大野眞嗣　ピアノと共に、音楽と共に -94ページ目

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22Jul
- 735.共鳴
  特にダンパーペダルを踏んでいるときは、弾いていない弦も解放されている状態になる。その時、原理から言って弾いていない弦も共鳴して音が鳴っているはずである。しかし残念ながら、そう感じさせない演奏は多く見受けられる。弾いている音の弦しか響いていないように感じる演奏。両手で弾いているのに、左右で弾いている音、響きが別々に存在しているように聴こえてしまう演奏。それがために、もしかしたら曲の構造まで崩れてしまっているように聴こえる場合もある。そのようなことを感じさせてしまう演奏は、私には共鳴している演奏には感じない。そうではなく、ピアノの弦のすべてが共鳴しているときには、ある独特の響きの層が出来上がる。なんとも言えない感動的な瞬間が訪れる。これは不思議な現象なのだが、私が理想とする状態の1つ。にほんブログ村
21Jul
- 734.音の行方
  今日、あるレッスンで指導していて生徒ができたことがある。曲はスカルラッティのソナタとラモーの小品。その方法についてはあまりにも説明が難しいので、ここでは割愛するがピアノと言う楽器から出せる音、響きに1つのある意味での到達点を感じさせるタッチを教えた。それは何か？1つ1つの音にはその音の中で宇宙が存在し、必ず音の行方が存在しなくてはならない。音が生まれ、グラデーションを帯びて、去っていく変化が生じなくてはならない。言い換えるならば瞬時に鳴って消えていく音の中に、起承転結が存在しなくてはならない。一瞬の1音の中に音色の変化が生じなくてはならない。間違えないでほしい。ただの音の減衰では決してない。これは非常に高度な領域のテクニックで、全世界を見渡してもこれを実践しているピアニストは数えるほどしかいないと感じる。それが実現できた時にグレゴリー・ソコロフのような演奏になる。にほんブログ村
16Jul
- 733.シーソー
  美しい響きで弾くピアニスト、これはごく少数だが、共通してやっていることがある。これは世界中のほとんどのピアニストの概念にないと言っても過言ではないと思う。力学的に、鍵盤は下の方向へエネルギーを使うのだが同時に相反して上へ引き上げるエネルギーも存在するということ。指を下ろしながら、指の付け根の筋肉で引き上げるということを同時に行っている。だから時差はない。まるでシーソーのように相反するエネルギーが存在し緊張感を生む。しかも、その楽器の1番良い響きは、これ以上引き上げるエネルギーが強いと音が浮いてしまうというギリギリ手前のあたりを狙って弾くのだ。このギリギリというのが大変難しい。逆に下げるエネルギーが強過ぎると、下部雑音が生じてしまい、響きは濁る。どちらでもない中庸な所で弾くと味も素っ気もない演奏になる。筋力が強くなければできないし、これを読んでもさっぱり理解できないことだろう。でもこれ真実。世界中のレッスン現場の一体どれくらいの割合で行われているのだろうか?と思ってしまうほど希少なこと。にほんブログ村
08Jul
- 732.海老彰子先生のインタビュー
  とても貴重なお話を伺えます。大切なことだと思います。にほんブログ村
04Jul
- 731.水墨画に学ぶ
  一昨年、ここに掲載した篠原貴之氏の作品を購入した。雄大な富士を望む絶景は、実際に描かれている以上の広がりを連想させる。そこに私は永遠の魂を感じたから購入した。それから数日後、京都に住む篠原氏からお礼の気持ちが書かれた、それも筆で書かれたなんとも達筆な封書をいただいた。なんという美の世界だろうと思った。流れるようなその筆跡に魅了された。聞いた話によると、一般に絵は洋画にしろ日本画にしろ英語で描くという言葉をペインティング、しかし水墨画は描き直しが出来ないからドローイングと言うのだそうである。まさにやり直しがきかない即興の世界。書も水墨画も、ピアノ演奏と同じではないか！そこには極度の集中をもってして描く世界であり、私は篠原氏からいただいた封書のごとくに演奏したいと思った。この動画をご覧になってほしい。五重塔など神業だ。にほんブログ村
