大野眞嗣　ピアノと共に、音楽と共に -117ページ目

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21Jun
- 265.ホロヴィッツに思う
  最近、ホロヴィッツを聴き始めて思う事が色々あります。以前の章でも触れましたが、彼の演奏の魅力についてです。彼に対する賛辞の言葉に対して、私は少々異論を持ちます。彼の演奏の技巧的な部分ばかりが取り沙汰されているように感じられてしまうのです。確かに、彼の演奏を聴いていると、その技巧に圧倒されます。それゆえか、彼の演奏は知的ではないという批判的な言葉もあるほどです。私の個人的な彼の演奏の１番の魅力は、変幻自在な音色の変化、倍音を生み出すタッチにおいて実践されている自由で自然な音楽にあると思うのです。古い録音などでは、その魅力が聴き取りづらいのですが、昔、生の演奏を聴いた私には、録音を通して、彼のホールに響き渡る、浮かび上がる、そして、それが空間で絶妙に混ざる演奏であることが想像できるのです。これは、ミハイル・プレトニョフの演奏会に行っても同じ感覚を味わう事が出来ます。このことは、ロシアピアニズムならではの特徴であり、他のピアニズムの演奏には残念ながら存在しません。次に思う事は、非常にロマンティックな演奏家であるという事です。近年、このようなロマンティックな演奏をするピアニストは残念ながら少なくなってしまったと感じます。時代の流れなのでしょうか？１００年ほど前のヴィルトーゾの時代の演奏様式を継承した演奏とも言えますし、昨今では、なかなか聴くことが出来なくなってしまったピアニズムの演奏ではないかと思います。しかし、そんな偉大なホロヴィッツの影響を少なからず受け、ロマンティツクな演奏を継承しているピアニストもいると思います。例えば、アルゲリッチ、プレトニョフ、スルターノフ、ラン・ラン、ガブリリュクなど。音楽の本場と言えば、ドイツやフランスを代表に西ヨーロッパですが、ことピアノ演奏に関しては、その後のロシアに移り、そこからアメリカへと移って行ったのだと思います。その認識が低い我が国のピアノ界に対して、私は憤りを覚えます。いつまでも西ヨーロッパに目を向けている場合ではないと感じます。そもそもスタインウェイという楽器に関してですが、ドイツのハンブルク・スタインウェイではなく、ニューヨーク・スタインウェイが先に作られ、２０世紀の巨匠時代を築いたのだと思います。その歴史的事実の認識がないのは問題ではないでしょうか？もちろん、舞台は西ヨーロッパではなくアメリカなのです！！！クリックお願いします！にほんブログ村
15Jun
- 264.ニューヨーク・スタインウェイ
  最近、ホロヴィッツを解禁しましたが、皆さんご存知のように、その演奏はすべてニューヨーク・スタインウェイで弾かれています。日本に於いては、ハンブルク・スタインウェイがほとんどなので、実際にニューヨーク・スタインウェイを弾く事や聴くことは稀です。ホロヴィッツの録音を聴いていると、晩年のドイツ・グラモフォンの録音で弾いている楽器は柔らかいのですが、それ以前の演奏で使われている楽器は、少々硬い響きがするので、ニューヨーク・スタインウェイは硬い音というイメージを持つ方は大勢いらっしゃると思います。今日、ご紹介するのは、最新のニューヨーク・スタインウェイで弾かれた演奏です。もちろん、調律や奏者によって出てくる響きは、同じ楽器でも違ってしまいますが、このラン・ランの演奏は、ロシアピアニズムの奏法ならではの美しい響きで弾かれた最新のニューヨーク・スタインウェイの魅力が出ていると思います。クリックお願いします！にほんブログ村
13Jun
- 263.アレクセイ・ゴルラッチの演奏
  なかなかいいですね。ショパンのエチュード10-8の動画。左手の１の指に、ロシアピアニズムならではの奏法の特徴を見ることが出来ます。ミュンヘン国際コンクールの模様です。ドイツ的であり、かつ、ロシア的な要素を融合した素晴らしい演奏だと思います。クリックお願いします！にほんブログ村
10Jun
- 262.ウラディーミル・ホロヴィッツ
  私があえて申し上げるまでもなく、ウラディーミル・ホロヴィッツはロシアピアニズムが誇る２０世紀の大巨匠です。私は、今までこのブログ上で、彼のことに言及しなかったのですが、そのことを不思議に思われていた方もいらっしゃるのではないかと思います。なぜ、ホロヴィッツについて触れなかったのか？なぜならば、私は、つい最近まで、彼の演奏を意図的に遠ざけていたからです。日本での学生時代、ホロヴィッツのレコードでスクリャービンやラフマニノフを知ったと言っても過言ではなく、「ひびの入った骨董」と吉田秀和氏が発言した初来日のリサイタルにも、大学１年生だったと思いますが、実際に聴きに行き、今でも私の耳にはホロヴィッツの生の響きが残っています。その演奏は不調であり残念ではありましたが、３階席まで届いた響きの美しさは記憶にあります。それ以降、約３０年近くも！私はホロヴィッツから遠ざかり、約３０年経った今、解禁しました！！！今の私だからわかる、ホロヴィッツの真の素晴らしさ！というものを感じることが出来るようになったのは、心の底から嬉しいことです。当時、学生時代のホロヴィッツを聴く時の感覚と、実際の日々のレッスンにおいてのピアノとの関係とでも申しましょうか、そこには大きな隔たりがあり、レッスンや試験、コンクールではやっていけないことばかりのホロヴィッツの演奏は、私にとっては危険な演奏だったと言えます。その後、紆余曲折を経て、長い年月、約３０年近くの時を経て、やっとです。私にとって最も近しい、何の抵抗もなく触れることが出来るピアニストの存在になりました。なぜ？そのような変化が起きたのかと申しますと、１つには「響きで音楽を作る」ということが、どういうことなのかということが、最近になって、やっとわかってきたことを挙げることが出来ます。