット作（？）である形而上絵画を完全に卒業せずその後も節操なく描いているところ。注文主の希望もあるが、自分が最初に描いたということを見せつける意味もあったらしい。28 形而上的なミューズたちこれは初期の作品。手前のマヌカンの顔面の黒い穴は、無限の暗闇、空間に見えてくる。巨大な喪失感が、このマネキンにはある。29 ヘクトルとアンドロマケギリシア神話の英雄ヘクトルとその妻アンドロマケの肖像画。ただし顔はマヌカンなので肖像画とも言いにくい。この画題が好みだったのか注文が多かったのか、この会場だけでも３点展示されていた。キリコは新しい技法を貪欲に取り入れる画家で、こ１９２４制作のこの１点はテンペラ画を取り入れてある。キリコの絵は雑な描き方が多いが、テンペラ画はだからか描き込みの密度が高く感じる。43 谷間の家具キリコにとって非日常的な雰囲気を醸し出すことはテーマのひとつだったようだ。家具を部屋から外に出し、おかしな配置に並べたのが家具のシリーズ。なぜこんなところに家具が？という感覚を呼び起こす。さて、ここまで前衛的な作品を描いていたのが、突然ボルゲーゼ美術館のティッツァーノに衝撃を受け、古典主義の研究を始める。一応イタリア人だから古典的な表現を乗り越えて進んできたと思いきや、まさかの反転。フットワークが軽いというか、自由です。51 菊の花瓶花の静物画。写実的で普通にうまい。花瓶が九谷焼きの配色。菊の花といい日本を意識した作品だろうか。55 横たわって水浴する女（アルクメネの休息）ルノアールにも学んだそうで、本気で学んだということがわかる裸婦像。肌の塗り方、背景の色の塗り方が印象派のそれ。57 風景の中で水浴する女たちと赤い布風景の描き方が古典主義、写実主義的。これも学びの成果が見て取れる。キリコはその画業の前半で美術史に残る作品を生み出してからもずっと現役で、晩年３０年間は、ローマで創作活動をした。１９６０年代の作品は、新形而上絵画と呼び、過去の作品の要素も自由に取り込み、明るく軽いマンガのような作風になっている。64 オデュッセウスの帰還以前、東京都美術館のターナーの回顧展を見た時、晩年の作品はモネの後期の睡蓮のような抽象的な風景画、いや実質抽象画になっていて驚いたことがある。今回もそれに似て、有名で代表的な作品から違う場所にきたキリコに違和感を感じた。私が無知だっただけだか、正直言って初期の形而上絵画に魅力を感じる。アーティストは己の目指すものを追求する。そして見るものは己が素晴らしいと思うものを賞賛する。食い違うことがあってもドライでイーブン、あるべき姿ではある。時にこういう感想も仕方ない。これはこれでよしとしたい。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
04May
- 世界遺産　高野山　三大聖地を１日でめぐる
  高野山　三大聖地２０２４年５月１日（月）前回に引き続き、世界遺産を巡る旅です。今回は弘法大師空海が開いた高野山。京都から近い比叡山とは比べると遠かったです。引き続きバスツアーですので、滞在時間は４〜５時間程度、三大聖地を巡ります。高野山の三大聖地とは奥之院金剛峯寺壇上伽藍高野山のガイドの方のご案内で見て周りました。奥之院弘法大師が８３５年に入定した場所です。ここに至る参道には歴史に名を残した方々のお墓があります。法然上人のお墓他宗派、宗教も受け入れるのが高野山。苔むす墓石、高くそびえる杉の木が積み重ねた年月を感じさせます。織田信長のお墓豊臣秀吉のお墓織田信長や豊臣秀吉のお骨はここにはありません。ガイドの方の説明では、本来なら供養塔と呼ぶべきところを、生前から高野山で弔われたいという話もあったそうで、お墓としているそうです。御廟手前の橋から先は撮影禁止です。奥に見える建物が御廟。空海が入定して今もそこにいる場所です。運良く二人の僧侶が弘法大師の食事を入れる箱を持って出てくるのと出会いました。１２００年間続いている「生身供（しょうじんぐ）」という儀式です。１日に２回食事をお届けしてます。ただ届けるだけではなく、お経をあげたりするので出入りの時間はまちまち。ガイドの方も何時に通るかはわからないそうです。ご縁を得ることができたのは私の普段の行いが良いからでしょう。金剛峯寺高野山は全体が一つのお寺であり、その名称は「総本山金剛峯寺」と呼びます。そして「金剛峯寺」は、総本山金剛峯寺の中の寺院のひとつです。ガイドの方が誤解のないよう念入りに説明されましたので、忘れないように記しておきます。石庭たしか日本でもっとも広いと石庭と言っていたような。置かれた石は雄と雌、２匹の龍を表しているそうです。参拝時間が短く、ガイドの方は撮影ＯＫの石庭や内部を中心に説明しました。狩野探幽など多くの障壁画には一言も触れず。千住博　障屏画　断崖図かわりに唯一撮影ＯＫの千住博の襖絵は時間をとってくれました。千住博　障屏画　瀧図壇上伽藍壇上伽藍は空海がこの地で最初に諸堂を建立した場所と言われています。金堂１２００年以上の歴史において重要な行事はここで行われてきました。大塔大きい。二層が円形なのが特徴的。先端が雨で霞む高さ。内部も壮大。大日如来とそれを囲む仏、太い柱、立体曼荼羅が圧巻でした。昭和の初めに再建。大林組。三鈷の松空海が唐の国から投げた三鈷杵（さんこしょ）がここの松に引っかかっていたことから、ここに寺院を創建することに決めたそうです。まさかねえ。。。当時の人も信じていないと思います。こんな立派なお寺を建てる技術をもつ人がそんな話は信じないでしょう。