ラストテスタメントクラシック-デフォルメ演奏の探求

ラストテスタメントクラシック-デフォルメ演奏の探求

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13Aug
- バッハ／コラール・パルティータ「ようこそ、慈悲あつきイエスよ」
  98年録音。テルデック、コープマンのバッハ。オルガン作品全集の第九巻。バッハのコラール・パルティータ集です。「ようこそ、慈悲あつきイエス」BWV768、「ああ罪人なるわれ、何をなすべきか」BWV770、「汝明るき日なるキリスト」BWV766、「おお神よ、慈しみ深き神よ」BWV767の四つのパルティータに、オルガン・コラールを10曲収めています。バッハの真作と考えられている四つのコラール。他には「主イエス・キリストよ、われらに顔を向けたまえ」BWV771があります。偽作と判明しています。こうした曲を収録するか、しないかは製作者の判断です。それは全集の性格にも関連してきます。ヴァルヒャも真作としての確証を担保にしていましたが、自身の審美によって割愛された作品もあります。バッハ時代のオルガンは礼拝の前奏、後奏で演奏されました。ルター派の教会は音楽も神からもたらされたものとしていました。オルガンは音で聖書の意味を伝えるもの。コラールの歌詞は重要です。コラール・パルティータはコラールを主題にした変奏曲という形をとります。当然、コラールの歌詞が表しているところを音楽的に展開する訳です。世俗的な主題を変奏曲として展開するものでした。バッハの先達に当たる北ドイツのオルガニストたちは主題をコラールに置き、教会音楽としていきます。若き日にブクステフーデのオルガンを聞きに赴くなど、バッハは熱心に先達の成果をとりいれていきました。その成果がコラール・パルティータでありバッハの初期の作品となっているのです。中でもBWV768は長大で、後半に向けて壮麗な効果をあげます。バッハが影響を受けた北ドイツのオルガニストのような重厚から、イタリア、フランスといった様々な音楽の余波を聞くことができるでしょう。　　バッハにはゴールドベルク変奏曲という大作変奏曲があります。一定の主題による変奏曲が少ないために、変奏曲作家ではないという見方があります。一方、コラール・パルティータも変奏手法をとります。シャコンヌやパッサカリアも低声に主題が繰り返される変奏的な作品です。ヴァルヒャの厳粛で過度な装飾を省いた演奏。コープマンの全集ではトッカータとフーガニ短調の装飾に代表されるように、奏者の装飾の裁量を当時の様式に則ったものとして再現します。コラール・パルティータもオルガニストとしてのヴィルトゥオジティを発揮する作品となり多方に及ぶ変奏の展開にも目を奪われるものとなっています。人気ブログランキング
11Aug
- Spirituals
  ジェシー・ノーマンの黒人霊歌集です。17世紀、アフリカからアメリカへ労働力、奴隷として連れてきた人々が苦難のうちに見出した信仰の歌。おもにアフリカ系、マリアン・アンダーソン、バーバラ・ヘンドリックス、キャスリーン・ヘンドリックスといった歌手によって歌い継がれていきました。声質の違いから生み出されるアルバムの感触は異なるものとなります。二十世紀以降の大衆文化をいれての現代のキリスト賛美の歌はゴスペルとなりました。苦難のうちに生み出された音楽から、能動的な生の希望にあふれる能動的なものへの変換でもあります。大衆性と芸術音楽の双方に通底するものを見出さなくてはいけません。当時のアメリカを代表していたディーヴァとしてキャスリーン・バトルとカーネギー・ホールで共演が実現しました。この時、扱われたのも黒人霊歌です。客席にはマリアン・アンダーソンの姿もありました。現在では、黒人霊歌という訳語を不適切なものと捉え、霊性、スピリチュアル（ズ)という呼称も定着しました。霊性は目に見えないもの、その間の精神的な繋がりを見つめ、内面に向かいます。それは歌唱のうまさだけでは到達できない領域です。ノーマンの歌は深い。同じソプラノでも声質は異なります。バトルとノーマンはナクソス島のアリアドネで共演していました。アリアドネはノーマン、ツェルビネッタはバトルです。役柄も声質も対比されるような演出でした。　スピリチュアルズは、採譜から生まれた音楽ではありません。教会で専門の者が織り上げたものではないのです。主な編曲をウィリス・パターソンが行っています。これが品位と大衆性をつなぐもう一つの立役者です。一部、ピアノのボールドウィンとノーマンも加わり、心から生まれた音楽に知の光をあてています。時に複雑な構成を排除し、歌が生まれた発生時の最小限の姿にまで近づきます。歌唱の表面の美しさだけではなく内面の深さも伺い売るものです。人気ブログランキング
09Aug
- ムソルグスキー／ボリス・ゴドゥノフ　1869年稿
  ムソルグスキーのボリス・ゴドゥノフ。ムソルグスキーが手がけた原典版を1869年、1872年改訂稿と二つ、個別に分けた初めての録音です。ゲルギエフとマリインスキー（キーロフ）劇場の演奏。1997年の演奏です。現在の歌劇録音は映像が主流となっています。劇場の映像配信も増え、臨場感ある舞台に接することができるようになりました。視覚的な要素も重要です。演出に舞台装置、そして字幕が付けられることで観劇の敷居は小さいものとなっていきました。ニーベルングの指輪といった大作も多くの映像で接することができる時代です。管弦楽に歌手、何日もかけてスタジオに拘束する音盤の録音は数少なくなってきました。ゲルギエフの二つの稿を、そのままスタジオ録音で行うといった制作はレコード時代での最後の大輪といったものになりました。これまでのボリス・ゴドゥノフ、ムソルグスキーの原典版とされるものの多くは1872年改訂稿を元に、1869年稿からもとり入れた折衷的な内容がほとんどでした。それ以前、カラヤンの録音などはリムスキー＝コルサコフが華麗な管弦楽の補完を行ったものを使っています。