アートコラム Conceptual Cafe -13ページ目

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25Sep
- もはやアートの域、「シン・エヴァンゲリオン劇場版」
  ２０２１年１０月１日から国立新美術館で庵野秀明展の開催が予定されています。展覧会の開催記念ということで、今回は「シン・エヴァンゲリオン劇場版𝄇」を取り上げます。このコラムに取り上げようと思ったのはファイナルとなった劇場版にアートを感じたからです。公開当時は庵野秀明監督がＳＮＳでのネタバレ禁止のお願いをしていましたので、控えましたがアマゾンプライムで公開されている今ならもう気にしなく良いでしょう。私はアニメファンでもありますので、最初のTＶシリーズから多くのエヴァンゲリオン（笑）を観てきました。しかしアートを感じたことはありませんでした。一体何が違ったのでしょう。エヴァンゲリオン、聞いたことあるけど見たことない、という方、大丈夫です。内容はあまり関係ないですから。ざっくり説明すると、主人公の少年、碇シンジ君がエヴァンゲリオンというロボットのようなものに乗って、いろんなモノと戦い、勝ったり、負けたり、逃げたりして、最後にみんなを救うという物語です。私がアートを感じたのはこの映画の序盤、壊滅状態になった地球で僅かに生き残った人々の暮らす村の風景が淡々と描かれるあたりからです。緻密に描き込まれた景色が、１秒足らずのカット割りで、次々と続きます。空中に浮かぶ巨大な浮遊物などＳＦアニメならではの超現実的な風景もあれば、日本の山間部の森、川などの自然の景色、そして人々の暮らす村の様子。破滅が迫る内側で長閑に続く牧歌的な日常。独特の視点から情報過多な背景をこれでもかと押し付けられる違和感。他の人にこの場面はどう見えたのだろう。意味不明の場面に慣らされてしまったのか、長い時間をかけて学んだ膨大な周辺情報から物語を深読みしているのか。私は現代アートの作品を見ているような感覚を覚えました。それは表現が結果的にアートの流儀に則っているからだと思います。一般的な商業映画はストーリーを理解させるために絵作りをします。結果、シーンごとにわかりやすい表現は同じようなものになりがちです。最新作と言ってもざっくり３回目（ＴＶシリーズ、旧劇場版、新劇場版）の映像化、主要なキャラクター、メカは共通ですから同じような絵に落ち着いてしまう。ファンはそれが嬉しいこともあるでしょうが、作り手にとっては以前行ったことの繰り返しで作業になってしまう。そこに抗うためにギリギリまで粘ったのが最終作です。ＮＨＫが制作した庵野秀明の密着取材のドキュメンタリーにその様子が記録されていました。人物のシーンでは俳優に演技をさせモーションキャプチャーで取り込んだ３Ｄモデルから視点を変えて新たなアングルを探り続ける。街のセットを実際に作りカメラで撮影してアングルを探る。決まったかと思いきや、御破産にしてまた探り直し。最終的に決定した時も納得している様子ではなく期限なので割り切ったという感じ。こうして使い古した王道の絵作りと格闘して出来上がったのがこの最終作。見るべきものをただ観ることが出来ないと、脳の違うところが掻き回されて精神状態が変わってくる。ストーリーを追いかける状態から、映像から直感的に浮かぶ意味の断片をつないで感覚だけが残る状態へ。アニメ脳からアート脳へ。更に最後はアニメからも物語からもはみ出していきます。絵的にもストーリー的にも既存の表現をぶち壊そうとする作者の破壊的な態度も、アートの進化の歴史にダブって見えたところです。Amazonプライムの番組で、松本人志が庵野秀明にエヴァを観た後は美術館に行った後のような気持ちになると言っていて、やはりあの映像体験はどこかにアートな要素があるのだなと納得がいきました。もちろん、エヴァはアート作品ではありませんが。まもなく国立新美術館で開催される庵野秀明展はきっと、アニメの皮を被った特撮マニアの趣味の世界が展開されるでしょう。全くアートではないでしょうが、それはそれで楽しみです。展覧会に必ず行きますのでコラムに書くつもりです。もっとも、次はアートコラムならないかもしれませんね。
24Sep
- ゴッホ展　響きあう魂　ヘレーネとフィンセント
  ゴッホ展　響きあう魂　ヘレーネとフィンセント東京都美術館２０２１年９月２０日（月）ゴッホ展、というより、クレラー＝ミュラー美術館のゴッホ作品を中心としたコレクション展です。オランダの実業家の妻、へレーネ・クレラー＝ミュラーが１９０８年から収集を始めた印象派を中心とした近代絵画のコレクション。ゴッホ作品は世界で２番目の収蔵品点数を誇ります。（１番目はファン・ゴッホ美術館。）展示前半のゴッホ以外の近代絵画は良品が多く、こちらもかなりオススメです。7 カフェにて　ピエール＝オーギュストルノワール小品ですがパリのカフェで語らう人々の姿をスナップショットで捉えた洒落た一点。着衣の女性も素敵です。8 ２月、日の出、バザンクール　カミーユ・ピサロ補色の効いたファンシーな配色の農村の風景画。ずっと観ていて飽きが来ない色の粒たち。日の出の煌めきが想像できます。9 ポール＝アン＝ベッサンの日曜日　ジョルジュ・スーラ桟橋からの波止場の風景。左手にヨット。右手に建物。中央は海と空。描きたかったのはおそらく開放的な気持ちの空間の良い広がり。10 ポルトリューの灯台、作品183　ポール・シニャック中央に灯台を配置した風景画。真面目に細かな点描をしています。（シニャックの点描はだんだんドットが大きくなってくる。）11 版画愛好家（アーヒディウスティメルマン博士）　　ヤン・トーロッブ点描にしては上手い人物画。点描はどうしても装飾的で動きが表現しにくいので人が生き生きしないことが多いですが、これはレベルが高い。14 キュクロプス　　オディロン・ルドンへレーネは始めルドンは好きではなかったそうですが、次第にその精神性を評価して収集するようになり、象徴主義ではモローもコレクションしています。ギリシャ神話の単眼の巨人キュクロプスが水辺の妖精ガラティアをのぞき見ているこの一点、ルドン展だったらこの程度の扱いではなかったでしょう。最近、山田五郎のYouTube でこの作品を取り上げていました。展覧会に合わせていたのなら中々あざとい。19 グリッドのあるコンポジション５：菱形、色彩のコンポジション　ピート・モンドリアンへレーネはモンドリアンも集めているそうです。正方形のカンヴァスを菱形に向け、水平線と垂直線で区切った代表的な作例。赤、白、青が色褪せた感じなのは最初からこうだったのか退色したのかわかりませんが味があっていいです。モンドリアンの抽象画はタイルみたいなイメージですが、現物は塗りむらがあり筆の跡も残っていて少し雑に見えるほどです。こんな感じで地下１階はゴッホ以外。１階からいよいよゴッホの作品となります。最初は初期のデッサンからです。この頃のゴッホはあまり好きではないです。ミレーの影響か苦労していそうな働く農民の姿をせっせと描いています。困った人を助けたいマン、やってます。もっともこの展示があるから、パリに行って最先端の若手画家に触れて大きく変化したのがよくわかります。浮世絵を彷彿とさせる草の絵、ルドンぽい鮮やかな花瓶の花（ルドンとは接点無さそうですが）、点描ぽいレストランの絵、など。作品が色彩を帯びてきます。そしてパリから離れ独自の画風が確立していきます。72 黄色い家（通り）今回の展示会では建物の黄色の使い方が最も我々がイメージするゴッホのそれ。ただし、ファン・ゴッホ美術館からの特別出品。58 種まく人さりげなく並んでいましたがもう少し目立っても良いのではという一点。大きな太陽と黄色い空、青っぽい畑、そしてミレーの作品から連れてきた種まく人。コントラストの強烈な一枚。60 サン＝レミの療養院の庭とても落ち着いた感じの庭の景色。濃い緑が多めに使われていてゴッホらしくない一点。実験的な作品か或いは精神状態が安定してからなのか。67 夜のプロヴァンスの田舎道今回の目玉。展覧会のポスターで「＜糸杉＞の傑作、来日。」というコピーで紹介されていますがどうでしょう？私はタイトルの通り、田舎道がテーマだなと思いました。確かに糸杉は燃え上がるような筆致ではあるものの糸杉の周りの事物も同じ描き方で、かつ全体のバランスが良い。ゴッホにしては落ち着いた仕上がり。手前の道を歩く人も後方の馬車も存在感があり、月明かりに見える田舎道の様子が丁寧に描かれています。いずれにしても傑作だと思います。へレーネ・クレラー＝ミュラーのコレクションは全体に上品な雰囲気の作品が多い気がします。ゴッホ以外の作品、新印象主義、象徴主義、抽象主義と幅広く集めていて先見の明がありつつも、へレーネの価値観が感じられプライベートコレクションらしい。少し気が早いですが芸術の秋に相応しい、なかなか良い展覧会でした。