できることと、できないことがあるのがこの世の道理ですから。中門火災で焼失していたものを高野山開創１２００年大法会の記念事業として２０１５年に再建。こちらも大林組。御影堂弘法大師の御影を置いてあるので、御影堂と呼ばれます。障子に見える四角い黒い穴は覗き窓で、中の様子を眺めることができます。あいにくの雨模様でしたが、逆に雰囲気があって良かったです。歴史の重み、総本山の持つパワーのなせる業でしょう。コラムのタイトルの「三大聖地」は旅行ツアーのタイトルで、ガイドの方も三大聖地の理由を説明しくださいました。しかし金剛峯寺がなぜそのひとつか忘れまして、ネットを調べると金剛峯寺を外して二大聖地となっていたりして、あれ？となりました。それでも金剛峯寺にはアートファンの私には見逃したものがたくさんあり、あらためて一人でゆっくり見に来ようと誓いを立てるのに十分な場所でした。不信心で恐れ多いですが興味としては、美術７：仏教３くらいのバランスでしょうか。それでも信じてもいない西洋のキリスト教美術を見る態度に比べれば、宗教的にはポジティブかと。次に来る時は、数日間宿坊に泊まりゆっくりまわるつもりです。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
02May
- 世界遺産　熊野三山を１日でめぐる。
  熊野三山２０２４年４月３０日（月）世界遺産の熊野三山に行ってきました。なんかパワーをもらいました。熊野三山とは熊野本宮大社熊野速玉大社熊野那智大社２００４年、「紀伊山地の霊場と参詣道」という名称で文化遺産として登録されています。登録以前に行った時は印象が薄くよく覚えていません。改めて行ってみようと個人旅行を検討してみたところコスパもタイパも悪そうで、結局、旅行会社のパッケージツアーへ参加しました。おかげで１日で３カ所プラスアルファの場所を巡ることができました。熊野本宮大社鳥居を通ると急な石段があり、上るとその先に社殿があります。主祭神は、家都美御子大神（けつみみこのおおかみ）その両側に２柱ずつ、合わせて５柱が祀られています。建物が古いのが歴史を感じさせます。熊野速玉神社街の中にあってピカピカで普通な感じでした。元々熊野の神々はここではなく、すぐ近くにの山の上にある「ゴトビキ岩」に降臨し、そこは神倉神社といって今もあります。バスでここに到着する直前、窓から崖の上にある巨大な岩時、はりつくように建てられた赤い社殿が見えました。登るのが大変だからかふもとに移したのが速玉大社です。新宮とも呼ばれます。那智の滝三つ目の熊野那智神社行く前に寄りました。ここは那智の滝が主祭神。鳥居の向こうに滝、社殿はありません。必要ないです。圧倒的なパワー・スポット。なぜ千年以上の昔から人々が訪れるよくわかります。熊野那智神社とても綺麗に整備されていて、境内は今っぽかったです。高い場所にあるので駐車場から４００段以上の階段を登らねばなりません。ツアー参加者でお年寄りの方も頑張って登っていました。この奥に天台宗の寺院があります。那智山　青岸渡寺堂内撮影禁止ですが、参拝に入った瞬間もの凄い圧を感じました。さすが西国三十三所第一番札所。ここを抜けて奥へ進むと那智の滝が。日本画で見たことがある構図でした。こうして見ると、絵では実物の迫力はなかなか表現が難しいと実感した次第です。浅い内容ですが、今回はこの辺で。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
28Apr
- ここは未来のアーティストたちが眠る部屋となりえてきたか？　　国立西洋美術館
  ここは未来のアーティストたちが眠る部屋となりえてきたか？——国立西洋美術館６５年目の自問｜現代美術家たちへの問いかけ国立西洋美術館２０２４年３月２０日（水）美術館の存在意義を問いかける過激なタイトル。西洋美術館なのに日本の現代美術の展示。国立西洋美術館も「自分探し」にハマるお年頃なのでしょうか。設立時から世の中は変わりました。日本人が西洋、ヨーロッパに憧れを抱いていた時代は、日本で学ぶしかない画家たちに本物の西洋絵画を見せる意義は深いものでした。しかし、海外へ行くハードルは下り、国内でも「西洋美術」の展覧会が年中開催されています。２０世紀までの西洋美術は過去のものとなりつつあり、絵画や彫刻に止まらない新しい表現メディアが誰の手にも扱えるようになり、同じものを作ってもそこに新しい未来があるのか疑わしい。相対的に「西洋美術」は一ジャンルとなり、アートの中心として煌めきは褪せてきている。だから日本人の現代アーティストに美術館のあり方を問うというのが、この展覧会の主旨です。私は西洋美術館のままで良いのにと思いますが、日本で随一の国立美術館としての矜持がそれを許さないのでしょう。とにかく作品を見ていきましょう。それにしても、作品が違うと展示室の雰囲気もガラッと変わるもんですね。現代美術を展示すると空気が軽いです。客層も若い人が多い気がする。中林忠良Transportation －転位－Ⅲ国立西洋美術館は銅版画のコレクションが充実しています。現代の印刷技術、オフセット印刷が発明される以前、銅版画はメディアとして、ヨーロッパの文化の中心にありました。日本人の私にはその重みはピンときません。それでも、日本には個性的なアーティストがいます。中林忠良は銅版画を制作する過程の薬品による腐食を作品のテーマと重ねて制作をします。精緻な写実の銅版画からその先へ向かう作品です。