以前の章でも申し上げましたが、東京文化会館においての私の弟子、佐々木崇の演奏から、響きで弾くという事の真の意味を、感じることが出来たのがきっかけだったのかもしれません。その時は、私はプレトニョフのことを思い浮かべたのですが、その後時間が経って、長らく封印していたホロヴィッツの響きがよみがえってきたのです。その演奏は、佐々木崇にしてもプレトニョフにしてもホロヴィッツにしても、いずれにせよ、その特徴は、空中に浮かび上がる響きの混ぜ方をアメーバのように変幻自在に操ることであり、私の生徒も含めるなど、大変おこがましいのですが、私にとっては大きなきっかけとなったのです。以来、私の中では、アカデミックな世界においてやってはいけないことだらけの、プレトニョフやホロヴィッツの演奏が、響きで音楽を作る、創造する世界においては、やってはいけないどころか、その正反対の考え、感覚を持つことに至り、ホロヴィッツの演奏の真の魅力、真の姿に気がついたわけです。また、その音楽の本質、底流にあるロマンティシズムも挙げることが出来ます。残念ながら、昨今では主流ではなくなってしまったロマンティシズムです。今、私の耳で聴くことが出来るホロヴィッツの演奏、その情報量は、当時の学生時代の私の感覚をはるかに超える、ものすごい世界です！！！今まで、封印していたからこそわかる世界なのかもしれません。ともかく、聴く側の耳や感覚がどうであれ、ホロヴィッツが２０世紀を代表する大ピアニストであること、世界中の人々に愛され、支持されていることは、私にとって大きな喜びです！！！クリックお願いします！　にほんブログ村
08Jun
- 261.トレードオフ
  「トレードオフ」という言葉があるように、何事においても、１つのことを極めたいと思うならば、他のことを犠牲にしなければならないという事実があると思います。昨今、先が見えない時代で、ピアノをやっていても、将来の展望が見えず不安感を抱いている人、また同じような思いのご両親も多くいらっしゃるように思います。それゆえか、何でも欲しがると申し上げては言い過ぎなのかもしれませんが、不安感から１つでも多くのコンクール歴や、少しでも高い学歴など、多くを求めようとしている人が多い傾向があるように思います。確かに、食べていけなかったらどうしよう？などと思うのも当然のことでしょう。もちろん、お金がなくては生きてはいけません。だからと言って、資本主義の社会ゆえか、お金をたくさん稼ぐことが美徳のように思ってしまう錯覚を持つ人も多いのは残念なことです。お金は、あればあるだけ使ってしまうので、余計に持つ必要もないと私は思います。それにしても、人間の心は弱いものです。そのような心の焦りに駆られてもおかしくはないのかもしれませんが、先に挙げたコンクール歴や学歴、お金など、多くを求め過ぎているように感じます。私自身の今までのピアノ人生を振り返った時に、私自身、多くのものを捨てて、犠牲にして、ロシアピアニズムの奏法を追ってきたからこそ、今ある自分がいることを痛感しています。幸いにも、現在、私は何一つ不自由なく、やりたい事がやれて、不満がないと言える生活を送ることが出来ています。それは、私にとってはですが、お金では買う事が出来ないロシアピアニズムの奏法というものを手に入れることが出来、本当に幸福な毎日を送ることが出来ていること意味します。何の世界でも１つのことを極めようと思うならば、多くの犠牲が必然であり、もっと言ってしまえば、その犠牲の上に成り立っているのではないでしょうか？ロシアピアニズムの奏法を手に入れたい！そのピアニズムを通してならではの音楽をする喜びを知りたい！と思うならば、多くの日本人のピアニズムはドイツ系統のピアニズムであり、教育現場で正しいとされている細かなこともまた同じで、それをロシアピアニズムに変えることは、正反対なことと言っても過言ではなく、それは生半可な気持ち、心構えでは手に入るものでもなく、多くの犠牲が伴うのです。人生は長いようで短いと思います。限られた時間、限られたエネルギー、自分の身体は１つしかありません。「二兎追うものは一兎も得ず」ということわざもあります。人生が１回しかないとすれば、後悔しない人生を送りたいと誰でも思うでしょう。そのためには、例え私のようにロシアピアニズムを追わなくとも、他のピアニズムであっても自分のピアノを極めたいと思うのであれば、多くの犠牲が必然であるということを、特にまだ若い、将来、日本のピアノ界を背負っていく若いピアニスト達に声を大にして申し上げたいと思います。クリックお願いします！にほんブログ村
07Jun
- 260.ヨッフェ先生マスタークラス
  6月3,4日と２日間にわたり、ディーナ・ヨッフェ先生のマスタークラスが我が家で行われました。いつもながらに心温かい先生、ユーモアたっぷりの先生、音楽に対して真摯な先生、時には非常に厳しい先生・・・同じ指導する立場として、私自身とても考えさせられる２日間となりました。