大野眞嗣　ピアノと共に、音楽と共に -112ページ目

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18Jul
- 370.演奏は情報処理じゃない
  高校生の弾くベートーヴェンのソナタを聴いていて思ったことです。その演奏から感じられるのは、作品に対するその生徒なりの人生のレベルで真摯に向かい合っていること。ですから聴いていて非常に好感が持てます。よく言うならばフレッシュな印象でしょうか。しかし、まだまだ高校生ですからベートーヴェンの中期のソナタなど本当の意味では理解できない部分もあり、それは当然のことと言えば当然で、作曲した当時のベートーヴェンの精神的レベルには到底及ばないわけですから、それはそれで良いと思います。そのような演奏に対して、同じく高校生でも、一方ではより説得力を持って隅々まで神経が行き渡る、すきのない演奏ができる人もいると思います。当然、試験やコンクールなどではそのような演奏の方が良い点が付くはずです。素晴らしいと評価されるでしょう。しかし、私はそのような演奏に対して疑問を持ちます。確かに素晴らしいけれども、何か根本的に違和感、場合によっては失礼ながら不快感さえ感じるのです。なぜそのように思ってしまうのか、自問自答して出てきた答えは、まず後者に述べたような優秀な演奏には、今後の伸びしろを感じることができません。高校生でそんな演奏なんてできなくてよいと率直に思います。そのような演奏をする若い学生はある意味で出来上がってしまっていて、それ以上にはならないと感じてしまいます。それに加えて思うことは、そのようなタイプの演奏をする学生は、感性で弾いているというよりも、情報処理をしている演奏のような気がします。芸術は学校の筆記試験とは違い、情報処理能力が優れていてもだめだと思うのです。芸術というものは、時間が絶対的に必要であり、長い時間をかけてじっくりと熟成しなければ出来上がらないことで、次から次へと素早く正確に情報を処理して行く、正しい答えを出していくこととは根本的に違うと思います。原因を考えたときに、１つはどのようなレッスンを受けて育てられてきたかが大きく関係しているように思います。教師が事細かに隅々まで指示を与えてしまうようなレッスンをしてしまい、そのような受動的な感覚でレッスンを受けるのが当たり前で、自分で悩んだり考えたりしないで曲を作ってしまう、そして、それがうまく素早くできる生徒は教師も可愛がるというパターンに陥っているのではないでしょうか。まだ若い学生で、ある意味では優秀な演奏ができる学生の多くはこのようなタイプに属してしまうことが多いのかもしれません。また、もしかしたら、生まれながらの性分として、頭脳で弾いてしまう感覚の方が感性で弾くよりも勝ってしまうタイプの人もいるのかもしれません。いずれにしましても、教師というのはその生徒のタイプによっては教えるということが大変に難しいことであると思います。クリックお願いします！にほんブログ村
13Jul
- 369.貴重な体験
  先々週は都内某ピアノ店にて、べヒシュタイン、グロトリアン・シュタインヴィッヒ、ブリュートナーを試弾し、昨日は違うピアノ店で、１２０年前のニューヨーク・スタインウェイと３０年前のニューヨーク・スタインウェイを散々、試弾させてもらいました。私にとっては非常に貴重な体験であり、それぞれのメーカーの持つ特徴を私なりに感じることが出来ましたので、大きな収穫だったと思います。また、同じメーカーであっても、基本の響きは共通しているとはいえ、個々の楽器が持つ特性に違いもあり、それをうまくコントロールすることや、その楽器の持つ美しい響きを出すツボのようなものを見つけることは難しくもあり興味深いことでもありました。総じて感じたことの１つに、鍵盤の深さが１センチあるところ、スタインウェイ以外の楽器は、スタインウェイよりも鍵盤の深いところで音が鳴り出すということです。これは、私の思うピアニズムの特徴である２，３ミリを狙って弾き出し鍵盤の底まで到達する感覚で弾くということができるメーカーの楽器はスタインウェイしかないのか？という結論です。他のメーカーの楽器は、私の感覚ではほぼ５ミリあたりを狙って鍵盤の底まで到達するというタッチをする方が、その楽器の良い響きが出るように思います。ですから、普段、それぞれの生徒がどんな楽器で練習しているかということを知っていなければならず、それはレッスンをするうえでとても大切で重要なことであることを思いました。クリックお願いします！にほんブログ村
09Jul
- 368.モギレフスキーのレッスン⑤
  ラフマニノフ　ピアノソナタ第２番　第２、３楽章（改訂版）楽譜はBoosey&Hawks社の版に従う。２楽章について、今の演奏スタイルは、ラフマニノフスタイルというよりスクリャービンスタイルでした。１小節目の最初の和音は緊張感を持たせて、２小節目の最初の和音は柔らかく。冒頭の音楽は即興的ではあるが、和音をあまり崩さず、縦の線(verticalstyle)、拍を意識したほうがよいでしょう（崩しすぎるとスクリャービンらしく聴こえてしまうが、冒頭はもっと、純真(innocent)でコンパクトにしたほうがよい）。これは次の Lento からも同様で、アルペジオの記載が一部あるものの、全体的に崩しすぎずに拍を意識したほうがよいでしょう(ゆっくり弾くこと自体は悪くないです)。Lentoからの部分は、指揮者が細かく刻むように整っていたほうがよいでしょう。ここは整った形で、厳格に、理性的に、そしてちょっと宗教的に、という性格です。Lento２小節目の右手メロディーの音形(B⇒G, A⇒F#...)は重要で、ラフマニノフの典型的なフレーズです（１楽章の３ページ目にも同様なフレーズが出てくる）。Lentoから５小節目、５連符の後から、ナウモフ先生は、右手内声のメロディー(B-C-D...)を強調する提案をしていました(この形は２回目なので)。強制することではないですが、この声部は興味深いし、知っておくことはヒントとしてよいでしょう。4/4になってから、ここの２小節目は繰り返しなので、今度は左手の符点八分音符(G⇒F#⇒E)を強調するとよいでしょう。