大野眞嗣　ピアノと共に、音楽と共に

842.感受性

昨日、北海道から初めてレッスンを受けに来た青年。私がモーツァルトのソナタを一段弾いた。目に涙を潤ませながら「こんな音、初めて聴きました！」と言ってくれた。なんと耳が良いのだろう。なんと感受性豊かなんだろう。なかなかそんな人はいない。将来が楽しみな逸材だ。

841.宇宙が小さい

スクリャービンの幻想曲 作品28のレッスンをして感じた。音量の問題ではない。どんなに小さな音でも無限に広がる果てしなく大きな宇宙が内存されていなくてはならない。出だしの1フレーズを何度も何度も弾かせた。試行錯誤を繰り返しながら響きの種類を変えてみる。鍵盤の深さ1センチの中に存在する多様な可能性を探る。音と音とが解け合わなくてはならない。音と音とが共鳴しなければならない。無限の色彩が聴こえてこなくてはならない。悲劇的な色、表情。聴くものを一瞬にして日常から非日常の感覚にさせなくてはならない。

840.二コラーエワの演奏

リブログ記事839.”奏法の力”

838.音楽に相応しい響き

美しい響きを追求するという意味において、一個人としてはそれを追求する者がいたとしても旧ソ連ほど、そのことを伝統としてメソッドを確立した国はないのではないか？もちろん、個人差もあり流派もあり、その実態は皆が同じというわけではない。それぞれがそれぞれの美を追求した結果の個性が確実に存在し、当然ではあるが画一的ではない。だから、ロシアだから同じという印象を持つことは大きな誤解だと思う。それに対して、西側の音楽家で響きに関して残念ながら良い教育を受けていないが才能豊かで音楽が超一流という演奏者がたくさんいると思う。日本人の演奏家にもいえることだと思う。わたしはつねづね、このことを残念に思う。これは誰かにきいた話。ある弦楽器の演奏家があるピアノ演奏者に対して言った言葉。「あなたはそんなに素晴らしい音楽を持っているのに、そんな響きで弾いていてはダメだ」この考えは、ピアノ奏者に対しての弦楽器奏者や声楽家の多くの方が持っているのではないか。才能ある、魅力ある素晴らしい音楽の持ち主ほど、己の響きも磨かなくてはその、せっかくの良い音楽が本当には伝わらないのではないか。音楽に相応しい、それなりの響きが伴うことは大切だと思う。

837.ホロヴィッツの秘密

テクニックを発見するということに終わりはない。最近、毎月のように新しい発見があり更新されていっていることに我ながら驚いている。先週もホロヴィッツをはじめとしてソコロフ、ガヴリーロフ、ニコーラエワの奏法の秘密。非常に重大なことを、また1つ解明することができた。なるほど、わかってみるとそういうことだったのかと思う連続である。いつも、もうこれですべてわかったであろうと思うのだが毎月のように覆される。半年前の私と今の私は大きく違う。これは非常に喜ばしい。ピアノを探求することのおもしろさを実感する。やればやるほど、そのスピードは増していっているように感じる。それにしても、あきらめてやめていった生徒たちのことを思うと残念というかもったいないと心から思う。やはり精進あるのみだと痛感する。勉強に終わりはない。

836.プロコフィエフへのきっかけ

私が日本での大学時代お世話になっていた広瀬康先生（桐朋学園大学教授）。先生は、ドイツに留学中にモスクワのゲンリッヒ・ネイガウスの弟子であったエフゲニー・マリーニン教授の下へ通っていたそうで、チャイコフスキー国際コンクールでも受賞されている。今、思えばロシア（当時はソ連）との出会いは、ある意味で広瀬先生を通してが初めてだったのかもしれない。先生ご自身、ロシア作品における深いご理解があったからこそ、私自身がロシアの作品を積極的に弾くようになったのかもしれない。それにしても、大学2年生の時、いきなりプロコフィエフのソナタ第8番を勉強しなさいとおっしゃっていただいたのが広瀬先生で、先生の十八番でもあり、私がなかなか作品を把握できないでいたのだが、先生の的確なご指導により、今から思えば稚拙ながらも作品の何かを感じ取り演奏することができたように思う。あの時プロコフィエフの8番のソナタを勉強したことは、後になって大きな財産となったように思う。まったくもって広瀬先生のおかげだ。それにしても、あの大作と向き合った当初、右も左もプロコフィエフのことがわかってなかった私だったので、ひとことでいって「なんだこれ？」状態だったのには我ながら笑える。先生にも「ここは何を感じて弾くべきですかね？」などと稚拙な質問を投げかけたのを覚えている。そんな私を一生懸命、作品の世界へといざなっていただいた先生には心から感謝。そしていつからか、先生のおかげでロシアへのあこがれが芽生えたのかもしれない。にほんブログ村