23Sep
- 第２４回　文化庁メディア芸術祭　受賞作品展
  文化庁メディア芸術祭　第２４回受賞作品展日本科学未来館２０２１年９月２３日（木）文化庁メディア芸術祭　受賞作品展に行って来ました。文化庁が主催するメディア芸術の総合フェスティバルです。アート、エンターテイメント、アニメーション、マンガの４部門があります。今年もコロナのため事前予約制です。入場料は無料。アート部門　大賞は「縛られたプロメテウス」小泉明朗。メディアパフォーマンス作品です。期間中のチケットは完売（無料ですが）で、観劇していないので感想は控えますがかなり良さそうな作品です。印象に残ったのはバイオアート作品の「Bricolage」Nathan TOMPSON / Guy BEN-ARY / SebastianDIECKE 。IPS細胞を使い人間の血液から心筋細胞を作り出し目に見えるサイズまで培養した生きているアート。動く生物の部品のオートマトンは生きていると言えるのか？生命なのか。最先端の科学技術を使い生命倫理に対して現実ににじり寄ってくるメディアアートでしか表現ない作品。面白かったのは「Google Maps Hacks」Simon WECKERT。９９個のスマホを入れた台車を素手で引っ張って街中の道路を歩き人為的に Google Map 上に渋滞を引き起こすメディアパフォーマンス。この渋滞情報によって迂回指示が出たりする。Google もこの作品を創造的活動として認知しているそうです。今回は会場でのアンケートに答えると、トートバッグが貰えました。１０月３日まで期間は短いですが、アニメ作品上映やイベントなどが予定されています。色々やっていますので詳しくはサイトから。フェスティバル - 文化庁メディア芸術祭 - JAPAN MEDIA ARTS FESTIVAL文化庁メディア芸術祭は、アート、エンターテインメント、アニメーション、マンガの4部門において優れた作品を顕彰するとともに、受賞作品の鑑賞機会を提供するメディア芸術の総合フェスティバルです。j-mediaarts.jp今回は薄いですがここまで。
17Sep
- 遂に実現！「梱包された凱旋門」クリストとジャンヌ=クロード
  梱包の芸術家、クリストとジャンヌ＝クロードの最後のプロジェクト「梱包された凱旋門」がいよいよ実現します。フランスのパリの凱旋門を文字通り、布で梱包するというもので、期間は２０２１年９月１８日から２０２１年１０月３日を予定しています。既に全体を布で覆う作業は終わっています。Instagram、Twitter 上に多くの画像がＵＰされていますので、ハッシュタグ　#ChristoJeanneClaude#ChristoParisで、検索してみてください。クリストとジャンヌ＝クロードは共に１９３５年６月１３日生まれのアーティストです。クリストはブルガリア生まれ、ジャンヌ＝クロードはフランス領モロッコのカサブランカ生まれ。パリで出会い二人で数々のプロジェクトを実現してきました。その土地のランドマークになる建築物などを布で梱包する巨大な作品が有名です。これまでに、フランス　パリのポンヌフ、ドイツ　ベルリンのライヒスターク（帝国議会議事堂）、オーストリアの海岸、など世界各地で梱包を実現してきました。制作費はすべて自費、プロジェクトのためのスケッチやコラージュを売って賄い、実施の際の観覧は無料。しかし、お金の負担は無くとも実現のためには政府、自治体、関係者の許可、協力は不可欠です。そのための提案、交渉が最大のハードルで実際の制作作業より交渉、手続きの時間の方が長く、アイデアのままの実現していないプロジェクトがいくつもあります。凱旋門を梱包するアイデアは１９６１年、クリストがジャンヌ＝クロードに出会ってから３年後、凱旋門の近くにアパートを借りた頃に思いついたそうです。つまり、実現までに６０年かかったことになります。ジャンヌ＝クロードは２００９年１１月１８日に亡くなり、クリストは２０２０年５月３１日に亡くなってしまいましたが、進行中だったこのプロジェクトはクリストの事務所が引き継ぎ、実現にこぎつけました。彼らは私の最も好きな現代アーティストです。悪い言葉ですが芸術家らしい傲慢なところに痺れます。自分の見たいものをどんな壁があろうとも形にするという強烈なエゴの持ち主。自分の主張を貫くために経済的援助は決して受けない。そしてどんなに大きな喝采や反響があって作品を終わらせてしまう。決して作品を他人に所有させない。パリに行けないのは残念ですが、インターネットのおかげで現地の様子もよくわかります。これからＳＮＳ上に膨大な数の投稿が上がるでしょう。凱旋門はパリの何処からでも見える位置にありますので、映える写真も楽しみです。Christo and Jeanne-ClaudeOfficial website of artists Christo and Jeanne-Claude. Features photographs and texts about all major projects, early works, and works in progress. Includes biographical and biblio…christojeanneclaude.net
12Sep
- 「木彫り熊の申し子　藤戸竹喜」展東京ステーションギャラリー
  「木彫り熊の申し子　藤戸竹喜」展東京ステーションギャラリー２０２１年９月１１日（土）一芸に通ずるものは百芸に通ずるアイヌ民族を両親にもち、父親から木彫りを学んだ藤戸竹喜は、熊彫りを通して彫刻を極めた人だ。木彫り熊は一木が基本で、特徴としては、全身に施された繊細な毛彫りのリアリティ。アイヌ独自の伝統であるかは定かではなく、スイスの木彫りを取り入れて始まったという説が有力で、そこにアイヌの木彫りの伝統が取り入れられているという説もある。幼少の頃から、木材の塊を渡されてデッサンやスケッチなどせずにいきなり彫り始めるやり方で彫刻を学び、叩き上げで、木彫り熊から彫刻の全てを学んだ。ありとあらゆる熊の姿体を作品にしていてどれも見事なものだが、取り上げるなら美術館の入り口のパネルにもなっているこの一点。51 全身を耳にして熊が集中して聞き耳を立てている立ち姿。熊が聞き耳を立てている姿を見たことはないが、聞き耳を立てているように見えるから凄い。しかも全身を耳にして全集中している様に見えるのだ。音に集中していて虚な視線がまたリアル。熊の内面、人格（熊格？）までも彫り込んでいる。藤戸竹喜にとって北海道の土産物である熊の木彫りは専門であり上手いのは当然と言えるが、対象が変わっても上手いので驚かされる。例えば海の生き物。ザトウクジラ、バンドウイルカなど、軽くこなしている。呆気取られたのが甲殻類。39 ロブスター40 ヤシガニ41 サワガニ42 ワラジエビ熊の木彫りは一木が基本だが、この甲殻類は珍しくパーツに分けて制作した細工モノ。自在置物ではないかと見間違えるほどの各部の作りが緻密。特にワラジエビの体表面のザラザラ感、これが木材のテクスチャではなく彫っているのだとしたら、ちょっと頭がおかしい。そして人物像。熊を掘れれば人間も彫れるという。確かに初期の作品でもアイヌの人々の暮らしの様子をいくつも彫っているのだが、人間の精神の内面性までも表現するという感じではなかった。それが円熟期に入ると近代彫刻を学んでいるかのような堂々たる人物像を制作している。31 日川善次郎像32 杉村フサ像33 川上コヌサ像58 フクロウ祭り　ヤイタンキエカシ像熊では掘ることのない衣服の表現は的確で、人の挙動を捕まえる眼力が高い。特に杉村フサ像は秀逸。ただの立ち姿でも無駄がなく、捉えた表情から会ったことがない人なのに人格が伝わってくる。ヤイタンキエカシ像の踊りの姿も、民族舞踊のリズムが聞こえてくるようで、この世に実在しない理想の人間像ではなく、そこにいるアイヌの人のリアルな姿を尊く形にしている。藤戸竹喜は生涯、北海道で制作に励んで芸術家的な発表活動には積極的ではなかったという。しかし、今後どんどん有名になっていくことは間違いない。おそらく世界的にもいけると思う。今は比較的空いているので、ゆっくり見ることのできるチャンスです。東京駅丸の内北口改札から徒歩０分。東京ステーションギャラリーです。
05Sep
- ざわつく日本美術　サントリー美術館