原典版よりもこのリムスキー＝コルサコフ版が主流だったといっても良いでしょう。ソ連のショスタコーヴィチはロシア的なものの現れとしてボリス・ゴドゥノフに心酔した一人です。一方、音楽を具現化するときに鐘の場などの表現に技量が足りないとも看做していました。その音楽の根本にある創造性は尊重しつつ、管弦楽化などの技量を二十世紀的な感性で補完しています。アバドのロイド＝ジョーンズ校訂の原典版を基本に、戴冠の場といった具合にショスタコーヴィチの成果も入れています。　ゲルギエフは、重複する部分も多い二つの版を重なる部分を付録として添付するのではありません。1872年は稿は女声といった見せ場が足りないとする批判に対応してのものです。ポーランドの城での陰謀の場面。舞曲が導入され色恋も描かれる。近年、1869年稿の価値が認められ舞台上演されるものの、こうした場面がないことがプログラムに特記されることになります。歌劇のもう一つの主人公は民衆を表す合唱です。歌劇のテーマは幼児殺しの罪悪感に苛まれるボリスの狂気と破滅です。精神の崩壊するボリスで終わる1869年稿は個人の心理劇として掘り下げがあります。偽皇太子が登場し、民衆の声の代弁者である聖愚者の「泣け、泣けロシアの民よ」と民衆の熱狂は史劇として広がりがあります。それは二つの版を分けて、個別の歌劇として取り上げようとした版の違いへの着目でした。ここでムソルグスキーの圧倒的な創作の過程を探ることができるのです人気ブログランキング
07Aug
- アポロ
  ブライアン・イーノ、ロジャー・イーノ、ダニエル・ラノワによる共同制作。83年の「アポロ（Apollo: Atmospheres and Soundtracks）」です。アル・レイナート監督のドキュメンタリー映画「宇宙へのフロンティア（For All Mankind）」のサウンドトラックとして制作された一枚でした。ホルストが開拓したスペース・ミュージックの流れを環境音楽の立場から解いたもの。映画のサウンドトラックの枠を超えて特に優れた一枚として知られているものです。環境音楽は空間や空気の一部として雰囲気を提起し、家具のような音響となるものです。ブライアン・イーノによって提唱されました。その思想的な源泉はイーノの提唱の半世紀前、サティの「家具の音楽」に端を発します。音響を構成するものは、シンセサイザーによる電子音が多い。既存の楽器を想定する音色や、主張の激しい音色は避けられます。テーマも宇宙であるため静寂や、無重力といった新時代の宇宙を表すのに相応しい表現を撮ります。スペース・ミュージックですが特に何かを表象するわけではない。その特性が生かされ、他の映画やイベントにも使用されました。中でもロンドン・オリンピックではテロの追悼の場にも使われました。共同制作、ロジャー・イーノはイーノの実弟。現在はグラモフォンとの契約で、作曲した作品を発表しています。ここでは主に鍵盤楽器を担います。ダニエル・ラノワは自身もアルバムを出し、U2といったスタジアム・バンドのプロデュースでも有名な才人で、ペダル・スティール・ギターをはじめとした楽器を担当。音色は加工され、音響を構成します。　ロジャーによれば、明確な役割分担を持って進んだのではありません。プロジェクトのために曲を提供し、曲も適宜取捨選択されました。制作は親密なもので、制作から36年、アポロ11号の月面着陸から50周年。再度、結集して新たにマスター音源が制作され、新たに録音した作品が加わりました。カントリー的な要素はラノワによってもたらされています。アポロ計画の宇宙飛行士がカントリー・ミュージックのテープを船内に持ち込んで聞いていたという逸話にちなんだもの。無表情な音楽にも郷愁をもたらします。サティの余波はアンビエント、意識して聞かれることのない音楽に結びついているのです。人気ブログランキング
05Aug
- ホルスト／惑星
  マゼール指揮のフランス国立管弦楽団。ホルストの惑星です。81年の録音。カラヤンとウィーン・フィルハーモニー管弦楽団の演奏がイギリスのあまり知られていなかった曲の蒙を拓きました。カラヤン盤の登場は61年です。七つの太陽系の天体。当時の太陽系の惑星とされた地球と冥王星を欠いています。2006年にはラトルとベルリン・フィルの組み合わせでコリン・マシューズの補筆を経て冥王星ほか現代作家による宇宙の小品を加えたものが登場しました。現在、冥王星は準惑星として惑星の系列からは外れています。いずれにしてもホルストの意図は宇宙音楽ではなく占星や、神秘といった表象するものを描いた作品です。フランス音楽を得意とするデュトワはモントリオール交響楽団。86年の録音でした。マゼール盤は当時としては異例のフランスのオーケストラを率いてのもの。現在はアメリカ、ドイツ、フランスを含め世界中で演奏されている惑星に新風を注いだものとして知られています。特に木星では原譜にないスネアが加わるなどの演出。派手で爽快な音楽として展開されます。カラヤンが蒙を拓いたとはいえ、マゼール盤登場の時はまだまだイギリスのオーケストラが中心になって演奏している作品でした。ヨーロッパでのマリナー指揮のコンセルトヘボウ、カラヤンのウィーン、ベルリン・フィルといった演奏は例外的なものでした。ラトルは25歳、80年代にフィルハーモニア管弦楽団で演奏しています。イギリスからドイツのオーケストラへ。若き日のラトル盤は直截的なものでした。大編成の惑星の音楽は音響的に見栄えのする作品として浸透していきます。今日でもホルストの作品は吹奏楽のための組曲といった一部の作品が知られているに過ぎません。　録音当時、マゼールは50代前半。セルの後任を受けてのクリーヴランド管弦楽団、ついでフランス国立管弦楽団でも音楽監督の地位にありました。マゼールのバトン・テクニックは驚異的な記憶力と耳の良さに裏打ちされています。オーケストラは自身の音楽性を発揮する楽器でもありました。オーケストラはすでに完璧に整った楽器の集合体として向き合う。一から自身の音を築き上げるよりも既存のオーケストラから最大限の成果を引き出すタイプのものです。モダンの作品の怜悧さは冴えています。多くの打楽器が活発に聞こえます。人気ブログランキング