835.無言のNo

ディーナ・ヨッフェ先生とはかれこれ10年以上のお付き合いをさせていただいている。先生の今までの人生においてのさまざまな耐えがたき経験、境遇を今ここに改めて述べるまでもない。普段のヨッフェ先生は、そのようなことを経たからこその真の愛情に満ちたやさしさ、きびしさを持った方であり会話もユーモアに富んだ朗らかで笑みが絶えない。ただ１つだけ、不思議な面がおありでわたしは慣れないうちは戸惑ったものだ。それは私の質問に対する先生の答えが、おそらくNoだった場合。先生はNoとは言わず、無言になられるのである。一般に西洋人はNoとはっきり自己主張するのだが、先生の場合はときに違う。YesでもNoでもなく、まるでわたしの質問がなかったか、きこえなかったかのように何事もなかったようにふるまうのだ。わたしは、このことについてあえてふれることはしないでいる。何かとても大切なふれてはいけない何かを感じとったから。思うに、想像の世界だがソ連時代のしかもユダヤ系という立場で遭遇せざるを得なかった経験に基づく先生ならではのご自身を守るためゆえのことなのではないか。そんな先生だからこその明るさが、わたしには眩しく見えてならない。

834.慈愛

今、シューマンの子供の情景作品15の1曲目「見知らぬ国々と人々」のレッスンで思った。弾くという意味では、さほど難しく無いと思うが、作品の内容を表現するのは大変難しいと思う。何人もの生徒たちが、この曲に苦戦している。今、率直に思ったのは、この世に存在する作品の多くは哀しみを表しているということ。長調の曲で一見喜びを描いている作品でも、哀しみと喜びは表裏一体であり、わたしにとって殆どの作品が究極的には哀しみの世界だ。そこには、優しさ、温かさ、嬉しさ、はかなさなど、慈愛に満ちた哀しみだと感じる。天才が遺した世界とはそういうものだと思う。雪がしんしんと降り積もる外の世界から暖かい暖炉の部屋に入った時のような、人の優しさにふとふれた時のような慈愛の精神に満ちている。

833.きく

「きく」。音を聞くと音楽を聴くというように漢字のイメージがわたしは異なる。物理的かそうではないかの差。この「きく」ということ。特に若い人はきいているつもりで、きききれていないといったら良いのか、要するにきいていないと感じさせる演奏をしばしば耳にする。きくという行いに、実は何段階も差があるように思う。残念なことに感覚的なことなので、演奏から判断するしかないのだが、例えば1から10まで段階があったとして10きいている人が5しかきいていない人の演奏に物足りなさを感じるだろう。やはり、経験と年齢を重ねなければきこえてこない領域というものが一般にはあるのかもしれない。もちろん例外に該当する人もいると思うが。きくということの奥深さ、繊細さ、難しさ、大切さを改めて感じる。自分はまだきこえてこいないのかもしれないと思い続けることは大切なのかもしれない。世の中、慢心しては何事も進歩しないことばかり。一生が模索の連続なのだろう。「きく」。音楽家にとって当たり前なことだが、精進し続けなければいけないこと。

832.美意識

要するに美意識だと思う。何をもって美しいという定義は人によって異なる。だからさまざまな美が存在してよいのだが。それにしても、ピアノを演奏するうえで本当に美を求めているのか？と考え込んでしまう時がある。想像するに、往々にして耳がきこえていない、耳を使っていない場合が原因になっていることが多いような気がする。このことは非常に基本的なことなのだが、実はおちいりやすいことでもある。特に若い人に目立つ。「きく」よりいかにうまく「ひく」意識が優位になった場合に生じる。うまく弾くには、うまく弾くことを思うより、どこまできくことができるかが大切だと思う。という基本的なことをここで言いたいのではない。そのようなことは当たり前のことで、その先のどんな美を求めるのか。どこまで美意識が洗練されているのかということが大切で意識しなければならないと思う。例えば、ある種の傾向、方向の美を求めるとする。その種の美の度合い。それが大切で「美しい」よりより美しいという意味で「麗しい」という。本当に自分が求め、達成している領域の演奏が「麗しい」というレベルに到達しているのかを自分自身に問わなければならないと思う。上には上がある。それを感じられる感性を磨くことは大切だ。

831.音の呼吸

音楽には呼吸が必要だ。誰もが思うこと。わたしも思う。そして、音楽同様、音そのものも呼吸するべきだ。息を吸って吐いてる音。従来の奏法では残念ながら音が呼吸しないで、かたまってしまっているように感じる。よって音楽にもそれが影響してしまい呼吸がなくなってしまう。呼吸していない音をきくと、とにかく息苦しい。いわゆるカチカチとした音。エネルギーの行き場を失っている音とも感じる。そうではなく、生命が宿っている音でひかなくては音楽そのものが生きてるとはいえないと思う。

830.鎖国

昨夜、ある方からうかがった。日本の絵は、江戸時代、鎖国状態にあったから独自の世界が繰り広げられ発展していったのだそうだ。ちなみに、いわゆる日本画と呼ぶべき作品が描かれたのは明治維新後のことらしい。音楽に置き換えて考えてみると、ロシアに戻る前のソ連の時代も同じではないか？と思った。今のモスクワ音楽院よりも、ソ連時代のモスクワ音楽院、もっと言ってしまえば、ソ連時代の音楽家の方がレベルが高かったように思う。そこには、情報が個人には簡単に入ってこない環境というのが良い意味で働いていたように思う。情報が簡単に入ることで、皆同じように均一化されてしまい、個性が乏しくなってしまう。ホロヴィッツやリヒテル、ギレリスたちなどの個性的なピアニストはそれぞれが圧倒的な存在を持っていた。そんなピアニストはもう生まれてこないのかもしれない。政治と芸術の深いかかわりを感じる。

