大野眞嗣　ピアノと共に、音楽と共に -87ページ目

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14Jun
- 873.エネルギー
  私の生徒たちの演奏を聴いていてもまた一般的に感じること。それはどんなに美しい音で弾いている演奏だったとしても、ただ美しいの域をなかなか出ていないと感じる。1音にエネルギーが足りないというか魂が宿ってない。これは音量の問題ではない。ロシア系の演奏を聴いていても確かに美しいのだがオブラートに包まれたようなよそよそしい美しさを感じることがある。音はもっと主義、主張、哲学が存在するべき。思いを込めれば達成されるという安易なことではない。残念に思うのは、打鍵の基本を知らない演奏が世の中多過ぎるように感じる。身体的には肩甲骨、肩、肘、手首から指先までの一体感が無い人を多く見かける。もっと言ってしまえば、下半身、腰、背中も含め、トータルに身体を使えていない場合が多く見受けられる。最近、よく感じることである。
12Jun
- 872.品格
  わたしが心惹かれる演奏。何十年と模索してきて、現時点で到達した感覚。大切にしたいものがある。演奏はスポーツ的な要素やエンターテインメント的なものもある。確かに驚愕したり愉しんだりできる。そういう演奏もあってよいと思う。だが、私の琴線に触れる演奏、心惹かれる目指す演奏が最近やっと見えてきた。「品格」である。わたしの友人のデザイナーは、森英恵先生に「上品な服を作りなさい」と言われたそうな。そんな演奏をイメージする。純粋でシンプルな中になんの媚びへつらいもない演奏。世捨て人のような孤高の芸術家だけに与えられるもの。名声を得てスターになってしまったピアニストにはできない演奏。そんな無名の本物の天才がいたとしたらこんなに興味をそそられることはないだろう。真の芸術家だけが到達できる領域。わたしも生徒たちがそんな演奏をしてくれるようになってほしい。にほんブログ村
10Jun
- 871.ヘンデル・ヴァリエーションを聴くと
  ブラームスのヘンデル・ヴァリエーション。ヘンデルのテーマをもとにブラームスが作曲した変奏曲とフーガ。わたしは割合小さいころからこの曲が好きだった。高校生の頃、生まれて初めて大曲を勉強したのもこの曲だった。この曲で一番好きな演奏は？と訊かれたらどんなに有名な演奏家のCDよりも、手前味噌だが生徒の江沢茂敏の演奏と答える。彼は今私の母校であるザルツブルクのモーツァルテウム音楽大学に留学している。稀に見る才能の持ち主だと思う。彼の弾くヘンデル・ヴァリエーションは天性の躍動感あふれる冴えわたるリズム感繊細な和声感に満ちていて大曲であるということを忘れさせてくれるほどあっという間に弾ききってしまう。自由奔放なキャラクターの持ち主であるが、音楽は確固たる演奏である。彼が将来どんな演奏家になるのか？私は心から楽しみにしている。にほんブログ村
06Jun
- 870.ショパンのエチュード
  ショパンのエチュードとチェルニーを同じタッチで弾かされたが、今から思うと若いからできたのだと思う。どう考えてもショパンとチェルニーが同じように弾いていたはずがない。全く違うピアニズムである。ショパンのエチュードに限らず、ショパンの全作品、またショパンのピアニズムを受け継いだ作曲家の基本のタッチというものがある。それは、鍵盤を弾くのではなく、蓋方向、前方に指先を指して行くのである。ショパンのエチュードはこのタッチで全作品を弾くことになる。嘘みたいに弾けるようになるだろう。私の生徒たちもみな、これを教えるとびっくりしている。ちょっとしたコツがあるが試してみるとよい。ただ手首が柔軟でなければならないと思う。
05Jun
- 869.音を伸ばす
  音の響きを伸ばすためにはいろいろな方法があるのだが一番スタンダードだと思う方法。それは打鍵の瞬間、第1関節に支点を作り音が鳴った瞬間に支点は虫様筋に移動する。指先は鍵盤をえぐるようにとらえる。この2つの点が大切だと思う。この方法により、ある種のキャラクターの響きを引き出すことになる。もちろんタッチは多種多様であり、これだけ行っていては馬鹿の一つ覚えになってしまう。このタッチを基本に行っているピアニストは世界は広しと言えども、ロシア人でもなかなか行っていないタッチである。にほんブログ村