スケジュール３日（月） 10:30J.S.Bach Praeludium u. Fuge Nr.24h-moll aus WTK IBrahms Nr.1Capiriccio aus Klavierstücke op.7611:20Beethoven Sonate Nr.11 B-dur op.22 1.Satz12:10Schumann Kinderszenen op.1514:00Brahms Variationen op.21-114:50J.S.Bach Praeludium u.Fuge Nr.19 A-dur aus WTK IILiszt Sonetto 104 del Petrarca 15:40J.S.BachPraeludium u. Fuge Nr.3 Cis-dur aus WTK IChopin Etude f-mollop.25-9 Beethoven 32 Variationen c-moll17:00Schumann Carnaval op.917:50 Schumann Symphonische Etüdenop.13４日（火） 10:30 Schubert Sonate Nr.21 B-dur D.9601.2.Sätze11:20Chopin 24 Preludes op.2812:10 Beethoven Sonate Nr.32 c-moll op.11114:00Beethoven Sonate Nr.5 c-mollop.10-1 1.Satz14:50 Brahms Sonate Nr.1 C-dur op.11.Satz15:40 Chopin neue Etude As-dur Beethoven Sonate Nr.5 c-mollop.10-1 1.Satz17:00 Mozart Fantasie d-moll17:50Debussy Aus Preludes 3 Stückeクリックお願いします！にほんブログ村
02Jun
- 259.プレトニョフ・タッチ
  新しいスピーカーを購入したおかげで、私は様々な発見、新しい感覚を知ることが出来ました。その１つに、プレトニョフの演奏を挙げることが出来ます。彼の響きのすごさ、楽器の扱い方のすごさ、多彩な音楽の表現のすごさなどを思い知ることとなりました。それは、彼の本当の姿を見たような気がするほどであり、もちろん、以前から彼の演奏は素晴らしいとは思っていましたが、その素晴らしさの度合いというのが、実はとんでもない次元であった、なんと私は浅はかだったのだろうかと思ってしまうほどです。それ以来、私は私の全神経を駆使して、彼の音の響き、そして動画で彼の手の動きに注目しました。その結果、幸いにも私は、彼の演奏においての秘密を解き明かすことが出来たのかもしれません。基本のタッチの特徴ですが、鍵盤の深さが約１センチだとしますと、結果的には１センチ弾くのですが、その１センチである鍵盤の底を狙うのではなく、鍵盤が下がり始めて２，３ミリのところを狙って打鍵するのです。これはスタインウェイの場合で、ヤマハですと５ミリあたりでしょうか。ただ、これは非常に難しいことであり、単純に２，３ミリを狙って弾いても、まともな音は出ません。そこには、ロシアピアニズムならではの企業秘密と言っても良い、手首の使い方と前腕の使い方が伴います。それが伴わなければ、ただの貧弱な浮いた音しか出ません。このタッチで、先日、私の生徒であり助手も務めてくれている佐々木崇（東京藝術大学ピアノ科講師）が東京文化会館で弾いたのですが、その演奏に大変驚きました。彼の演奏は、まるでプレトニョフのリサイタルに来たかのごとく、彼の音が会場に響き渡ったのです。大変恐縮であり、非常に手前みそではありますが、私の感覚は間違いではなかったことを、私自身の耳で確認することが出来ましたことを、心の底から嬉しく思う事が出来ました。また、そのような大変難しいことをやり遂げてくれた、彼に対して、本当に良く弾いてくれた！涙が出そうなほど大変嬉しい気持ちでいっぱいになりました。その演奏を形容するとすれば、プレトニョフのごとく、弱音を基本とした、豊かに、そして繊細に広がる倍音、そして、それにより表現されたとろけるような響きのレガートと言えます。その倍音の混ざり方は、その局面に応じて様々な色彩に彩られた混ざり方をし、正に魔術師のごとく楽器を自由自在に操っており、その表現も自由自在であり、響きというものが音楽や音楽の解釈を決める上で、絶対不可欠であるということを実感、実証してくれました。それにより、シューマンのクライスレリアーナという作品の持つ音楽の真髄に迫る、まさに新しい解釈と言っても良い演奏が繰り広げられ、作品に対する既成概念を見事に覆してくれました。今、改めて思いますのは、本当に勉強には終わりがないという事。わかったつもりでいても、まだまだだということです。これからも、新しい発見が待っていたとしたら、こんなに幸せなことはないという事です。クリックお願いします！にほんブログ村
30May
- 258.ロシア人教師のレッスンの現実
  このようなことを申し上げるのは、少々、迷いがあるのですが、現実は現実なので、皆さんにお伝えしなければならないことがあります。　私の留学時代も同じでしたが、モスクワ音楽院に留学を考えている方、ヨーロッパの講習会でロシア人の先生に習いたい方、そのような方は増えているように感じます。もちろん、皆さん素晴らしい先生だと思いますし、ある意味で素晴らしいレッスンが受けられて、実り多い経験となるでしょう。そのような方の中で、もし？本当にロシアピアニズムの奏法を根本から学びたい！ロシア独特の美しい響きが出せるようになりたい！とお考えの方がいらっしゃるとすれば、私はモスクワ音楽院に留学することやヨーロッパの講習会に行くことは、正直お勧めしません。１００パーセントとは申しませんが、その殆どの先生方のレッスンにおいて、テクニック的なことに言及、問題がある事に対しての言及はあると思いますが、その方法を根本から教えて下さる先生はいません。残念ながら、これは現実です。私の留学時代に出会ったバシキーロフ先生やニコラーエワ先生、ドレンスキー先生を始め、その後に出会ったヨッフェ先生、マリコヴァ先生などなど、皆、奏法は教えません。このことは、常識と言っても過言ではなく、それを期待して留学や講習会を受けるとがっかりすることになります。いわゆる、基礎の段階のことは出来ていて当たり前のことで、そのような著名な先生方は、そのような基礎が出来ている生徒に対しては、それに基づく音楽的なレッスンをしてくださいますし、その基礎が出来ていない生徒に対しては、それなりのレッスンしかできないのが現実なのです。ですから、私の生徒たちに対しても同じことが言えますので、留学を希望する生徒に対して、私がまず徹底的に基礎を教えて、ある程度できた生徒にのみ留学を許しています。そうでなくては、せっかく留学、講習会を受けに行っても無駄だからです。夢を壊すようなことを申し上げることになってしまい心苦しいのですが、これが現実なのです。クリックお願いします！にほんブログ村