小田原のどかオーギュスト・ロダン　考える人小田原のどかは公共空間に展示される彫刻について考察をしています。国立西洋美術館の彫刻といえば、正面の広場にある「考える人」「弓をひくヘラクレス」「地獄の門」などが思い出されます。こういう名作を地震対策による変化という観点で取り上げています。実は美術館の彫刻の台座には免震対策が施されています。作者の意図にはなかった金具が内部に取り付けられ、特殊な台座に載せられています。地震のないヨーロッパならこのような台座には載せないようです。作品の内容を歪めるような悪意のある改変ではありませんので、わざわざ彫刻を倒して裏側を見せて展示するのは国立西洋美術館に喧嘩を売っているのかという気にもなりますが、これは一例。パネル展示では、海外のもっとディープな事例も取り上げています。近年世界中で繰り広げられたＢＬＭ運動（ブラック・ライブズ・マター運動）の影響により奴隷商人の銅像が撤去されるという事件がアメリカやイギリスで起きました。奴隷貿易で得た莫大な富がその土地の繁栄に大きく寄与した記念として建てられた銅像が、２００年以上の時を経て引き倒されたりしたのです。美術の中でも彫刻は丈夫で耐久性が高く、年月を経ても変わらないものなのに、社会が変わってしまう。国立西洋美術館が掲げる価値観も未来永劫のものではないという意味でしようか。これは世界的なニュースで作者が独自に発見したものではないのですが、今回の企画にぶつけて展示するというのも、パンチが効いています。布施林太郎　骰子美術館計画メディアアートです。とてもキレイな作品で、人だかりが途絶えませんでした。国立西洋美術館の建築を考えるというテーマで作られています。　骰子　＝　サイコロ読めましたか？建築を立方体に分割して組み替えてるという考察しています。内容はあまり理解できなかったのですが、クリスタルな立方体のＣＧはとても綺麗でした。裏面には言葉によるインスタレーションでした。鷹野隆大　KIKUO（1990.09.17.Lbｗ.#16）「ヨコたわるラフ」シリーズギュスターブ・クールベ　　眠れる裸婦典型的な裸婦像の形式を借りて、現代の裸婦を描いてみたという作品です。隣に掛けているのはギュスターブ・クールベの裸婦像。クールベの生きていた時代の裸婦を挑戦的に描いたもの。神話や歴史の設定を使わない生々しい女性の裸です。対して、現代の裸婦とは？そもそも女性である必要はあるのか。リアルな女性の体型とはどういうものなのか、と、さらに現代の問いかけを被せています。手前のベッドなどの家具はIKEAで購入したもので、こちらも現代化しています。西洋美術の歴史を踏まえた現代アートです。飯山由貴　この島の歴史と物語と私・私たち自身　――松方幸次郎コレクション今回のテーマに真っ向から立ち向かった作品。面白かった。立ち上げた壁面に美術館所蔵の絵画がかけられています。壁の余白には一面に書き込みがあります。作品の内容や時代背景、収集された経緯、関わった人物などが記してあります。コレクション収集から今日の西洋美術館に至るまで、道筋は一本道ではありませんでした。色々あるけれども何とかなりますよと解釈したら身も蓋もありませんかね。弓指寛治　反－幕間劇 ――上野公園、この矛盾に充ちた場所：上野から山谷へ、山谷から上野へ上野ならではの作品です。上野公園にはホームレスの人々が多くいて、炊き出しなども行われています。最近この方たちが少なくなっているという現象が起きており何処へ行ったのか、無事なのかを取材し絵画によるインスタレーションに仕立てた作品です。取材に応じたホームレスの方々は波瀾万丈の人生を生きてきた方が多いので、読み物として面白いです。しかし、これではアーティストの眠る部屋ではなく、ホームレスの眠る部屋の話にすり替わってませんかね。竹村京　修復されたC.M.の1916年の睡蓮クロード・モネ　睡蓮、柳の反映第二次世界大戦後、長らく行方不明だった松方コレクションのひとつ、モネ「睡蓮柳の反映」がルーブル美術館で発見されたのも昔のニュースとなりました。日本に返却され、国立西洋美術館で修復されました。残念ながら上半分は破損して残っていなかったためありません。しかしモノクロの記録写真が残っていたので、修復と並行してデジタル技術を用いてフルカラーの画像データとして全面再現されました。この作品は現実に修復できなかった上半分を刺繍で再現し実物に重ねて元の絵画を再現しています。美術館の所蔵品を題材に新しい作品を作る。こういうコラボはアーティストを美術館に集めるのに有効です。西洋美術館の看板を守りながら、今に生きる美術館であり続ける良い方法と思います。さて、妙に長いタイトルの企画展でしたが、現代アートの展覧会として普通に面白かったです。端的に言えば課題は今後も西洋美術館であり続けるのか？　ということでしょう。新しいジャンルに展示を拡充し、外国のような巨大なナショナルミュージアムを目指すのでしょうか。私は「２０世紀の西洋美術」という雰囲気ごとうまく保存してほしい派です。まあ、どうしてもというほどではありませんが。次回は王道の西洋美術の企画展が観たいです。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
22Apr
- 遠距離現在 Universal / Remote 国立新美術館
