関節の構造から解る回転テクニック!


 合気道を見てて思うのですが、あれってバレエの動きと原理的に相通ずる物が沢山あるのですよね。


 合気道では小柄な女性が大男をいとも容易く投げ飛ばしたり、抑え込んだりしていますよね。


 何故、自分より体重の重い者を投げる様な事が出来るのかというと各関節と筋肉などの繋がり方、可動する方向等を熟知した上で、その特性を利用して相手の身体をコントロールしてしまうからなのです。


 例えば誰かに手首を“アンドゥダーン”側に捻られると身体は自然と回転を始めて腕が背中側に回る様な姿勢になってしまいます。 この動きに逆らう事は人体の構造上不可能なので、どうしても身体は回転してしまうのです。



 そして脚でも同じ事が起きます。 脚を“アンドゥオール”側に限界以上に回すと骨盤も同じ方向に回ります。 これも手首を捻るのと全く同じ原理によって起こっています。 これは骨盤を回転させる方法の一つです。


 骨盤を回転させる方法としては、遠心力を利用する方法の他に、この様な関節の構造を利用する方法、テンセグリティの原理の応用である身体の張りを利用する方法等がありますが、テクニックの種類に応じて、これらを使い分けたり組み合わせたりする事で無駄のない綺麗な動きや姿勢を保つ事が出来るのです。



 両脚を限界まで均等に“アンドゥオール”しなければならないのも“アンドゥオール”の作用によって骨盤が左右から均等な力で引っ張られて安定するからなのです。 そしてこの左右の均衡が崩れた時に骨盤は回転を始めます。


 つまり“アンドゥオール”によって骨盤を安定させつつ直ぐに動ける体勢を作っているのがバレエの基礎である『脚のアンドゥオール』なのです。



 また腕も脚と同様に“アンドゥオール”を保たなければならないのは、脚と同様に肩甲骨を始めとした体幹部を安定させつつ直ぐに動ける体勢を取っていると云う事と共に首、体幹、脚の引き伸ばしと云う全身の引き上げに繋がって行くからです。



 関節の構造を熟知して利用していると云う点でバレエと合気道って同じ原理を共有する仲間なのですね。


 ですから人体の構造上の特性を確りと知る事でバレエのテクニックや姿勢の正しい保ち方を知る事が出来ます。


 でも人体の構造を知る為に筋肉や関節の名前などは知らなくても良いし人体解剖図等も必要ありません。


 それよりも人体の構造を思い切り簡略化して棒と棒がジョイントで繋がり、そこに紐が張られて形を保ち、それを外側から引っ張って操作している位のざっくりした感覚の方が全身の繋がりについて理解しやすくなります。


 あまり複雑に考えない様にしましょうね(^_-)-☆






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バランスを安定させる為に、そして素早く動く為に腰を押す!


 『身体の引き上げ』について多くのダンサーは誤解しているかも知れません。


 『引き上げ』とは身体がゆらゆらと揺れてバランスを崩さない様にする為に行う事なのですが、身体が引き伸ばされて体幹が真っ直ぐになっても、それだけでバランスが安定する訳では無いのです。


 例えば真っ直ぐな棒(身体)を床に立てても、そのままではちょっとした振動などで棒は倒れてしまいます。 多少の振動では棒が倒れない様にするにはどうしたら良いと思いますか?




 答えは上から押さえて上げる!




 棒を上から押さえれば床と手で棒が固定されますから、どんな振動があっても倒れませんよね。 これが安定感のあるダンサーが行っている方法なのです。 バーレッスン等でバーが離せない、バランスを取るのに時間が掛かるとかバランスが安定しないダンサーは腰や肩を床に向かって上から押さえる意識を持てば直ぐにバランスが安定する筈です。



 腰、肩を押し下げたら身体が潰れて『引き上げ』にならないと思う人が居るかも知れませんが腰、肩を押し下げると無意識に脚が床を押して腰を押し上げる反発力を発生させます。 こうすると単に腰を上げようと思っている時よりも遥かに高く腰は上がります。 しかも脚などに床を押そうとする余計な力が入らずに安定するので将に理想的な立ち方が出来る様になるのです。