27May
- 257.フォーカス
  最近のレッスンでのことです。「バッハのポリフォニーはどうやって弾くのですか？」という質問。私が、どう説明すれば理解できるのか？頭脳を総動員して考え説明に困っていると、助手を務めてくれている佐々木崇（東京芸術大学ピアノ科講師）が、私の代わりに答えてくれました。「写真を撮る時にあるものに焦点を当ててフォーカスしますよね。その焦点が当たっている物が例えばテーマだとします。実際には焦点を当てていない部分も、視界に入りますよね。ということは、テーマ以外の声部も、その視界に入っているような感覚で聴きます。」というような説明でした。上手く表現してくれて、私はとても頼もしく思ったものです。そうなんです。グレン・グールドやタチアナ・ニコラーエワ先生のバッハは特別であり、あのような演奏、すなわちすべての声部が聴こえている演奏というものは、一般には不可能だと思います。一般の方は、他の声部が視界に入る程度のイメージで耳に聴こえればよいと思いますし、ましてや、焦点を当てるのがテーマでなくても良いのです。昨日のレッスンにおいて、ある生徒がモーツァルトの幻想曲d-mollを持ってきました。曲の途中、左手に長いバス音があり、右手は半音階で上昇するパッセージの部分において、彼女の耳は右手のパッセージを主に聴いていて、左手のバスの音は聴いていないのが演奏から感じ取れました。そこで示唆したのは、長い右手のパッセージよりも、まずは左手のバスに焦点を当てて聴くようにし、最後の２，３拍分だけ右手に焦点を変え、聴くように言いました。そうすると、低いバスの音がしっかりと存在したまま、上昇するとともにクレッシェンドをする右手のパッセージが綺麗に聴こえてきました。このように、ポリフォニーのような複雑な作品でなくても、焦点の当て方を変える、すなわち、聴く音を変えるだけで、その部分の表情は変わってしまうのです。これは非常に興味深いことだと思います。以前の章でも申し上げましたが、音を鳴らす瞬間から音が消える瞬間までを意識する、それはテクニック的にも耳の使い方も含めてのことですが、それがロシアピアニズムの教育の特徴であり、それ以外のピアニズムの演奏を聴いていると、私の耳には音を鳴らす瞬間にしか意識が及んでないので、鳴った後はどうでも良いというような、ある意味でだらしのない演奏に聴こえてしまうのです。残念ながら巨匠と呼ばれるピアニストの演奏であってもそうです。総じて、音を鳴らす瞬間、そして鳴っている間、音が無くなる瞬間まで耳が音の響きを追ってなくてはならず、例えば、音の鳴る瞬間の練習とは逆に、音の消える瞬間も練習することは大切であり、なおかつ、焦点を当てて聴く音もあれば、焦点を当てないで聴く音もあるという事です。クリックお願いします！にほんブログ村
19May
- 256.音程は変えられる？？？
  ロシアピアニズムの奏法に変えたことによって、以前の奏法で弾いていた時とは違う様々な変化があります。今日はその１つを申し上げます。一般にピアノという楽器は、調律された状態であろうが、くるった状態であろうが、その音程は、その楽器の状態により、弾いた音は弾いた音の音程でしか鳴りません。これは事実だと思います。ただし、ロシアピアニズムの奏法で弾かれた音は、ちょっと違うのです。それは、倍音が豊かに鳴り響いていることが１つの特徴でもあり、前提なのですが、同じ状態の楽器であるにもかかわらず、タッチによって倍音の響きの伸び方を変えることが出来るのです。言い換えるならば、「伸びた音の行方」をタッチによって変えることが出来るのです。例えば非常に速いスピードで直線的に音を飛ばす、それとは逆に、曲線を描くように響きのグラデーションを伴って変化させる、強弱に関係なく、音のスピードを変化させる、などなど、挙げればきりがなく現代の完成された楽器の特性を最も引き出すことが可能な奏法なのです。そのような変化の１つに、嘘だと思う方もいらっしゃると思いますが、同じ楽器の同じ状態の同じ音を弾いた時に、音程を低めにも高めにも、そう、まるで声楽家のようにコントロールも出来てしまうのです。これには、先ほども申し上げましたように、倍音が豊かに鳴り響いている状態に調律された楽器であり、そして、実際に倍音豊かに響くタッチで弾かれた時のみ可能なことなのですが。このことは、私自身も耳の錯覚かと最初は疑いましたが、どうやら錯覚ではなく、確かに音程を低めにも高めにもコントロールすることが出来るようになったのです。声楽的発想により、作品の中で音を高めに取りたい時や低めに取りたい時があるのですが、まさか！ピアノという楽器でそれが可能であるということは思いもよりませんでした。　クリックお願いします！にほんブログ村
26Apr
- 255.音楽は横に流れますが