03Aug
- バッハ／カンタータ第198番「候妃よ、さらに一条の光を」
  ヘルマン・シェルヘン。ウェストミンスターの資産の一つ、バッハのカンタータ集の第198番「侯妃よ、さらに一条の光を」です。ウィーン国立歌劇場管弦楽団、マグダ・ラースロー、ヒルデ・レッセル＝マイダン）、ペーター・ムンテアヌ）、アルフレート・ペル。ウィーン独自のオーボエといった美しい響き。二十世紀、現代音楽の旗手として知られていたシェルヘンのバッハは決して即物的なものではありませんでした。むしろ、50年代ウィーンの暖かな音色を受けて、深い感情移入を伴った感動的な演奏となっています。52年録音。米ウェストミンスターの復刻は第140番「目覚めよ、とわれらに呼ばわる物見らの声」とあわされています。時代楽器登場後は総じて早まっていったテンポ。当盤の二曲はどちらも緩やかなテンポで進みます。リヒターは哀悼頌歌として知られる第198番「侯妃よ、さらに一条の光を」の録音はありません。カール・リヒターは晩年に心臓発作を起こします。大病を抱え活動にも制限が加わりました。アーノンクールらの時代楽器の推進者も登場し、次第にその音楽も過去のものとなりつつありました。78年の第140番、79年のマタイ受難曲の録音といった録音にも影を落としています。リヒターのカンタータ第140番のテンポは緩やかです。晩年のリヒターがロマン的なところに表現を求めていったとも言われています。シェルヘンの第198番は60年代後半からあらわれる録音よりも緩やかなテンポをとっています。ザクセン選帝侯妃クリスティアーネ・エバーハルディーネの追悼のために書かれたカンタータ。特定の人物の追悼という機会音楽です。典礼用という教会カンタータの系譜からは外れることになります。追悼詩はカンタータには必須の聖書から引くこともありません。　シェルヘンの時代当時は葬送音楽として目録では教会音楽にいれられていました。シェルヘンの二十世紀音楽にも連なる直截性は、この音楽の中の悲の情感を拾い出すことに向かったのです。ベートーヴェン演奏でも現代の耳からすると表現主義的な方法をとっていました。バッハの情感に寄り添った音楽はロマン的な手法にも似ています。ウィーンの情感あふれる音色もそれを補完します。それでもシェルヘンの音楽はロマンに寄り添ったものではありません。バッハの音楽から読み取った情感を直截的に拾い出しているものです。モダン楽器で時代楽器を前提としたバッハの音楽を再現することは困難なものでした。現代の楽器を生かして、声と融合する。特別なバッハ演奏となったものなのです。人気ブログランキング
01Aug
- シャン・ダムール～フランス歌曲への誘い
  チェチーリア・バルトリ。96年録音の「シャン・ダムール〜フランス歌曲への誘い（Chant d'Amour）」です。ビゼーの「愛の歌（Chant d'Amour）」に始まり、ドリーブ、ポリーヌ・ヴィアルド、ベルリオーズ、ラヴェルといった19世紀から20世紀、ロマンから20世紀初頭近代の感性溢れる音楽を収めています。フランスの歌曲。独唱とピアノが紡ぐ芸術歌曲はドイツのリートに対して、メロディと呼ばれています。ドイツのリートが歌曲にあっても形式を重視するのに対し、フランスの歌曲にも優れた詩人がたくさんいました。原語の違いも音楽に及んでいます。詩が優先され、語りかけるような繊細な作品が多いのです。感性にうったえかけるものとなりました。語りかけるような詩を生かした音楽は、のちのシャンソンにまで影響が及ぶでしょう。聖チェチーリア音楽院で学び、イタリア歌劇に始まり、モーツァルト、ハイドンの諸役に進む。イタリアのバルトリは、歌曲にも集中的に取り組みます。ヴィヴァルディなども、秘曲にあたるような作品を学究的なところから掘り起こします。自身のコンセプトのもと選曲した企画のアルバムも多い。当盤は異国でもあるフランスに焦点を当てて構成しています。導くピアノはチョン・ミュンフン。ピアニストとしてキャリアを始め、指揮者としてはパリ・オペラ・バスティーユの指揮者として緻密な歌劇録音を残しました。政治事情からの音楽監督解任は醜聞に満ちたものとなりました。そのピアノは指揮者としても同様に、歌に寄り添う表情豊かなものです。バルトリは自身を支えるピアニストの選も意識的でした。ティボーデ、シフ、ラン・ランといった独奏者として確立したもの、レヴァインやミュンフンのように指揮者として知られる音楽家が並びます。それは単なる伴奏者以上のものをピアニストに求め、自身も歌唱で支えているのです。初期ロマン、ビゼーやドリーブの作品には劇的な要素があります。　メロディというフランス歌曲は、発生時からすでにドイツとの違いが意識されていました。古くは有節歌曲のロマンスという歌曲がありました。次第に感傷的なものとなり、シューベルトの歌曲が入ってくるころには芸術歌曲としてのメロディが形づくられていくのです。ビゼーの作品には、劇的な要素もあり、歌詞では役づけも行われ、バルトリの歌唱は巧みです。人気ブログランキング
30Jul
- ヘンデル／メサイア