 また跳躍前の“プリエ”の時に腰を押し下げるとより強い反発力が得られますし、“ピルエット”の前の“プリエ”でも腰を押し下げると立ち上がる力が増すだけでなく骨盤を回転させる力も増す事が出来るのです。




 以前のブログで『骨盤を動かす事が軽やかに踊る秘訣』と云う様な事を書きましたが、骨盤を床方向に押し付ける様に押し下げて床からの反発力を効率良く受け取れる様に準備しているから骨盤を素早く、そして力強く動かす事が出来るのです。






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ドゥーブルはシングルを2回正確に繰り返すだけ!


 “バットマンフォンデュ”と云う“パ”をダンサーが正しく理解しているのかを見るには“ドゥーブル”をやらせてみるのが最適です。



 “バットマンフォンデュ”では軸脚を毎回伸ばし切ると云う事が基礎の要で“ドゥーブル”では一回目の“プリエ”の脚を伸ばし切ってから二回目の“プリエ”を行います。


 これはごく普通の“プリエ”でも同様で“ドゥーブルプリエ”で脚を伸ばし切らずに二回目の“プリエ”をするのは『“プリエ”とは脚をバネにする事である』と云う事をちゃんと理解していない証です。



 欧州の指導者達が日本人を教えると“ピルエット”を沢山回ったり、難しいテクニックを次々とこなせるのに単純な“プリエ”を正しく理解していない事にビックリされる事が多いのですが、中身を理解せずに見様見真似で動く事はあまり好ましくないですね。



 “ドゥーブルプリエ”はシングルを正確に2回続けて繰り返すだけであり、シングルとの違いは動きのテンポだけなのです。 つまり“ドゥーブルプリエ”とはシングルと同じ拍数で2回全く同じ事を繰り返した物を言います。


 ですから一回目の“プリエ”で脚を伸ばし切らずに二回目を行うのは一回目と違う動きとなり“ドゥーブルプリエ”の基準に合わないので間違いなのです。


 また、この様な“プリエ”は筋肉の正しい使い方から外れて脚の外側の筋肉が発達して内側が衰えてしまいます。 平たく言うとガニ股になるのです。





 そして“プリエ”の目的は脚をバネにして腰や身体を押し上げる事にあり、腰を押し上げられない“プリエ”は只の膝の屈伸でしかありません。


 腰を押し上げると云う目的を考えれば“プリエ”や“ドゥーブルプリエ”は腰を押し上げる方向、つまり脚を伸ばし切る方向へと強く意識を持って行くのが最も論理的な事が分かると思います。

 また腰を押し上げる力を溜める為に確りと腰を押し下げる意識も必要となり“プリエ”と“タンデュ”は切り離して考える事の出来ない関係であるのです。



 実際にこの様な意識でレッスンしていると脚の形は細長くなるのに“プリエ”で作られるパワーは強大になって行きます。


 踊れる美脚を作る為に気を付けてレッスンしてみましょう(^_-)-☆






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丸い形は弓の様になっている!


 バレエ特有の丸く形作る腕のラインって、どの様にコントロールしているのかを知っていますか?



 多分多くの人が肘と手首を曲げて腕を丸い形にまとめているだけと思っているのではないでしょうか? 




 でも実は『肘や手首を曲げて・・・』と云うのは間違っているのです。




 本当に正しいコントロールというのは腕を真っ直ぐに伸ばそうとしています。




 伸ばそうとしているのに曲がった形になると云うのは矛盾している様ですが、あくまでもコントロール方法の話なので、この様に意識してコントロールすると云う事を言っています。



 腕の形は肩の付け根と指先と肘の三点の引っ張り合いから形作られます。 だから本当は三角形になるのですが背中を通じて反対の腕と繋がって形作る事で丸い印象になって来ます。



 腕で丸い形を作っていても指先から肘、肘から肩、背中はそれぞれ引っ張り合って真っ直ぐに伸びていますよね?

