大野眞嗣　ピアノと共に、音楽と共に -103ページ目

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24May
- 555.ボリス・ブロッホの演奏
  この演奏凄いです！変幻自在の表現に圧倒されます。にほんブログ村
14May
- 554.空気の振動
  最近、私の生徒に求める基本の発声のハードルが高くなってしまいました。皆、何度かレッスンに来るうちに、それなりに美しい音に変化しているのですが、それ以上の響きがなかなか出てこず、停滞してしまうようです。一様に美しいのですが私からしてみると響きに深みがないというか、迫力にも乏しい傾向があり、聴いている私は欲求不満に陥る演奏なのです。こじんまりしてしまうのです。私の感じる理想の響きの発声の基本とは、空間にある空気がビンビンと振動する深い響きです。その響きはただ美しいだけにとどまらず、聴いている私が、いや私以外のほかの生徒たちも驚愕してしまう、まるで魔法でも見ているかのような、その場に居合わせたことが奇跡と思えるような瞬間に立ち会えたと思えるような特別な空間になるのです。そう、私がはるか昔にニコラーエワ先生の響きを聴いて圧倒された経験と同じ経験ができるのです。昨日も生徒の吉永哲道が極上のなめらかなレガートでメンデルスゾーンの無言歌を数曲弾いて、私も含め聴いている生徒たち全員が圧倒されました。ピアノという楽器の性能、可能性を十分に引き出し、作品と合致させた類まれなる奇跡的空間でした。昨日、私はいくつかのテクニカルな示唆をしましたが、その中で1つ上げるとすれば手のひらの中に１点の支点を作るという事です。もちろんそれだけではないのですが、その基本の１つを思い出したように私は言わなければならないことに気づき、数日前から生徒たち皆に言っております。指のレガートではなく響きのレガートならではの極上のレガート。声楽家の様にピアノという楽器を歌わせ、音ではなく響きを膨らませるという、今までのピアニズム、テクニックでは不可能だった持続する響きがクレッシェンドしていくという事が現実に可能なのです。今まで教えた何百人という生徒たちの中で、これができる生徒はほんのわずかしかいませんが私は大変幸せです。ほかのピアニズムやテクニックを否定はしませんが、私はこのピアニズムに出会えたこと、教えることができるようになったこと、生徒の中の数人がそのことを継承してくれていることに対して大きな喜びを持つことができ、自分の存在意義を持つことができます。にほんブログ村
08May
- 553.そもそも違う出発点
  従来の奏法とロシアピアニズムの奏法を比較し例えるならば「いかに重みをかけるか？」と「いかに重みをかけないか？」という言葉で言い表すことができます。従来の一般的な奏法は、腕の重みを乗せない状態が出発点、すなわち腕が宙に浮いたところで指を動かし、弾くことによって重みを鍵盤に伝えます。ロシアピアニズムの奏法では、まず腕の重みが乗った状態が出発点で、感覚的にはまず腕の重みを100パーセント鍵盤に乗せるようなつもりです。そして実際に弾く時には、指先が浮かないように指先に重さを残しつつ、前腕の下の筋肉から手首でその100を20から50くらいの重みだけ乗せるように持ち上げる感覚になります。つまり、前者はいかに乗せるか？後者はいかに乗せないか？という相反する感覚で弾くことになります。違う例えをしてみましょう、人が歩くという事を想像してみてください。ロシアピアニズムの奏法では、人が歩く時に自然に両足を交互に出し、片足ずつ重みを地面にかけるような感覚です。それに対して従来の奏法は、椅子に腰かけ、足を浮かした状態で交互に動かして地面を足でバタバタと触れているようなものです。その状態では腰で足を持ち上げねばならず、腰に負担がかかりますね。ピアノを弾く時も同じで、その場合腰ではなく腕や肩に負担をかけて弾くことになると思います。そして、その負担がかかっている腕や肩が痛くなる人が多いのです。もしも出発点が鍵盤に100パーセント重みをかけて、もたれるところだとすると、まずリラックスした状態になり、その重みを前腕の下の筋肉から手首の下にある腱で支えて持ち上げれば、この上なく楽に弾けるのです。これは全く持って真逆の感覚です。この感覚をつかむまでには相当の時間がかかりますが、それができたときには本当に楽に弾くことができ、楽器と自分が一体になったような感じになります。それゆえ、結果として打鍵と離鍵をスピードが速くなり、響きが豊かに鳴り色彩感が出るのです。にほんブログ村