- 730.日本人ならではの
  およそ30年間、私はロシアのピアニズムを研究してきた。そしてある境地に至ったのだが、その中の1つに日本人なら日本人にしかできないような演奏をすること。私は留学中、ドイツ人やオーストリア人的な演奏をしたいと思ったものだ。その後、ロシア人的な演奏をしたいと思った。何を持ってその何とか的なというかは人によると思うが、私は私の中の物差し、感受性からそう思う演奏を目指してきた。でも今は違うような気がする。何か間違っていたような気がする。いかに、西洋音楽を日本人ならではの感受性を交えて、日本人にしかできないような西洋音楽を目指すべきかと思うように至った。日本には胸を張って、あると言える日本的な感受性をもとに日本の文化、伝統、芸術が脈々と継承され細々ではあるが存在している。その存在を再認識し、自分の感性に取り入れ磨く。そして、その感性で西洋音楽と対峙したときに、なんとも魅力的な演奏につながるのではないか。それは日本人特有の繊細さ。動より静の世界。そんな演奏に心から惹かれるようになった。まるで日本流にアレンジしたフランス料理のごとく。西洋と東洋の融合ともいえる。にほんブログ村
02Jul
- 729.和の世界に親しむ
  ここ数日、山田流筝曲のCDばかり聴いている。歌詞は日本人なのに何を言っているのか理解できないが、琴の音と日本語の歌は私の心を捉え、なんとも心地よい気分になるのだ。西洋音楽を仕事にしていて、毎日生徒たちのピアノ演奏を何時間も聴いているから、なお一層、心に染み入るのかもしれない。私の持つDNAに組み込まれていて、もしかしたら邦楽は私にとって自然な世界なのかもしれない。非常に感覚的にしか触れていないが、何かを感じることができる自分に少々驚いてもいる。無意識に西洋音楽と比較しているのかもしれない。感覚的と言えば、もちろん専門外なので敢えて深く踏み込まないのかもしれないが、邦楽はもとより、日本画をはじめ、最近は工芸、仏像といったように、和の世界のとりこになっている。非常に奥深い世界だからこそ、感覚的に捉えるということを意図的にしているのかもしれない。考えないほうが良いということもあると思う。日本人なのだから、恐れずに、興味があれば触れてみてもいいと思う。もしかしたら、それにより西洋音楽への理解がなお一層深まるかもしれない。にほんブログ村
01Jul
- 728.限界
  私が1番に認めるピアニストの演奏を久しぶりに聴いた。私は普段、無意識に声楽曲ばかり聴いているのだが、それが原因なのか、そのピアニストの演奏を聴いても物足りないと思ってしまった。私は私自身の演奏のレベルがどうかということはさておき、私の音楽に対する欲求は、現代の高性能なピアノという楽器では再現不可能なのかもしれない。要するに表現の限界を演奏家に対してではなく、悲しいかな楽器に対して思ってしまった。私の求める音楽はもっとそんなもんじゃない。だから声楽ばかり聴いているのかもしれない。これは大きな問題だ。にほんブログ村
28Jun
- 727.いびつなほうがいい
  私たちはピアノを習ってくる段階で、正確な技術を学ぶために、いわゆるスマートな演奏を要求され、それがプロとして正しい音楽であるという、いわば刷り込みをされて育つ。果たして、本当にそうだろうか？そもそも宇宙の法則にのっとれば、この世のすべてはいびつだと思う。1年365日あるが、うるう年というものもある。秒単位でも違う年がある。人間の心の中も、非常に複雑でいびつなものだと思う。確かに技術を学ぶ上で、いびつではない演奏ができることは大切だ。技術が足りなくていびつになってしまう演奏と、技術があってもいびつに弾いている演奏の違いは誰が聴いても判別できるだろう。ヴィルサラーゼやアルゲリッチ、ホロヴィッツなどなど、皆いびつな演奏だと思う。私が思う良い音というものも、よく聴いてみると、いびつでありスマートな響きではない。人の歌う声も、弦楽器奏者の演奏もいびつだ。ピアノもそうあるべきだと思う。スマートな演奏や音は、私にしてみると、よそよそしさを感じて人間味がない。芸術とは本来そう言うものだと思う。にほんブログ村
- 726.幸せを感じられる瞬間