4/4からはボートにのっている気分で。ゆっくり弾く十六分音符は水を表現しているようです。4/4の1拍前からボートを押して、水に浮かべるイメージです。ここの直後の 12/8から速くならないようにしましょう(ここの前は十六分音符、ここは３連符）。12/8の４小節目の休符は、時間をとって呼吸します。12/8の５小節目から、右手はピアニシモなので、トップノートのE-B-E以外は小さく。12/8の9小節目から、左手の内声(B-A-G-F# 最後は右手の親指に繋がる)を見せるとよいでしょう(右手は同じようなことの繰り返しなので)。12/8の11小節目の10拍目からpsubitoにすることを提案します(この後のクレッシェンドを効果的にするため)。13小節目は、その直前の音からペダルを使います。13小節最初の音は、鐘の音をイメージして。13-14小節目の右手の上昇は poco rubato で。ここは、スクリャービン的に弾いてよいところです。12/8の15小節目、右手の6拍目の(BGB)の和音は、G#でとる、という方法もあります(確かホロヴィッツもそう取っていたのではないか), 最後の符点は強調して。アッパショナータです。Poco piu mosso の最初の小節、右手の最初の音(BやG)をもっと見せましょう。その後の4/4の小節の右手は、スタッカートではなくテヌートを意識して。その次の4/4 の小節冒頭のA-minorの和音はフォルテで（３小節後の冒頭の和音と強弱のコントラストを出します）。Tempo I の10小節前から左手は鐘の音を意識し続ける(ppで、柔らかいのだけど鐘の音)。comodo(comfortable)なので速くなりすぎず。 Tempo I直前のカデンツァは、最後に響きをよくきかせてから、次へと入りましょう。Tempo I からの部分、改訂版は短すぎる気がしています（ここは現実ではなく、夢の中、というイメージなので）。なので、可能なら、オリジナル版から引用することも考えて下さい。５小節目直前からのフレーズは、ナウモフ先生曰く「このソナタで最も美しい部分」。美しいソプラノで。小節最後のディミヌエンドを確実に。Tempo I なので、冒頭のLentoを思い出して。10小節目は9小節目のエコー。11小節目からペダルはハーフペダルを上手く使って弾きましょう。３楽章(Allegro molto)３小節目から速くなりすぎないように。１小節目の最初の３つの音を（F-E-E♭)をはっきり強く聴かせて下さい。12小節目の和音にC♭があることを忘れず。22,23小節目はクレッシェンドを忘れずに。またここはスピードが速いため、左手がクリアに聴こえないことがあるのではっきりクリアに弾いて下さい。marcatoの四分音符は、右手B♭の和音ではなく、合間に入るE-E♭-D♭の和音のほうを意識するとよいです。a tempo poco meno mosso の８小節目の２拍目は柔らかく。a tempoから、左右の親指で内声をはっきりと弾きます。20小節目の和音はナチュラルがあってもよいかもしれないです(左手のB♭EG♭のGに)。21 小節目はピアノから。右手のC-Aを歯切れよく、はっきり、そして22小節目の最初の和音をフォルテで。28小節目から右手はちょっと軽く。Piu mossoから軽く。そして、５小節目はメフィストが大声で笑うようなイメージで。Tempo rubatoから速くなりすぎず、１００人のハープ奏者が奏でるようにイメージして。最後のPrestoでは、右手でもっとクリアにクレッシェンドをかけましょう。速いのだけれど、速さだけではなく。指使いも考えてみて下さい。（トップノートに4-5を使うのではなく、1-2/1-3などを使って、重みを出す）最後から９小節前の１拍目左手B♭は、ナウモフ先生の解釈ではオクターブ下げてもよいと言われています（コンクールではよくないだろうが、リサイタルではやってよいだろう。作曲に詳しいナウモフ先生が言うのだし、ホロヴィッツなどもやっています）。最後から７小節前の、１拍目⇒２拍目は、鋭く弾きましょう。クリックお願いします！にほんブログ村
04Jul
- 367.昨日の記事の追記
  昨日の記事では、ついつい悲観的なことばかり書いてしまい、周りからは心配されてしまいましたが、昨日書いたように悪く言われるばかりでもないのが事実です。やはり、耳の使い方、聴く観点の相違というのは人それぞれですので、どちらが上とか下とかいうのではありません。昨日、書いた同じ教授が、その生徒のことを良く言わなかったのも事実ですが、これがレッスンではなく大ホールでオーケストラと共演したときには、本当にすごかった！オケに埋もれることなく、ピアノの音が客席まで届いてきた！とおっしゃって下さったり、また別の生徒がある著名な日本人ピアニストのお宅で演奏させていただいたときには、その方曰く、私の楽器から、こんなに色々な音が出るとは思わなかった！とお褒めいただいたりと、わかる方にはわかるのも、これまた事実です。ですから、昨日の記事の書き方では、日本全体の印象として書いてしまったのですが、実はそう悲観的になるばかりでもなく、少数ではありますが、ご理解いただける先生もいらっしゃることを記しておきたいと思います。にほんブログ村
03Jul
- 366.音に色彩を求めない日本
  ホロヴィッツの記事でも書きましたが、私はホロヴィッツを生で聴いています。ホロヴィッツを称賛する日本人の多くは、彼の演奏の色彩感よりも彼の超絶技巧を称賛します。確かにすごい技巧の持ち主ですが、私の耳には技巧よりも彼の奏でる色とりどりの色彩感の方が思い出に残っています。私の生徒の演奏に対する言葉ですが、ある教授はピアノそのものの楽器の音が鳴っていない！別の生徒の演奏に対してはある教授はきゃしゃな演奏だ！別の生徒の演奏に対するある教授は、もっと１音１音がくっきり技巧的に弾いてほしかった！などなど。またヨッフェ先生の演奏に対しても、ある教授は音がいつも明るすぎて物足りないなどおっしゃっていました。皆、日本の音楽大学で、第一線で活躍する教授たちの言葉です。このことは、日本人のピアノ教育者たちが、ガツンと下部雑音がする基音を演奏に求めている証拠です。ということは、そこに色彩感は求めないとも言えます。まあ、チェルニーのピアニズムが主流の日本ですから当然のことといえば当然なのでしょうが、私はそのような言葉を耳にするたびに何とも言えない気分になります。正直、この日本で私がこのようなピアニズムを教えていることがバカバカしくさえ思えてくるときもあります。音を聴く観点が違うから仕方がないのですが、それにしてもこの現状、なんとかなりませんかね？まさに四面楚歌という気分です。クリックお願いします！にほんブログ村