02May
- 552.なぜ弾きたがる？
  ある学生の演奏を聴いていて思うのは、「弾く」という感覚と「聴く」という感覚のはざまで苦労していることです。私が生徒に対して、何かを示唆します。そうすると、「はい」と言ってすぐに弾き出すのです。私が示唆したことは、言葉にするとほんの一言です。でもそこには、その一言を超えた深く広い意味合いがあるのです。それをすべて瞬時に理解してもらおうなどとは思ってはいませんが、もう少し何を言われたのかを考えるとか、感じてほしいのです。その様子もなく、すぐ弾き始める学生が少なからずいます。まあ、最も私自身の若いころを考えても、先生のおっしゃったことの数パーセントしかわからずに、弾き始めていたのでしょうが。冒頭で申しあげましたが、いわゆる「聴く」という意識が希薄だからではないでしょうか。若い時は、「弾く」意識が強く、とにかく弾きたくて仕方がないのでしょうね。ロシアピアニズムの演奏では、まずは自分自身の音を「聴く」ことが重要であり、それなくしては、どんなに奏法を教えても限界に来てしまいます。私は一部の生徒に口を酸っぱくして幾度も言っているのですが、これがなかなか浸透しませんね。困ったものです！（笑）にほんブログ村
23Apr
- 551.色彩について考えてみる
  ピアノを奏するうえで、ピアノという楽器の性能から、様々な色彩を生み出せるわけですが、このことについて、本気で考えている奏者や教育者がどれほどいるのでしょうか？何を隠そう、そういう私自身の経験から、私の学生時代の大半、いざ弾くとなると、色彩などよりも、音量や拍感などなど、色彩以外のことの多くに注意が注がれていたものです。だからこそ、自分が通ってきた道ゆえ申し上げたいのですが、一般的に弾く奏者の演奏には、残念ながら、白か黒しかないと私は感じます。物事の考え方も含めて、世の中には白か黒しかないと無意識に思っているのではないか？と思ってしまうほど、ピアノ演奏者の演奏から感じてしまうほどです。確かに鍵盤は白と黒ですが。（笑）世の中の事柄はもちろん、人生にも、社会にも、絵画にも、ピアノ演奏にも、白と黒以外の、多種多様な色彩やグラデーションがあり、そのことを本気で考え、特にピアノ演奏について実践しているピアニストや教育者が非常に少ないと感じるのは私だけでしょうか？そもそも基音をしっかり鳴らして、良い音だという教育現場、教師に、そのような色彩感に関する感覚が欠如しているのではないか？このことについて本気で考え、追求したことはあるのか？と思ってしまうのです。倍音豊かに鳴らす音が良い音であるという基準がない限り、その色彩は絶対に出てこないのです。にほんブログ村
14Apr
- 550.演奏する上で基本となる感覚とは
  答えを先に申しましょう。それは、１にも２にもベートーヴェンです！私は、ベートーヴェンの楽譜を読む感覚で他の作曲家の楽譜を読むことを無意識のうちに行っています。ベートーヴェンの確固たる音楽を中心軸にし、その感覚を基盤として他の作曲家の楽譜を読むときに、その中心からどの程度はずれるのか？という感覚です。このことは、歳とともに行えるようになったわけではなく、既に20代のころから行っていたことで、現在教える立場になってみて、生徒たちの演奏を聴いていて感じるのは、ベートーヴェンの感覚が基盤にあるかないかで、演奏の説得力が違うように思います。その感覚を養うにはどうすればよいのか？私自身が行ってきたのは、まずはベートーヴェンの作品をたくさん読んで弾くことです。次に、ベートーヴェンの弦楽四重奏曲をスコアを見ながら、たくさん聴くことです。それを行うことにより、ほとんどの作品の楽譜が、ベートーヴェン以外も同様に４声体に感じられるようになることと、その4声体がそれぞれ独立した楽器であり、それぞれの楽器を合奏させるという客観的な感覚が養われると思います。対極にあると思われるショパンを弾く際にも、このベートーヴェンを中心軸にする感覚を大切にしています。ベートーヴェンの音楽を考えてみると、そこには一切の隙がない確固たる意志が存在する音楽であるという事です。プロアマ問わず、皆さんにぜひ実践していただきたいことです。それにより、あなたの演奏に何か新しい感覚が芽生え、その演奏の説得力が増すことになると思います。にほんブログ村