  遠距離現在 Universal / Remote国立新美術館２０２４年３月２３日（土）遠距離と言えば「恋愛」ですが、「恋愛」ではなくて「現在」ということで、現代美術の展覧会です。コロナ禍により外出の自由を奪われた世界で人は自ずと他人との距離を感じざるをえなくなりました。しかし、文明の進歩のおかげで距離を埋めるテクノロジーが瞬く間に普及し、遠距離であろうと生活が営めるようになって人同士の関係はそれまでとは異なるものに変わっています。その変化を暗示するような現代アートの作品を集めています。コロナ前に話題となった作品も含まれており、見る側の目線が変わったことで作品が違って見えたならキュレーターの狙いも成功と言えるでしょう。井田大介映像作品が３点展示されていました。1.　誰が為に鐘は鳴る円形に配置したガスバーナーの上を紙飛行機が飛ぶ。それだけの映像なのに見入ってしまう。紙飛行機はバーナーの熱で温められた空気を受けてフワフワと浮き上がってうまい具合に円い軌道を描き永遠に飛び続ける。紙飛行機に火が燃え移るのでは、軌道を外れてどこかへ落ちてしまうのでは。映像を繋げただけのものだが、何か起こるのではという期待と不安がさざなみのように心を乱し続ける作品。2.　イカロスドローンカメラを使ったワンショットの映像。気球を空に上げるだけの動画です。しかし、バーナーの炎が必要以上に強めに設定してあり、上昇してゆく気球にだんだんと火が燃え移ってしまう。炎が気球全体に燃え移り始めたところでカメラのフレームからは外れて飛んで行ってしまいます。タイトルから考えれば、天に挑む不遜な行為が仇となり身を滅ぼしたという解釈もできますが、そこは現代ですから、自由な想像もありでしょう。3.　Feverこれも炎を使う作品でした。銅像をガスバーナーで熱し続けるだけの映像。熱し方が徹底しており、黒い塊が熱で真っ赤になり、崩れかけたところで映像は終了。ここまでやるかという驚きと、対して意図が不明なところのギャップが居心地が悪い作品です。トレヴァー・パグレン5.　米国家安全保障局（NSA）が盗聴している光ファイバーケーブルの上陸拠点、米カリフォルニア州ポイントアリーナ米国家安全保障局（NSA）が盗聴している光ファイバーケーブルの上陸地点を撮影した作品。11.　日米間ケーブルシステム、米国家安全保障局（NSA）と英政府通信本部（GCHQ）が盗聴している海底ケーブル、太平洋世界にはわかっているようでわかっていないことがあります。複雑高度化した文明社会では当然のことです。この作品はエドワード・スノーデンが、アメリカが世界のインターネット、電話回線を盗聴していることをリークして騒動となっていた頃に発表された作品です。普段私たちは海底ケーブル、電話回線のことなど気にもとめていませんが、こうして実物の写真を突きつけられると、急に身近な問題として心の中に意識されるように変化するのがわかります。23.　トルネード（コーバス：地獄の領域）、敵対的に進化した幻覚ディープラーニングのシステムを活用した作品です。最近は生成ＡＩが人の仕事を奪うとかで、身近な話題ですが、この作品が制作されたのは少し前。ディープラーニングは膨大な学習の量を高速にこなすことでＡＩが習熟する仕組みです。この時学習する素材を生成する側、それを識別する側を用意することで高速なやりとりが可能になります。これは素材を生成する側が作ったものです。トルネードのような風景画に見えますが、機械がそれっぽいものを組み合わせただけの画像です。作者の意図は存在しません。何かを感じるならそれはあなたの創造です。ティナ・エングホフ心当たりあるご親族へ福祉国家デンマークの現実を切り取った作品。写真の特性とは現実を切り取ることに優れていることです。ここでは、独居老人の亡くなった部屋の写真を作品としています。社会福祉が充実しているデンマークでは、単身で生活する高齢者も多く、誰に看取られることもなく亡くなる方がいます。身寄りの方が何処にいるかわからない時は新聞にて告知しています。その見出しが「心当たりあるご親族へ」です。デンマークはデザインの優れた国という評判に違わず、いずれの独居老人の住居の室内もカラフルで洗練されたデザインをしています。この素敵な部屋は充実した社会福祉を実現した結果として孤独な死を迎える高齢者がいるという現実を象徴的に表現しています。ジョルジ・ガゴ・ガゴシツェ／ヒト・シュタイエル／ミロス・トラキロヴィチ25.　ミッション完了元々はバレンシアガを巡る討論というイベントがあり、それをインスタレーションにした作品です。討論も興味深い内容なのですが、この作品の良さは作り込みのカッコ良さに尽きます。ファッションブランドを意識するとこうも変わるものですかね。内容がわからなくともカッコいい感じ。時代の先端を見ているような気になります。木浦奈津子さまざまな表現手法が次々と現れる現代アートにおいて、ペインティングで何を表現するのか。もうやり尽くされてしまったものなのか。木浦奈津子の作品はカメラで撮影した画像を絵にしています。どこかで見たような、知り合いがいそうな、そんな雰囲気があります。エヴァン・ロス55.　あなたが生まれてから作者のパソコンに記憶されているキャッシュの画像を出力した作品です。期間は子供が生まれた時から作品を制作する時まで。作者の仕事、生活、趣味をある程度反映した画像の集まりであり、子供の人生と同じ期間の世界の歴史の一部の切り取りともいます。作者の子供にとっては、認識の外に存在する世界の広さ深さを感じさせるものとなり、特別な印象、感慨を与えるでしょう。これ、真似をして同じものを自分の子供にも作れるアートです。コンセプトを借りて、子供へのプレゼントアートを作ってみてはいかがでしょうか。