  ウェストミンスター。シェルヘン指揮ウィーン国立歌劇場管弦楽団、ウィーン・アカデミー室内合唱団。ヘンデルのメサイアのステレオ録音です。59年録音。同レーベルには53年録音ロンドン交響楽団を率いてのモノラル録音がありました。編成を小さくした響きで知られています。ヘンデルの時代当時は数十人規模で演奏するのが通例でした。歌劇から身を引いたヘンデル。オラトリオという新しい分野で身を立てることになります。劇場での経験を生かし、興行的な上演を行っていきました。孤児院での慈善公演は定例の演奏会となり、収益をもたらすことになります。この時から、すでに演奏される会場によって編成を変えることは行われていました。楽譜も操作され、ついには決定稿を見出しにくいものとなっていきました。古典、ロマンに至っての100人を超える編成での大規模上演の端緒はすでにヘンデルの生きた時代に遡ることができるのです。80年代以降の時代楽器の演奏の登場は、ヘンデル時代の楽器に着目しました。当然、編成は見直されることになりました。作曲者の時代、どの年代の編成を範とするかについて音楽学者の考証も加わります。その後、モダン楽器による上演も時代楽器が見出した成果を取り入れていきました。シェルヘンのヘンデル演奏は時代楽器も登場以前、モダンしかなかった時代です。バッハ、ヘンデルを積極的に取り上げ、テンポも緩やかであった時代に編成にも着目した独自の演奏となっていました。ここで演奏しているのは1742年のダブリン初演版です。ピエレット・アラリー、ナン・メリマン、レオポルド・シモノー、リチャード・スタンデンといった独唱者。滑らかな音をつなぐスタイルは往年のものです。二十世紀音楽のスペシャリストでもあったシェルヘン。指揮法についても伝えうる技術としていました。演奏時間も当時の通常のものよりも長い。それでも、曲によっては異例の速さで進むものもあります。速度の緩急はうねりを生み出し、時に異端とされることもある当盤の魅力ともなっています。　ヘンデルの時代の再現ではありません。現代にヘンデルの音楽を展開する試みです。総譜に向き合い、直截的な響きを引き出す。時代楽器から新しい響きを見出すように、この半世紀以上の前の演奏から驚きを見出すことができるでしょう。人気ブログランキング
28Jul
- エルガー／ゲロンティアスの夢
  エルガーのオラトリオ「ゲロンティアスの夢」。ブリテン指揮のロンドン交響楽団、合唱団。ゲロンティアスに盟友ピーター・ピアーズ、天使はイヴォンヌ・ミントン、司祭・苦悩の天使にジョン・シャーリー＝カークを配した同曲の代表的な録音の一つです。71年の録音。先行するのはバルビローリの64年録音です。ボールト、ラトル、A.デイヴィスといった録音があります。イギリスの指揮者が中心となるのはヘンデルにまで遡るオラトリオ演奏の伝統があります。ヘンデルの「メサイア」、ハイドンの「天地創造」これにメンデルスゾーンの「エリヤ」を加えたものを一般的に三大オラトリオと呼びます。ハイドンの天地創造も作曲者が渡英の際に、「メサイア」の上演に接したことが契機になりました。エリヤもバーミンガム音楽祭の委嘱によって生まれ、ヘンデルを基点にしたオラトリオの伝統がつくられていきました。ブリテンはまず作曲家として知られています。主に「戦争レクイエム」「ピーター・グライムズ」といった自作の圧倒的な録音がありました。また指揮者としての録音も多く、その審美にかなった音楽がとりあげられました。「弦楽のためのイギリス音楽集」は自作の「シンプルシンフォニー」ほかパーセル、エルガー、ディーリアス作品が演奏されています。パーセルのシャコンヌは編曲も行います。指揮者としての視点には作曲家としての視点も入ってきます。指揮者＝作曲者は大勢います。ブリテンの指揮はまずその人間性と中庸、優れた感覚にありました。弦楽のためのイギリス音楽集の響きの背景には醸造所を改造した木質系の響き、ザ・モールティングズがありました。オールドバラ音楽祭の拠点。ゲロンティアスの夢もまた音楽祭の直後に収録されました。客観的な視点を持っていて、同時に熱量を持っています。　イギリス国教会という伝統がありながら、カトリック的な背景を持つエルガーの音楽。死の床にあり、肉体を離れ、煉獄へと向かう過程。ゲロンティアスはギリシャ語の老人を意味します。死を前にした苦悩と信仰による救い。ブリテンの多くの作品は盟友ピアーズの声を前提にしていました。ここでも苦悩を歌うのはピアーズです。作品への理解は深い。作曲家の視点も決して冷たいものではなく、どこまでも人間性を感じられるのがブリテンの指揮でした。人気ブログランキング
26Jul
- ヴェルディ／リゴレット
  ヴェルディのリゴレット。63年録音のショルティ指揮イタリアRCAオペラ管弦楽団・合唱団。リゴレットはロバート・メリル。ジルダはアンナ・モッフォ、マントヴァ侯爵にはアルフレード・クラウスといった当時の豪華な歌手を揃えた演奏として知られています。録音史上の偉業となったワーグナーのニーベルングの指輪全曲録音はショルティ、40代の後半に始まります。以降、カルショウとの制作もはじまりました。デッカにヴェルディ作品も録音されることになります。代表的な録音に67年のレクイエムがあります。仮面舞踏会でのビルギット・ニルソンの起用は指輪制作の余波を受けてのものでしょう。デッカには優れた音響思想があり、録音に臨場感を添えるものでした。歌手を揃えるのもレーベルの力が大きいものでした。ショルティはデッカに専属契約していました。当時、デッカとRCAは録音とエンジニア技術を提携していました。ここにRCAでのヴェルディ録音が残ることになります。アメリカ、欧州での展開を見越したものです。デッカは汎用性の高い歌手を揃えていました。RCAはアメリカで活躍する歌手に強みがあります。メリル、モッフォといった歌手はその黄金期にあたります。人種の壁を破り、多くの曲目に対応できる歌手の国際化といった方面に向かうのです。ショルティの指揮は明快で、推進力があり劇的です。RCA管弦楽団という録音のためのオーケストラ。徹底した合理主義が制作の根底にあります。RCAでは同時期にファルスタッフが制作されました。のちにデッカの音源としても発売されます。ヴェルディの演奏としては直截的ですが、総譜を精確に演奏したものとして知られます。「女心の歌」を歌うクラウスもその品位が最も生かされたものでしょう。　リゴレットはヴェルディ中期を告げる作品です。ここからのヴェルディには無視できる作品はありません。ヴェルディの作品は一人の作曲家として現在も上演されている歌劇数は最も多い名品が並びます。ヴェルディはミラノ音楽院入学に失敗し、ミラノの音楽家ラヴィーニャに師事します。ラヴィーニャは劇音楽を教えることはなく、叩き込んだのは厳格な対位法とされています。その成果として晩年のファルスタッフの終結のフーガが生まれたとされています。リゴレットでもリゴレット父娘、殺し屋兄妹の四重唱というそれぞれの思いが四つの声部となって交差する精緻な音楽。こうした作品をアンサンブルとして精緻に展開するのもショルティらしい。人気ブログランキング