 だから曲げる意識ではなく伸ばす意識でコントロールしていると云う事なのです。



 また腕が弓矢の弓の様になっていると意識する事で肘関節が簡単に緩まない(動かない)様にコントロールする事が出来ます。



 弓って弦を張る事で弓なりの形を保っていますから弦が無ければ真っ直ぐになってしまいます。 腕も肘関節を伸展させて真っ直ぐに伸びようとするのを指先と肩の間に弦が張ってあるとイメージする事で弓なりの形を整えて、それ以上肘関節が伸びないし曲がらない状態にして上げるのです。 これには『腕は曲げるのではない、伸ばすんだ!』と身体に意識させる為にも有効な意識です。




 この様に形作った腕を身体から引き離す様に引っ張る事で腕の位置と体幹が安定して回転や跳躍時のバランスが格段に安定してくれます。 逆に言うと“ピルエット”が立てない、回れない、跳躍が上手く出来ない、音に間に合わないと云う様な諸々の事は腕のコントロール方に問題がある場合が殆どなんです。




 肘を曲げると考えてコントロールしていると全てが逆に働いて、どんどん体幹が弱くなり踊れなくなりますので正しい使い方を学びましょうね(^_-)-☆





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 12月30日は火曜クラスの今年最後のレッスンとなります。 今年の火曜特別クラスはアダージオ基礎の方法論を学ぶレッスンをやって来ましたが最後の総仕上げとして金平糖のアダージオを練習したいと思っています。



 クラス定員は既に埋まっていますが、アダージオレッスンの見学とアップレッスンへの参加枠が若干残っています。

 受講料は合計5,050円で、アップレッスンはキネシオレッチ、バーレッスン、ポワントのセットとなっています。


 もし興味がお有りでしたらメッセージ、若しくはメールの方までご連絡下さい。





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『触れる』『吸い付く』の感覚が大事!


 他人の身体に触れると云う事に抵抗感を感じる日本人は多いと思います。 しかしバレエでは『何かに触れる』と云う事がとても重要な要素となっています。


 例えばパドゥドゥでは支える必要がない時でも男性が女性の腰に手を添えているだけで『支える準備は既に出来ている』と云う意思を伝えられ女性に『いつでも助けて貰える』と云う安心感を与える事が出来ます。


 手の添え方にもコツがあり単に触れるのでは無く手の平が吸盤の様に吸い付いて密着しなければなりません。 これは女性側も身に付けて置かなければならない技術で手と手、手と腰等が吸い付く様に繋がっている事で始めて男性のサポートが有効に働く様になって来ます。

 サポートの上手な男性ほど、その手は女性に常に吸い付いており、一瞬だけ離れるとしても意識だけは触れたままで途切れないので直ぐに元に戻る事が出来るのです。





 しかし『触れる、吸い付く』とはパドゥドゥに限った事では無く、一人で踊る時にも常に意識して置かなければならない事です。


 例えば『バーとの触れ方』『床と足の触れ方』が良くないと上手く立つ事も、ひいてはバーに頼らずにバーレッスンする事も出来ません。 また空気(空間)との触れ合いを感じると云う事も上手に踊る上では欠かせません。


 身体が反り返ってしまうとか肋骨が開くという事も背中側に空気の壁があり壁を押すことなく静かに吸い付くとイメージすると不思議と力が抜けて真っ直ぐに立てる様になります。 また腕全体、身体全体で空気に吸い付いている、押していると云う感覚があれば身体の引き上げを助けてくれますし、体幹と無関係に腕だけが動いてしまう事もなくなりますし腕の動きだって滑らかになります。




 踊りを上手に踊る為には自分の身体の中の事も身体の外の事も感じ取れ無ければなりませんので全身で床やバーに吸い付く、周りの空気も全て感じて触れ合う感覚を意識してみて下さい。






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骨盤の動きが俊敏性を左右する!