  ざわつく日本美術サントリー美術館２０２１年８月２１日（土）正直あまりざわつきませんでしたが、面白い展覧会でした。いつもは派手な話題が中心になり細かい所や裏側、背景について触れることがない日本美術について勉強できるいい企画です。全点写真撮影ＯＫです。日本美術を次の６つの切り口で、コーナーに分けて見せています。第１章「うらうらする」第２章「ちょきちょきする」第３章「じろじろする」第４章「ばらばらする」第５章「はこはこする」第６章「ざわざわする」作品毎に丁寧な説明がありますので、とてもわかりやすいです。各コーナーから一点ずつ取り上げ、６つの切り口について書いていきます。第１章「うらうらする」4. 赤樂茶碗　銘熟柿　本阿弥光悦「うらうらする」では、皿、茶碗、硯箱の蓋、着物、屏風などの裏側を見ていきます。光悦の茶碗の銘　熟柿　について。鏡に映る裏側をみると一目瞭然。まるごと朱色で丸い形の茶碗の裏側の高台に焦げ茶色の部分があり、熟した柿の実のくすんだへたそのもの。鑑賞のポイントが裏にあるわかりやすい作品です。第２章「ちょきちょきする」32. 蓮下絵百人一首和歌巻断簡俵屋宗達　画本阿弥光悦　書「ちょきちょきする」といえば断簡ですよね。元は巻物だったものが、色々あってチョキチョキされて掛け軸になる。資本主義経済における株式分割のようなことが美術品においても成立しています。俵屋宗達の画に本阿弥光悦の書というのは鉄板コラボ。みんな欲しがるからばらばらにして配ってしまう。ばらばらになっても其々の価値は下がらないものが真の名品。第３章「じろじろする」47. 能装束　間道縞に桜蜘蛛巣模様縫箔日本美術には精緻なものが多いので「じろじろ」して欲しいというコーナーです。そして私が一番じろじろしたのがこの能装束です。濃紺の生地に縞模様（間道縞　かんとうじま）の布に桜の花が様々な美しい色の糸で縫い込まれています。どの花も縫いかけの花びらがある不揃いなものです。その周りにはげ落ちてほとんど見えませんが蜘蛛の糸が描かれています。蜘蛛の糸は型紙で糊を置いた上に銀の箔を置いて描いた縫箔という繊細なものです。蜘蛛の巣が繁栄や栄華を象徴する桜を全て受け止めるという画題ですが、花びらがかけていること、更に布が傷んで蜘蛛の巣がかすれて見えなくなっていることが、栄華の儚さを強く暗示していて面白いです。第４章「ばらばらする」60. 貝尽蒔絵硯箱　小川破笠「ばらばらする」食器や硯など蓋のついた容器はばらばらにできますから、敢えて分けて展示することで細部をよく見てもらおうという企画です。硯箱の展示では蓋と箱の正しい組み合わせを当てるクイズ形式になっています。箱ものは蓋と本体が物語になっていることもよくあるので、ばらばらにすることでつながりを考えてもらう良い企画です。ただここで挙げた貝尽蒔絵硯箱は、そういう視点で選んだのではなく、黒塗りの漆に金の蒔絵の硯箱が多くて飽きてきたところに、様々な貝殻を色々な金属を使いこなして表現した象嵌細工が目に止まったので、取り上げました。第５章「はこはこする」70. 笙　銘　小男鹿丸　さおしかまる「笙　銘　小男鹿丸」の箱「はこはこする」ここでいう箱は家具や調度品として室内で日常の生活空間で使うものではなく、蔵にしまう時に入れる箱を指している。茶器の箱の価値は本体と同格という話はよく聞きますが、それ以外でも立派な箱はあります。　この笙には豪奢な刺繍の袋とそれを入れる葵の御門の蒔絵箱があるのに、それを入れる黒塗りの大きな細長い漆の箱は達筆な筆で「小男鹿丸」とあり、カッコいいです。持ち主の思い入れが箱に強く現れています。第６章「ざわざわする」91. 相思図　石川豊信文春砲の記事になるようなスキャンダラスな「ざわざわ」ネタを扱った作品が並んでいます。ですが私はらしくない品のある一点（２点）を取り上げます。掛け軸が二幅並んでいます。男と女が向き合っています。右が一幅が若旦那、背景に牡丹の花。左の一幅が若い娘、背景に梅の花。全体に抑制の効いた大人しい構図で、表情から互いにその気はあるがこれからの関係の二人に見える。噂の二人なのか、実は訳ありの二人なのか。相思図というタイトルなのですから秘めた色恋ということなのでしょうが、私は文春を読みませんので、詮索するような野暮なことはいたしません。以上。　この展覧会は、緊急事態宣言下でも時間予約制をとっていませんでした。館内が広く換気状態がいいのと、それほど混雑していないということからの対応でしょう。このように時間に縛られず観ることのできる展覧会もありますので、お時間がある時は、美術鑑賞など考えてみてはいかがでしょうか。
04Sep
- 明日で終了の「パビリオントウキョウ」を、チラ見した件
  明日９月５日（日）で終了の「パビリオントウキョウ２０２１」をチラ見しました。２か所しか見ていませんので、チラ見です。というのも、コロナのワクチン注射２回目で熱が出て９月の展覧会のスケジュールが頭から吹っ飛んでいたからです。予約を入れていた九段ハウスの別の展覧会に行ったところ、予約をせずに庭だけ観に来る人がたくさんいて何だろうと思い、覗いたら「パビリオントウキョウ」でした。ということで急遽、「パビリオントウキョウ２０２１」チラ見レポートです。九段ハウスの展示は、石上純也「木陰雲」です。九段ハウスは洋風建築ですが庭は日本式庭園ぽい造りです。この庭全体に日よけ棚を建てています。日よけといっても完全に遮光はせずに適度な空きを人工物感を廃して入れています。そしてポイントは年代ものの建物と調和するよう木材に焼きを入れていること。これが本当に成功していて、土台の石（コンクリ？）も庭の石と違和感なく調和していました。木材も結構太く重厚感があって素晴らしい。青空の時に観たかったです。（紅葉も多いので秋も絵になったとこでしょう。）とても良かったので返す刀でもう一か所、どこか行こうと思い、半蔵門線一本で青山一丁目へ。こちらには、会田誠「東京城」があります。これは構想を聞いた瞬間、さすが会田誠と思った作品です。青山一丁目の銀杏並木の通りに左右に狛犬か、金剛力士像のように対になる城をニ城建てます。城と言っても使う素材がブルーシートと段ボールというのが、目の付け所が会田誠。日本の建築の代表は城でしょ、東京ならでは建築素材と言えば段ボールでしょ、昨今の供給不足になるほど需要があった建築素材はブルーシートでしょ。まさに、パビリオントウキョウ２０２１。実物はどうかというと、いい感じにエージングして風格がありましたよ。今後、文化財登録するのであれば専門家の方々の協力を仰ぎ、現状の建材を活かしつつ、台風や雪にも負けない対策を講じて頂ければ何よりと思います。明日はおそらく行く時間がないので、これで終わりです。あまりチェックしていなかったので失敗しました。やっぱりこの目で見ないといけませんね。パビリオン・トウキョウ20212021年7月1日〜9月5日、8名の建築家・アーティストが設計したパビリオンが都内各地に登場します。／パビリオン・クリエイター：藤森照信、妹島和世、藤本壮介、平田晃久、石上純也、藤原徹平、会田誠、草間彌生 ※順不同／企画：ワタリウム美術館paviliontokyo.jp
18Aug
- 落合陽一のこの作品が凄い。「Fairy Lights in Femtoseconds」
  これまでメディアアートについて幾度か批判的なことを述べましたが、今回は私が「この作品は凄い！」と思うものを取り上げます。「作品」ではなく「発明」かもしれませんが、アートコラムですので作品と呼びます。それは「Fairy Lights in Femtoseconds 」。落合陽一の作品です。精力的に創作活動を続けている落合陽一の作品の中では結構昔のものですが、ひとつ取り上げるとしたらこれです。実物を見たことはありません。ネットのニュースか、YouTube かどちらかで知ったと思いますが、本当に驚きました。おそらく展覧会で実機を展示したことはないと思います。一言で言うと「触ることのできる立体映像」。よくアニメやSF映画で、目の前に現れた亡くなったはずの母親を本物と錯覚して抱きしめようとするとスッと通り抜けてしまう切ない場面で効果的に利用される立体映像。アレをこれは超えてしまった作品です。光る可愛い妖精や、ハートマークを空中に描くことができ、映像に指で触れることが出来ます。触れた瞬間に変化させることもできます。興味が湧きましたか？ご覧になりたい方はこちらからどうぞ。 Fairy Lights | Art | 落合陽一公式ページ / Yoichi Ochiai Official Portfolio落合陽一公式ページ / Yoichi Ochiai Official Portfolio SiteのArt作品ページです。 Fairy Lights をご紹介しております。yoichiochiai.com あれっ？て思った方もいるかもしれません。感動した方もいるかもしれません。小さいですよね。すみません、若干読み手の妄想を誘導しました。このギャップがメディアアートあるあるなのですが、この作品を見て、私は落合陽一は凄い！天才だ！と思いました。