01Jul
- 365.ヨッフェ先生のベートーヴェン
  このエロイカ・ヴァリエーションは先生の十八番です！！！素晴らしい！！！にほんブログ村
- 364.ヨッフェ先生のモーツァルト
  明るさの中に哀愁を帯びた演奏だと思います。素晴らしいです！にほんブログ村
- 363.ヨッフェ先生のショパン
  先生は６１歳になられ、ますます円熟味が増し、より先生のショパンに対する魂が浄化され自由に広がっていると感じます。特にアンコールのマズルカは絶品です！にほんブログ村
28Jun
- 362.モギレフスキーのレッスン④
  バッハ＝リスト　プレリュードとフーガ　イ短調ページ番号は春秋社５巻に従うオリジナルのテンポを考えてみましょう。もしゆっくり弾くと、より長く、大きい曲になってしまい、その結果１つの曲として構成するのがより難しくなるでしょう（はやい演奏が技術的に難しくなることは一方で事実ではありますが）。なので、もう少しはやいテンポ、特にフーガにおいては、で弾くのがよいと思います。最初の部分なので、方向性(direction)を持つことが大事でしょう。最初の部分は1声ではなく、複数の声部があります。（トップノートのほかにも和音を構成する声部があります）最初の部分、和音として練習してみる(ACE - G#BF - GBE -...)。両手でやってもよい。耳を使って。各和音と、それがどこに向かうのか、に関して、強弱をきちんと考えるのが最初のページで重要。トップノートが、円のように連結していくことを考える。指揮者の(指揮棒が円を描く)ように。少し長めに(count in half time = 1.5倍くらい)3小節目の3連符からはやくならず、全く同じテンポで。Aのベースで伸ばす部分から、真ん中のペダルを使うと、右ペダルの苦労がなくなるのでよいと思います。これはオルガン曲なので使ってもよいでしょう。使わないと、ハーフペダルなどを駆使する必要があるが、使えば問題はなくなります。2ページ目(P7)の中での強弱のコントロールもやりやすくなるでしょう(戦略的に強弱を考えましょう)。P8の4小節目3拍目からはファンタジーの入り口（そして最初と同じ音楽。だが、低く暗く）。P8の8小節目、すべての音を同じ大きさで弾くことのないように。十六分音符は柔らかく。二分音符とは違った音色で。P9の2小節目のC-Majorがここの中で一番大きい部分。そこから少し小さく。P9の8,9小節目の二分音符をもっと見せて。P9の中には構造的に複数の(展開部=development)のようなセクションがあることを認識する。P9は全体的にペダルをクリアに。フーガはもう少しはやく弾いたほうがよい。テーマは長いテーマ（オルガンのテーマは一般的に長い）。今回は５小節のテーマ。2拍子のような感覚で弾くとよいでしょう。テーマの中の5,6拍目のEBEBの部分が特徴的。2小節目の4拍目からは2声のイメージで(全音同じ音色にならないように)。2,3,4小節目は、4拍目のトップが一番重く、そこからディミヌエンドするイメージで。11小節目から4小節間テーマはなく、ここは間奏のつもりで軽く。そして長い音符をよく聴く。この長い音で描かれるバッハ的な、3度・6度・7度の不協和音(dissonance)を楽しんで。ここの十六分音符は軽く。バロック音楽の一般論として、短い音符は軽く(soft)弾くとバランスがよい(例外はあるが)。そうでないと様式に沿わないので。ペダルを踏むことは問題ないが、十六分音符のところは、少しずつ踏み変えて、綺麗に響かせる。15小節目から３声（ソプラノ、テノール、ベース）であることを意識してクリアに（大きいという意味ではなく）。右手は、長い音符の直後の十六分音符にアクセントをつけず、長い音を聴く。さらに、ここは２声の対話になっているので、両手で正確に弾いてみて、次に片手で練習する、という方法もある。P11の4小節目から、属調のE-minorで左手がテーマ。P11の最後の8小節目から2小節は繰り返す音形(右手)。下降形なので、少しディミヌエンドする。P11の最後の3小節は主調で、新しい部分。曲の中のパート区切りを明確に認識しましょう。P12の4小節目は、カデンツァで E-minorになる。最初と同じA-minor - (カデンツァ) - E-minorの形。主調、属調の繰り返しで曲を魅力的にしている。P12の15小節目から、C-Majorでテーマ(テノール)。P12の最後2小節目から間奏。上昇形なので小さい音量から始める。P13の4小節目からはG-Majorでテーマ。pで始める。G-Majorは(他のマイナーコードに比べて)軽くクリア、ドルチェで。P13の8小節目の左手のDを保持する(か真ん中ペダル)。このDは4小節を支えるので深い音で。P13の11小節目からD-minorで左手にテーマ。ただ、小節の最初からではなく、途中からはじまるテーマ。（以前は小節の最初からのテーマだった）。ビートが変わった。D-minorはドラマチックに。ここまでの部分はずっと展開部の役割で、転調を繰り返している。ここでは強弱を使って、形式、およびその発展(展開)を見せる。P13 15小節目少し軽くP13 最後の4小節の左手(A-B-C-D)は新しいモチーフなので注意して。少し弱めの音から。P14の5小節目から、オリジナルキー(A-minor)で、この曲の「パートC」に入る。（パートBについては展開部的なところ）左手はオルガンのメロディーをイメージして。テーマは小節の頭ではなく、2拍目(=4拍目)から始まっている点に注意。P15の7小節目、4声になるP15の最後の左手4小節の十六分音符は、全部弾くのではなく、最初の音だけ弾くようなイメージで。P16 8小節目 A-minor テーマP16の最後の小説の3,6拍目は、離す(右手？ペダル？）。ここの左手は親指だけ、小指だけ、と分けて練習する。1音1音のつながりを認識して、グループ化してつなげながら練習。声部が多い部分は難しいが、まずはテーマを抜き出し、それ以外の部分はもっと軽く弾いてよい。最後のページ(7小節目から?)は曲の終わりのカデンツァのようなものなので、効果的に終わらせるように、あまりにビートを維持しすぎないように自由に。はやくもなりすぎず。最後から4小節目の、Dis-C-A は少しゆっくり目で。最後の小節はローマの柱のように、風格をもって。クリックお願いします！にほんブログ村