 『バーレッスンで基礎的な事は一通り出来ているのにセンターでの動きが悪い』また逆に『基礎的な事は滅茶苦茶なのにセンターではある程度動けてしまう』こういう事ってプロでもよく見受けられますよね。 でも何故この様な事が起こるのでしょうか?



 普通は基礎が出来ていれば動けるし、出来ていなければ動けないと考えますよね。 でもそう単純な話では無いのです。 一流バレエ団のプリンシパルクラスのダンサーでも基礎的に正しく踊っていないのに綺麗っぽく見えてスーパーテクニックを披露するダンサーは結構居ます。 それなのに動けてしまうのにはそれなりの理由があるのです。




 それは『骨盤の動き』です。




 どんなに脚の伸ばし方や身体の引き上げが完璧でも骨盤が移動しなければ“グリッサード”等の移動するパは上手く出来ません。 骨盤を回転させられなければ“ピルエット”などの回転動作も上手く行きません。 骨盤が上がらなければポワントに立つ事も高く跳躍する事も上手く行きません。 また骨盤が安定しなければバランス良く立っている事も出来ません。


 つまり基礎の良し悪しとは関係なく骨盤のコントロールが上手い人と云うのが良く動けるダンサーなのです。(綺麗かそうでないかはまた別の問題となりますが)



 とにかく動ける様になりたいと思うのなら骨盤をどの様に動かしたら良いかを考え、骨盤の動きを阻害する動作は何かを見付けて、それを排除する事が一番手っ取り早い上達法です。
 しかし骨盤の動きを阻害する動作と云うのは無意識に出て来るクセの様な物なので本人が一番気付きにくい事もあり修正するのには的確な指導と時間が掛かります。

 これって体質改善する様な物で地道にやり続けて数ヶ月から数年掛かるのが普通ですし、身に付いた事も努力を中断すれば元に戻ってしまいます。 プロダンサーでも学生時代より基礎力が落ちて行く人が多いのは学生時代の様にうるさく注意してくれる指導者がバレエ団では少ないからなのです。


 骨盤のコントロールが上手くなる為には脚を使って骨盤をどの様に押すかと云う方法を考えなければなりませんし、骨盤を押した力が正しく上体に伝わっているかの確認も必要となります。
 これらがいわゆる『引き上げ』とか『床を押す』『膝を伸ばす』『体幹を保つ』と言った注意に繋がって行くのです。





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欧州のゲネプロはプレヴュー公演!


 ゲネプロとはドイツ語のGeneral Probe(ゲネラルプローベ)の略で総稽古と云う意味の言葉です。


 日本でもバレエ公演や発表会前の総仕上げとして舞台上でゲネプロを行いますがドイツ等の欧州の劇場でのゲネプロと日本のゲネプロでは違いがあります。 何がどう違うのかを紹介したいと思います。



 ドイツの劇場等のゲネプロは公開リハーサルになる事が殆どで日本では公開される事が殆どありません。 これは大きな違いですが、実は日本のゲネプロの様な舞台稽古もゲネプロ前にやっています。 ドイツではHaupt Probe(ハウプトプローべ)と呼ぶ舞台稽古がそれでメインリハーサルと云う意味になります。