光には実体がないのに何故触れることができるのでしょうか。先ずレーザーを使い空中に絵を描きます。レーザーを集中し空気に当てると空気の分子が反応してプラズマが発生し光ります。このままだと一点が光るだけなので、この点を動かすことで点から線に、線から絵になる訳です。このレーザーは産業用に使うフェムト秒レーザーといって、硬い物質を加工できる強さを持っています。直接触れれば火傷しかねないシロモノですが、とても短い時間で点滅させることで、光るけれど火傷しない、火傷しないけれど刺激を感じる程度に調整しています。触ると「ざらっとした感じ」（落合陽一）だそうです。触ってみたいですよね。もちろん夢の立体映像までは越えなければならないハードルが無数にあります。映像を大きくするだけでもとんでもないコストがかかります。１センチに満たない映像を映すフェムト秒レーザーの設備だけでも一式で数千万円。映像を明るくするにも強さを上げると、火傷します。立体映像といってもレーザーは投影式なのでレーザーと映像の間に人が立ってしまえば映りません。人間の触覚もとても繊細で、触覚のリアルな質感を表現するにはプラズマでは無理かもしれません。それでも触感を実現という、０（ゼロ）を１（イチ）にするブレイクスルーであることは確かです。全く新しい体験が出来そうな期待が湧いてきます。メディアアートの醍醐味のひとつはここです。この驚きと感動の落とし所が技術よりだと「発明」、表現よりだと「アート」となります。それを決めるのは作者だけではありません。観る側も価値観、知識、感性を総動員して、作品を見立てていくことになります。技術の黎明期の作品を後世になって見ると、使い物にならないオモチャにしか見えないこともよくあります。世界初の電球を現代に再現して点灯デモを行ってもチラッと光って消えてしまいショボいだけということもあるでしょう。しかし当時は、その輝きに新たな未来が見えたはずで、観る者がどれだけ夢（妄想）を広げることができるかが、メディアアートを観る上で大事な要素だと思います。いつか映画館のような立体映像が実現する未来が来るでしょう。触覚はおろか質量を感じさせるところまで進むに違いありません。その未来ではとんでもなく進化した立体映像作品を作るアーティストが活躍しているでしょうが、それでも落合陽一のこの作品の歴史的価値は揺らぐことはないでしょう。魔法の世紀Amazon（アマゾン）600〜7,590円
15Aug
- 祝！ブログ１００回目を迎えましたので、読んで欲しい記事を紹介します。
  「アートコラム　Conceptual Cafe 」は今回１００回目を迎えました！！　今まで人生で１００回目を祝うことなんて無かったので新鮮です。１００回目の企画として、これまでに書いた記事から、どうしても読んで欲しいオススメ記事を１０本、紹介します。『#美術館に行こう！』COVID-19 による第三次緊急事態宣言が当初の５月３１日期限から６月２０日まで延長となりました。美術館の休館も継続されるようです。追記：東京都は美術館・博…ameblo.jpCOVID-19への対応として始まった緊急事態宣言により美術館が一斉に休館という行き過ぎた対応に対し、物申すという内容です。感染拡大が進む今こそ読んで頂ければと思います。『原美術館閉館。ただただ感謝。』本日２０２１年１月１１日、東京の現代アートの美術館、原美術館が活動を終了しました。私が初めて原美術館に訪れたのは学生の頃、私は五反田駅から行く派（？）だった。…ameblo.jp原美術館は私にとって現代アートとの最初の接点となった原点。まさか閉館するとは思いませんでした。閉館の日に感謝の気持ちを形にできたのでアメブロを始めてよかったです。『佐藤可士和展　国立新美術館』佐藤可士和展国立新美術館2021年2月11日(木)日本を代表するクリエイティブディレクター佐藤可士和の展覧会に行きました。博報堂で広告の仕事を始め、やがて独…ameblo.jp全１００回の記事の中で一番「いいね」がついた記事です。感じことがよく書けており、よくまとまっていると思います。けれども「いいね」が多いのは佐藤可士和の力です。『アート小説：「サロメ」原田マハ』『サロメ』　原田マハ文藝春秋　2017/1/16 ISBN 978-4163905891絵画が好きな方なら「サロメ」と云えば、誰を思い浮かべるでしょう？ギ…ameblo.jp言葉が降りてくる経験をしたことがありますか。考えるより先に言葉が出てくる状態です。私は凄いアートに出会った時は言葉が湧き出てきます。その言葉を定着したいというのがブログを書くエネルギーの源なのですが、この記事は書いている時に言葉が降りてきてそのまま文章になりました。今読み返しても普段の自分とは違う文章です。『雨上がりの夕暮れはシャッターチャンス』昨日は凄い雨でした。でも午後になったら青空が見えるくらいの晴になりました。こういう日の夕暮れは、シャッターチャンスです。青空と夕焼けのグラデーションがキレイで…ameblo.jp写真を撮るのが好きで昔はいつでも一眼レフカメラをカバンに突っ込んでました。今は熱は冷めましたがスマホという便利な道具があるので、「あっ」と思った景色に出会った瞬間はパシャパシャ撮っています。きれいな夕暮れの写真を撮りたい方は必読です。『Conceptual Cafe ってなに？』ブログのタイトル、Conceputual Cafe 。これはずいぶん昔、現代美術の「コンセプチュアルアート」と芸術の都パリの「カフェ」から、適当に組み合わせて…ameblo.jpこのブログのタイトル「Conceptual Cafe」の説明です。関心のある方もいると思いますので書いてみました。『ギュスターブ・モロー美術館』ギュスターヴ・モロー美術館フランス、パリMusée national Gustave-Moreau昨年８月に行ったギュスターブ・モロー美術館がとても良かったの…ameblo.jp２０１９年の夏にパリに滞在して美術館を回った中で一番気に入った美術館。小さな美術館でガラガラでした。パリだからモローもこの程度の扱いなのかなと思いつつ、誰もいない美術館で作品に囲まれて好きなだけ絵を観てる幸せな時間を過ごしました。今更ながら文章が短くてビックリ。もっと書けよと思いました。『隈研吾　角川武蔵野ミュージアム』角川武蔵野ミュージアムに来ました。実物はデカイです。岩です。岩。オーバーハングしてるし。中はこれから入ります。現地から速報でした。ameblo.jp建築はおおよそ撮影自由な芸術作品です。これからも上手に撮れた写真はUPしていきます。『素早いアートが好きです。』美は素早い。誰かの言葉だったはずだが、ググって見つからなかった。アートを見る時、説明を読んだり解説を聞いたりすることがある。でも、違和感は常にある。海辺で水平…ameblo.jp展覧会の記事だけがこのコラムではなく、アートへの想いも大事なテーマです。何に心が動くのかいつも問い続けています。『3月25日なので、エル・グレコ「受胎告知」について書きます。』カトリック教会では本日3月25日は「神のお告げ」（受胎告知）の日です。12月25日クリスマスがキリストの誕生日ですから、その９カ月前が御懐妊の日となるわけです…ameblo.jp常々展覧会だけではなく、個々の作品やアーティストを取り上げたいと思っているのですが難しい。知識が無いと薄っぺらい内容になってしまうので。しかしこのテーマには挑戦していきます。ブログは最新の記事が優先されるので、過去の記事は埋もれがちです。今読んでも違和感のないものもありますので、この機会に１０本紹介しました。また、２００回目を迎えた時、同じ企画をするつもりです。それまでに、より質の高い面白いものを書けるよう精進していきますので、お楽しみに。今後とも「アートコラム Conceptual Cafe」をどうぞよろしくお願い申し上げます。
14Aug
- 縄張りと島　加藤翼　東京オペラシティアートギャラリー