チャ・ジェミン54.　迷宮とクロマキー韓国のアーティストの作品です。世界の中でインターネットの普及が先行していた韓国ですが、そこにはインターネットのケーブルを引くというアナログな工事が欠かせません。住宅が密集した街中でインターネットのケーブル工事を行う作業員を撮影した作品です。実際に電柱に上りケーブルをつなぐ姿、迷宮のように密集した住宅街の細い道を歩いてケーブルを引き続ける姿、ケーブルをつなぐ手捌きだけをアップでとらえた映像（なぜか背景グリーンバックで合成していないクロマキー）。前述のトレヴァー・パグレンの作品もそうですが、コロナ以降に当たり前となったリモート環境を支える巨大なインフラは、近くて遠い存在です。コロナ以前からこういうものに違和感を感じ作品とするアーティストの感性、視点には、鋭いものがあると思います。社会に向けてメッセージを放つという、アートの重要な役割を思い出させてくれました。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
18Apr
- 圧倒された「宇野亜喜良」展
  宇野亜喜良展東京オペラシティアートギャラリー２０２４年４月１４日（日）圧倒されました。期待通り、いや、期待以上のボリュームでした。宇野亜喜良は日本のイラストレーターの草分けで１９３４年生まれ、今年９０才の現役です。７０年間にわたり一線で活躍し続けていますから、作品に触れたことのない日本人はいないでしょう。来場者も一般的な西洋美術の展覧会と雰囲気の違う方が多かったです。ファッションが独特な感じで、年齢層も幅が広い。演劇関係かもしれません。作品点数が多く、昔の仕事から現在の仕事までバランスよく展示されていました。広告デザイン絵が描けてデザインもできる。ひとことで言えばそういうクリエイター。両方が掛け合わさることで、誰にも真似ができない独自の表現が生まれます。初期の頃から写真を使った表現もあり、イラストに留まらないクリエイターでした。初めから完成していて、どうやってここにたどり着いたのか不思議でなりません。雑誌、書籍これ版下ですね。複数の雑誌の挿絵も長く続けています。ゼロからの創作ではなくとも、これだけの数を作り続けるのは大変なことです。エロティックなもの、ユーモラスなもの、かわいいもの、どんなテーマでもこなします。そしてテーマに合わせてイラストっぽいものからリアルなタッチまで使いこなします。絵本絵本、児童書も創作しており、いろいろな表現に挑戦しています。演劇のポスターポスターは多作過ぎて訳がわかりません。印刷マニアと言われるほど印刷技術に精通しているので、特色など効果的に使いよりインパクトのある仕上がりになっています。舞台芸術演劇のポスターだけでなく、衣装デザインやセットまで手がけるようになりました。二次元の世界のキャラクターたちが、三次元に飛び出して来ています。違和感がないのは、宇野亜喜良の中では元々が明確な三次元のイメージがあるのでしょう。とにかく手を動かして作るのが好きだというのがわかります。そのほか俳句も嗜むそうで、俳句をテーマに絵画も描いています。展示の最後にインタビュー映像があります。制作する時は媒体のターゲットに合わせて表現を選んでいるので、この展覧会で誰に何を見てほしいという希望はないと、話していました。根っから商業画家のスタンスです。それでも、際立つ個性、世界観が、宇野亜喜良の作品であることを強烈に主張しているので、名前が世に知られています。時を経て、アーティストと呼ばれることは確かでしょう。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
13Apr
- 特別上映　坂本龍一パフォーマンス記録映像　《After the Echo》　
  《After the Echo》２０２４年４月７日（日）ＩＣＣ　４階シアターＮＴＴインターコミュニケーションセンターで、３月２８日から４月２１日まで、坂本龍一のパフォーマンス記録映像を特別上映しています。作品は３本。《LIFE–WELL》（再編集版） 2013　　　野村萬斎＋坂本龍一＋高谷史郎《After the Echo》　2017　　　カミーユ・ノーメント，坂本龍一「坂本龍一 with 高谷史郎｜設置音楽2　IS YOUR TIME」コンサート　2017　　　坂本龍一１本５００円です。４階にあるミニシアターで上映しています。座席数は３０席程度。今回はこのうちのひとつ、《After the Echo》を取り上げます。この作品は札幌国際芸術祭２０１７おいて、毛利悠子が出品したインスタレーション作品「そよぎ　またはエコー」を用いて行なった即興のパフォーマンスを映像作品として仕上げたものです。パフォーマーは、カミーユ・ノーメント、坂本龍一の二人。まず、毛利悠子の「そよぎまたはエコー」から。この作品は札幌市立大学内の空中歩廊「スカイウェイ」に作られました。札幌市立大学デザイン学部の芸術の森キャンパスに建てられた建築の一部で、２つの校舎を接続する全長１４０メートルの空中通路です。各施設の交通アクセス – 札幌市立大学 SAPPORO CITY UNIVERSITYwww.scu.ac.jp毛利悠子は北海道の各地を旅しながら、音の出るものを集めてきました。といっても、使わなくなった街灯、変電所にあった碍子など、本来音を出すものではないものばかり。これらに音を出す仕掛けを施し通路に並べて展示、スカイウェイを歩くと様々な音が聞こえてくるサウンドアートです。