01Jun
- 868.音が違う
  ある時のディーナ・ヨッフェ先生の我が家に於けるマスタークラスの時のこと。生徒の代わりに先生が弾いた。その生徒は私の生徒の中でも優秀なほうで、それなりの響きがすでに出ていると思っていた。がしかし、先生の響きと比較すると先生の紡ぎだす響きは生徒の10倍は音が伸びていたように思う。楽器が違うのかと思ったほど。正直ショックだった。音の伸びだけではない。音の質がピンと張りつめているので非常に明確。音の質が違うと出来上がる音楽まで大きく違ってきてしまう。改めて音の発声の大切さを思い知った。どんなに高尚な音楽を考えていたとしても、発声ができていなければ音楽にならないとさえ思った。次元の違う世界。本当に素晴らしい演奏家の作る音楽は音の発声ができていて、その音で音楽を作る。その時はブラームスだったが、ピアノではなくオーケストラのように響いていた。わたしはディーナ・ヨッフェ先生との出会いにあらためて感謝する。にほんブログ村
31May
- 867.大きな誤解
  技術的に弾けないとする。練習時間が足りないからと思う人は多い。もっと練習すればきっと弾けるようになる。そう思う人は多いだろう。しかしこれは大きな誤解だと思う。すぐに弾けないパッセージはどんなに練習を積んでも弾けるようにはならないと思う。練習時間や練習量の問題ではない。極論だがそう思う。なぜ弾けないのか？それは弾き方に問題があるから。手が出来上がっていないから。理想の手を作り上げ、プロとしての本当の基本のタッチを頭でも体でもわかったときすなわちそういう意味での上級者になったときに練習時間や練習量は驚くほど短く、少なくなるだろう。にほんブログ村
- 866.基本の相違
  今から私自身の学生時代を振り返ったときに思い出されること。それはしっかりと弾くことだった。しっかりと弾くことがプロとしての基本だと信じ込んでいた。またそう教育されてしまった。しっかりと弾く肉体的感覚と芯の太いしっかりとした音に手ごたえを感じながら弾いていた。その後ロシアピアニズムと出会ってからも、ロシア人はしっかりと弾いているから素晴らしい響きが出るのだと誤解していた。だから、よりしっかり弾かなくてはならないと思ってしまい、もっと頑張ってしまった。ピアノという楽器を歌わせるコツとは真逆のことをしていたと思う。言葉で説明するのは非常に困難だが、確かにしっかりと腕の重みが鍵盤に通じなければ音は歌わない。でも、しっかり弾くのとは大きく違う。しっかり弾いてしまうと肉体的精神的手ごたえは得られるが音は歌わない。残念ながら、世界中を見渡してみると、そのようにピアノと格闘しているピアニストを多く見かける。今だからわかったこと。28年追い続けてきたからわかったこと。本当のプロの音。本当のプロの技術。それらは私にとって大きな宝物である。この感覚を多くの人々と分かち合いたいと思って日々生きている。にほんブログ村
24May
- 865.好奇心を持つ
  感動をし続けること。こんなに大切なことはない。そのためには好奇心がなくてはならない。わたしはピアノを生業としているがピアノ以外のことにも幅広く好奇心をもって触れるようにしている。クラシック音楽ならばまずはオペラや声楽がなくてはならない存在になった。そしてミュージカル。これはテレビでも舞台でも引っ張りだこの友人石丸幹二氏のおかげ。彼のひたむきな舞台へ臨む姿勢によるところが大きい。お互い多忙だから気が付いたらメールのやり取りに終わっているが、彼がストイックに頑張っている姿を見ていると、私も彼の生きざまに尊敬を覚えるし良い意味で刺激を受ける。昨日も「友人として応援しているよ」とメールをもらったが心から嬉しく思う。そして4年前から絵画、特に日本画の世界。当初は大御所、千住博氏の作品から興味を持ち始め、氏の著作はすべて読ませていただいた。氏のユニークと言っては失礼だが、オリジナリティ溢れる哲学に大変惹かれる。なるほど、その作品の品格の起原を感じることができるのだ。そして今は、横山大観、上村松園、前田青邨、奥村土牛などなど。最近は歌舞伎や狂言、能、工芸に興味を持ち始めている。それを知るといいから知りたいのではなく、ただ単に興味があって、そこには感動が待っているから追っているに過ぎない。長いスタンスで芸術家の人生というものを捉えたときに、いかに感動する心を持ち続けて居られるか、好奇心を持ち続けて居られるかはとても大切だと思う。にほんブログ村