  縄張りと島　加藤翼東京オペラシティアートギャラリー２０２１年８月１３日（金）加藤翼はロープと人力だけで巨大な構造物を引き起こしたり引き倒すイベント型、参加型の作品「Pull and Raise」シリーズで知られている。この展覧会は、構造物の実物と、それを引き倒したときの記録映像を組み合わせたインスタレーションの展示を中心とした初の個展となる。初期の作品は構造物が小さくてギャラリーもいない。誰もいない空き地で四角い木造の構造物にロープをかけて汗水流してガタンゴトン引き倒す。何故こんなことをするのかというわかりにくさが溢れている。それが構造物が大きくなればなるほど、参加者が増え、ギャラリーも増え、人のエネルギーが集まり、作品が強いものに変わっていくところがとても面白い。現場では、巨大な物体が立ち上がる達成感、大きな音を立てて派手にぶっ倒れるカタルシスと、圧倒的な経験があることは想像がつく。住宅から城やピラミッドまで、昔の建築や土木における集団作業はわかりやすい成果物があるが、そうではないところがまさにアート。意味のない作業でも人が協働していると心も動くから面白い。そしてこのシリーズは規模の拡大と共に進化していて、集団作業に意味を付加することで作品に様々なメッセージを込めている。例えば、２０１１年の作品「The Lighthouse - 11.3 Project」。東日本大震災の起きたこの年、作者は福島県いわき市の被災地へにボランティアとして参加する一方、住まいを失った家主から元は住宅だった木材の提供を受けた。この木材を使い大きな灯台を製作。３月１１日をひっくり返した１１月３日、崩れ去った建築物を形を変えて建て直した。もちろんロープを使い、現地の人の素手の力で。参加者は５００人に及んだという。破壊をひっくり返し復興を目指す人々に、そこでしかできない方法で、作り手として参加してもらう。単なる個人の創作から、参加する人々にとってもリアルに意味のある創作へ拡大している。このシリーズ以外の作品も面白い。19 Listen to the Same Wall21 Underground Orchestra25 267926 Superstring Secrets : Hong Kongいずれもタイプの違う作品だが、作者の関心は社会問題などにあり、人の力と人生を絵筆に変えて作品を作り上げるというのが基本的なスタイルだと思う。今回の展示はとても手がこんでいるが、できればもっと来場者にわかりやすくした方が良いと思った。スケールの違う作品が入り混じっていているので、小さい作品は見過ごしてしまう。雰囲気を感じてもらえば良いという考えか、このギャラリーの客層なら、そこまで甘やかす必要はないということか。加藤翼のサイトに「Pull and Raise」シリーズの映像もあるのでチラ見するのがオススメ。この展覧会は、作品の全体像を把握してから見た方がいい。加藤翼／Tsubasa Kato (katoutsubasa.com)
12Aug
- まるごと馬場のぼる展　練馬区立美術館
  まるごと馬場のぼる展描いたつくった楽しんだニャゴ！練馬区立美術館２０２１年８月１１日（水）「１１ぴきのねこ」の絵本が有名な馬場のぼるは今年で没後２０年、練馬区民だったので（在住５０年）この展覧会が企画されたそうです。今回の展覧会では、絵本の出版社のこぐま社のカラーの出品作が多いので、手塚治虫と同世代の漫画家だったことを忘れそうになりますが、それくらいこの絵本は大ヒットシリーズで累計４００万部以上発行されています。　何十年かぶりに「１１匹のねこ」を読みましたがストーリーのぶっ飛び方がスゴイなと思いました。子供向けの絵本なのに、ねこたちが全く善人（善猫？）じゃない。行動原理が本能、欲望のままで反省しているのかよくわからない。（そもそもねこは反省しなそうだし。）学びがあるのかよくわからない強引なオチ、でも笑ってしまうユーモラスさ。　あまり偉くない市井の人々の日常を笑いにする落語のような物語とも言えます。登場人物が「人間」から「ねこ」になってもう一捻り加えつつ、「ねこ」ならではの愛されポイントが加味されて許されてしまう。もちろん馬場のぼるの生み出したキャラクターの魅力がその中核にあります。ねこも他のキャラクターも絵画ではなく漫画、つまり記号化された絵でわかりすく親しみやすい。一作目から完成されていて、シリーズとしてブレがないので練りに練って作り上げた絵本だと想像できます。　「１１匹のねこ」の他にもたくさんの作品が展示されています。画風が確立してからは品質が安定しているのでどれも素敵ですが私のオススメは「アリババと４０人の盗賊」「アラジンと魔法のランプ」です。これは絵本の原画でとても綺麗で上手だなあと惚れ惚れします。ちなみに「１１匹のねこ」はリトグラフ印刷で原画が存在しないので、こぐま社所有の色校正を額装して展示しています。　漫画家の絵本の会の仲間たちとの交流や、旅の景色などの絵もあり、生涯好きな絵を楽しく描いて生きた人だったということが、よくわかります。本当に万人にオススメの展覧会です。都内在住の方は是非お越しくださいませ。11ぴきのねこAmazon（アマゾン）157〜2,740円
10Aug
- 生誕260年記念企画特別展「北斎づくし」　
  生誕260年記念企画特別展「北斎づくし」東京ミッドタウン・ホール２０２１年８月７日（土）北斎の展覧会が何故か六本木の東京ミッドタウン・ホールで開かれているので行って来ました。国立新美術館でも森美術館でもサントリー美術館でもないところが妙な感じですが、攻めた内容の展覧会で良かったです。だいたい北斎の展覧会というと、海外のコレクションから借りてきた幻の肉筆画などを目玉にするという印象が強いのですが、この展覧会はまさかのシリーズ作品全展示。特に「北斎漫画」全１５編、３６００図、全８８３ページの展示と、「富嶽百景」全展示というのは画期的なものだと思います。「北斎漫画」とは絵手本をまとめたものです。現代の漫画ではなくスケッチ集デッサン集といった方が良いでしょう。プロの絵師、職人、弟子たちのお手本、参考資料として色々なものを描いています。１８１４年（文化１１年）に名古屋の版元が刊行したところ当たったのでシリーズ化。江戸の版元も取り扱うほどの人気となり、半年に一編のペースで制作して十編まで刊行し終わります。（十編の最後のページに「大尾（おしまい）」という絵がある。）しかし人気があるので再開、北斎の死後も続いて最終となる十五編は明治時代に刊行されました。初編では人、動物、昆虫、植物などコンパクトなアイテムを描いていますか、どんどん幅を広げ何でもありになってきます。何を描いても上手いのでただただ感心するのですがそれだけではありません。例えば五編では建物。単に形を描くのではなく大きなものを小さい画面でいかにダイナミックに描くかという工夫もされています。浮世絵は西洋画のように大きくないのに巨大な印象を与えるものが多々あります。敢えて全部を描かず見えない部分は見るものの想像力に託す。そんな描き方のコツまでふんだんに織り込まれています。六編では武術がテーマで槍の稽古、柔術の稽古の動きを多く描いています。人体の構造、一瞬の動きを見逃さず描き切る北斎の卓越したデッサン力が遺憾無く発揮されています。他の編では歴史上の偉人、日本各地の風景、妖怪やお化けまで百科事典さながらに森羅万象を描いています。しかも単なるスケッチの寄せ集めではなく、１冊の本としても流れ、仕掛けがあり、そういう面白さもあります。そして「富嶽百景」、今回全点見ることができたので名作であることを確認できました。今まで世界的にも至高の風景作品「神奈川沖浪裏」「凱風快晴」などを含む「富嶽三十六景」の二番煎じのような印象を持っていたのですが、シリーズ作品としての完成度はこちらの方が高いです。「富嶽三十六景」は基本的には風景画ですが、「富嶽百景」は歴史や風俗も含めた広い視座から富士山を描いています。北斎がただの絵師ではなく企画力も高いことが伺える作品です。「北斎漫画」はかねてから全ページ見てみたいと思っていたので、夢が叶いました。全部で十五編もあると一般的な（？）北斎展では読本とともに数点しか展示されません。北斎漫画のコレクターとして有名な浦上満氏の膨大なコレクションが無ければ実現できなかったでしょう。本当にこのままどこかで常設展示して欲しい。浦上蒼穹堂さま、何とかよろしくお願いします。
18Jul
- 追悼　クリスチャン・ボルタンスキー