10Apr
- 549.感動する心
  遠い昔、ザルツブルクのモーツァルテウム音楽院の部屋で、タチアナ・ニコラーエワの1音を聴いた瞬間に言葉では言い表せないような、何かすべてをひっくり返されたような強い衝撃、強烈な感動をし、それがきっかけでロシアピアニズムに傾倒することとなりました。なぜ感動したのか？それは、私のそれまでのピアノ人生において、ピアノという楽器から、永遠とも感じさせるほど伸びて行く響きをまじかで生で聴いた初めての体験だったからです。人によって感動する物事は違うと思いますが、私の場合は彼女の響きだったのです。この感動するという事がとても大切なことだと思うのです。人は、人生経験を積むことにより、未経験の物事が少なくなり、だんだん感動する機会は減ってしまう傾向にあります。しかし、この感動するという事をやめてしまっては、そこでその人の成長は止まってしまうと思います。新しい体験をし続けること、つまり感動し続けるためには、まずは物事を探求し続ける意欲が必要であり、大切なことです。言い換えれば、自分自身を変化させていくことでもあります。このことは、刺激的でもありますが、しんどいことでもあると思います。私のレッスンを何度か受けてみて、やめる生徒はたくさんいます。その多くは、自分を変えることのしんどさが伴うため、現状でいいとあきらめてしまうパターンです。そのような人は、そこで自分自身を変えることをやめてしまうわけですから、成長がとまってしまうことになるわけで、大変残念なことだと思います。私は、私のレッスンで、生徒が私の響きを聴いて、何かの刺激になればと少しでも私が弾くことを大切にしています。そう、私が私にとってニコラーエワの音を聴いたときの経験のような、私ごときの響きで大変おこがましいのですが、願わくば同じような刺激を受けてほしいと思っています。それがその人にとって、もしかしたら感動するきっかけになるかもしれないからです。アインシュタインも「感動をやめた人は、生きていないのと同じだ。」と言っています。感動し続ける心、意欲を持ち続けてほしいと思います。それが創造性につながるのです。にほんブログ村
02Apr
- 548.倍音
  倍音という言葉から連想されるのは、倍音です。（笑）音のどこが倍音なのか？自分は聴こえているのか？聴こえているつもりなだけか？疑問に思われる方も少なくないと思います。英語では倍音のことを、ハーモニック・サウンドと言います。どうでしょう？連想しやすいのではないでしょうか？つまるところ、１音を鳴らしたときに、耳を澄まして聞いてみると、他の音の響きも同時に聴こえる状態になってこそ、倍音が豊かに鳴っていると言えるのです。そんなの聴こえないよ！という方がいらっしゃるとすれば、それは倍音が少ない打鍵なのです。一般にプロの音と言って専門的に教育をされるほど、倍音が少ない音が求められているのです。難関大学の出身の方ほど、そういう教育をし、されていると感じます。このことは、ピアノという楽器に限られたことのようで、弦楽器や管楽器、声楽の世界では倍音を生み出すことが当たり前であり、それを求められないピアノの世界の現状が私には残念に思われます。私の思う理想の響きは、今さらながらですが、音の核がしっかりありつつ、豊かな倍音が膨らんで同時に存在する響きです。ですから、ただ柔らかいだけの浮いてしまった音とは違います。ちなみに、この響きを出してこそ初めてレガートができるのです。その倍音が含まれる響きを生み出してこそ、倍音が多くない演奏では聴こえなかった空間を生み出すことができます。まるで目に見えるかのごとく響きが空間を作るのです。