19May
- 864.抽象的なイメージだけ
  わたしが受けてきたレッスンや巷のレッスンにおいて教師が生徒に言うことなのだが、今から思うと何だったのかと信じられないことがある。それは、レッスンにおいて教師が言う言葉。「もっと歌って」「明るく」「楽しそうに」または「悲しそうに」「暗く」などの抽象的なイメージだけを言われてその気になってしまうレッスン。実は何も変わっていないのに教えたと満足する教師。教わったと満足する生徒。今から思うと何だったのだろう？とつくづく。ロシアピアニズムの奏法では、タッチが具体的ゆえ、そのような抽象的なレッスンに終わらない。本当に音を歌わせ、本当に音色を変えることができる。思い込みだけの内容ではない。にほんブログ村
17May
- 863.日々の生きざま
  芸術家に限ったことではないと思うが少なくとも藝術に携わる者は、日々の生活すべてが大切。何を考え、どう行動するか？よく舞台に立つと華があるとかないとか人は言う。その差は何か？日々の生き方そのものなのだろう。それが華があるかないかを決めてしまう。日々、作品に対峙し、己の演奏に向き合う。そしてできること、できないことがあったとしてもとにかく一心不乱に向き合う。決められたときに舞台に立たなければいけない。日々、己を崖っぷちにたたせる。それが華につながる。演奏者は舞台において聴衆を夢の世界にいざなわなければならない。これほど至難なことはないだろう。歌舞伎役者、坂東玉三郎氏の番組から多くのことを学んだような気がする。氏は先のことを考えるより、とにかく明日のことだけ考え、日々精進しているそうだ。そして気が付いてみると、初舞台から50年だそうだ。ひたすら舞台と自宅を往復する日々。ストイックなその姿勢に感動した。にほんブログ村
13May
- 862.日本人でありながら
  わたしは日本に生まれた日本人。その私がヨーロッパの文化を学び、演奏、教育ということをするにあたって心に引っかかるものがあった。ヨーロッパ各地に存在するさまざまな伝統は日本で育った私からしてみると常識の範疇を超えた領域に感じられたと言っても過言ではなかろう。そんな日本人がヨーロッパの音楽をやることの意味について長い間、自問自答が続いていた。そんな折に、ヨーロッパにおいての国際コンクール経験の多さゆえのことであろう、1番弟子の川村文雄（桐朋学園大学専任講師）のひとことがあった。「ヨーロッパ人の多くは日本人にヨーロッパ的な演奏など求めてはいないと思います。」なるほどとは思ったが、私の中ではいささか懐疑的であった。その後20年近くの時間が過ぎ去り、私の中であいまいにしてきたこの件についての答えがだんだんと見えてきた。そして昨今確信を得るに至った。ヨーロッパで活躍する内田光子さんや海老彰子先生の演奏を聴いたときに感じた正直なる驚き。それは、なんと日本人的な繊細さに満ちた表現であろうかという驚きであり、私にとっては斬新に感じられた。ヨーロッパ音楽と日本人的な感覚の見事なまでの融合である。そこには繊細さというひとことでは片づけられない、日本人独特の「わび、さび」まで感じられるのだ。なるほど、ここに答えがあったのだ。西洋の作品を西洋人のようにアプローチしてもただの真似事にしかならず、ざれ言であると。例えば、日本人女性の最も美しい姿と言えば、わたしは着物を着ている女性だと感じる。日本女性の多くは残念ながら着物などなかなか着る習慣も少なくなってしまったが、私がよく行く日本橋や銀座界隈では、和装の女性のみならず着流しの男性もしばしばみることができるのだ。その粋な姿に私の心は踊るのであり、ある種、魅了されるのである。最近、やはり昭和の時代の映画やテレビドラマを多く見るが、あの時代には着物姿の人物が今とは比較にならないほど存在してくる。セリフにも今は失われてしまった美しい日本語が存在し、昭和の香りで満ちているのだ。本来、日本人の中に当たり前にあったことであり感覚は失われつつある昨今であるが、私はこの状況を残念に思う。国籍不明の日本人であふれているように感じることがしばしばある。西洋的なものの考えが当たり前になってしまっている生徒や生徒の親を多く見かけてきたこともしばしばあり、私はそこに違和感を感じざるを得なかった。