このスカイウェイの一番端には、自動演奏する仕掛けをしたグランドピアノが設置され、不定期に音を奏でます。坂本龍一は自動演奏される楽曲のひとつを提供しています。そよぎ　またはエコー（部分展示　坂本龍一トリビュート展　ＩＣＣ）このインスタレーションを使い即興のパフォーマンスを行いました。坂本龍一の楽器はグランドピアノ、カミーユ・ノーメントはグラスアルモニカ。グラスアルモニカは、グラスハープを用いた古典楽器です。グラスが横向きに繋がり回転する構造で濡れた指先をあてると、不思議な音をだします。たまたま落ちているようなものではないですから、カミーユ・ノーメントが持ち込んだものでしょう。現代アートのパフォーマンスですので、一般的な音楽のジャムセッションではありません。坂本龍一は響板を開けて弦を弾いたり、側板を叩いたりし、カミーユ・ノーメントも曲を弾くのではなく効果音のような音を出して、環境音楽のようでした。映像には北海道の自然の風景や屋外に展示された芸術祭の出品作品がインサートされ、ゆったりとした心地よさがあり少し寝ましたが、後半には坂本龍一もピアノの鍵盤を弾いて音を出し、聴きやすくなってきところで、どういうタイミングで終わるのか決めていたのかわかりませんが、終わった感があり、観客から拍手で終了。現場で見ていないので想像で述べるしかないですが、毛利悠子のインスタレーションは北海道の旅の音のスケッチをまとめたアルバムのようなもので、この即興パフォーマンスはそこにインスピレーションを得て行ったものと思います。パフォーマンス映像のあと、毛利悠子が北海道を旅しながら音の素材を集め、スカイウェイでインスタレーションを制作する映像もあり、全体としては、パフォーマンスを含めた、作品全体のドキュメントとなっていました。坂本龍一はコンポーザーでありながら、演奏家でもあり、しかも他のジャンル、現代アートのアーティストと共演もできるというマルチな才能の持ち主ということがあらためてわかる興味深い作品でした。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
05Apr
- あの「江之浦測候所」に行ってきました。
  江之浦測候所２０２４年２月１２日（月）「江之浦測候所」をご存知でしょうか。現代アーティスト、杉本博司が作った謎の施設。聞いたことがない人の方が多いでしょう。小田原と熱海の間、根府川にあります。海のそばです。江之浦測候所のウェブサイトを見ても高尚な感じでイメージがつかみにくい。ひとことで言うなら「アートな日本庭園」とでも言いましょうか。以前から気になっていて、やっと訪れることができました。多少は知っているものの、先入観を持ちたくなかったので情報には触れないようにしました。受付で渡されたパンフレットも全く見ず。ですので何のワクワク感もなく入ったのですが、見終わったまず感想をひとこと。かなり、感動しました。こういう感動は、瀬戸内の豊島美術館を見た時以来。場が作品となっていました。いろいろなものがあるので、今回は、江之浦測候所を私なりに次の７つのエリアに分けて書いてみます。石の庭園緑の庭園現代建築竹林みかん畑展示小屋神社それではひとつずつ取り上げていきましょう。石の庭園入口からすぐの場所にあります。さまざまな石を配した庭で、苔もありますが、ほぼ石で構成されています。いわゆる枯山水です。周囲に寺などの木造建築物はなく、石と少しの緑で構成されています。借景もなく遠い水平線と空が広々と見えるのが気持ち良いです。石って語るんですね。ここにはたくさんの日本各地から集められた石があります。来歴のあるものばかりなので逆にパンフレットは読まずにいたのですが、それでも石そのものの存在感が凄い。大きい、自然によって作られた奇岩もあれば、人為的に整えた石もある。この写真の左の正方形の石が並べてある歩道、歩くとしっとりしていて足裏に柔らかい感触なんですよ。見た目以外の感覚に訴えるところも面白いです。緑の庭園石の庭園からギャラリーを挟んで反対側から海へ向かう斜面は緑の多い庭園です。ここは茶室のための庭園と言って良いでしょう。この日は雲ひとつ無い晴天なのに地面は所々濡れていました。開場直前に水を打ってあったのです。近くに人の気配は感じませんでしたが、隅々まで手が入っています。まだ未完成な感じもします。これからじっくり時間をかけて隙間を埋めて、育てていくつもりだと思います。現代建築入口を入ってすぐのところに建物が２棟あります。海へ向かって伸びる細長いギャラリーは真っ直ぐの回廊です。中に入って進むと左側は全面ガラス張り、右側は石の壁で杉本博司の写真作品「海景」シリーズがかけてあります。もっとも、みんな素通りして奥のテラスへ本物の海景を見に行ってしまいますが。それから、細長い地下通路。人が二人すれ違える程度の幅で海の方に突き抜けています。エジプトのピラミッドや神殿のように、日の出が真正面に見えるよう設計されているそうです。この通路は上にも上がれます。ここでは来場者が変わるがわる海をバックに映える写真を撮りまくっていました。そしてすぐ横に、ガラスの舞台と、それを取り囲むように作られた扇形の石の観客席。ここでイベントの開催も行っています。ガラスの舞台は清水寺と同じ柱組で作られています。落ちれば事故になる高さですが、柵などは一切ないところが素晴らしい。とても開放的な空間です。竹林石の庭園のある場所から斜面を降りると竹林があります。竹林の側には、杉本博司の立体作品があります。