24Jul
- バッハ／ロ短調ミサ曲
  バッハのロ短調ミサ曲。ヘレヴェッヘ指揮、コレギウム・ヴォカーレ・ゲント。三回のスタジオ録音の中の二番目。アンドレアス・ショル、プレガルディエンらが参加したハルモニア・ムンディの96年盤です。Virgin Classics、自主レーベルのPhiとレーベルも移行してきました。ドイツの重厚な合唱伝統とは異なる質感を持ったヘレヴェッヘの音楽。ドイツ語で峻厳。劇的な進行のある受難曲以上にロ短調ミサの叙情的な感性に寄り添います。61年のリヒター盤は圧倒的なキリエで始まります。一音いちおんに込められた思いは深い。バロックを超えて、表現主義的な演出にまで近づいたのかもしれません。モダンであってもこうした表現は稀なものでした。時代楽器の登場での冒頭のキリエは情感では進めません。純音楽的なものとなっています。ロ短調ミサは宗教曲の総決算。旧作品からの引用が多いことでも知られています。カンタータは教会暦に沿った上演という用途がありました。機会音楽でもあり、上演の機会も限られるものでもあったのです。プロテスタントであるバッハがカトリックの伝統的なラテン語の典礼文を用いたミサ曲とした作品。ドイツ音楽の重厚な伝統だけではなく、様々な音楽様式を容れる大きさがあります。フランスの歌劇で実績を積み上げてきたヘレヴェッヘ。リヒターの厚みのある響きとは対照的です。特に声のブレンド、各パートは精密で、声部が積み重ねられていきます。三回の録音の中でも最も歌手が揃っていて、個々の歌を抜いてみても心うつ瞬間が多いのです。　時代楽器でも85年のレオンハルト盤も静謐な演奏でした。アーティキュレーションもくっきりと各声部を浮かび上がらせていきます。バッハの音楽は多声の音楽です。ヘレヴェッヘでは、重なりや声部の繋がりに重きがおかれます。89年にはブリュッヘンの録音も登場しました。古楽に足りないとされていた意志力を感じさせてくれます。ヘレヴェッヘも2011年の再録音では、より自然な呼吸と深化が感じられるようになりました。旧盤にあたる96年盤では古楽を牽引してきた名士の声は今も大きな魅力です。人気ブログランキング
22Jul
- オケゲム／レクイエム
  マルセル・ペレス指揮アンサンブル・オルガヌムによるオケゲムの「レクイエ」。フランスのフォントヴロー修道院、92年の録音です。「シトー修道会の聖歌」を録音したのと同年です。作曲家が判明している多声のレクイエムとしては最古のオケゲム作品。デュファイ、ジョスカン・デ・プレといったフランドル、15世紀の作品が録音の視野に入っていたのは50年代のことです。プロ・カンツォーネ・アンティクヮの録音は70年代。ピリオド・アプローチの代表的な録音が登場したのはヒリヤード・アンサンブルの84年盤です。ヒリヤード・アンサンブルはソリストをあてるパートに一人をあてる編成でした。想像力を駆使しつつも現代に通じるものとして音楽的な演奏となっています。アンサンブル・オルガヌムはもっと個性的なもので、男声合唱に一部児童合唱も加わります。15世紀オケゲムの時代は現行のカトリック典礼文とは異なります。典礼は16世紀トリエント公会議で定められます。オケゲムのレクイエムでは入祭唱、キリエ、昇階唱、詠唱／連祷、奉献唱の五楽章。サンクトゥス、ルクス・エテルナといったものはありません。元からなかったものか、失われてしまったかは不明です。アンサンブル・オルガヌムは単旋律の聖歌を補填します。演奏は美しい響きを発することに重きを置いていません。地鳴りのような歌唱や、未開の音楽を響かせます。レクイエムという音楽は、入祭唱の歌詞に由来します。人の死という非日常を切り取った音楽。ノンビブラートで淡々と運ばれるものよりも重々しい。異質に響く音楽は儀式という秘められた神秘にも近いのです。演奏としては個性的なものですが、ピリオドアプローチも様々な方法でルネサンスに向かいあい、様々な方向へ向かっていった記録となりました。ルネサンスの音楽が美しく清らかなものであったという印象も覆っていきます。　歌唱も現在にまで伝わる伝承、伝統のうちに探ります。フィールドワーク的な方法をとりながら、過去の唱法を検証。それは音楽における民俗学的な方法論です。一種、呪術的な方法が死を見つめての重さとなります。人気ブログランキング
20Jul
- バッハ／カンタータ第182番「天の王よ、よくぞ来ませり」
  鈴木雅明、バッハ・コレギウム・ジャパンによるカンタータ全集から第三集。ワイマール時代のカンタータ BWV 12「泣き、嘆き、悲しみ、おののき」、BWV 54「いざ、罪に抗すべし」、BWV 162「ああ、婚礼に赴く今、われは見る」、BWV 182「天の王よ、よくぞ来ませり」の四曲をおさめています。　独唱は山口由美子、米良美一、ゲルト・テュルクバス、ピーター・コーイ。96年の録音でした。全集は95年から2013年の14年という制作期間。アーノンクール、レオンハルトと分担してのカンタータ全集から、リリング、コープマン、ガーディナーといった個人での制作に移り、アジアとしては初。古楽の成熟を反映したものとなりました。カンタータの量産体制にあったライプツィヒ時代に対し、ワイマール時代は初期にあたります。カンタータの定型は大規模な冒頭合唱に始まり、いくつかのレチタティーヴォとアリアで紡ぎ、最後はコラールで結ばれるというものです。