  ロシアピアニズムの奏法に変えて大きく変化したことの１つをお話ししましょう。音楽という芸術は時間の芸術であり、当然横に流れて行きます。ですから、弾いている時の感覚も、その音楽に沿って横に流れていく感覚を感じることが出来るのではないでしょうか？また、弾く時には楽器の前に座っているわけですから、目の前にある８８鍵の鍵盤が横に広がって存在する感覚を感じる方も多いと思います。以前の奏法で弾いていた私も、皆さんと同じように横に音楽を捉え、感じながら演奏していました。しかし、ロシアピアニズムの奏法に変えたことによって、以前にも申し上げましたように、音と音との間に「音間」と言うべきものが生じ、その「音間」には倍音の響きの層が出来上がりました。その響きの層を瞬時に耳がキャッチしながら弾き進むことによって、確かに音楽は横に流れて行くのですが、耳の感覚としては、横に流れていく音楽に対して、それを阻むかの如く、１音１音の響きの層を縦に聴いて行く感覚が生まれたのです。もしくは、楽器の一番向こう、鍵盤とは逆の方向、目の先の楽器の先の方の響きを追う感覚や音を縦に空中に飛ばす感覚が生まれ、１音ずつ弾くたびに、音楽自体は横に流れて行く感覚を残したまま、同時に縦の意識もするようになったのです。この感覚は、気がついたら行っていたことであり、今では当たり前の事として行っております。私自身も驚いたことなのですが、縦と横の感覚が混在するようになることによって初めて、音楽を平面である２次元的な感覚から、響きの空間も含めた３次元的感覚になったと申し上げることもできると思います。このことは、客観的に他者の演奏を聴いていても、その奏者が縦の空間を意識して弾いているのか？横の流れだけを追って弾いているのかがわかってしまうほどになりました。例えば、テンポ自体は速過ぎないのに、なぜか？慌てて弾いているように聴こえたり、手や指の動きが勝ってしまい、耳がそれについて行っていないことなどがわかってしまうものです。皆さんも、実際に弾く時に、ご自身が縦の感覚も含めて感じながら弾いているのかが？お分かりになると思います。もし、縦の間隔をあまり感じられないとすれば、先ほど申し上げましたように、「音間」に存在する倍音の響きの層がない演奏をされているのか？もしくは、それを聴いていないのかもしれません。どうぞ、それを試してみることをお勧めいたします。　クリックお願いします！！！にほんブログ村
15Apr
- 254.復元
  私自身が思い当たりますし、古い付き合いの友人からも指摘されたことなのですが、私は、教育活動を主としながらも、私自身が追い求め続け、そして、ある程度の領域ではありますが到達できたことは、今では本国、ロシアでも失われつつある、ロシアの伝統の復元ではないか？ということなのです。さかのぼれば、ロマン派の時代に大きく開花したピアノ芸術、中でもフレデリック・ショパンのピアニズム、彼の残したピアニズム、功績は偉大であり、その流れがドビュッシーやスクリャービンへと受け継がれ、偉大なるロシアのピアニズム、とりわけゲンリッヒ・ネイガウスに受け継がれていたのではないか？と思うのです。ゲンリッヒ・ネイガウスの古い録音を聴いていますと、音楽そのものはもちろんのこと、１つのフレーズ、そして１音１音に極限のロマンティシズムを感じることが出来ます。この流れは、大きな意味で捉えますと、1950年代あたりまでで途切れてしまったと言っても過言ではなく、その伝統を受け継いでいるピアニストは、現在は残念ながらごく少数に限られてしまったと思います。私は、日本人であり、日本に住んでいる、一教師に過ぎないのですが、正に時空を超えて、私自身がそのピアニズムに惹かれ、それを追い続け、その伝統を、この異国、日本において、現代に蘇らすべく、日々、修業をし、それを生徒に受け継がせるべく行っていることは、正にゲンリッヒ・ネイガウスに受け継がれたロマン派のピアニズムの復元なのかもしれない？と恥ずかしながら思うようになりました。このことは、私自身が自己満足して終わっては意味がなく、私の生徒たちはもとより、その生徒の生徒である孫弟子、あるいは、私はもうこの世にいないであろう遠い未来に、日本の世の中に少しでも認知されることがあるとすれば、こんなに幸せなことはないと思います。　クリックお願いします！にほんブログ村
08Apr
- 253.イギリス製のスピーカー
  先日、私は新しくイギリス製のスピーカーを買ったことを述べました。　　その時の感想と基本的には今も変わらないのですが、より深く色々なことを感じるようになりました。　　それは、CDという音源の中には、想像できないほど色々な情報が入っていますが、残念ながら、日本製のスピーカーではその情報の一部しか再現できていないのではないか？ということです。　　例えば、録音にもよりますが、イギリス製のスピーカーで聴いていますと、ペダルの踏み替えの音や、その瞬間に生じるかすかな響きの違いも聴きとれるのです。　　また、オーケストラと共演している協奏曲など聴いていると、オーケストラの中に立って聴いているような錯覚を覚えますし、それぞれの楽器の存在もより濃く出てきますので、ピアノ独奏も含め、音そのものより、響き、ハーモニーが聴き取れるのです。　　私の生徒の１人が言うには、例えば、プレトニョフの演奏を挙げて、今までの彼の演奏というものを考えた時に、その演奏は彼独自の特殊な世界であり、その世界は、その生徒にとっては、特別な意味も持たない存在であったのが本音でしたが、私の購入したスピーカーで聴いてみると、特別な意味を持たないどころか、その逆の印象を持つこととなり、プレトニョフが実際に何を演奏において再現しているのかの細部にわたる部分を聴き取れることにより、その演奏は、非常に説得力を持ったものとして聴きとることが出来るようになったのです。　　演奏家が、実際に何を行っているのか？その１つとして、どのような音色の変化を再現しているのか？ということが、今回購入したスピーカーにおいて聴き取れることが出来ると言う事は、それぞれの演奏家の特徴を等身大に近く、より感じることが出来るようにもなりますし、先に申し上げた、ハーモニーの世界、言い換えるならば「倍音」の世界が聴こえてくるのです。　　このことは、学生にとっても非常に勉強になるわけで、もし、「倍音」を聴く習慣がない学生ににしても、「倍音」が聴こえだすのではないか？と思います。そのような学生も含め、私たち音楽家は、美しい響きというものを追い求め続けることは大切なことであり、いつも美しい響きのシャワーを浴びることによって、その人の耳はより聴こえてきますし、極論ではありますが、世の中に存在する楽器演奏においての美しくない音も多々存在するわけで、そのような演奏は、なるべく耳にしない方が、耳の感覚というものは簡単にずれていくと思いますので、よろしいのではないかと思った次第です。　　余談ではありますが、私が購入したあるメーカーのスピーカーと同じスピーカーを、既に４人の生徒が購入し、その数はまだまだ増えそうです。　　クリックお願いします！にほんブログ村