もしかしたら私の持つ感覚は、今では古いと言われてしまうのかもしれない。そんなことから、やはり自分の中に存在する日本人的なものを再認識し、その要素を大切にピアノを弾いても良いのではないかという確信を得たのである。日本人にしかできない演奏というものが確実にある。偉大な芸術作品には洋の東西を超えたアプローチに耐えうる崇高な魂、力が宿っている。日本人でありながら、敢えてヨーロッパ音楽と対峙する意味をしみじみと思う。日本人にしか弾けないモーツァルトやショパンがあってもよいし、そしてそれがヨーロッパで求められているということを実感する。香水より白檀。薔薇より牡丹。にほんブログ村
12May
- 861.熊谷守一
  わたしは画壇の仙人と呼ばれた熊谷守一が好きだ。ご存じない方がいたら是非ご覧になってみてほしい。わたしがレッスンをしているソファの横には彼の作品が1枚だけかけてある。いつもレッスンをしている私を温かく見守っていくれているように感じる。時折、その作品を眺めていると涙が溢れそうになる時がある。熊谷の温かい人間愛に感動して。本当の悲しみを知っている人が持つことができる世界。そんな熊谷の作品のような演奏ができたらと思う。熊谷が一生かけて貫いてきた道。作品に込めたメッセージは真に尊い。天才だけができた偉業なのかもしれない。1歩でも近づきたい。彼の遺した芸術に。そんな演奏がしたい。そんな演奏を生徒にしてもらいたい。にほんブログ村
- 860.藝術の道
  藝術というということを改めて考えたときに、人は近視眼的に捉えてしまうことに陥りやすいと思う。そもそも藝術とは何か？藝術に心惹かれるのはなぜか？藝術の道を歩むのはなぜか？そのようなことをいつも初心に帰って模索することの大切さを感じる。自分ではわかっているつもりでも、実はわかっていないと感じる。もしかしたら永遠にわからないことなのかもしれない。わからないから前に歩み続けなければならない。闘い続けなければならない。なぜ今日も藝術活動、私の場合は作品と対峙しそれを自問自答しながら生徒たちの演奏に向き合うことをし続けるのだろう。舞台の上には立たないが、生徒の前で演奏するときに私は命を削って弾く。何かと闘っている自分がいる。ベートーヴェンやショパンの作品を通してそしてピアノという楽器を通して演奏しながら自分自身で模索を繰り返す。2度と同じ演奏は絶対にできない。たった1度きりの神秘に満ちた偶然かもしれない宇宙の奇跡が起こることを信じて。前衛画家、草間彌生の言葉から多くのことを考えさせられた。にほんブログ村
11May
- 859.あきらめない
  自分が心に描く演奏。わたしにとっての若いころは二コラーエワだった。そんな演奏と出会えたとしたら、それはチャンスだと思う。そのチャンスを生かすも逃すも自分次第。最初から、あのピアニストのような演奏はできないとあきらめるのは簡単。それは、その時点でチャンスを逃したことになる。もしかしたら、人生を放棄したと言えるかもしれない。人間、理想の青写真を持つことは何事においても必要だと思う。例えばホロヴィッツ。ホロヴィッツのような演奏がしたいと心から思うなら誰になんと言われようと、その思いを持ち続けることは大切だ。もしかしたら、ホロヴィッツのような演奏が本当にできるようになれるかもしれないのだ。人生、一生をかけても石にしがみついてもあきらめないこと。わたしの中で二コラーエワに憧れてから28年目になろうとしている。その理想は微妙な変化こそあれ基本は変わらずに持ち続けている。せっかく生まれてきたのだから一生をかけても追い続けたいプロジェクトを持ち続けたとしたらそんな素敵な人生を送ることが出来たらこんなに幸せなことはないと思う。にほんブログ村
- 858.教師を選ぶ
  自分がどんな教師に習うべきかはわたしが思うにある種の直感が大切だと思う。どの教師にも考え、個性が存在し、それは多種多様。その教師がどんな教育を受けてきたかその教師が日々どんなことを考えているのか同じ習うと言ってもその差は大きい。一番良いと思うのはその教師の持っているものすべてを知りたい、習いたい習ったことは絶対に無駄にしたくないと思える出会いではないか。まずはその教師に惚れこむことが出来なければならないのではなかろうか。いいとこどりだけの半端な気持ちでその教師に習うのは結局何も吸収できないような気がする。にほんブログ村