それにより、作曲家が楽譜には書き表せなかった、書ききれなかった要素を実際の響きで表現できるようになるのです。音楽はただ弾いただけでは聴こえてこない何か（Something）重要な要素を聴衆に聴こえるように演奏する藝術であり、そのために倍音の役割は必然であり、その存在はとても大きな働きをします。その何かがなくては、演奏家と聴衆の真のコミュニケーション、作曲家と演奏家の真のコミュニケーションは成立しないと思います。それに、その何かがない演奏では、ただの楽譜通りの演奏になってしまい、それでは、まるで楽曲解説の講義を受けているような演奏です。演奏家の使命は、作曲家の書き残したものを手掛かりに、それを大切にしながら、書かれてある以上の何か重要なことを再現する、聴衆に伝えるべきだと思います。にほんブログ村
- 547.貴重な２４時間
  特に音大を卒業した２０代の人たちには、まだまだ弾く仕事も教える仕事も少なく、時間がたっぷりある人も少なくありません。一般の大卒者のように稼がなければと焦りもあるでしょうが、時間という物を大切に考えてほしいのです。特に若い時は貧しくつつましい生活でいいのです。本人が望もうが望まなくても、いずれ３０代になるころから、その後の人生は自然にどんどん忙しくなり、自分の勉強どころではなくなってしまうと思います。（もちろん、自分の気持ち次第で、自分のための時間は作れますが）そういう意味で、２０代の時間は貴重なのです。やみくもにピアノの前に座って練習ばかりしていたり、気忙しい毎日を送るべきではないと感じます。それよりも、何か、自分を触発することをしていてもいいし、何もすることがなくボーッとしている時間も大切な時なのです。そのような時の方が、イマジネーションを働かせ、色々なことを思い、何かの発見につながるかもしれません。考えるというよりも、気が付くといった感じです。このことは、脳科学者の茂木健一郎氏も似たようなことを著書で述べております。一見、無駄で無意味な時間と思えても、自分の心持次第で、有意義にもロマンティックにもなるのです。芸術家の人生は、ある意味で浮世離れしているくらいでちょうど良いのです。創造性は、そんな中から生まれてくると思うのです。にほんブログ村
30Mar
- 546.ピアノは本当は大人のもの？
  このような稚拙なブログを書いている私ですが、昨年５０歳になりました。しかし、私の心は小学生の時のままです。（笑）でも、私の感受性、思考は年齢とともに、様々な経験から変貌を遂げてまいりました。そこでつくづく感じるのは、芸術を理解するということの難しさです。それは思考というよりも感性を磨くと言った方が、私には自然に感じられます。この年齢になるまで感じられなかったことが、ここ数年間の内に物凄いスピードで感じられるようになっており、私自身でも大変驚いております。私の生徒の中には、私より年長の方々が多数レッスンに来られております。その方々と接していて、私の方が触発され教わることも多く大変感謝しております。皆さん、心から純粋に音楽に接せられ、音楽のみならず人生を満喫しておられます。そのような方の演奏には、若い学生にはどうしてもかなわない、ある種の何かが存在するのです。このことは、大野ピアノメソッドで学んでいらっしゃる大人のアマチュアの方々にも同様に感じられます。とにかく、好きでピアノを、しかもご自身から能動的に奏法を変えつつ学んでおられます。皆さん他の仕事を持ちながら、ピアノを学ぶこと、弾くことを心から楽しみ、人生そのものを充実させていらっしゃるのですある方は、「最近ピアノが面白くてしょうがない！」とおっしゃっておりました。そんな言葉を頂けることは、私自身にとって大きな喜びです！若い学生さんたちに、この境地になれというのは無理な話ですから、私もそれを求めはしませんが、いつの日か、音楽やピアノとの関係がもっと違う形になってほしいと思います。頑張れ若者！にほんブログ村
22Mar
- 545.芸術とは？