  クリスチャン・ボルタンスキーが７月１４日に亡くなりました。享年７６歳。不謹慎ですが、尊敬するアーティストの追悼文を書くことができ、ブログを書いていて良かったと思います。一人でガッカリするだけでは何か欠けている、だから書かずにいられない。そんなものです。クリスチャン・ボルタンスキーを初めて観たのはいつだろう？日本での作品を観る機会も多いので思い出せない。作品にある特性は・観るものを深い考察に導くしかけ・テクノロジーを駆使して五感に働きかける表現・深層心理に働きかける空間づくり・周囲の環境と集められた情報の重層的な構造・作品が纏う厳かで宗教的な雰囲気作品ごとに深掘りしたいアーティストで、いずれは取り上げるはずでしたが、初回が追悼文になってしまい残念でなりません。直近の国立新美術館の展覧会が２０１９年、このブログには間に合いませんでした。印象に残っているのは、瀬戸内国際芸術と大地の芸術祭。昔のスマホ、デジカメを引っ張り出して画像を漁りながら当時を振り返ってみました。・心臓音のアーカイブ（２０１３年８月、瀬戸内国際芸術祭、豊島　唐櫃浜）瀬戸内国際芸術祭の豊島の作品群の中ではぽつんと外れた場所にあります。建物内の撮影はＮＧなので外観の写真のみです。たくさんの人の心臓の音を録音してアーカイブしており来場者に聴かせる施設です。中は研究室というか医務室というかそんな雰囲気があり、インスタレーションの鑑賞は定員のある交代制。中に入ると薄暗い奥行きのある防音効果が高い部屋で静寂からインスタレーションが始まります。何処からか心臓の鼓動の音が聞こえてきます。この音に合わせて部屋の灯が明滅します。雑音もなく闇の中で次第に大きなる心臓の鼓動は生々しく、母親の胎内に戻ったか、死の瞬間の感覚か、何かが見えてきそうな、とにかく観るだけのアートではできない特別な体験ができます。・ささやきの森（２０１３年８月、瀬戸内国際芸術祭、島　唐櫃岡）この作品も豊島の他の作品とは離れた場所、森の中にあります。この森に４００個の風鈴を吊り下げた環境型の作品です。風が吹くと一斉に風鈴が音を鳴らすのですが、私が訪れた時は風が吹かず風鈴がほとんど鳴らなくて、ささやきも聞けず残念でした。これも作品のひとつの姿とはいえ、天然ジョン・ケージの出番は無くて良かったです。最寄りのバス停からかなり離れていましたので場所の選定と制作のためにボルタンスキーはどのくらい歩いたのだろう？と想像してしまいました。・最後の教室（２０１５年８月、大地の芸術祭　）廃校を丸ごと使ったインスタレーション。窓を全て塞いで暗闇にした屋内はお化け屋敷かホラー映画の悪夢のようです。建物は確か三階建て。廊下や階段も作品になっています。メインの展示は一階の広い講堂のインスタレーションです。外光の入らない暗い屋内に無数の電球がぶら下げられベンチと扇風機がいくつも置かれています。目が暗闇に慣れると、星々のような電球の輝きが見えてきて、ブオーッという扇風機の音と風を感じます。そして思いのほか多くの人が周りにいたことに驚きます。夏の夜、皆で星空鑑賞するような気持ちと言いましょうか。中の様子は目には見えても暗くて撮影は出来ませんでした。電球だけなら写るんですが。正直、今でも扇風機の役割はよくわかりません。ない方がもっと入り込めるような気がしました。長い廊下を奥に光る何か目指して、暗い闇の中を歩くのは、心の奥にある深い迷路で彷徨い続けているのか、遥かな旅の希望の終着点を目にした瞬間か。何らかのメタファーを観念的ではなく、体感させて伝えるのが表現として秀逸。この部屋は壁中にパネルがたくさんかけられランプがゆっくりと明滅します。何も見えなくなる瞬間、人間は自らの想像で虚無を埋めるしかなく、結果作品は外部の刺激から自分の内面の活動に強制的に変わるのです。前述した心臓音のアーカイブのインスタレーションの部屋の内部もこんな感じでした。三階は全ての部屋を使ったインスタレーション。灯りと白い布、透明な箱が一面に並べられています。ボルタンスキーの作品としては明るい方です。灯りも明滅しません。天国のように神々しくもありますが棺が並べられているようにも見え、死や命が主題にも見えました。・アニミタス（２０１６年１２月　東京都庭園美術館）風鈴使った環境型作品の映像を使ったインスタレーションです。確か展示室の中央に立てたスクリーンの両面に映像を映しています。片面は前述した豊島の森の映像、もう一方は何もない広野に風鈴の設置された映像。アニミタスは「小さな魂」を意味するスペイン語で、風鈴を用いた屋外作品は最初「アニミタス」というタイトルで死者を祭る祭壇のオマージュとして作成され、場所を変え世界中で作品化されました。庭園美術館の展覧会は亡霊との邂逅が主題となっていたので、この映像は死者たちのささやきとも言えます。日本人にとっては自然の中で死者と会うのは毎年お盆でご先祖さまと出会うのと似ていて、亡霊というより馴染みのある型な気がします。・「ぼた山」「スピリット」「発言する」（２０１９年８月、国立新美術館）国立新美術館の展覧会は古い作品から新しい作品まで揃えた充実したものでした。写真は撮影ＯＫの展示室で暗く見にくいですが３つの作品が写っています。中央の巨大な円錐型の塊は「ボタ山」という作品。これは集めた衣服を積みあげたものです。誰かと人生を共にした物が廃鉱の捨石よろしく高く黒く積みあげられているのは、誰かにとって必要だったものが無価値となったということであり、文明の中の人間の価値の扱われ方を暗喩しています。天井は「スピリット」という作品。ポートレートをモノクロで大きくプリントした布を吊り下げたもの。確か現在は生存していない方々の写真だったと思います。少し透けている布の質感が魂という見えないものの不安定な存在感を象徴しています。ボタ山とセットで考えると、現代社会が人間を大切に扱っていないという側面を切り出していて気が重くなります。手前のランプの人型っぽいラックのようなオブジェは「発言する」という作品です。人生において死に直面した時の気持ちを読み上げた音声が流されています。この展示室内にいくつも設置されていてそれぞれ人ごとに違う気持ちが綴られています。こうして見るとこの展示室全体が魂の通り抜けた残穢でできていると言えなくもない。この年のボルタンスキーは亡霊という言葉を使っていたので、ネガティブな解釈をしてしまいますが、死にまつわるものを取り上げる作家であって天国を描く作家ではないのは確かでしょう。ボルタンスキーは無宗教ですが西洋美術家らしく「メメント・モリ」な見方をしていたのかもしれません。　ボルタンスキーの作品はどれも重みがあるので時の速さに流されがちな心を引き止めて、自分を見つめるきっかけになります。変化が早い時代を迎えた今こそ、まだまだ活躍して欲しいアーティストでした。故人のご冥福をお祈りいたします。
10Jul
- 三菱の至宝展　三菱一号館美術館
  三菱創業１５０周年記念　三菱の至宝展三菱一号館美術館２０２１年７月３日（土）三菱一号館美術館の所蔵の展覧会ではなく、三菱ゆかりの静嘉堂、東洋文庫所蔵の至宝を展示しています。日本を含むアジアの文献のコレクションと、日本・中国を中心にした美術工芸品のコレクションです。いつもの三菱一号館美術館のような近代西洋美術展を期待して行くと違いますからそこは要注意です。展示品も漢字が多くふりがな無しでは読めないものも多いです。しかし国宝１２点、さらに重要文化財もたくさんあるので、日本人なら必見です。気合いを入れて教養を広げるチャレンジをしましょう。展示は三菱創業者一族、岩崎家の初代（岩崎彌太郎）から第四代（彌之助、久彌、小彌太）の社長まで四つに分けてコレクション収集の歴史と共に展示しています。若い頃から高度な教育を受け海外の名門大学に留学した二代目〜四代目の文化財に対する意識は高く、現代の経営者も見習ってほしいと思います。ここからは気にいった作品について記します。3.唐物茄子茶入　付藻茄子（つくもなす）大名物です。来歴が派手過ぎて目が眩みます。足利義満、織田信長、豊臣秀吉、徳川家康、など誰もが知る歴史上の人物を経て、岩崎彌之助の手に渡りました。彌之助が美術品を集めるきっかけになった品だそうです。この茶入は誰でも気に入るのではないでしょうか。大名物といっても茶入は小さな物なので、愛嬌のあるフォルムと味のある釉薬の模様という点は共通しています。（焼物はみんなそうだろうと突っ込まれそうですが。）ただこの付藻茄子、焼物ではありません。大坂夏の陣で破損したものを徳川家康の命で修復した超絶技巧の全面漆細工です。黒い地に茶色の模様は釉薬にしか見えず、漆細工と言われても全然わかりません。この時代にもう凄腕の職人がいました。名を藤重藤元、藤巌父子、この修復で付藻茄子を家康より賜っています。10. 古備前高綱太刀　銘　高綱　号　滝川高綱附　朱塗鞘打刀拵刀剣は好きですが鑑賞できるほどの目利きではないです。高綱の刃紋はあっさりしていて、反りもキツくなく整った形です。棒樋（ぼうひ、鎬の部分にある溝）があります。鎌倉時代のもので重要文化財です。拵は桃山時代。全面華やかな朱塗一色の鞘は派手なものが好まれる乱世を反映したものでしょうか。11. 手掻包永（てがいかねなが）太刀　銘　包永附　菊桐紋蒔絵鞘糸巻太刀拵太刀は鎌倉時代、刃紋はシンプルで、中央の反りが少しキツめです。七百年以上前に作られたとは思えない状態の良さ。刀身はキラリと輝いています。刀剣の作者の名前は変わっていて読めないことが多いですが、大和国を代表する一派、手掻派（てがいは）の初代包永（かねなが）です。拵は江戸時代。三百年を隔てた職人のコラボレーション。金の鞘に菊の紋様と桐の紋様が交互に並んでいて、金色の派手な帯を柄と鞘を巻き付けています。江戸時代、徳川将軍家の宝になった刀剣と同様は贅沢な拵です。36.国宝　俵屋宗達　源氏物語関屋澪標図屏風六曲一双。それぞれ源氏物語の「澪標」「関屋」の場面を描いていて前期の展示は「澪標」。