  自分で何気なく1音弾いてみたときに、良い意味で予想に反してものすごいと思える音が出たとしよう。私自身、そんなことは稀だが、そんな貴重な体験をしたときに心の底から幸せを感じることができる。もちろん、日々の生活そのものには幸せと感じる瞬間は幾らでもあるが、やはりピアノを生業に生きている私にしてみると、生徒たちと音や音楽を共有することと、個人的なことだが、私自身がものすごいと心から思える音が出たときほど幸せを感じることはない。皆さんにも、同じような体験をしてほしいと、おせっかいながら思ってしまう。にほんブログ村
- 725.有機的に
  美しい音で弾くのは当たり前だが、ただ物理的に美しいだけでは物足りない。ただ物理的に美しい音の先にある、魂のこもった音が鳴らなくてはならないと思う。それはエネルギーに満ちていて、メッセージ性が強くなければならない。ロシアピアニズムの演奏においても、ただ美しいだけの物理的な美しさで止まってしまっていると感じる演奏は残念ながら多い。そのような音が1音でもフレーズの中に混じってしまうと、フレーズはその瞬間に緊張感を失い分断され有機的につながらなくなってしまう。音楽が失われてしまう瞬間があってはならない。にほんブログ村
21Jun
- 724.巨大なピアニッシモ
  先ほど、レッスンをしていて感じた。モーツァルトの4番のソナタ。非常に聴いていて心地よかった。いや、そんな言葉で言いきれるものではなかった。聴いていて嬉しくて、私の身体の中でアドレナリンが分泌された。なぜだろう？と考えた。音楽と音が見事に融合していた。音を分析した。1音1音すべての発声が理想的だった。そこには張り詰めた緊張感、強い意志、強いメッセージが込められ、ベルベットのような光沢、凝縮された強いエネルギーが含まれ存在していた。まさに地球の核にあるマグマをほうふつさせる、巨大なピアニッシモだった。にほんブログ村
20Jun
- 723.教師はえらくない
  えらそうにしている教師、高圧的な教師、感情的になる教師は大勢いると思う。残念なことだ。教師の立場になると、途端に上から目線になって偉くなったように勘違いをする人がいる。確かに、教え教わる立場を考えたときに対等ではないのかもしれない。主導権は先に道を歩んできた教師になければレッスンは成立しない。だからと言って、教師がえらいのではない。教師に限らず、えらそうにしている人、高圧的な人、感情的になる人に品性を感じない。残念なことだ。にほんブログ村
- 722.弾けないのは才能がないから？
  昔から、テクニック的に弾けないことを自分で自分に、私には才能がないからだ！あなたには才能がないからだ！と思い、言われている。私は思う。才能という言葉自体をそんなに軽視していけない。才能という言葉で簡単に片づけてしまってはいけない。それは才能が原因ではなく、奏法が悪いからと言える。それでもまじめな学生は、自分の努力が足りないからと思い、手、指を痛めてでも必死に練習している。なんと痛々しいことだろう。簡単に考えれば弾き方に原因があるだけなのに。にほんブログ村
- 721.あなたは指が弱い
  指が弱い！とレッスンで生徒に言う教師は日本中にあふれていると思う。確かに弱いのだろうが、その強化方法にハノンやチェルニー、指の独立のためにピシュナを教材にする教師はいまだに多いと思う。そのような教材を使うレッスンは時代遅れだと思う。要するに、古い弾き方、奏法を習得するための方法であり、その延長、行く末にアルゲリッチやリヒテル、ホロヴィッツは絶対にいないし、絶対になれない。そんな当たり前のことを教える側の教師は、もっと真剣に見直し、自分が受けてきたからというレッスンを生徒にしてはならないと思う。同業者ながら、そんな教師がいまだにいることに戸惑いを感じる。にほんブログ村
- 720.思わなきゃならないが