21Jun
- 361.ショパンの孫弟子の演奏
  Raul Koczalskiの演奏です。ショパンの孫弟子だそうです。もし、この方の演奏がショパンのピアニズムを真に継承しているとすればそれは仮定にしかすぎませんが、現代のピアニストにもショパンのピアニズムがしっかり継承されているように感じます。にほんブログ村
19Jun
- 360.ショパンのピアニズム
  およそ２００年前にショパンはショパンのピアニズムでピアノ弾き、教えていました。多分、ショパンのように名前は残っていなくとも、それなりの数のピアニストが同じような奏法で弾いていたでしょう。おそらくは、ショパンが手本としていたイギリスのジョン・フィールドも、彼のノクターンの楽譜を見ていても、同じ空気を感じます。それに対してドイツのピアニズム、代表的な教則本を残したチェルニーが象徴的ですが、チェルニーのピアニズムというものがあり、ショパンはチェルニーのピアニズムを批判していたということが文献に残っています。私が申すまでもなく、ドイツのピアニズムはチェルニーのピアニズムであり、日本のピアノ教育現場での主流になっています。それとは別にフランスのピアニズムというものもあります。詳細は存じ上げませんが、どうやら、バロック時代のクラブサンという楽器を扱う古楽器の奏法を根源とした、石造りのサロンで弾くのに適した奏法のようです。例えば、音符の配置から感じられるのは同じフランスでも、ドビュッシーとラヴェルでは異なり、ドビュッシーがショパンのピアニズムでラヴェルはフランスのピアニズムでピアノを扱っていたように感じます。ロシアのピアニズムは、その流派にもよりますがチェルニーのピアニズムの範囲で美しい響きを追及したピアニズム、チェルニーとショパンのピアニズムを合わせたようなピアニズムが大半であるということがだんだんわかってきましたし、ショパンのピアニズムの流れを継承しているピアニスト、ピアノ教師の数は、実は少数に限られていると感じます。ロシアと言っても一括りにはできないということを感じます。以前から申してますように、ロシアで教育を受けていなくとも、マルタ・アルゲリッチやラン・ランなどはショパンのピアニズムを継承していると思います。要するに世界的に見て、ショパンのピアニズムの流れを継承しているピアニストやピアノ教師の数は、非常に少ないと感じます。何故ショパンのピアニズムが広まらないのでしょうか？２００年以上前から考えられ実践されているにもかかわらず。私が感じるのは、逆に何故チェルニーのピアニズムが広まったのかということです。なぜならば、チェルニーのピアニズムの奏法の方が、人が鍵盤に触れるという行為を考えたときに、自然に思いつく行為であり、それゆえ、教えやすくもあり、言葉は悪いのですが単純なのです。それに比べて、ショパンのピアニズムは人の体が優先されるのではなくピアノという楽器が主体に考えられ、いかに扱うことによって美しい響きが出るのか？ということを追及し、その結果として身体の観点から考えたときに、少々複雑な使い方をしなければならず、と言っても実は体にとって不自然なことはしませんが、それゆえ、教えるのも面倒なことですし、教わるのもおそらく大変なことゆえ、２００年以上の歴史があるにもかかわらず、世界中に大きく広まるということがなかったと思いますし、これから未来を考えても、おそらく大きく広まることはなく、ごくごく一握りのピアニストやピアノ教師に継承されていくことだと感じます。それゆえ、私はロシアピアニズムの教師というより、ショパンのピアニズムの教師と言った方が良いのかもしれませんし、同じくこのブログも「ロシアピアニズムをつぶやく」というより「ショパンのピアニズムをつぶやく」と題した方が良いのかもしれません。クリックお願いします！にほんブログ村
18Jun
- 359.コンクールを受けること
  常々思うことですが、コンクールというものを考えたときに、コンクールのそもそもの存在意義を忘れてしまいがちであるということです。そのことを知らずに安易に受けたがる若い学生たちも多いですし、そして、そのことに対する確固たる考え、信念を持って学生たちに諭すことができるピアノ教師は意外に少ないのではないでしょうか。ただただ有名になりたい、社会的地位を得たいという安易で稚拙な動機で臨む学生がいかに多いことか。コンクールの役割は、コンクールに一同が集まり同じような曲を弾くことにより、特に国際コンクールにおいては、ベートーヴェンならベートーヴェンの真の意味でのアカデミックな要素、ベートーヴェンはどう弾くべきか？ということを確認しあう、今現在、世界中の教育現場でどう教えられているか？それはまた、どのような傾向にあるのか？そして、それは過去の伝統をきちんと引き継いでいる演奏なのか？また、それに加えて未来へその伝統を引き渡し伝えていく大きな社会的な役割があるのです。いわば、国際見本市とでも言えるのかもしれません。人はコンクールだからこれは弾かない方が良いとか、コンクールだからこう弾いてはいけないという感覚で曲を作り上げていくことを考えがちですが、それでは演奏に向かうときの感覚的思考のエネルギーの方向が逆であり、そのような考え方の上で成り立つ演奏は良いものにならないでしょうし、そのような考えで安易にコンクールを受けるべきではないと思います。それよりも、そもそも真のアカデミックな解釈はどうあるべきか？世界の伝統はどうなのか？ということを念頭において曲を作っていけば、おのずと良い演奏ができると思うのです。要するに、自分が勝手に自分のためにピアノを弾いて、自分が思うベートーヴェンを好き勝手に弾いて自己アピールしても審査員には通用しないのです。ピアノを弾くという行為は、プロはもちろん広くはアマチュアの方に至るまで、社会的意義、社会的役割もしくは社会的責任があって自分が演奏をするということの意識をしっかり持たなければ、世の中に通用する演奏にはなりませんし、また、純粋に演奏として考えたときに独りよがりな演奏になってしまうと思います。以上、今申し上げたことは、コンクールを受けるうえでのあるべき心構えとして私は考えております。クリックお願いします！にほんブログ村