光源氏と明石の御方のすれ違いの場面。構図は面白いけど国宝とは。メインの登場人物二人は牛車と船の中で見えない。左側の神社の極端に丸く迫り上がる橋、陸地と海辺を分ける砂浜の平面的な処理、やはり平べったい右側の海上の船。力の抜き方とデフォルメが絶妙で、その加減が宗達らしい。37. 橋本雅邦　龍虎図屏風この展覧会で最も美術作品らしい一点。来歴や時代背景、引用元などのインプット無しで、右脳で観ることができるので、この作品を観て一息つけました。左が竹林の虎が二頭、右が大波の中から躍動する龍が二体。激しい風雨の空間づくりと描写か現代的。虎が迫力があって素晴らしい。発表当時は腰抜けの虎と酷評された。腰が下がっているのが原因かもしれない。でも昔の猫みたいな残念な虎よりこちらの方がカッコいい。近代日本画で初めての重要文化財です。41. 和漢朗詠抄　大田切知識は無くとも、いいものはいいって分かるもんです。漢詩、漢文、和歌を集めた詩文集の書写版。何か凄いと思ったら国宝でした。平安時代のものなので色あせていて文字以外は見にくいが、地である料紙の青色が何とも言えない美しさで、草の紋様が全面に敷かれ、さらに繊細な細い線で描かれた草木が見事。その上にキチンとした書体で、詩文が書写されている。完成した当時の煌びやかなイメージが妄想できる手間と時間をかけた名品。45. 兼好／撰　徒然草私は書の素養がないので完全に好き嫌いで判断します。吉田兼好の徒然草の書写（釈正徹）です。平仮名がとても美しい。重要文化財。突然ですが、「昭和北野大茶湯」って聞いたことがありますか？「北野大茶湯（きたのおおちゃのゆ）」は豊臣秀吉が天正１５年１０月１日（１５８７年１１月１日）に北野天満宮において開催した茶会の一大イベント、現代に例えると音楽フェスのようなものです。この３５０年記念として昭和１１年（１９３６年）に行ったのが「昭和北野大茶湯（しょうわきたのおおちゃのゆ）」。前者は時の最高権力者が行ったもの、対して後者は茶の湯の継承者たちが行ったものなので世間に知られていないようですが、規模は大変なもので全国の流派が一堂に会し歴史的な名品を持ち寄ったようです。三菱も名品を携えて参加しており、その時に用いた品々（以下※）をここでまとめて展示しています。利休が見立てたもの、所有していたもの、使用していたものばかりです。79.無準師範　禅院牌字断簡「湯」※80.龍泉窯　青磁鯱耳亜花入 ※81.唐物茄子茶入　利休物相（木葉猿茄子）※82.伝千利休　象牙茶杓83.三島芋頭水差　※84.御所丸茶碗　黒刷毛　※85.井戸茶碗　越後名前だけではイメージがわかないでしょう。79.はその名の通り「湯」一文字の掛軸です。南宋のもので、茶の湯にはピッタリです。80.の青磁の花入は鯱耳の飾りの部分が茶色でいい感じにエージングしています。82.は利休が作ったと伝わる真っ白な象牙の茶杓。83.は白くて芋のように丸く大振りでザラっとしたテクスチャーの水差し。84.は濃い灰色の茶碗で白く抜けたところがあり釉薬がグレーの織部という感じ。85.は昭和の大茶湯には出番はなかったそうですが初めは白だったが時を経ていい感じの淡い朱色に変化した逸品です。88. 曜変天目（稲葉天目）世界に３つしかないという茶碗。中国福建省で作られた唐物茶碗。漆黒の釉薬の中に虹色に輝く銀河の集まりのような紋様が唯一無二。「曜変」とは「窯変」（焼物を窯の中で焼いた時、炎の具合で色や模様の変化が起きること。）からきたもので、後世になって「星」「輝く」を意味する「曜」の字が当てられるようになったそうです。手にとれば飽きずにいつまでも観ていられるでしょう。三菱の至宝展は、前期・後期に分かれています。かなり沢山の展示品が入れ替わるので、後期も必ず観に行くつもりです。
03Jul
- 雨の日の三菱一号館美術館
  三菱一号館美術館。少し雨模様です。晴れもいいですが、緑がまだ鮮やかな今時分は濡れているくらいが落ち着いていいです。今日は「三菱の至宝展」。現地から速報でした。
02Jul
- 隈研吾展　ネコの５原則　　東京国立近代美術館
  隈研吾展新しい公共性をつくるためのネコの５原則東京国立近代美術館２０２１年６月２６日（土）新しい公共性をつくるためのネコの５原則、略して「ネコの５原則」です。５原則とは人間のルールに縛られないネコ目線に立つと見えてくるもので「孔」「粒子」「斜め」「やわらかい」「時間」の５つです。隈研吾の建築をこの５つに分けて展示しています。建築家は難しい専門用語を並べて説明する癖がありますが、ネコ目線なので多少ハードルは下がっているかと思います。まず出発点は「建築物って四角いハコばかりだよね、息苦しくない？」というところから始まります。隈研吾は５原則に基づいてこれを打破した作品を創り出してきたのです。・「孔」四角いハコにあなを開ける。建築というハコにあなを開ければ確かに開放的になり居心地が良くなると思いますが、あなの開け方は様々です。大型の建築物は内と外ばかりでなく周りの環境を巨大な壁となって分け隔ててしまいます。それなら、建築にあなを開け反対側と出入りできるにようにし対岸まで見えるように作ったのがスコットランドの「「Ｖ＆Ａダンディー」（V&A Dundee）。V&A Dundee · About (vam.ac.uk)河辺の美術館です。米TIME誌にて「2019年世界で訪れるべき最も素晴らしい場所100選」に入っており、私でも知っていました。周囲の景観も含めて映えるので隈研吾の作品の中では勝っている建築のような気もします。・「粒子」粒子を集めて建築する。粒子とは必ずしも丸い粒を意味しません。実際の建築では６０ミリの角材のことだったりします。隈研吾はの建築物も周りの環境も粒子の集まりと捉えてシームレスな公共空間を設計するそうですが、最新の代表例はこちらでしょうか。国立競技場／隈研吾費用の問題でボツになったザハ・ハディドの妄想的巨大オブジェ、石の塊とは対極にある、日本の全都道府県から木材を集めて組み上げた粒子の集合体です。全体のフォルムはオーソドックス。負けてますねー。実際に観に行くのは暫く先のことになるでしょうが、ケレン味が無い分、どんなイベントでも観客の一体感が醸成され盛り上がりそうです。そして舞台となる競技場で勝つのは建築ではなく競技者ということなのでしょう。・「斜め」斜めのハコをつくる。四角いハコは水平線と垂直線でできています。丸の内のオフィス街は四角いハコの集まりで、水平線と垂直線だけの人工的で無機的な空間。効率的ですが息が詰まるような窮屈な感じがします。斜めの線、面で構成した空間は遊びがあっていいのですよね。でも攻め過ぎると落ち着きがなくなりますね。根津美術館とか上品でいいです。あとはこちら。私はこのくらいが好みです。オドゥンパザル近代美術館（OMM）／隈研吾周囲の建築（右側の建物）との調和を意識している分、垂直線は真っ直ぐですが水平線は変化があります。中に入ってみたいです。・「やわらかさ」ハコをやわらかくする。石や鉄で作られた建築は人にやさしくない、ましてやネコにはもっとやさしくない。ネコにとって肉球がツルツルすべるガラス、爪の立たない硬いコンクリートなどはストレスが溜まる環境でしょう。その点、古い日本家屋は木、土、和紙と人と接する部分には自然由来のやわらかい建材が使われいます。その古きよき伝統的な良さを活かした東京で観ることのできる最新の事例のひとつがこちら。高輪ゲートウェイ駅／隈研吾まだ降りたことがありません。（東京生まれの人間は地元の最新スポットに中々行かないんで。）オリンピックの前には行って確かめたいと思います。・「時間」古いハコを活かす。アートが時間を取り込んで、新しい作品を創り出そうとしたように建築でも時間を取り込むことはできないのか。古くなった建築は名所旧跡になるしかないのか？ネコはそんなこと考えそうもありませんが、その回答として古い建築やエリアでのプロジェクトも手がけています。北京の伝統的な住宅、四合院を活用した建築もその一つ。四棟の建物をロの字型に並べて中央を庭とし外側は壁とする構造の建築をリノベーション。前門の壁を内側の様子の見えるつくりにして、外側と完全に隔離していた住宅にあなを開けました。北京　前門／隈研吾正直この建築の時間の取り込み方がよくわからなかったのですが、これよりむしろ東京のＪＰタワーＫＩＴＴＥ、ＧＩＮＺＡ　ＫＡＢＵＫＩＺＡなどの方がピンと来るかと思います。展示は建築模型とパネル以外にも、映像作品や先端技術を用いた体験展示もあります。無料の第２会場では「東京計画２０２０　ネコちゃん建築の５６５６原則」というのもありますので、お見逃しなく。
19Jun
- イサム・ノグチ　発見の道　東京都美術館