  これからお伝えすることは、日本画家の千住博氏の言葉でもありますが、私自身も氏の考えを知るうちに全く同感であると思いました。芸術とは、イマジネーションでありコミュニケーションであるということ。まずはイマジネーション豊かでなくては、良い演奏につながることはありませんね。そのイマジネーションを豊かにするために、日々の行いは非常に大切です。次にコミュニケーションです。ピアニストは演奏行為で、聴衆とコミュニケーションをとるわけです。しかし、残念ながら、コミュニケーションが取れていない演奏が世の中に溢れているように感じます。そのようなことは、残念ながら音大では教えてくれもしないですし、むしろそれとは真逆な演奏を要求されてしまっているのではないか？と感じてしまうほど、学生の演奏からはコミュニケーションの「コ」の字も感じられないことが多いように感じます。独りよがりで一方通行な演奏です。コミュニケーションが成立する良い演奏とはどんな演奏でしょうか？それは、まずあなたの普段の生き様から省みることをお勧めします。あなたは、あなた自身の回りの大切な人たちに心を閉ざしていませんか？愛情をもって、その人とコミュニケーションを取ることができていますか？その人との間に嘘偽りはありませんか？私は、常日頃、相手に対して喜んでもらえるように発言、行動をすることを心がけています。決して媚びるのとは違います。そこには愛情が土台にあり、すべての人に対しては不可能ですが、多くの人に喜んでほしいと心がけ生きていると言うことができます。その気持ちで人々と何かを分かち合いコミュニケーションをしています。コミュニケーションなくては社会も成り立たず、広くは世界平和にもつながるのです。ですから、芸術というのは、特殊な分野ではなく、社会と密接にかかわっていますし、社会そのものなのかもしれません。千住博氏も仰っておりますが、世の中のほとんどの行いが芸術と言っても過言ではないのです。にほんブログ村
21Mar
- 544.卒業にあたって
  ３月は卒業の季節ですね。しかし、音楽を志す者にとっては卒業ではなく、本当の意味で音楽家、芸術家としての長い道のり、人生の初めの第１歩だと思います。私の下にも、音楽大学を卒業した２０代の若いピアニストが大勢います。皆、親御さんのご理解の下、ピアノの勉強を続けています。もちろん、１００パーセント自立しているわけではなくアルバイトをしながら勉強を続けているものも大勢います。一般の社会では、大学卒業と同時に社会人になり１人立ちするわけですが、音楽の世界はなかなかそうはいきません。人並みに稼げるようになって、自立できるまでにはまだまだ時間がかかります。もし、あなたが勉強を続けたくとも、経済的理由で継続できないというのなら、厳しいようですが、あなたの才能はそこまでなのです。お金がないからできないというのは、あなたのピアノに対する、広くは人生に対する意思が薄弱なだけです。レッスン料を稼ぐことなど、その気になればいくらでも方法はあるのです。ただただ、そこには強い意志が必要なだけです。ピアノに対する情熱、夢、愛情があれば、絶対に苦労とも思わずに勉強を続けていくことができるのです。それができるかできないかは、あなたの才能とも言えるでしょう。「言いわけ」は、ただただ逃げている以外の何物でもないのです。未来ある若者の皆さんには、是非、勉強を継続してほしいと心から願います。にほんブログ村
19Mar
- 543.ディーナ・ヨッフェ先生語録
  ｢右手の美しさは左手で音楽がきちんと表現されれば、おのずから光を放つ。左手の｢縦｣＝｢和声｣の響きと同時に、地平線ともいえるポリフォニー的横のつながりを大事に。｣－とあるロシア人教師の言葉。ピアノを弾いていると、とかく複雑な動きや美しい旋律を持つ右手に意識が偏ってしまうが、音楽の土台が左手(のパート)にある事を私たちは決して忘れてはいけない。しっかりとした地盤(土地)がなければ、立派な家を建てる事はできない。1階を作らずして2階を作る事は不可能である。意思を持って音を出すように。アップライトかグランドかは関係ない。どんなピアノで弾くのであれ、その条件下で良い音を探す。勿論、楽器が良くなればより良い響きを得られるでしょう。けれど肝心なのは、耳で響きを探し、良い音を出したいという意思を持っている事。世の中に悪いピアノはない、悪いピアニストがいるだけだと、私はそう教えられてきましたよ(笑)。