17Jun
- 358.熱意
  昨日、初めてレッスンを受けに来た生徒が２人いました。１人は熊本からわざわざ飛行機で、もう１人はドイツからわざわざ飛行機で。２人とも非常に音楽的感受性が強く、非常に謙虚で、人から物事を習うということの本質を分かっていたので、とても良い気分でレッスンできました。２人にとって、昨日のことが良い機会になってくれたとしたら、私にとっても大変うれしいことです。１つ思うのは、その２人に比べて東京近辺在住の学生のことです。何人かの学生が私のレッスンに私のこのブログを通して、または４月のレクチャーなどをきっかけに興味があるらしいことは私の耳に入ってきているのですが、実際にレッスンを聴講、受講するまでには至らないようです。私は来る者は拒まず去る者は追わずという姿勢で教師をやっていますので、また、レッスンを受けるか受けないかはご縁ですから、自然な形が望ましいと思っています。しかし、興味があるのに、腰を挙げない学生たちのことを思うと、なぜ？と考えてしまいます。時代がそうさせているのか？・・・・・という言葉では済まされない何かを感じます。現実に昨日は遠路はるばる受講しにやってくるが人もいるのです。ふと思うのは、首都圏近郊の環境が関係するのではないか？と思うことがあります。刺激に溢れ何でもたやすく手に入ってしまう環境ですから、その気になればいつでも受けられるとか、このブログを読んでいるから理解しているという考えに至っているのではないかと思うのです。むしろ遠くや地方に在住する人の方がハングリー精神があるのかもしれません。要するに熱意が違うのです。言い方を変えればエネルギーを使う方向が違うのかもしれません。良い機会ですからはっきり申し上げましょう。このブログを読んでいても１００パーセントできるようになるということは不可能です。私でなくても、他の同じようなことを教えている教師は少ないとは思いますがいらっしゃいます。是非、実際に受講することをお勧めします。講習会やマスタークラスに参加するだけで、ショパンのピアニズムともいえる奏法を得るのは不可能です。実際に手取り足取り丁寧に細かく指導を受けなければ理解できることではありません。ロシア系のピアニスト、ピアノ教師の講習会やマスタークラスに参加するのは良いことですが、順番が違います。日本の教育現場で一般的に教え教えられているチェルニーのピアニズムからショパンのピアニズムに変えるということはたやすいことではありません。身体の使い方だけならいざ知らず、感覚的な響きを聴き分けるという耳の訓練は特に難しく、私のブログを読んだり、マスタークラスに参加するだけで得ることは不可能です。昨日の２人のレッスンを無事終え、大変満足しているのですが、ふと思うことを書き綴ってみました。昨日の２人が、この先、遠距離というハンディを乗り越えて、素晴らしい演奏ができるようになることを祈り、期待しつつ、それとは逆に、大変恵まれている環境に身を置いている東京近辺在住の学生たちのことを考えてしまいました。にほんブログ村
15Jun
- 357.音色の違いは重要
  最近、つくづく思うのですが、音色の変化のない演奏はつまらないということです。その演奏がどんなに技術的にうまくても、また音楽的に素晴らしくても、音色の変化がないと３０秒で聴く気が失せます。CDを聴いても、Youtubeを観ていても、レッスンをしていても同様です。このことはピアノだけではなく、他の楽器や人の歌声においてもです。例え、その基本となる音色が美しくても、変化がないと本当につまらないと感じてしまいます。料理もそうですが、一口食べたときに、いろいろな食材の風味が混ざってこそ、おいしく感じる、例えば、だしのきいていない味噌汁ほどまずいものはありません。要するにそういうことです。笑今、タチアナ・ニコラーエワ先生の弾く平均律を新しいオーディオで聴きながらこの原稿を書いていますが、本当に素晴らしい演奏です！１６分音符など、レガートでもなくスタッカートでもなく、絶妙なギリギリのところで弾かれており、当然と言えば当然ではありますが、ポリフォニーの弾き分けも絶妙で、次から次へと幾重にも重なりあう声部が聴こえてきます。多種多様な音色の違いがあって、初めて可能な表現であり、聴いている私の耳が離れることはありません。ニコラーエワ先生がまじかで弾いてくださっているかのごとくにリアルに聴こえ、まさに至福の時と言えるでしょう！クリックお願いします！にほんブログ村
- 356.違う楽器で弾く難しさ
  ４月のレクチャーで、私の生徒が最後に演奏したのですが、正直、本領は発揮できなかった部分もあると思いました。まず、低弦の鳴らし方に問題を感じました。音を手のひらでもっと集めないと音の伸びよりも、音の発声自体が良くなくなってしまい、結果として変に汚く広がってしまい、私の耳にはうるさく聴こえました。その逆に高音の早いパッセージは打鍵が浅すぎて、くぐもった響きと申しましょうか、こもった響きになってしまい、鳴っていないという状態になってしまいました。ですから、高音と低音の鳴り方がが違ってしまい、アンバランスな演奏に聴こえました。もし、スタインウェイで同じように弾いたとしたら、音は飛んだはずですが、ヤマハの場合は、もう２，３ミリ深くを狙わないといけないわけで、その辺のコントロール、楽器によって変える難しさを思いました。このことは私自身にも、その生徒にとっても勉強になりました。メーカーや楽器、調律の状態によって弾き方を変えるのは演奏者にとってはやらねばならないことであり、それを聴き分ける耳というものが大切に思います。にほんブログ村