カンタータを作曲するという義務以外にも、楽員を鍛え演奏を指導する。雑務をこなし、政治的な交渉も担う。上演に導くといったことも含まれました。初期のカンタータはカンタータの定型にはまらないものも多いのです。すでに初期から完成度の高いものが多く魅力的な作品が並びます。ブラームスが気に入っていたという第４番、第21番といった作品も初期のものにあたります。ワイマールの宮廷楽長となった直後のBWV182は棕櫚（しゅろ）の日曜日用のもの。エルサレム入城を持って、受難の物語の始まりとするのです。王としての入城は、壮麗なものではありません。馬ではなくロバでの入城でした。従順な家畜であり、あえて平和、謙遜といった意味合いで聖書にも描かれます。バッハは付点リズムのピッツィカートでロバのあゆみを描いたとされます。リコーダーも加わった冒頭。合唱ではなく器楽がおかれています。　王という存在。民衆としては強大な力を持った王がローマの圧政に対抗することを期待していました。そして、イエスが体現する王は武力とは無縁のものです。この民衆の期待は、やがて「十字架につけよ」という反動にまで向かっていきます。かつてのリヒターの演奏は重厚なものでした。群衆の規模は合唱の規模でもあります。古楽は総じて快速に進みます。リヒターのアリアは長く、流れを堰き止めることがあります。古楽で描くのはもっと素朴な入城です。音楽だけではな背景にある宗教的な理解にもモダン、古楽の違いは及んでいます。人気ブログランキング
18Jul
- カヴァッリ／カリスト
  十七世紀イタリア。カヴァッリの歌劇カリスト。ルネ・ヤーコプス指揮のコンチェルト・ヴォカーレ。94年の録音です。ニンフのカリストはマリア・バーヨ、ジョーヴェはマルチェロ・リッピ、ディアーナはアレッサンドラ・マントヴァーニといった歌手が歌っています。オウィディウスの『変身物語』を題材にした物語。熊に変えられたニンフ、カリストを描いています。彼女はおおぐま座となるのです。レパードがバロックの埋もれていた作品にカットを施し、現代に通じるものとした録音から20年以上。ヤーコプスは時代楽器を用い完全再現しました。映像も制作されています。85年のセルセ、88年のジャゾーネに続くカヴァッリの歌劇。自身もカウンターテナーであるヤーコプスは声を熟知し、時代楽器と歌劇に関わってきました。カリストは、悲劇性だけではなく、官能や華やかな要素、娯楽性を備えています。浮気癖のあるギリシャの最高神ジョーヴェ（ジュピター）。息子メルクーリオ（マーキュリー）は父の浮気の手助けをすることが多い。ディアーナ（ダイアナ）に変装してカリストと思いを遂げるのです。妻であるジュノーネ（ジュノー）は激怒して浮気相手を変身させるというのが定型です。カヴァッリはモンテヴェルディに見出された弟子でした。歌劇が誕生したイタリアで最初期から活躍したモンテヴェルディ。カヴァッリは王侯貴族の娯楽であった歌劇を一般大衆がチケットを購入し観劇できる仕組みを創始した人物として知られています。モンテヴェルディの時代から娯楽性は格段に向上していくものとなります。一般の劇場での上演のため小さな編成で効果的に響かせるという手段をとっています。見せ場では主役がアリアを歌う。劇を進行させるレチタティーヴォは淡々と進みます。見せ場で歌に焦点が当たる構造となりました。師のモンテヴェルディは、音楽に沿った伴奏を付けました。カヴァッリではアリア、レチタティーヴォの別がわかりやすい。　映像で見れば、演出も盛り込みやすい娯楽性の高い作品ということも理解できるでしょう。カリストを歌うバーヨの声も瑞々しい。歌劇は役ごとに明瞭な性格づけがあります。終幕はシャコンヌで結ばれる。楽譜は不足も多く、例えば通奏も単調なものです。シャコンヌもシャコンヌとしか書かれていません。こうした再現には考証だけではなく多くの想像力も必要です。人気ブログランキング
16Jul
- マーラー／交響曲第九番ニ長調
  小澤征爾のマーラー。ボストン交響楽団全集の一貫、第九交響曲です。89年、ライヴ収録されました。10年以上を経て音楽監督を退任する際にも同曲がとりあげられました。2018年、サイトウ・キネン・オーケストラを率いてのものもライヴ収録です。89年盤には90年の第十交響曲の第一楽章も収められています。全集は80年から93年。10年以上の制作期間でした。グラモフォンに残された第一交響曲には「花の章」が付け加えられていました。全集では省かれています。第十交響曲はクック版による五楽章補筆完成も回避されました。さらに「大地の歌」も除かれています。番号付きの作品に特化したものとなっていました。バーンスタインに学び、マーラー・ブームを牽引した演奏を目の当たりにしていた小澤征爾。バーンスタインの演奏は総譜を自身の音楽に同質化させたものでした。ユダヤ的な体質も濃厚に反映し、濃厚な音楽を展開しています。そこに盲従しなかったのが小澤征爾のマーラーの全集です。「どんなに大きな音響でもすべての楽器の音がクリアに聴こえる状態」を目指しています。自身が優れた指揮者であったマーラーが適正な速度について述べた「すべての音の長さが正確に出せるなら、そのテンポは正しい」という言葉にも近い。総譜に込められた多くの情報を可能な限り引き出す。全集の第九交響曲でも総譜を厳正に見つめ、音楽の純度は高いものとなりました。これが退任コンサート、サイトウ・キネン・オーケストラのライヴへと繋がって、より深化していく過程を辿ることができるのです。マーラーと直接的な接点を持っていたワルター、38年の演奏はナチス・ドイツ、オーストリア併合の直前という特別な状況です。ここで聴かせた濃厚なロマンは、晩年のコロンビア交響楽団では穏やかなものとなっています。　ワルターの穏やかさとバーンスタインの主観と熱情。小澤征爾はマーラーの使徒の時代からは隔てられています。客観的に音楽に接し、交通整理は行き届き、引き出された情報量は多い。音楽監督としてボストン交響楽団に赴任してからの三十年近い長期政権でした。オーケストラ・ビルダーとしての楽団の音をつくりあげる技術の基盤もありました。巧みに織り上げられ、客観的な視点を持った演奏でも、マーラーの音楽の個性は十分に感じられるのです。人気ブログランキング