数理模型のシリーズです。数式で表される３次元の立体を実物にしたものです。円錐上の形の先端は無限に伸びているのですが、模型で実現は不可能ですので途中で途切れています。あくまで、これをみた人が無限に伸びる線を想像することで完成する作品です。竹林は歩道があり中を歩くことができるようになっています。足元には筍がいくつも生えていました。空や海の青、石の灰色の後に、竹林の緑、と色彩の変化を楽しめるよう工夫していることが感じられます。みかん畑敷地の入り口に掲げられていた「柑橘山」の看板の通り、海に面した南向きの斜面にはみかん畑があります。収穫したみかんを運ぶための小型モノレールも残っています。下から見上げるとこんな感じ。真っ青な空、深い緑、蜜柑のオレンジのコントラストが心地よい。みかんの実る季節に来て正解でした。展示小屋使用されなくなった木造の小屋をそのまま展示室にしています。倒壊しないように補強がなされていますが、見栄えは古いままです。あえて仕上げてはいないとも言えるし、これで仕上がっているともいえます。杉本博司が収集した化石などの展示品もあれば、使われていた古い農機具もあります。展示しているのか、置いてあるだけなのか判然としないところは、コンセプチュアルアートの典型的なやり口です。この中から「おまえの美を見立てみろ。」と言われているようです。神社とても小さな神社です。正面から見るととても考えられた作りをしているのがよくわかります。玉垣がないので、開けた水平線によって分けられた海と空が巨大な壁のように背景に立ち上がって見えてきます。相模湾そのものがこの社殿の玉垣です。これは春日神社から正式に分祀したもので、本物の神社です。以前杉本博司の展覧会で海を見下ろすこの景色の写真を屏風に仕立てた作品がありました。実際に見て、こんな小さな社殿をなぜ作品にしたのかわかったような気がします。『「杉本博司　本歌取り東下り」渋谷区立松濤美術館』杉本博司　本歌取り　東下り渋谷区立松濤美術館２０２３年１１月５日杉本博司は、コンセプチュアルアーティストです。作品が多様、活動領域も広く、肩書きが多いですがそ…ameblo.jp江之浦測候所はその名の通り、測候所のあった土地に「人類とアートの起源に立ち返る」をコンセプトに設立されました。日本の歴史、縄文時代、そしてその遥か昔、恐竜の時代まで視野に入れ、自然と人工物の両方を取り込んだ空間になっています。アートという言葉が作られる以前から、人間はものを作っていたし、人間がものを作る以前から美しいものは存在しました。価値観が移り変わっても、１０００年先の遠い未来に残すべきものを集めています。ここに石が多いのも今に残る古代遺跡は石でできているものが多いという事実を踏まえているからでしょう。緑の庭園には植えたばかりの苗木もあり、これから歳月を経てもっと深みを増していくのは容易に想像できます。次回訪れるのが楽しみです。そう遠くのことではない気がします。その時はもっと蘊蓄のあるコラムを書くつもりです。江之浦測候所 | 小田原文化財団かつて蜜柑畑だった小田原市江之浦の地に、現代美術作家・杉本博司が設計した壮大なランドスケープ『小田原文化財団江之浦測候所』。ギャラリー、屋外舞台、茶室、庭園などで構成され、人類とアートの起源に立ち返り国内外への文化芸術の発信地となる場として構想されました。www.odawara-af.com↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！　
17Mar
- 「中平卓馬　火－氾濫」東京国立近代美術館
  中平卓馬　火－氾濫　東京国立近代美術館２０２４年２月２５日（日）　国立近代美術館で写真の展覧会を観るのは久しぶりな気がする。それにしても、この展覧会、初めはとても見にくかったです。それはなぜか。だんだんと明らかになるのですが、まず中平卓馬について紹介しましょう。1-2-11　森山大道　にっぽん劇場　No.52森山大道の撮影した中平卓馬の写真です。中平卓馬は評論家であり、写真家です。元々は雑誌の編集者だったのですが、ある雑誌の企画で自らも写真の作品を掲載。ほどなく、編集者から写真家へ転向します。1-2-2 寺山修司「街に戦場あり（4）：親指無宿たち」『アサヒグラフ』1966年10月7日号、朝日新聞社雑誌の編集者だったことが、前半生の作品の傾向を決定づけているように思います。当時はカメラと写真、雑誌の地位がメディアの中で今より高かった時代。表現としての写真がまだ可能性に満ち、社会的な影響力を持っていた時代です。雑誌の場合、写真は写真展と違い、文章とセットで発表することが多い。イメージだけで作品を完結するのではなく、補完する文章が存在する。中平が写真家としての活動とともに、写真についてのエッセイを積極的に発表していくのは、元編集者ですから自然なやり方だったと思います。1-4-4　［無題］「Provoke」3号、1969年8月、プロヴォーク社1-4-5　　多木浩二・中平卓馬共編「まずたしからしさの世界をすてろ－写真と言語の思想」田畑書店「Provoke」は1968年11月に刊行された同人誌。サブタイトルは「思想のための挑発的な資料」。当初のメンバーは多木浩二、中平卓馬、高梨豊、岡田隆彦。写真、エッセイ、詩などで構成されていました。この中で多木と中平は写真についてのマニュフェストまで発表しています。創作の哲学や理念をテキストにして宣言するのは革新的な新しい芸術を目指す者がよく行う方法です。