  私としては信じられないのだが、私の学生時代もそうだったが、思えば出る、思えばその音が出る、思えばその音楽になるという思い込みの演奏が当たり前のように行われ、プロを育てるレッスンにおいても当たり前のように生徒が教師に言われていたこと。初詣の神社じゃあるまいし。確かに何かをイメージして思わなければいけないと思うが、それによって何かのエネルギーやパワーは出てくるのだとは思うが、がしかし、それだけでは音も音楽も何も変わらない思い込みの演奏がいまだに日本では行われていると思う。思えば何とかなるという、いかにも日本的な発想はピアノという楽器を扱うのにあまりにも次元が低すぎるように思う。思っただけでは何も変わらないよ。いい加減気が付くべきだと思う。にほんブログ村
19Jun
- 719.それなりのレッスン
  今、ヨッフェ先生が来日している。今日は休みで我が家へ鰻を食べに来ることになっている。聞いたところによると、今、日本人学生の間でヨッフェ先生は受講してみたい先生の中では人気の先生の1人のようだ。この夏のザルツブルクの夏期講習会でも、既に音源でオーディションが行われ、多くの日本人が申し込んだようだ。思うのだが、ロシア人気で沸く中、ロシア人の先生のレッスンを受講してうまくなりたいと思っている学生は本当にいるのか？と。ヨッフェ先生に限らず、ロシアにはロシアの伝統があるのだが、その伝統、特に響きの出し方に関するテクニック的な内容のレッスンを期待していたとしても、まず教えてもらえない。というか短期間で習得できるものではない。だから教師もそこまでは言及しないしできない。受講生にその下地がなければ、言えることは限られてしまい、それなりのレッスンになるというのが普通のようだ。それなりのレッスンを受けたいならば、それなりのことを身に付け準備したほうがより良いレッスンを受けられると思う。にほんブログ村
- 718.肘
  肘を動かす、回す演奏者を多く見受けられるが、私には無駄な動き、もしくはヤバい動きとしかとらえられない。肘を回すと、意地悪く言えば、音楽的な演奏の印象を与えるし、肘が柔らかいというテクニック的に良い印象を持つ人が大勢いるだろう。でも、その演奏をよく聴いてほしい。肘を回すことによって、確かに音は伸びるのだが、その伸び方に違和感を感じる。私の感覚からするとそのような音は伸びているというより、音がうねってしまい、ゆがんでいると感じる。そうなると、音は伸びても有機的につながらず、結果、フレーズができていないと思う。肘を回すことによる弊害とも感じる。故・中村紘子氏のレッスンでも生徒が肘を動かすと戒められていたのを覚えている。肘。ちょっと意識したほうが良いと思う。にほんブログ村
- 717.モギレフスキーの演奏から学ぶ
  友人であるロシア人ピアニスト、マキシム・モギレフスキーの演奏を聴いたときのこと。リストの作品だったと記憶しているが、高音部でフォルテの和音を弾くときに、ダンパーペダルを踏まなかったのである。珍しいことをするなぁ！と思ったものである。一般的には、ほとんどのピアニストはそのような場合、ダンパーペダルを踏んで豊かに響かせると思う。彼になぜそうしたのか？理由を聞いたら「乾いた響きにしたかったのさ！」という返答。なるほどね。私の中で当たり前になっていた既成概念が音を立てて崩れた瞬間だった。要するに、当たり前かもしれないが、本当に音色というものに対して演奏の中に意識があるから行うことだと思う。以前も書いたが、どんなに上手くとも、音色に対して意識が希薄な若いピアニストが大勢いる日本人と、そうではない意識を強く持っているロシア人との差を改めて感じた。にほんブログ村
- 716.対象の存在
  ピアノを練習していると、長時間1人で部屋にこもらなければならない。非常に孤独な作業だ。練習につい夢中になり自分の内側へと深く入り込んで行くだろう。1つ大切なのは、演奏と言うものは基本的に聴き手である対象がいるわけで、その存在を意識することを忘れてはならない。自分の全意識のほんの少しでもそのイメージを残したほうが良いと思う。モーツァルトの1番のソナタをレッスンして思ったのだが、まだ若いザルツブルク時代に作曲されたこの作品を聴いていると、明らかに聴衆である対象者の存在を意識して作曲されていると感じる。その内容はアイデアに富み、ひらめきの宝庫であり、聴き手をあっと言わせるような意図を感じる。なんとチャーミングな作品であろうか。私は気が付くとワクワクしている自分がいることに気が付く。天才的なひらめきを随所に聴くことができるのだ。にほんブログ村