14Jul
- ヴァンゲリス／霊感の館
  ギリシャのヴァンゲリス。78年に発表された前衛音楽「霊感の館」です。ヴァンゲリスは炎のランナー、ブレードランナー、南極物語、1942 コロンブスといった映画のサウンドトラックで有名です。クラシック・レーベルの老舗ドイツ・グラモフォンでは瞑想-見えない絆（Invisible Connections）も出されました。こちらは「霊感の館」の路線にある前衛音楽とされています。生前、最後のアルバムとなったJuno to Jupitarもユニバーサル傘下デッカから発売されました。そこにはゲオルギューも参加しているのです。「霊感の館」はパリの建築、ポンピドゥー・センターに触発されて制作されました。建物も現代美術を扱い、外観も剥き出しの配管という特徴的なものとなっています。ヴァンゲリスはその無機質、前衛に着目しました。シンセサイザー、YamahaのCS80を駆使。搭載のエフェクターリング・モジュレーターは変調用の波形を掛け合わせ無機質な音に変化させるものです。多くを即興で作り上げ、シンセサイザーの性能を引き出しました。ヴァンゲリスを特徴づける息の長い旋律や複雑に織られたリズムはありません。前衛作品は20世紀、ミュージック・コンクレートに共通するものがあります。テープでの編集、楽音以外のものも積極的に取り入れ、積極的に加工していくという手法です。シンセサイザーも当初は実験室での音響装置でした。ヴァンゲリスは楽譜の読み書きができないことを公言していました。できるだけ即興的に全てのコントロールを行うことを重視しました。現代では多くのトラックを重ね、そこに必要なものを詰め込んでいくものです。ヴァンゲリスは、こうした手法ではなく複数の楽器を積み上げ、必要な音をリアルタイムに演奏することを好みました。最終的には複雑な機構を持った多くのシンセサイザーを制御するシステムを作り上げ、必要な音を瞬時に展開できるようにしていきました。　天国と地獄、反射率0,39といったシンセサイザーを駆使した音楽から「霊感の館」の非音楽的な一枚は衝撃的でした。今もって問題作なのです。こうした音楽が生まれる背景、創作態度といったものもクラシックの前衛音楽の手法とは近しいものがあります。成果物はポピュラーミュージックのファンには回避されることが多い。伝統的な音楽を聞くひとはほとんど気づかないで通り過ぎてしまいがちです。人気ブログランキング
12Jul
- ベートーヴェン／交響曲全集
  2002年4月29日から5月17日にかけての収録。ラトル指揮のウィーン・フィルハーモニー管弦楽団によるベートーヴェンの交響曲全集です。ウィーンの楽友協会大ホール。観客を入れてのライヴによるものでした。拍手はカットされています。臨場感ある雰囲気で全体に統一された色調を持っています。古楽器の成果を入れてのもの。例えば第三交響曲のクライマックス、ベートーヴェン時代の楽器では不完全だったとされたトランペットの高音。往年の演奏は現代の楽器で補って朗々と主旋律が続きます。ラトルの演奏では、楽譜遵守でここでトランペットの主旋律は消失します。第九交響曲のVor Gott（神の観前で）の箇所でティンパニだけが減衰する場でも減衰しません。岩城宏之は著書の中で「理不尽なバランスの指示をベートーヴェンがするわけがない」。原典にあたったという逸話が出てきます。セルもここでディミヌエンドを行いませんでしたが、セルの時代には少数派でした。セルもエロイカ交響曲ではトランペットの主旋律は朗々と鳴ります。ラトルはジョナサン・デル・マー校訂のぺーレンライター版を使用。現代と時代楽器の成果を入れた革新的な演奏を展開しました。ウィーン・フィルはベートーヴェン交響曲全集を制作することで指揮者の個性、時代の好みを反映していくのです。2008年から2010年、伝統的なブライトコプフ版を用いたのがティーレマンでした。伝統への回帰をうたったことで、ラトルとは対照的です。　ラトルはベートーヴェン、ブラームス、ブルックナーといったドイツの音楽の扱いには慎重でした。バーミンガム市交響楽団にはじまり、マーラーや二十世紀音楽の難曲を縦横に展開していたラトル。こうした音楽はラトルにとっての自明の音楽です。ベルリン・フィルの首席指揮者就任はドイツの伝統的な音楽を取り上げる必然性をもたらしました。十三年後にはベートーヴェンの交響曲全集を制作することになります。クナッパーツブッシュをはじめ、往年の強い主観に基づいた演奏を好んでいた宇野功芳はラトル、ウィーンフィルによる第九交響曲を絶賛していました。合唱には古巣のバーミンガム市交響楽団合唱団が参加。スマートに流れない現代の力感に無視できないものを感じたのです。ウィーン・フィルも革新性だけではない音像をもたらしました。指揮者の個性とオーケストラ。ベートーヴェンの交響曲は定点観測できる好材料なのです。人気ブログランキング
10Jul
- ドヴォルザーク／スターバト・マーテル