世の中にはこう言うピアニストもいます。日々たゆまぬ鍛練をする。練習、練習、また練習…そしてステージの上でまで練習してしまう(笑)。これではいけない。そこでは、聴衆に"自分が音楽をどう感じているのか"を思い切って示さなければならないのだから。》(中途半端な表現はいけない。感じている事を大胆に出しきらなければ！espressivoとは何でしょう？難しい質問ですね(笑)。自分の経験を全て出す。自らの心の状況を音楽に出す。何かを与え、伝える事。私は、それがespressivoだと思う。練習の仕方を聴けば、その人がどういう演奏をするかある程度予測がついてしまう。本番前、ただ指を動かしながらガンガン弾いている人は推して知るべし(笑)、楽譜をじっくり見たり、大きい音は出さなくとも弱音で丁寧に弾いている人に、私は可能性を感じます。鍵盤に指を押し付けたり、上から叩くようなタッチで弾いてはいけません。ヘリコプターは垂直に着陸しますが、旅客機は斜めに降りて行きますね。旅客機の着陸のように。旅客機が垂直に落ちたら大変な事になるでしょう(笑)？サラバンドのキャラクターはレチタチーフに近い。話しかける、語りかける音楽。ペダルなしで美しく響かせる事ができた時、そのレチタチーフ的なキャラクターがはっきりと感じられるのではないかしら。》(バッハのサラバンドのレッスン中に。（勿論、ヨッフェ先生は全てノンペダルで弾きなさい、と指導された訳ではありません。作品に相応しいペダリングを探す、という意味です。）バッハは楽譜にディナーミクを何も書いていません。だから、あなたがもっと想像力を働かせて、即興するかの如く色々なアプローチの可能性を試してほしい。あなたのアイデアで私を驚かせてみせて下さい！appassionatoは叫びシモ(※フォルテシモに掛けられたのだと思います)ではありませんよ(笑)。リストの作品になると、ピアノを壊そうとするピアニストが沢山いますね。フレーズを論理的に組み立てられれば、たとえ聴き手の好みに合わなかったとしても"ああ、このピアニストはこう表現したいのだな"と言う、あなたの意思は伝わるのですよ。ポリフォニーを学ぶには、小さい頃から合唱の中に入って歌う経験をするのが一番良いですね。正しいテンポ、正しい脈で弾くと、その作品のキャラクターがはっきりし音楽が生きる。テンポを保つ事がいかに大事か、分かりますか？》(ベートーヴェンのピアノソナタのレッスン中に)にほんブログ村
15Mar
- 542.マニュアル通りの世の中
  最近の接客では、マニュアル通りにしか受け答えしない場合が多いように感じます。なぜなら、その方が都合が良いし、いざという時に困らないからです。要するに無難で安全なわけです。そんな対応をされたときに私は何とも言えない気持ちになります。皆さんも同じご経験をされているのではないでしょうか？そこには、血の通った人の心が感じられないからではないでしょうか？演奏も同じことが言えると思うのです。素晴らしく達者に弾いていますが、そこに血の通った人間が弾いているのではないと感じさせてしまう演奏です。確かにマニュアル通りに、ある意味ではだれも文句のつけようのない演奏、狭い意味、悪い意味でのアカデミックな演奏があります。そんな演奏に限って、減点できませんから、コンクールや試験で良い点が取れるのです。それは無難な演奏とも言えるでしょう。特に若い人は、無意識のうちにそのような演奏を目標としてしまっていることに気が付かない人がいるのは仕方がないことなのかもしれません。誰だって良い点がほしいからです。でも、果たしてそれが芸術でしょうか？弾いている本人も気が付いていないでしょうが、心からの喜びを演奏という行為に見出してはいないのではないでしょうか？要するに楽しみを知らない演奏ですね。マニュアル通りの演奏をし、マニュアル通りに生きた方が無難な人生が待っているのかもしれません。人並みの幸せな人生を送ることができるでしょう。しかし、芸術家としての人生はそれでよいのでしょうか？後世に残る、演奏、指導法などは、決してそんなマニュアル通りの枠に収まるものではありません。人が感動する演奏には、語弊がありますが、万人に受け入れてもらう必要性のない個性が存在するのです。そのリスクを恐れていては、良いものはできないでしょう。にほんブログ村