11Jun
- 355.モギレフスキーのレッスン③
  ラフマニノフ：ピアノ協奏曲第2番第1楽章以下Boosey&Hawkesの楽譜、練習番号を参考最初の8小節のクレッシェンドの開始がやや早いのではないか。3,4小節のあたりはまだ控えて。5小節目くらいから。弱い部分が長いほうが効果が高い。最初の前奏、左手のベースをロシア音楽によくある鐘(bell)のように。（ムソルグスキーの展覧会の絵などにも出てくる）和音のコントロールが重要。最初は全部つかみ、5小節目で音をバラすという方法もある。音をバラしたからといって、コントロールが簡単になるわけではないと思う。最初の和音は「痛み/苦悩のある(pain)、暗い(dark)」音で。開いた(open)音にならないように。ウナコルダを使ってもよい（ピアニシモなので）。このコンチェルトはトニックではなくサブドミナントから始まることがちょっと変わっている。(このF-minorが暗さを表している)8小節目の四分音符は方向性(direction)を持ってa tempo からの2小節は、C, G のベースで、指揮者にテンポを明確に示す。①から、オーケストラが入ると、ピアノは聞こえなくなるが、ベースの音と、トップノート(スラー最後の音)強弱をオーケストラにあわせることが重要。②からは、チェロを聴き、はやくならないことが重要。テーマはピアノではなくてチェロ。③のUn poco piu mosso の部分は、右手のF⇒B♭など、トップノートをクリアに④の前の4小節は、はねる(bounce)ではなく、より内部的な音(inside attack)を出す④ a tempoのピアノソロは、「春(spring)」のようにピアノソロの6小節目の1拍目、３拍目の、Jazzのようなハーモニー（左手D♭、C♭含む）を楽しむ（ちょっとスパイシーで東洋風 (Oriental)な）。主題の1回目と2回目の違い。1回目は p で(not too loud/あまり大きくならず。左手も。)、2回目は mf で。1回目はハーモニーを楽しみ、2回目は流れるように(flow)。2回目の弾き方をちょっと変えるのは好みではあるが、やってよいと思う。ハーモニーの変わり方については、2回目は、より厚みのある形(thicker/先生の演奏をきくと、2回目の主題4小節目の1拍目の裏の音をはっきりと弾いてます)⑤の7小節目は、少し気を抜いた形で(lazy)、時間を使ってよい。⑤の9小節目のf は、あまりにはっきりしすぎず(not too straight)、呼吸をもったようなフォルテで、少し緩めて(lazy)。⑤の11小節目から、飛ぶように(fly)、そして少し前向きに。ここはオーケストラは伴奏なのでピアニストのテンポで。ピアノは空中へ飛ぶように（同じように刻むのではなく、という意味）。⑥の2小節前のクレッシェンドは、最初小さめから。表情豊かに。（⑥からも同様に）⑥の2小節目から、ピアノとオーケストラの重要な対話(dialogue)。少しゆっくり弾いてもよい。⑥の9小節目、夜空の星のように⑥のUn poco piu mosso の4小節目の右手の16分音符は、con brio で。⑥のUn poco piu mosso の5小節目の2拍目の最初は、左手でDをおさえるという方法もある。2拍目から3拍目への右手のC♭⇒B♭（その後のフレーズも同じく）は強調する。⑥のUn poco piu mossoのところは危険なところで、指揮者にリズムを見せないといけない。すぐにアッチェルすると指揮者とあわなくなりやすいので注意（ラフマニノフ自身はやっているが）。⑦の7, 8 小節目のベース（F⇒E♭⇒D⇒C）は、ピアノのテーマである⑧の3小節目のsfは明るく(bright)⑧の3小節目の左手。ラフマニノフは他の作曲家と違い、最初の1音目から音楽がはっきりと始まる。⑧の2回目のPiu vivo(17小節目)からは、左手の親指(thumb)を強調。3拍目。⑨から、例えば2小節目の2拍目最後のAと3拍目の最初のG#をはっきりさせて、この半音階(chromatic)をみせる。⑨からは、本当はピアノは伴奏で、オーケストラがメロディーラインを持つが、この半音階は面白く、典型的なラフマニノフである。⑨の9小節目は、 6本のトランペットのように明るく。マルカートでもう少し明るく。金管楽器のように。重くではなく。指を真っ直ぐに伸ばして。アクセントのある、メインの和音は、より中に向かって(inside)⑨のAllegro の3連符は、円を描くように。より表現豊かに。⑩の前4小節、リタルダンド。⑩は指揮者にとってもやりにくいところなので、拍を指揮者に上手くみせる。トランペットをよく聴く。はやく、遅くならず、同じリズムで。ピアノではあるが、拍は見せる。a tempo であり、accelではない。⑩のMaestoso のところで、スタッカートの書いていないところ(四分音符のアクセント）は、もっと中に向かって(inside)、明るく(bright)。ここのスタッカートは、ちょっと軽く(lighter)。⑪の前のrit. は、ラフマニノフ自身はそんなにゆっくり弾いていない。（最後だけ少しゆっくりした）？ここは次への部分のエネルギーの充電である。⑪は第1主題の再帰(harmonized recap)である(チャイコフスキーの悲愴のテーマなどと、パターンは同じで、「違った特徴」での再帰）。なので、もっと熱の入った(charged) 弾き方がよい。この部分はまだ戦いであり、あきらめはない。⑬の前の rit. から、各小節最後の左手の八分音符３つを意識する。⑭はピアノと指揮者とどちらがテンポをリードするか、事前に指揮者と会話しておく。⑮はの Un poco meno mosso から、左手が５連音符で弾きにくいが、急いではいけない。右手のアルペジオもあるし、時間をゆっくりとって。⑮の１小節目の最初の八分音符３つは、指揮者にとってとても重要。⑮の11,12小節と13,14小節の対比。(13,14をちょっと違うように)⑯の poco a poco accel の左手は難しいので、左手だけ暗譜でインテンポで弾けるように。（アルゲリッチがよくそういうことを言うし、そういう練習をする）最後の６小節、左手の親指（leading voice）が聞こえるように。最後の３音は、中に向かって(inside)クリックお願いします！にほんブログ村