 HPは完全に本番と同じ仕様で行う舞台通し稽古なので日本のゲネプロと同じですよね。 因みに只の舞台稽古はBühnen Probe(ビューネンプローベ)と呼びます。



 GPもHPも通し稽古なので問題が発生しても振付家側がリハーサルを止める事は殆ど無いのですが、唯一リハーサルを自由に止められる存在が居ます。



 それは指揮者です。



 常任指揮者ともなれば劇場内で絶対的な権力を持っていて、それは総支配人に匹敵するかも知れません。 何しろ指揮者が居なければオペラもバレエもコンサートも何も出来ないのですから当然です。 それにオペラやバレエ、コンサートを上演する時に歌手やダンサー、楽団員は大勢居ますが必要な指揮者はたった一人だけです。
 つまり指揮者として国立劇場等と契約が結べる者とは歌手やダンサー、楽団員の数に比べると圧倒的に少なく、それだけ競争率が高くてパリ・オペラ座や英国ロイヤルバレエ団等のプリンシパルになるよりも遥かに難しいのです。 指揮者をマエストロ(巨匠)と呼称するのも頷けますね。
 そんなマエストロの言葉に逆らえる者など劇場内には居ないと言っても良いかも知れません。
 だからゲネプロだろうと演奏を自由に止められる権力が指揮者にはあるんですよね。 勿論無意味に演奏は止めませんが(笑)


 少し話が逸れましたが欧州の劇場のGPでは振付家等のスタッフの後方に観客がいてさながらコンクールの様ですがダンサー達にとっては観客が居ると云う事はプルミエと同じ様な緊張感で踊る事になります。 そしてGP後にはスタジオに戻ってダメ出しがあり必要なら翌日にプルミエ前の最後のリハーサルを行います。 そういう訳でプルミエはGPの2日後に行われます。 日本の前日や当日にGPを行うのとは大きな違いですね。

 プルミエ当日は朝のレッスンが終わると通常のリハーサルが入る事もありますが、大抵軽めのリハーサルで開演の6時間前には休憩に入り、一旦帰宅して開演2時間前に再び楽屋入りしてアップレッスン、メイク等の開演準備に入ります。 劇場に1日中缶詰になる日本の超過密スケジュールの公演とは大違いですね。

 欧州のダンサーが日本のバレエ団で客演する時などにはGPを軽めの確認程度の踊りにする事が多いのですが、それはサボっている訳ではなく、欧州ではそんな超過密なスケジュールで本番を迎える事がない為に本番で疲れ過ぎて踊りがガタガタにならない様にコンディションの調整を行っているからなのです。


 この様にゲネプロと言っても日本と欧州ではかなり大きな違いがあるのですが、それも日本のバレエ団の殆どが劇場付きや公立のバレエ団ではない所から来ています。

 日本のゲネプロは超過密スケジュールで過酷ですが、その過酷さ故に日本のダンサー達は欧州の劇場のダンサー達と比べて体力的にも精神的にも強いんです。 だから過酷なのがメリットとなる面もありますね。 ただ日本のダンサーに故障が多く、また故障したまま踊らざるを得ない状況なのはデメリットと言えるかも知れません。

 所変われば品変わると言いますが環境が違いを生んでいて面白いですよね。





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照明を作るのは大仕事!


 欧州の劇場のバレエ団ではプルミエまでの間に数回の舞台稽古があります。 その中でもとても重要なリハーサルに照明リハーサルがあります。 ドイツ語ではベロイヒトゥング・プローベ(Beleuchtung Probe)と呼ばれていて作品全体の照明プランを決定する為の最重要なリハーサルです。


 照明リハーサルでは舞台装置を本番通りに設置しダンサーはメイクをし衣裳を身に着けて舞台上に立っているか歩くだけとなり踊る事は殆どありません。 場合よっては30分以上同じ姿勢で立ちっ放しと云う事も・・・・(^_^;)


 その間、振付家を筆頭に照明、衣裳や舞台装置のデザイナー、ドラマ監修等の作品作りに関わるスタッフらが客席から舞台の照明を色々と試して自分達のイメージに合う照明を決めて行きます。 時にはリハーサルの結果、舞台装置や衣裳が変更になる事もあります。


 これを作品の最初のシーンから最後まで行うのですから物凄く時間が掛かり1回の照明リハーサルが5〜6時間に及ぶ事も・・・ リハーサル開始が大抵17時なので終わるのは23時なんて事もプルミエ前には良くある事でした。 時には1回で終わらず他の舞台稽古の際にも同時進行と云う形で行われたりもします。