- 857.歌うトリル
  トリル。ごく短いものから長いトリルまで。特に古典ではその存在が大きくどんなトリルになるかでその演奏の印象は大きく変わる。トリルが苦手だという生徒は意外に多い。なぜならば指や手が固まってしまうから。したがってトリルが歌わなくなってしまう。どうすればよいか。それはちょっとしたことで解決される。指だけでトリルを通常は弾く。わたしが思うに、そこに手首の動きが微細に加わると不思議なことに弾きやすくなりトリルは歌いだす。手首の腱のあたりを前方、鍵盤のふたの方にほんの少しだけ移動させながら指だけで弾くのではなく手首で助けてあげればよいのだ。魅力的なトリルになるだろう。にほんブログ村
28Apr
- 856.たったの3名
  最近、つくづく思うことだが、現代の鍵盤楽器であるピアノと呼ばれる楽器の可能性を考えたときに、いったい世界中でどれだけの人が本当にその可能性を引き出して弾いているのだろうか？このことを考えたときに、私の知る限り現存する、なおかつある程度の世界的知名度が伴ったピアニストの中ではアンドレイ・ガヴリーロフとグレゴリー・ソコロフ、ディーナ・ヨッフェ先生の３名だけ。これはどこまでレガートができているかということでもあるわけで、レガートにも数段階あると思う。何をもってレガートとするか？それを物差しで測ることができる。現存するピアニストを世界中で見渡して、たったの３人しかレガートができていないという感想を持ってしまう私は特異な考えを持っていると自分でも思うのだが、正直に思うのだから仕方がない。わたしに言わせれば、わたしがロシアピアニズムに傾倒しているとしても、ほとんどのロシア人ピアニストのレガートがレガートになりきっていないと思う。私にとってはカンタービレに歌っていない、つまり物足りないのだ。レガートとは何か？を執拗に追求してきた私の２８年目にしての率直な感想。現存するピアニストの演奏を聴くときに、私が感覚的に聴いていられるのは、たったの３名だけ。物故者も含めれば、その幅は少々広がるが、なんとも寂しい限りである。にほんブログ村
20Apr
- 855.ホ長調
  ショパンのホ長調。「別れの曲」、ノクターンの第18番。いずれもホ長調。ショパンにとってホ長調で作曲することは何かの意味があったに違いない。ノクターンの18番のレッスンをしていても、「別れの曲」を聴いていてもわたしの心に独特の感情がこみ上げる。それは長調にもかかわらず、まるで短調なのではないか？と思わせる不思議な感覚。ショパンのトリックに惑わされてしまうのだ。何と哀愁に満ちた世界だろう。何と郷愁に満ちた世界だろう。しかもそれは声を大にして叫ぶわけでもなく独り言のつぶやきいや、声にならない高揚したこれ以上ないほどの悲しみの感情。あふれ出る涙。秋も深まった落ち葉のごとく。セピア色に変色してしまった写真のようだ。ずたずたに引き裂かれてしまった心。今はもうない祖国や愛する人々を思って。わたしの胸はしめつけられる。にほんブログ村
- 854.朝もやのドビュッシー
  ドビュッシーの作品をレッスンしていると様々な和声の変化に彩られた瞬間に心躍る。4度のエチュードなど、晩年の作品ならではの深遠な世界を底流にきらめく瞬間が次から次へと私の琴線に突き刺さってくる。時には東洋的であったり、これはイスラムの音階かな？などと想像が膨らむ。そのような世界はすべて倍音豊かに響き渡っていなければ実現できないことを感じる。よく目にする日本人ピアニストの校訂楽譜を見ているとダンパーペダルの踏み変えが多すぎて、これでは倍音が鳴り響く世界は実現できないのである。ヨーロッパ独特の深い霧や朝もやが倍音。その深い霧や朝もやのなかに街燈の明かりがオレンジ色に灯っているのが実際の音。そのような光景をイメージするとよい。ドビュッシーの響きの世界の特徴だ。私はプロが撮った朝もやのベネチアの写真を持っている。わたしにはその写真の世界を彷彿させる。映画「旅情」に出てきそうな世界。白黒の写真や映画であっても、そこには確実に色が存在する。キャサリン・ヘプバーンとロッサノ・ブラッツィが愛を語り合う。また「喜びの島」を聴いているとギリシャのサントリーニ島のようなエーゲ海の青と空の青。そして、島じゅう白い壁の家々が並ぶコントラストのある風景。ドビュッシーって、そんな世界だと思う。にほんブログ村