07Jun
- 354.ソコロフの映像発見！！！
  ソコロフの凄い演奏を偶然見つけました。前の記事に関係しますが、この音を聴いて硬いという印象をお持ちになられるとすればそれは、ソコロフのタッチが硬いのではなく、聴く側の音響環境によるものであり、音響環境を変えれば美しく聴こえるはずです。ただし、録音状況にもよりますので、一概に申し上げるわけにはいきません。しかし、実際に聴いた人たちは皆、異口同音に美しい響きがホールにいっぱい広がるものすごい演奏だと言います。これほど倍音を多く含み、自由自在に色彩を変えるピアニストはなかなかいるようでいません。日本には理由があって来日しませんので残念ですが、ソコロフを聴きに行くツアーがあると聞きました。是非、ヨーロッパまで足を運んでみてはいかがでしょうか？にほんブログ村
- 353.ロシアピアニズムの奏法の響きについて
  私の留学時代の話を思い出しましたが、ある外国人の友人とニコラーエワ先生のCDの演奏について話をした時のことです。私はニコラーエワ先生の生の音、響きを知っていましたから、その音が柔らかい響きのヴェールに包まれた非常に暖かいものであることを知っていました。しかし、その友人はニコラーエワ先生の音は硬くて好きではないということを言っていました。確かに、CDによっては非常にデッドな印象を受けます。このことは、今現在、このブログをお読みくださっている方も含めて、多くの日本人が同じような印象を持たれている方も多いのではないかと思います。ロシア人の音＝硬い音というイメージです。そのほかのピアニズムのピアニストの音の方が柔らかいという印象をお持ちの方も多いことでしょう。音は目に見えませんから、非常に抽象的で感覚的なことですから、ある音を聴いた時に意見が分かれるのは仕方がないことです。しかし、先日、寝室用に新しくイギリス製のオーディオとデンマーク製のスピーカーを購入したのですが、同じ録音でも非常に柔らかく聴こえ耳が疲れないほど、聴こえてくる世界は違いました。オーディオを少しだけでもご存じな方なら誰でも感じていることなのですが、日本製のオーディオはHi-Fiな方向を極め、１つ１つの音がくっきりはっきりと響くようにできているように感じます。いわゆるデジタルな音と言って良いのではないでしょうか。それに対し、ヨーロッパ製のオーディオは、１音を際立たせるというより、全体の響きの調和を大切に考え、その方向性を目指して作られているように感じるのです。アナログな世界を残しつつも新しい技術を目指しているといった印象です。さて、文頭に申しあげましたが、ロシアピアニズムのピアニストの音が硬く聴こえてしまうのは、もしかするとオーディオの環境が大きく関与しているのかもしれないということを申し上げたいと思います。オーディオは上を見ればきりがないのですが、あるオーディオに詳しい方に相談したところ、クラシックピアノを主に聴くなら、それほど高価なものは不必要だそうです。お手ごろな価格のものでも大丈夫だそうで安心しました。ですから、ヨーロッパ製のオーディオで、それほど高価なものでなくても構いませんので、是非、ご購入されることをお勧めします。そうでなくても、例えば、お気に入りのCDを持参して、電気店、オーディオ専門のお店で聴いてみてはいかがでしょうか？同じ録音でも全く違う世界が聴こえ、印象が大きく変わると思います。ロシアピアニズムのピアニストの響きが非常に柔らかく、変幻自在に倍音の色がコロコロ変わって聴こえることでしょう。クリックお願いします！にほんブログ村
06Jun
- 352.モギレフスキーのレッスン②
  シューマン　ノヴェレッテン op.21-8小節番号はヘンレ版を参考この楽曲、シューマンの持つ、情熱、コントロール出来ないほどの思い、気が狂うほど(crazy)の感情をもう少し見せるようにしましょう。テンポという意味ではなく、強弱、感情、表情を圧倒的に、制御不能(uncontrolled)なほどに見せましょう。最初のページ、トップノートに向かう方向性(direction)を強く見せましょう（繰り返されるフレーズで毎回）。出だしはフォルテと書いてあるが、あまり大きく入りすぎると、表現しずらいので mf くらいで弾いたらどうでしょうか。最初の左手の十六分音符は神経質(nervous)かつ、シューマンらしい気の狂い(二重人格)を見せましょう。最初、右手と左手を独立させて。右手はトップノートに向けた方向性を示す。左手で狂いを。一番最初の右手cisの音、2拍子のテンポの中に感じて（もっと前から音楽が始まっているように）弾きましょう。3小節目の右手のDの音は、揺らす(vibrate)ような音で。17-18小節目、ホールの響きを意識して、ｆからp になる部分を少し時間をとってもよいです。17小節目までには、３つのテーマがあります。3つ目は、アウフタクトから、トロンボーンのように、より大きく表現しましょう（３つで一番大きい）。13小節目の左手はトロンボーンであり、親指(thumb)を強く。18小節目からのｐの部分、各拍の右手トップノート（B-B-B-C)の部分をはっきりと。18小節目からの左手は八分音符（右手の十六分音符より長い）で書かれており、ここも重要。左手の４音目と次の１音目が繋がっているようなかんじで。26小節目の左手。独立した声部としてチューバ、トロンボーンのように。さらに、同時にもう1本のテーマがカノンのようにあります。この2ページのクライマックスの部分。もっとも音量の大きい46小節目。プロコフィエフのようにはならないが、多大なエネルギーを持って、120 人のTuttiのように弾きましょう。29小節目の右手アクセント(F#⇒C#)は、距離が離れた(5度)フレーズであることを意識して。