04Mar
- 541.１対１
  ステージで演奏するときに、奏者は１人です。しかし聴衆は大勢います。でも大勢の聴衆にとって、奏者は１人なのです。これが事実です。演奏するときに、そのように考えて、聴取の方々１人１人の存在を意識することは大切なことのような気がします。日本画家、東山魁夷は自身の絵の中に人物を書かない理由があったそうです。それは絵の作者と見ている人の間に何も存在してほしくなかったからだそうです。作品を通して東山魁夷とその作品の世界を見ている人との１対１の対話を希望していたそうです。演奏の本質も、実は１対１の対話なのではないでしょうか？その感覚をどこかに置き去りにしてしまいがちですが、聴取の皆さん一人一人の方と対話、コミュニケーションすることに本質があり、そこには愛情をもって接するべき感覚だと思います。これこそが藝術的行為であるともいえると思います。個人的には、東山魁夷の作品を見ていると温かい愛情を感じることができますし、心が和むのです。このことは、私自身、普段レッスンをするときにも同様であり、次から次へとこなせばよいという代物ではなく、１人の生徒のことを大切に考えるべきであり、私自身への戒めでもあります。にほんブログ村
28Feb
- 540.チェルニーで育って
  私自身も通ってきた道ですが、子供のころからチェルニーの練習曲を何年も練習しました。そして、高校生になったとき、いきなりショパンのエチュードを弾かなくてはならなくなりました。それはそれは大変うれしいのですが、今から思うと何と大変なことだったことか！今さら申し上げるまでもなく、チェルニーのピアニズムとショパンのピアニズムは全く違います。チェルニーで育った私を含め、皆さんがショパンのエチュードに挑んだところで、根本的に無理があるのです。全く登山経験のない人が、いきなりエベレストに登ることと同じことかもしれません。大抵の音大の受験では、ショパンのエチュードが課せられていますが、よっぽど生まれつき独立した指を持ち、指の関節が硬い手の持ち主ならいざ知らず、大抵の人には無理なことなのです。日本の現状は、そのような限られた人たちだけが、難関大学に合格し、日本のピアノ界を引っ張っているのではないでしょうか？そのような限られた人にとっては、チェルニーで育ってもショパンのエチュードに違和感なく移行できるのです。それゆえ、日本のピアノ界は変わらないのではないでしょうか？そのような人にとって、ご自身は難なく弾けてしまうわけですから、弾けない人が、なぜ弾けないのかわからないのです。ショパンのエチュードが弾けない、ひきづらいという人の方が圧倒的に多いと感じます。そのような人を才能がないと言って切り捨てている現状を考えると、何とも言えない感情が湧いてきます。日本のピアノ界のエリートと呼ばれている人たちが、ショパンのテクニックの本質を勉強していない現実に対して憤りを覚えます。にほんブログ村
20Feb
- 539.ラ・ヴァルスに思う
  ラヴェルのラ・ヴァルス。ラヴェルがウィーン風のワルツを書いたとされる作品です。私は確かな文献を読んではいませんので、これからお話しすることは、私個人の感覚から感じるようになったことであり、ラヴェルの思いではありません。ラ・ヴァルスを生徒が弾いていて感じるのは、１９世紀末の作曲家の多くが用いた不協和音です。不協和音を聴くと、プロコフィエフもそうですが、何か硬質なものを感じます。その時代、例えばフランスではパリを中心に鉄道網が整備され始めた時代でした。そのおかげで、人々は家の中から外へ、そしてパリ郊外へ日帰りで旅行するようになったのです。先日、モネの絵が東京に来て、大変多くの人でにぎわっていたようですが、それまでの宗教画を中心に、例えばレンブラントの絵などを思い出すと屋内の中で描かれた作品が中心でしたが、モネの絵には睡蓮をはじめとして、屋外の光を伴った絵が多いと思います。絵のことは置いておくとして、産業革命により、鉄が使われるようになり、鉄道も発達しました。