01Apr
- 252.本場ドイツに於いて
  音楽の本場、ドイツでのことです。　　　１つ思うことがあります。日本人の学生の大半は、本場西ヨーロッパに無意識のうちにと言ってよいでしょうが、憧れのようなものがあると思います。　　偉大な作曲家が次々に生まれた西ヨーロッパ、中でもドイツに留学する人たちは後を絶ちません。　　ドイツの文化、自然の中に住み、ドイツ語で話し、ドイツ語でものを考える。本場ドイツ人の先生に習って、本場ドイツの音楽を学ぶ。そんな生活をしてこそ、クラシック音楽が理解できる、というようなことを思う人は多いと思います。　　そこでふと思うことがあります。私は、皆さんご存じのようにロシア・ピアニズムに傾倒しております。ですから、ドイツで生まれたピアニズムに基づくピアノの奏法よりも、ロシアのピアニズムに基づく奏法を好んでいます。　　もし、ドイツにおいて、ドイツの音楽大学において、もちろんドイツ人の教授はたくさんおりますが、そのドイツ人の教授たちが、それを認めなければ、そうはならないという事があります。　　その、それとは、本場ドイツにおけるロシア人の教授の存在です。　　私が留学していた頃はもちろん、今現在はそれ以上のロシア人の教授がたくさんいるという事実です。例えば、ケルンのパーヴェル・ギリロフ、ワシリー・ロバノフ、ベルリンのエレーナ・ラピツカヤ、ミュンヘンのエリソ・ヴィルサラーゼ、ハンブルクのエフげニー・コロリオフ、エッセンのボリス・ブロッホ、デットモルトのアナトール・ウゴルスキなどなど。　　このことは、もちろんドイツ人の教授たちが認めているから、ロシア人の教授たちがドイツにおいて存在できるのです。　　本場ドイツにおいて、ドイツ人教授だけで固めるのではなく、ロシア人を認め、教授職をさせているドイツの現状を考えた時に、非常に興味深いことだと思います。　　単純に考えて、日本人がドイツやドイツ人のことを思う考えよりも、本場ドイツ人の方が、はるかに頭が柔らかく、良いものは良いと認めている証拠ではないでしょうか。　　クリックお願いします！にほんブログ村
24Mar
- 251.レガートの矛盾
  世界の演奏家、教師達の殆どのレガートの概念。これは大きく分けて２種類あると感じます。指で繋げてレガートとする考え方と指でつながっていなくても響きでレガートを作る考え方です。私の印象からして、指で繋げるレガートが世界の大半ではないか？と思います。これは、ロシア人のピアニストや教師においても同じことを感じ、その大半は指で繋げてこそレガートとする考え方が多いように感じます。指で繋げるレガートと響きで作るレガートの違いの基本は、その奏者が音の基音を聴いているのか？もしくは倍音を聴いているのか？ということだと思います。私自身は、基音を聴いて指で繋げるのではなく、倍音を聴いて、言ってしまえば耳で繋げるのが理想のレガートであると思っています。ゲンリッヒ・ネイガウスの古い録音を聴いても感じられますし、ネイガウスを頂点としたその弟子たち、孫弟子たちにも、その甘味でとろけるような響きのレガートが受け継がれているように思います。もちろん、例外のピアニストもおりますが。そこで１つ思ったことがあります。大変意地悪な考えかもしれませんが、指で繋げてレガートとするピアニストや教師達のことを思った時に、１つの矛盾を感じるのです。それは、単旋律では、ある意味可能なことかもしれませんが、和音やオクターヴの連続でのレガートはどうするべきか？ということに考えが及んでいないように思います。指で繋げなけれがレガートではないとする考え方であれば、和音やオクターヴではレガートは不可能という矛盾が生じると思います。そのような考えのピアニストや教師たちは、和音やレガートではどうやってレガートをするのでしょう？そのやり方では私も出来ません！！！実際に、あるロシア人教師が、私の生徒たちに指で繋げてレガートをしなさい！とレッスンしている状況に接したことがありますが、その生徒の演奏は、指示された通りに指で繋げ始めたとたん、響きのレガートでなくなってしまい、その演奏に響きの空間が出来上がらなくなってしましました。このことは非常に残念なことだと思いました。何を持ってレガートとするか？という基本的なところを認識していないと、その演奏は、例え、奏者の頭の中でどんなに広く深く音楽を捉えていたとしても、残念ながら、その考えや感覚は演奏には反映されないのではないでしょうか？日本人ピアニストや教師達を含め、全世界的に認知度が低いことであり、とても残念なことだと思います。　クリックお願いします！にほんブログ村
20Mar
- 250.新しいステレオで聴いて