クライマックス前のクレッシェンドは、mf くらいからはじめないとクレッシェンドとしての効果がなくなります。39小節目の左手Dに向かうようにして。44小節目から、より緊張し、より情熱的に。はやくならずに。トロンボーンのような明るい音を出す楽器を想定して（軽くならずに）、指を伸ばし気味に弾くとよいでしょう。右手の和音の上(4, 5)だけ、同様に左手の親指だけで練習するとよいでしょう。49小節目からの左手は、down-upの動きで(全てが同じようにならないように。)。3小節目のAsはソロ楽器のように、後の音符は軽く。この8小節は(2-2-4)ととらえましょう。57小節目、61小節目は、少し違うように弾いたほうがよいでしょう。右手と左手の対話で。66小節目、レガート＆カンタービレ。73⇒74小節目は、解決であり、74小節目は柔らかく。83小節目から、長い音符(As, 次のB)は強く。83小節目のクレッシェンドをはっきりと。ここのところの短い音符(十六分音符)がちょっと強くなりがちです。短い音符は原則として長い音符より柔らかく。91小節目の右手は、テーマの回想、ただし叙情的な状況。ここは、子供の情景の「詩人は語る」を思い出すところで、同じような音楽です。リタルダンドをはっきりかけて、この小節を特別なものとして。詩人が語るような特別な声明として。129小節目から、4小節で4拍子という意識を少し持ち、大きなかたまりとして捉え、１小節単位で弾かないようにしましょう。156小節目の各音のハーモニーを聞いて。164小節目のリタルダンド。198小節目から右手がメロディーなので、左手は少し軽く(目立たないように)。231/235小節目は少しルバートで。282小節目は繰り返ししたほうがよいです。そうでないと音がかけたかんじ、形式に欠けたかんじになってしまいます。298/299右手と左手の対話です（右手の音形が次の小節で左手に見える）。366小節目から、右手の二分音符(トップノート)を表現豊かにしましょう。クリックお願いします！にほんブログ村
31May
- 351.プレトニョフの世界
  私の生徒、堀田英里香が先日のプレトニョフの演奏会に行き、その感想をまとめたものです。彼女ならではの面白い観点で述べられているプレトニョフの世界。ぜひ掲載させていただきます。今年は名だたるピアニストが次々に来日し、1年の前半だけでもヴィルサラーゼ、キーシン、そして遂にプレトニョフを聴いた。私の中では、この方は謎めいていて、不思議なオーラに包まれている。大声で笑ったりするのだろうか…人懐こく優しいのか、それとも無口で厳しいのか…クールなのか、おおらかなのか、人が好きなのか、人が苦手なのか…その人間像が、はっきりと描けない。見た目や雰囲気からは、どこか中性的で、無色で、無機質な要素を感じる。音楽はというと、ピュア。究極に純粋。選曲からもそれを感じる。シューベルト、バッハ、スクリャービン。飾り気のないシンプルでピュアな音楽の中に、スケールの大きなドラマが描き出される。華美なもの、煌びやかなもの、とろけるように甘くロマンティックなもの、そういうものを拒絶しているようにも感じられる。たっぷりのクリームや、バターの香りや、濃厚なソース。ヒラヒラしたフリルや美しいレース。そういうものは一切無い。素材の良さ、響きの美しさだけで作り上げられる音楽。飾りで人の心を惹きつけるのではなく、余分なものの無い、本当に心に届く響きだけで語られる音楽。それを実現するために、あえてスタインウェイの豊潤な響きを避けたのかもしれない。実際、リサイタルの間中、私はピアノの響きを聴いているはずで、或いは幾重にも重なり変幻する倍音の層を眺めていたはずだけれど、聴き終えた時の感覚はプレトニョフが語るのを聴いていたような、物語を見聴きした後の感覚に似ていた。言葉よりも浸透度が高い響きが、スーッと心の奥まで染み込んでくる。意味のわからないフレーズは一つもない。全てが意味をもって語りかけてくる。1音ずつ、響きにメッセージがある。シューベルトなどは、「古典はこうあるべし！」という思想をもった偉い先生方からは、「なんですか、あのシューベルトは！」と怒られそうな勢いだった。けれどもプレトニョフの倍音によって描き出される世界は、優しく、瑞々しく、はかなく、愛おしく、シューベルトの大切にしているもの、ピュアでドラマティックな世界そのものだった。倍音は気体のように会場全体を包み、柔らかな液体のように、心の芯に染み込んできた。子供の頃からずっと大切にしている感覚、無意識のうちにずっと守られてきた感覚、そういうものが自分の中にある事に、気付かされる。大人になるにつれ、余分なものが増え、飾ってみたり、贅沢してみたり、言葉を装飾して人と関わってみたり、無意識に本心とは逆の相槌をうつようになってしまったり。。。プレトニョフの響きは、そういった余分なものが無い、魂の純粋な部分にのみ語りかけてくる。小さい頃はそんな世界に生きている事が当たり前だった。けれども世の中を知るほどに、そんな世界は無いに等しい事を知ってしまう。プレトニョフの演奏を聴いている間、倍音に包まれている間は、小さい頃信じていたピュアな世界にいられるという、なんとも言いようのない安心感があり、と同時にそこには儚さもあり、何故だか涙が溢れてくる。更に、特筆すべきはスクリャービン。プレトニョフにとって、この日のプログラムの中で最も身近に感じている作曲家なのだと思う。作曲家との距離がグッと近く感じられた。プレトニョフの演奏を聴いていると、まるでスクリャービンの日記を見てしまったかのような感覚になる。3階席の隅まで余裕で染み渡るピアニシモ。あんなピアニシモで演奏するピアニストは初めて。プレトニョフの描く世界を堪能した。この奏法を学び、プレトニョフの手のひらがどんな事になっているか、脱力の具合、支えの具合がどんなふうか、手に取るようにわかるようになった。レベルの差はこの際置いておくとして、あのプレトニョフと同じ言語(奏法)で音楽に向き合っていると思うと、幸せで、力が湧いてくる。私としては、なんだかんだ言ってもスタインウェイで演奏して欲しい、スタインウェイでプレトニョフの哲学を実現して欲しいな…と思ってしまうけれど。。。クリックお願いします！にほんブログ村