 この照明リハーサルは衣裳付きで動かないので防寒具無しの身体は冷えて筋肉はどんどん硬直して行き、30分もするとガチガチで踊れる状態からは程遠くなります。 またダンサーは基本的に動くのが好きなので立ちっ放しで踊れないのは相当なストレスになり皆結構イライラします。 多分照明リハーサルを好きなダンサーは一人もいないのじゃないかな(笑) でも、その重要性を理解しているので誰も文句は言いません。 愚痴は言いますが(笑)


 まあリハーサルスケジュールに従ってスタジオに行ったのに他のパートのリハーサルが押して時間切れで結局リハーサルができずに只待っているだけの日とかも欧州のバレエ団では普通にありますが契約を交わしていて、その時間も給料が出ているのですから普通のサラリーマンと一緒で上司の指示に従って働くのは当たり前でどの様な使われ方をしようとも誰も文句は言わないのです。 日本だと月給が出ているダンサーは殆ど居ないのでこの辺りの感覚は理解し難いかもしれませんが・・・



 この様に新作の照明を作るのは沢山の人手と時間と労力を必要とします。

 『白鳥の湖』や『ジゼル』といった古典の代表作も初演や大幅な改訂が行われた際には膨大な時間を掛けて照明を作り上げて行ったのではないかと想像されます。 そしてこういう作品のデータの積み上げが発表会の際に1回のスタッフ下見だけで照明デザインを速やかに決められる素となっているのです。



 公演や発表会でダンサー達が気持ち良く踊る為に大勢のスタッフ達が影で支えてくれている事を思い感謝の気持ちを忘れない様にしましょう(^_-)-☆




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大人もジュニアも確りと役を全うしてくれました!


 5月から練習を重ねて来たバレエアーツの発表会がやっと終わりました。 怪我等で出演できなくなった人達も居ましたが、それ以外は何の事故も問題も起きずに無事に発表会を終える事ができました。

 私は大人作品の『白鳥の湖』の中のヴァリアシオン数曲の指導の他はジュニア作品の『ピーターパン』にフック船長役として出演もしましたが、もう一作品の『フェアリードール』と共に作品の構成、演出振付けが秀逸で短い時間に分かりやすく物語がまとめられていてとても良い作品でした。 踊りだけでなく演技指導が確りとしていてバレエアーツのカリキュラムにある『ドラマクラス』での演技指導が活かされているのが手に取るように見られました。 やはり幕物は演技が上手くないと話の内容を観客に分かりやすく伝える事ができませんから、こういうカリキュラムをバレエ教室で組むという事は子供達の未来を見据えて、俳優としての可能性をも伸ばして行く為の礎となると思います。 ジュニアの為のパドゥドゥも定期的に行っているので、ここの生徒は恵まれて居ますね。 こういう努力が観客の反応にも現れていたのが一出演者としてもとても嬉しく感じました。

 今年の発表会では例年以上に生徒達のやる気が感じられて凄く盛り上がりましたし、主催の愛見先生を始め各先生方の努力が結実しているのを見るとこれから益々良い生徒が育って来るのではと期待が膨らみますね。



 今回共演して下さった清水豊弘先生は谷バレエ団所属の方で演技力が高く踊りが俊敏で真面目で人柄が良い誰からも好かれる好青年で親子程に齢の離れた身体が思う様に動かない私を気遣ってくれて、2人が息ぴったりで楽しく演じられたのも彼のお陰と感謝しています。



 アトリエヨシノのフック船長の衣裳も私は凄く気に入ってメイクにも力が入り髭まで自作した所、子供達からは『面白いし、変な顔だよ!』と言われたのですが私にとってはそれが最大の褒め言葉でした。 何しろ『どうしたら観客に笑って貰えるか?』と振付け、演技、メイク全てを面白可笑しくするべく考え抜いて本番に臨んだのですからね(^_-)-☆
 愛見先生の『吉本新喜劇の様にドタバタして!』と云う指示もドツボにハマって出演者全員が本番の演技は更にパワーアップできたと思っています。


 今回のメイクは自分でも良くできた方だと思うので、いっその事、この写真を遺影にしちゃおうかな(笑)





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