つまり不協和音が意味する硬質なものとは、私にとっては鉄なのです。プロコフィエフのトッカータも機関車の絶え間ない動きのように感じられますし、ラヴェルの・ラ・ヴァルスでは、時代はかぶりませんが、シャガールのサーカスの絵を思い浮かべてしまいます。空中ブランコのような音型があったり、悲しそうな表情をしたピエロが登場したり、拍手喝さいの聴衆や馬などの動物が出てきたり、色々な音型から空想できるのです。そこには、不協和音である鉄の存在なくしては、サーカスのテントさえも立たないのです。作曲家の生きた時代の環境という者を想像したときに、ラヴェルのラ・ヴァルスでそんなことを思いました。にほんブログ村
14Feb
- 538.川村文雄講師マスタークラス
  昨年12月に続いてマスタークラスを開催させて頂きました。今回は来月に発表会を控えておられる受講生が多く、いつにも増して充実した内容で終えることができたと思います。とりわけ奏法の観点からは、肘から使う動作や旋回を含む基本的なポジションを実際の響きと一致させていくことに重点を置きました。また音符や記号ではなくその先にある音楽を想像しながら捉えること、同時にそれらを適切に掴むために要約してさらう方法などを受講生の皆さんと一緒に試みました。　　年齢や立場こそ異なりますが、素晴らしい作品に触れながらその美しい響きを共有できることを講師として大変嬉しく思います。今後も大野ピアノメソッドのメンバーとして精進を重ねて参りたいと思います。今回受講して下さった皆さま、本当に有り難うございました。　（川村文雄）にほんブログ村
13Feb
- 537.顕著に現れてくる音楽
  ロシアピアニズムの奏法が身についてくる段階が進めば進むほど、その感覚は色々な意味で、それまでの一般的な奏法で弾いているときとは真逆の感覚になっていきます。このことは、実際に体験した方だけにしかわからないので、やってみてください！としか申し上げられないのが苦しいところではあります。１つ、顕著に現れることとして、奏者がその音楽を感じているのかいないのかが、如実になってしまうことです。こう言ってしまうと語弊があるかもしれませんが、才能の有る無しが顕著に現れてきてしまうのです。いわば、裸同然になるとでも言いましょうか。音楽を感じる感受性が多ければ多いほど、その演奏はどんどん魅力的になってくるのです。その昔、某フィルム会社のCMに「美しい人はより美しく！そうでない人はそれなりに！」などとありましたが同じことです。（笑）にほんブログ村
11Feb
- 536.指の感覚
  今さらながら、弾く時の指の感覚についてお話ししましょう。従来の奏法の時は、簡単に言ってしまえば、指全体に力を入れて弾いていたことが多いように感じます。力を入れないと、指の関節が安定しないからです。そして、深い打鍵の基音をしっかり鳴らしていました。私自身も、そう教育され、それが良いのだと刷り込まれてしまっていたのです。言ってしまえば、洗脳ですね。日本全国、この価値観の打鍵で洗脳されている状態でしょう。誰もそのことを疑わずに教え教えられているのです。そうじゃなくて・・・という教師は日本全国、ほんの一握りしかいないと感じます。今現在、良い音、プロの音の定義が全く変わってしまったわけですから、おのずと打鍵も変わり、従って指の感覚も変わりました。第３関節と第２関節の間の内側の筋肉。屈筋ですね。その筋肉をほんの少しだけ、指の付け根の手のひらの筋肉に寄せる感覚とでも申しましょうか。簡単に言ってしまえば、指の付け根あたりの筋肉の意識だけがあって、指全体はだらだらに近く脱力したまま、指の付け根あたりの筋肉を少しだけ動かすだけです。しかも下方向のみです。鍵盤の深さは約１センチしかないわけですから、ほんの少しのエネルギーでも効率よくポイントを突けば鳴り響くのです。従来の奏法のころの私を思い出すと、鍵盤の深さがまるで３センチも５センチもあるのではないか？というほど、エネルギーを込めて打鍵していたものです。このことは、あくまでも基本の打鍵の時の指の感覚であり、必要な響きによって多種多様な使い方をしていますので、あくまでも参考程度に。にほんブログ村