  以前の章、「76.CDの音はにせもの？」の記事に対して、ご丁寧にもメッセージを下さった鈴木登様という方がいらしたのですが、なんでも良いスピーカーをお持ちとのこと。そのようなスピーカーで聴くと音は硬くならないという内容でした。そのようなこともあり、ふと思いついてレッスン室に２台目のステレオを購入しました。私は、恥ずかしながら、ステレオに対しては無頓着でしたのですが、友人の勧めもあり、今回は日本製ではなく、イギリス製のスピーカーを購入しました。そうしたところ、そのメッセージを下さった方や友人の意見の通り、同じCD でも全く違う演奏に聴こえるのです！！！目をつぶって聴いていると、私の目の前にある楽器で生演奏がされているほどにリアルな響きが聴こえてくるのです！！！また、録音によっては、自分がホールにいるような錯覚さえ覚えます！！！これは、はっきり言って異次元の感覚です！！！以前の章で述べさせていただいた、CDの音が硬く聴こえるということはないのです！！！例えば、タチアナ・ニコラーエワ先生の音やマルタ・アルゲリッチの音は打鍵が強く、基音が目立ってしまい、硬く聴こえたのですが、いずれの演奏も倍音豊かな柔らかい響きがスピーカーから聴こえてきました。私が購入したスピーカーは、特別に高価な物でもなく、ごくごく一般的なレヴェルの品質のものですが、日本製とヨーロッパ製、すなわち、何を持って良い音なのか？の基準が違うのでしょう。是非、皆さんにもヨーロッパ製のスピーカーに買い替えることをお勧めいたします！！！多分、同じ録音でも、聴こえてくる世界が全く違うことに驚かれると思います。そうすることにより、普段、基音ばかり聴いてきた耳の持ち主でも、倍音が聴こえだすのではないでしょうか？ロシアピアニズムならではの本質がハッキリとわかると思います。この場をお借りして、遅ればせながら、メッセージを下さった鈴木登様にも私の友人にも御礼を申し上げたいと思います。　クリックお願いします！！！にほんブログ村
19Mar
- 249.認識の誤り
  私は最近まで指の筋肉を強くする、強くなるという考えを持っておりましたが。なぜならば、一般的に指を強くするという発想が教育現場で持たれており、また、私自身、学生時代の３年間、指のトレーナーの先生のレッスンを受けておりましたゆえ、そのような発想でおりました。現に以前のこのブログにおいても、そのことについて言及しました。しかし、最近になって、私が心から信頼できます整体師、横井修冶氏に伺ったところ、指の屈筋自体が強くなるのではなく、前腕の腱が強くなり、指を支えられるようになるということを伺いました。それにより、私の認識は大きく変化いたしました。確かに指には伸筋と屈筋があり、奏法としては、屈筋を意識して弾くということに変わりはないのですが、屈筋ではなく、前腕の支えが重要になるという、新たな認識を持ちました。ですから、正しい使い方で練習をして、指を強くするのではなく、前腕の腱を強くするといった発想の方が正しいというのが結論です。ただ、この前腕の腱を強くすると言っても、すぐに強くなるわけではなく、長年、正しい使い方で練習して、だんだん強くなるようです。ロシアピアニズムの奏法で弾いているピアニスト達の映像を見ていると、前腕の下の筋肉が非常に発達しているのがわかると思います。一般的な弾き方においては、前腕の下の筋肉で支えることはしませんので、その場合、基本的に指の動きで音を鳴らすことになります。付け加えるならば、前腕の下の筋肉で支えると、腕全体を少しだけ持ち上げた状態になります。よって手首の位置も上に持ちあがり、腕全体が高い位置に来ますので、椅子はある程度高くないと、コントロールで出来ません。肘よりも手首が高くなってしまうと非常に弾きづらくなります。理想は手首と肘が平行の高さか、肘がそれ以上高くなるポジションがコントロールがしやすく、腕の重みが指先に自然に乗りますので良いと思います。クリックお願いします！にほんブログ村
15Mar
- 248.ぎりぎりを狙う
  今日、私の１番弟子とも言える、桐朋学園大学講師の川村文雄と小１時間音楽談義に花が咲きました。その中で、彼が最近の学生の演奏に感じることが話題になりました。それは、１音１音に対する意識が希薄で、長さもタイミングも間違っている。弾いている本人がそれに問題意識も感じていないようだし、さりとて、粒をそろえてきちんと弾くというわけではなく、またそれを目標にしてもらっては困る・・・というような内容でした。その件については、ある意味同じようなことが私の生徒たちにも言えることで、大変興味深く思った次第です。先日のレッスンのことです。曲はJ.S.バッハのトッカータ c-moll　BWV９１１です。　彼女の演奏は、非常に音楽的であり、タッチも多彩、よって色彩感も多彩です。ポリフォニィーの作品における各声部の弾きわけも出来ている立派な演奏です。しかし、そこには大きな問題が１つあったのです。それぞれの音の長さや音のなるタイミングに問題がありました。そのように弾いてしまうと、聴いている者には、いい加減で雑な印象が残ってしまうのです。他の要素が素晴らしいだけに、だからこそ、そういう部分が目立って聴こえてしまうのかもしれません。もちろん、彼女も川村文雄に続く逸材の１人ですから、それに問題意識がないわけではないと思うのです。私が彼女に示唆したことは、それぞれの音の種類や長さや音のタイミングにはストライクゾーンのようなものがあり、その中に音を鳴らさなくてはいけないという事。しかも、そのストライクゾーンのぎりぎりのところを狙う事が大切であるという事。このぎりぎりと言うところが大変重要であり、彼女自身もそのぎりぎりを狙って弾いていたように思うのです。しかし、残念ながら、そのぎりぎりを超えてしまう、ストライクゾーンをはみ出してしまう事が多かったのです。その逆の話になりますが、仮にストライクゾーンのど真ん中を狙った演奏があるとします。言い方を変えれば、ソルフェージュ的に正しいと言えるのかもしれません。私はそのような演奏を聴いていると、あまりにも無味乾燥な印象を持ってしまい、いわゆる、非音楽的に聴こえてしまうのです。演奏者本人が意識してか、また無意識なのか、粒をそろえてきちんと弾くことが最大の目標にあるのではないか？と感じさせられてしまうのです。ここで大切なのは、先に申し上げました、ストライクゾーンのぎりぎりのところにぎりぎりの音を鳴らすことが重要でもあり、大変難しいことだと思うのです。そのような演奏には、ある種の緊張感や集中が宿り、その音楽に命が宿るのです。そして、それは聴く者の意識をつかんで離さないと思うのです。