  ヤノフスキ指揮ドレスデン・フィルハーモニー管弦楽団、MDRライプツィヒ放送合唱団。独唱はハンナ＝エリーザベト・ミュラー、ロクサーナ・コンスタンティネスク、クリスティアン・エルスナー、タレク・ナズミ。ドレスデン爆撃の日に収録されたドヴォルザークのスターバト・マーテル。2024年の録音です。ヴェルディと同様、ドヴォルザークも幼い子供たちを次々に亡くすという悲劇に見舞われました。1875年の長女、1877年の次女と長男。その後に誕生した六人の子供は無事に成長していきます。三女は作曲家であるスークと結婚し、その孫はヴァイオリニスト、ヨセフ・スークにまでつながるものです。不可知論者であったヴェルディと異なり、カトリックの信仰は揺らぐことはありませんでした。スターバト・マーテルは神の導きに身を委ねるというもので、最後は平穏のうちに閉じていきます。その切ない祈りこそが聴き手を揺さぶるのです。ヤノフスキは後期ロマン的な粘性にとらわれることはありません。速度も早く、最後の天上の光に至る全体の構造も見えやすい。演奏時間は80分、長くて90分に及ぶ作品ですが80分を切っています。ターリヒ、クーベリックといった演奏が持っていたロマンとは異なる方法。徹底した音楽のみに語らせています。即物的な方法は現代的です。作品自体はすでに濃厚な悲しみの情感をたたえているために、全体が引き締まって聞こえるのです。ヤノフスキもカペルマイスターとしての下地から始まりました。そのロマンの音楽の演奏はドヴォルザークに限らず引き締まったフォルムを持ちます。　世界屈指の古都であったドレスデンに加えられた無差別爆撃。その場に捕虜として居合わせたカート・ヴォネガットは荒廃した都市と遺体の山に愕然とします。不条理を受け入れるしかない現実。So it goesと随所に付される小説「スローターハウス５」はジョージ・ヒル監督の映画となりました。グールドの弾くバッハの演奏は不思議な映像とともに印象的です。特別な日にドレスデンのオーケストラによって演奏されたもの。曲の劇的な内容を捉えています。人気ブログランキング
08Jul
- ヴェルディ／レクイエム
  ヴェルディのレクイエム。ロマン派の劇的な宗教音楽の大作。アバドの残した録音のうち、2001年のベルリン・フィルハーモニー管弦楽団。スウェーデン放送合唱団。独唱はゲオルギュー、バルチェッローナ、アラーニャ、コンスタンティノフの四人です。ロマン派ではベルリオーズのレクイエムも劇的な大作でした。フォーレの静謐な世界とは対照的な音楽となっています。79年のミラノ・スカラ座、91年のウィーン・フィルハーモニー管弦楽団につながるものとなりました。カラヤンはレパートリーを何度も録音したことでも知られています。映像を除けばウィーン・フィル、ベルリン・フィルと展開されるのは劇的な演奏でした。アバドの三回という数字からも作品への思いがうかがわれます。劇的な作品ですが、終始力感あふれる音楽ではありません。静と動は対比され振幅は大きいものです。管弦楽規模も大きく録音で捉えるのも難しい作品として知られています。ヴェルディの信仰心については多く考察されています。20代、歌劇作曲に舵を切りはじめた矢先。長男、長女、夫人が二年余りの間に亡くなりました。夫人の死の渦中、生涯に二作しかない喜劇の一作が作曲中でした。この歌劇「一日だけの王様」は失敗に終わり、生涯最後の歌劇「ファルスタッフ」に至るまで喜劇からは遠ざかることになります。死の不条理に不可知論者となった。大きな要因の一つと言われています。その音楽は死者の浄福を願うものではありません。死の恐怖と向き合う人間に関心が向けられ、劇的な音楽が志向されました。カラヤンもアバドも、この歌劇と同様の人間的なドラマに惹かれたのでした。　ベルリン・フィル盤が圧倒的な迫力を持って迫るのはアバド自身の大病からの復帰も大きく関わっています。晩年のアバドの痩身は、胃がんにより胃が全摘されました。奇跡的な復帰後は後進を育て、死を見つめた後の音楽への深い共感です。「作曲家の苦しみに共感できるようになった」とするアバド。当時、まだ夫婦関係にあったゲオルギュー、アラーニャをはじめとした独唱も、粒が揃っています。アバドの三種のレクイエムを通して、その音楽の深化を辿ることができるのです。人気ブログランキング
06Jul
- ヴァンゲリス／Mythodea
  ヴァンゲリスのMythodea。火星探査計画「2001マーズ・オデッセイのテーマ音楽として構想されました。120名に及ぶギリシャ国立歌劇場合唱団、ブレイク・ニーリー指揮のロンドン・メトロポリタン・オーケストラにヴァンゲリスのシンセサイザーが加わります。アテネの古代遺跡ゼウス神殿、屋外での音響操作を経ての演奏です。音盤と映像は同内容。キャスリーン・バトルとジェシー・ノーマン。二人の独唱が壮大な宇宙音楽の一翼を担っています。音響操作にシンセサイザーの導入。通常のクラシック音楽とは系統が異なります。叙事詩的な内容を盛り込んでのイベントとして音楽が活用される。西欧音楽の紡いできた伝統の一つです。ヴァンゲリスは正規の音楽教育を受けていません。楽譜も読めなければ書くこともできません。音楽の学びは自身の創造に制約を与えるとまで述べています。Mythodeaは大規模なプロジェクトです。炎のランナーのサウンドトラックをはじめとした壮大な音楽はシンセサイザーを組み上げ、音楽を自身の中で完結させて制作されました。Mythodeaでは、多くの奏者が関わるために、音楽監督のような立ち位置となっています。指揮のブレイク・ニーリーは楽譜を起こし、楽譜の書けないヴァンゲリスに足りないものを補いました。いつもはシンセサイザーで自身の周りを覆い尽くすのですが、制御装置のようなコントローラーで複数のシンセサイザーをコントロールしています。様々な発音方式の開発で、シンセサイザーも日々進歩しています。近年では楽器を置かずコンピューター内でも制作が完結するようにもなりました。ヴァンゲリスは創作はリアルタイムにパートを組み上げることを好みました。楽器の操作性はその創作に直結するものなのです。　ヴァンゲリスは三作目の「天国と地獄」でシンセサイザーを組み上げた演奏を確立します。それ以前の動物の黙示録、アースといった作品での民族楽器などの導入はヴァンゲリスの資質を支えたものの一つ。ギリシア人ヴァンゲリスはロックバンド、アフロディティス・チャイルドに発し、すでに編集的な手法を確立していました。地中海的な音楽と複雑なリズム。特異な才能なのです。人気ブログランキング

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