1-3-4　「日本の生態（10）：終電車」「アサヒカメラ」　1968年10月号、朝日新聞社カメラというのは、見たままの景色を記録するのが基本機能です。それまでの写真家は対象を見たままに平面に落とし込むことが撮影の優先事項であり、スキルの証明でした。中平卓馬はそんな写真のあり方に一石投じます。「アレ、ブレ、ボケ」を良しとして、そのままの写真を発表するのです。これは特に夜間の撮影で生じるマイナス要因です。具体的には、暗いために使う高感度フィルムは、粒子が荒く拡大して使えばアレた画面なります。夜にフラッシュを使わなければ、シャッタースピードが遅く手ブレを起こします。光量を確保するために絞りは開放にすることになり、ピントが合わせにくくボケやすくなります。普通ならこうして下手な写真が出来上がるのですが、それでも鑑賞に耐える、メッセージを届ける写真にどうすればできるのかを追求していくのです。2-4-1　サーキュレーション－日付、場所、行為【40点】第７回パリ青年ビエンナーレの出品作。こちらは出品した写真を展示したもので、実際の展示はこのようなものでした。2-4-2a　サーキュレーション－日付、場所、行為【シカゴ美術館での再現展示（2017年）の際のプリント】会期中に現地で撮影した写真を次々と加えていくというものです。撮影したものをプリントするのに日数を要した時代には、現実の風景がいきなり目の前に再現される経験を人はしたことがありませんでした。人間は目が覚めている時はいつも何かを見ています。しかしすべてのものをキチンと見ている訳でもない。日常の景色は大した意味のないものがほとんどでしょう。そうした景色も含めて、美術館という美だけが選抜された展示空間に身の回りの風景が次々に組み込まれて現れるというのは、新鮮な経験だったでしょう。このように、これまでにない写真を追求していく最中で、中平は突然スタイルの変更を宣言します。3-1-1 『なぜ、植物図鑑か　中平卓馬映像論文集』晶文社　1973年　個人蔵植物図鑑のように事物をありのままに見せるのが写真である、それまでと真逆としか思えない方針に転換するのです。実際に作品はどのように変化したのか。アレ、ブレ、ボケの時ほど明確な方向性があるようには思えません。3-3-1 氾濫【「15人の写真家」（1974年）出品作、48点組】この東京国立近代美術館の展覧会に出品された作品の実物です。3-3-2　氾濫【2018年のモダンプリント、48点組】こちらは後にプリントされたもの。カラー写真は劣化が早いですが発表当時の状態には近いでしょう。暗闇の黒い写真が半数を占めますが、色彩が鮮やかなものもあります。とはいえ何なのかハッキリとはわからない。人が日常、対象として意識しないものを敢えて狙って撮っています。何かを写しているが何でもないものを集めた組写真。しかし抽象表現とも違う。意味を持たない具体的なイメージの氾濫です。4-6-1　デカラージュ【ADDA画廊（フランス、マルセイユ）での展覧会（1976年）出品作、18点組】壁を接写して原寸でプリントし、並べた作品です。本当にリアルな写真、見たままの事物を見せる。そういう試みです。確かにその通りの作品ですが理屈が先行し過ぎた感があります。所詮写真は紙でしかありません。より実物に寄せた結果、実物ではないことが際立ったように感じました。こうして精力的に活動を続けていた1977年に、中平は突然、アルコール中毒で倒れてしまいます。しばらくは療養生活が続き、部分的な記憶喪失が後遺症として残りました。それでも写真やめることはなく、後半生の活動が始まります。ここを機に撮影の仕方が変化していきます。　5-2-7 Adieu a X 中平元氏蔵5-3-4 ［無題（八戸）］【本展のためのプリント、12点】5-3-7　キリカエ【「キリカエ」展（2011年）出品作、64点】どうでしょうか。明らか普通に対象をフレームに納めるようになりました。これは事物をありのままに捉えるという考えに則っているように見えます。１００ミリの望遠レンズを使い構図はどれも基本タテ。人間のナチュラルな視野角に近い、少しじっと凝視した時の見え方になるレンズです。タテのフレームはスマホに近く感覚的に受け入れやすい。ここまで一生懸命、見よう見ようとしていた作品が、いきなりスイスイ入ってくるものに変わりました。何よりフォーカスが合ってのですごい見やすい。「アレ、ボケ、ブレ」の写真はシンプルに見にくかった。そんなのことは当たり前だと笑われてしまいそうですが、私もアート鑑賞歴は長いので見にくいものもそれなりに見るのが癖になっていました。倒れる前の作品は、対象を敢えて外している分、見にくさが強い仕上がりになっています。それができたのは、見たものをそのまま撮るという写真の基本を正確に捉えていたということの裏返しですので、ノーマルに撮影すれば見やすくなるのは当然ではないでしょうか。最後まで見終わった後に、もう一度始めから見直しました。力強い作品もありますが、前半生の作品は概して見やすいものではないという感想は変わりませんでした。それでも主張したいことは初めよりは感じとれた気がします。言っていることに理はあってもそれが魅力的なものになるかは、別の話です。最後に話をひっくり返すようですが、ＳＮＳの映える写真が氾濫し、スマホの機能が進化して誰でも無難に綺麗に写真がとれる今日、再び、新たな「アレ、ブレ、ボケ」が、省みられる時代が来ているとも考えた展覧会でした。↓ランキング参加中！押していただけると嬉しいです！