ロシア人ピアニスト多くを、西ヨーロッパの、特にドイツやフランスのピアニズムのピアニストと比較した場合、聴き手の多くはロシア人ピアニストの弾くベートーヴェンを出鱈目と感じる人は少なくないと思います。確かにストライクゾーンを外してしまうピアニストもいるように思いますが、私の個人的な感覚からすると、先に申し上げたストライクゾーンのぎりぎりのところで、ストライクゾーンぎりぎりの音を鳴らしているように感じます。ウィーンで多くを学んだマルタ・アルゲリッチの演奏にも同様のことが感じられますし、私からしてみれば、アナトール・ウゴルスキの弾くベートーヴェンも同様に感じ、またそれ以上の何か、それはより思索的と申しましょうか、哲学を感じることが出来ます。あの演奏をテンポが遅いから駄目だと切り捨ててしまうのは簡単なことかもしれませんが、私にとっては非常に魅力的でもあり、ベートーヴェンの最後のソナタを締めくくるアリエッタに深く共感します。クリックお願いします！にほんブログ村
09Mar
- 247.弾くべき作品
  一昨日のレッスンのことです。　その日の生徒はスクリャービンのソナタ第７番作品64「白ミサ」を持ってきました。一般に、この「白ミサ」のソナタが演奏会で弾かれることも少なく、残念ながら、まだ理解されていない、もしくは見向きもされない作品と言えるかもしれません。その生徒の演奏は、今から思い返しても、本当に素晴らしい演奏でした。しかし、まだその上に、私が思うところのスクリャービン、それはゲンリッヒ・ネイガウスの演奏が正に名演であり、そこからインスピレーションをうけたスクリャービンなのですが（ちなみに、ゲンリッヒ・ネイガウスのスクリャービン、ショパン、ドビュッシーは特に素晴らしいと思いますが）、そのような要素や、ピアノという楽器本来の扱い方から来るスクリャービンの音楽との接点などを指摘し、よりスクリャービンらしい「白ミサ」となったように感じました。ここで思うのは、この「白ミサ」に限らず、どちらかと言うと、主要なピアノ作品として見られていない傾向がありつつ、実は意味深い作品であり、主要な作品として認知されるべき作品にもかかわらず、ある種の偏見、抵抗感から来るのかもしれませんが、敬遠されがちな作品というものがあると思うのです。演奏会で取り上げられる曲目が、流行りもあると思うのですが、やはり、ある種の枠からはみ出ない傾向があるのは否めないと感じます。その理由の１つに、集客ということを考え、結果としてそうなるのが１番の理由ではないでしょうか？このことは、非常に残念なことだと思います。例えば、ディーナ・ヨッフェ先生の場合でも、ショパン国際コンクール第２位という実績があるために、いつも必ず、プログラムの半分はショパンを弾かねばならないという、何とも気の毒な状況にあります。もちろん、ヨッフェ先生のショパンは素晴らしいのですが、シューベルトやベートーヴェンやプロコフィエフなども、本当に素晴らしい演奏をされる方だと思いますので、いつかショパン抜きのプログラムで是非聴きたいところです。以上、様々な理由から、演奏会に取り上げられるプログラムというものに、節度のある（珍しければ良いということではなく）、それは、弾くべき内容がある、後世に伝えるべき作品というのが、集客というビジネスとは関係のないところで行われる時が来るとすれば、それは日本の聴衆の聴く耳が出来た時と言えるのかもしれません。クリックお願いします！にほんブログ村
08Mar
- 246.あきらめない
  昨日のことです。生徒は３０代半ば、某音大を大学院まで出て、今は教える仕事を主に定期的にソロ・リサイタルなどを催しながら演奏活動をしています。しかも住んでいるのは名古屋。月に２度のペースでレッスンを受けに来ています。昨日のレッスン曲は、ロシアピアニズムの基本を修得する目的でJ.S.バッハのインヴェンションから、１０番、１２番、１３番、１４番。そして、私が与えた課題であるベートーヴェンのエロイカの主題による変奏曲とフーガ　作品３５でした。彼女の手の性は、良く独立した指の持ち主で、どんな難しいフレーズでも簡単に弾けてしまいます。普通の感覚なら、弾けてしまうのですから、しかもリサイタルもするようなレヴェルですし、わざわざ東京までレッスンなど受けに来ないでしょう。しかし、彼女の音楽、ピアノに対する情熱は並ではなく、それ以上のもっともっと深く、広く、そして色とりどりの色彩を欲しているのではないか？と思うのです。そのためには、１日たりとも休みがない現状であっても、自分自身の練習、研究は怠らず、東京までレッスンに通うことなど、彼女にとっては必然なのでしょう。私が、今日申し上げたい事は、「あきらめない」ということです。「継続は力なり」と申しますが、続けることに深い意味があると思うのです。続けた者にしか到達できない領域というものがあると思うのです。一般に、彼女のようなキャリア、そして立場になると、皆一人前になったように思うのでしょう。レッスンを受け続け、他者の耳に敢えて自らさらし、磨きをかけるということはやめてしまうと思うのです。私自身のことを振り返ってみますと、幸か不幸か？もし、指に故障がなく、今でも弾き続けていられているのならば、そして、習いたいと思う存在が日本にいるのならば、多分、レッスンを受け続けていたであろうと思います。しかし、残念ながら、それはかなわず、自分で勉強するしか道はない運命なのでしょう。私が、広く音楽が理解できたと思え始めたのは、振り返ってみると４０歳を過ぎてからです。音楽だけではありません、ピアノという楽器の扱い方がわかってきたと感じられたのは、ここ２年程のことです。多分、これから先も沢山の発見が待っているでしょうし、また、そうであってほしいと思っております。とにかく「あきらめない」ということを、昨日のレッスンにおいての彼女の姿から感じた次第です。　クリックお願いします！にほんブログ村