  イサム・ノグチ　発見の道東京都美術館2021年6月19日(土)私にとっては今年のベスト３に入る展覧会でした。日本での活動も長かったイサム・ノグチの作品は国内で見る機会も多いので、見たことも聞いたこともない想像を超えた作品が出てくることはないのですが、展示が素晴らしかった。現代彫刻ですから壁を設けず動線もなく、３フロアのうち２フロアは撮影も自由。地下１階の展示室は中央に照明作品「あかり」を使ったインスタレーション。和紙を通して広がる柔らかな光は空間に安らぎをもたらします。展示される環境との関係を重視するイサム・ノグチの作品の世界観とも合っています。企画展は混雑していて見るだけで疲れてしまい帰りに食事でもして元気を取り戻すみたいなルーチンが多いのですが、本当は館内でゆっくり美術鑑賞して癒されるというが理想です。コロナによる入場管理もあってそういう理想的な環境を実現した展示でした。イサム・ノグチの作品は石や金属でも丸み、柔らかさ、ユーモラスさがあり、それでいて、熟練の技術による洗練された造形と質感、大胆なアイデアで斬新さがあります。個々の作品について書くのも野暮な気がしますので、撮影ＯＫだった作品の画像をいくつか並べて終わります。会期は８月２９日までですので是非実物をご覧ください。ノグチについては劇的な人生を生きた方ですので、改めて伝記か何かを取り上げたいと思います。
18Jun
- 草間彌生がドイツで「領域展開」？　
  最近アニメ「呪術廻戦」を見ていて、草間彌生のインスタレーション作品は呪術の「領域展開」（鏡の部屋なんてまさに「領域展開」）そのものだと思ったのと、２０１９年公開のドキュメンタリー映画のタイトルが『草間彌生∞INFINITY』、「INFINITY」＝「無限」というのがはまりすぎで、タイトルで遊んでみました。その日本が世界に誇る特級術師、ではなくて、現代アートの巨匠、草間彌生の大回顧展がドイツのベルリンで開催されています。Yayoi Kusama: A RetrospectiveA Bouquet of Love I Saw in the UniverseMartin-Gropius-Bau23 April to 15 August 2021Berliner Festspiele - Berliner FestspieleDie Berliner Festspiele stehen für ein Kulturprogramm, das Neues sichtbar macht.www.berlinerfestspiele.de草間彌生大回顧展宇宙へ行って見た愛の花束マルティン・グロピウス・バウ2021年4月23日〜8月15日美術手帖の記事で知りました。会場のグロピウス・バウは、バウハウス初代校長のヴァルター・グロピウスの大伯父マルティン・グロピウスが設計したネオルネッサンス様式の建築で現代アートを中心に様々な企画展示を行っています。今回の回顧展では３，０００平米の展示スペースに初期から現代まで７０年に及ぶ作品を展示しています。今ならこの展覧会の現地の様子を、デジタルアーカイブと、３Ｄバーチャルウォークスルーで観ることができます。https://www.berlinerfestspiele.de/en/berliner-festspiele/programm/bfs-gesamtprogramm/programmdetail_299677.html外国の美術館サイトなんて難しそうで観る気がしませんが、これはオススメ。文字を読むのは面倒くさい方は、紹介映像をながら見してみましょう。ディテールを見なくてもパッと見て面白いのが草間彌生の作品なので、なんとなく全貌がつかめます。そしてインスタレーションは３Ｄバーチャルウォークスルーでご覧下さい。見所は最初のホールの作品（A Bouquet of Love I Saw in the Universe）です。１６体のオブジェを並べたこの空間はまさに「領域展開」。（この程度なら花御の術式でできるだろうという意見もありますが。）妄想で３６０度全方位埋め尽くす、まさに草間彌生ワールドです。「Yayoi Kusama：A Retrospective」3Dバーチャル・ウォークスルーより　左下のボタンを押すと自動で巡回して見ることもできますし、フロアマップに戻れば自由に見たい展示室も行き来できます。インスタレーションは他にもありますので、草間ワールドの「領域展開」をお楽しみください。海外旅行が解禁されるまでもう少し時間がかかるようですので、しばらく海外の美術館はお家で楽しみましょう。草間彌生∞ＩＮＦＩＮＩＴＹ（字幕版）Amazon（アマゾン）2,000円呪術廻戦 1 (ジャンプコミックスDIGITAL)Amazon（アマゾン）460円
11Jun
- モンドリアン展　純粋な絵画を求めて　SOMPO美術館
  生誕１５０年記念モンドリアン展　純粋な絵画を求めてSOMPO美術館２０２１年６月５日(土)オランダの画家モンドリアンは、抽象絵画の創始者で、水平線と垂直線の「コンポジション」が代表作といえますが、生涯を通して作品見ていくと最新の美術を学びながら実験を続け変化し続けた画家だということがわかります。気にいった作品をとり上げながら、そのあたりを書いていきたいと思います。10 「ペイン河畔の枝を切り落とされた柳な木立」モンドリアンは初めハーグ派という風景画を描いていた。そこから印象派の影響も受けつつ独特なこだわりで創作を進めていく。この時期、枝を切り落とされた木立のある風景を執拗に描いた。木立という現実に存在する垂直線に無意識に興味を持っていたようだ。この絵は木立の奥に川の水面が見え、少し爽やかさがある。21 「にわとりのいる農家の家」印象派の描き方をした作品はこれが最後という。淡くピンク色に輝く空を逆光にした農家の手前に立ち並ぶ木々と、地面を覆う濃厚な草の緑がパレットナイフで素早く描かれている。地面には赤、白など絵の具をそのまま塗り付け描いた鶏、近くで見るとわかりにくいが離れて見ると鶏らしく見える。この後、色彩、色面の研究にテーマが移っていく。34 「砂丘 Ⅲ」この時期、オランダカイウ（花）、灯台、教会などをモチーフに色彩実験を試みた作品を描いている。実物の色とはかけ離れた強い色彩の組み合わせが多い。「砂丘」という作品は「Ⅰ」〜「Ⅲ」まで３点あって同じ砂丘の景色を点描の手法でほぼ同じ筆致で色彩を変えて描いている。敢えて選べば「Ⅲ」がいい。40 「風景」パリに移り住んでモンドリアンはキュビズムにハマる。これは分析的な手法で風景をタテ線ヨコ線に分解した上で、セザンヌ的な色彩配置を用いたような作品。アートが好きな方が見れば、キュビズムとセザンヌの合わせ技だ！と必ず言うと思う。43 「色面の楕円のコンポジション２」景色を元に描いたことが資料からわかっている作品。縦長の楕円の中にたくさんの黒い線で描かれた四角がピンク、オレンジ、水色で塗り分けられている。右側には看板の文字、アルファベットのＵ、Ｂが残っている。何も知らなければ模様にしか見えない。しかしキュビズム的分解から構成の段階に進み始めたことが伺え、このあたりから他者の追従ではないモンドリアン独自の造形が始まる。46 「色面のコンポジション No.3」３つの色を四角に切った色紙を置くようにいくつも配置し、線は一切ないシンプルな作品。３つの色は色彩の三原色にする構想だったが、新しい表現を受け入れる土壌が世間にはないとみたモンドリアンは受け入れやすい淡い色合いの三原色、茶、灰青、薄桃色、に変更したという。自らの造形理論が見えてきた頃の作品。47 「夕暮れの風車」経済的にやりくりするために描いたという一点。夕焼けを背に黒くそびえ立つ風車小屋が見上げるような角度でダイナミックに描かれている。ピンク色の夕焼け雲の描き方がパターン化した模様のようで抽象絵画的ニュアンスを感じられる。51 「大きな赤の色面、黄、黒、灰、青色のコンポジション」1921年の作品。展覧会のポスターにもなっているこの作品はモンドリアンの代表作にして抽象絵画の到達点。この方向でこれ以上ふり切るのは不可能だろう。画面を黒い線で区切り、原色で塗り分けた完全な平面絵画。実物の塗りは雑で筆の後が見えるし、塗りムラもある。黒い線もカンバスの端に届いておらず少し空きをとっていて、アナログ感があるのが意外。模倣して描くのは簡単でも作り出すのは困難な作品。今回の企画展は展示数は少ないものの、時系列に初期の作品から並んでいて、モンドリアンの考え方の変遷がよくわかります。アート初心者も入りやすくオススメでしたがチケット完売、コロナによる休館で予定通り終了となりました。仕方がありませんが勿体ないことです。
05Jun
- SOMPO美術館
  SOMPO美術館に来ました。モンドリアン展です。これから入館。現地から速報でした。