829.鼻濁音

鼻濁音。「わたしが」と発声するときの「が」を「んが」と鼻にかかったように発声すること。現代の日常の日本語ではほとんど使われなくなってしまった発声。これ、音楽上でも同じようにイメージすると良い。例えばG-Fis-Gという旋律の時。この場合、間にあるFisは音程を高めにとることが多い。しっかり打鍵してしまうと音程が低くなってしまい、鼻濁音ではない「が」の音になってしまう。そうではなく、より自然な音楽にするためには鼻濁音の「んが」をイメージし、音程を高めにとった方が良いと思う。そうきこえるようにするには、倍音量を増やして響きがより上にあがれば良い。そのためには、瞬時に鍵盤の底から指先が離れなければならない。フレーズの中に鼻濁音は存在しなければならないし、その繊細な表現を大切にしなければならないと思う。

828.バロックや古典派の演奏

ルートヴィッヒ・ヴァン・ベートーヴェンはその生涯に7台も使っていたピアノを変えたという。32曲のピアノ・ソナタを弾いてみると時代により作風は発展を遂げ、使っていた楽器の性能も向上していったことがうかがえる。思うに、ピアノという楽器が現在のようなソリスティックな地位を得たのはロマン派以降の時代になってからだと思う。ゆえにバロック、古典派の時代では、まだある意味で地位の確立されていないピアノ、言い換えるならば鍵盤楽器の存在はあったし、実際に鍵盤楽器のために作られた作品は多数あるのだが純粋に鍵盤楽器のために作られた(例えばショパンやリストのように)ようには考えにくい。それでは、その頃の作曲家はどうだったかというと、おそらく彼らの頭の中には弦楽器や声楽が発想として浮かび、音やフレーズのイメージも同様に鍵盤楽器の発想ではなかったに違いない。簡単にいってしまえば、同じ音価の音であっても長さや大きさなどや表の音なのか裏の音なのかというような類の発想が実際の当時の鍵盤楽器の性能をはるかに超えて非常に豊かだったに違いない。バロックか古典派を弾く時に、そのようなことを念頭に置いて演奏することが大切だと思う。例えば実際にヴァイオリニストの弾くバッハの無伴奏作品をきくと、いかに自由な発想で表情豊かに演奏されているのが実際のところだろう。ピアノで弾く場合も同じことであり、まるで博物館に陳列されている美術品のような演奏を多く耳にするが、私には残念ながら違和感を感じる。もっと自由に表現豊かに弾いていいと思う。現代社会は情報がありすぎて、私は昔に比べて人が自由に生きていないような気がする。そんなことをシューベルトのソナタをききながら考えた。

827.ダイヤモンド

今、スクリャービンの24のプレリュード作品11をレッスンしていて感じたこと。スクリャービンの演奏に絶対不可欠な香り。それを生徒に説明するのに、ふと、思いついた表現。それは、全ての音に宿ってほしいもの。それを例えて、ダイヤモンドに光が当たった時にほのかに放つ反射の光。音は次から次へと押し寄せ、去っていく。その去っていく時に、残り香のようにダイヤモンドが放つ反射の光が存在するべきだ。それは究極の指先の脱力をもってして生まれる。ほんの少しでも鍵盤の底を長くふれすぎては生まれない光。その光が消え去る瞬間に次の音へと受け継がれていく独特のレガート。そこにスクリャービンの魂が宿る。

826.この世とあの世の狭間

今、シューベルトのハ短調の遺作のソナタのレッスンをした。なんと深遠な悲しみ、苦しみに満ちた作品だろう。余りにもの作品の素晴らしさに我を忘れて、生徒の演奏に深く介入し過ぎてしまったような気がする。何も生徒の演奏に問題が多々あるからではなく、私がシューベルトの世界に引きずり込まれてしまっただけのこと。挙げればきりがないほど、タッチのこと、和声のこと、ペダルのことなど次から次へとアイデアが浮かんできてしまい生徒に示唆してしまった。実はこの曲は私自身にとっても思い出深い曲であり、オーストリアのザルツブルクに留学して2ヶ月目に勉強させられた作品であり、当時の私にとって作品が難解過ぎて大変苦労したのを覚えている。当時は、私にとってこの作品は音楽的だけならず技術的にも大変難しく弾くだけでも精一杯だった。それは置いておくとして、今の私にとっては当時の私にとってとは比較にならないほど作品との距離が縮まった。レッスンをしていて、何故かスクリャービンの作品を弾く時に近いタッチ、響き、色彩、ペダリングが随所に私の頭の中に浮かんできた。音楽の内容が持つ何か。それは、この世とあの世の狭間を往き来する世界。それを感じ、それを表現するために、あえてハーモニーが変わってもペダルを踏み変えないで、カオスのような空間を作る。それは濁っていると思う人もいるかもしれないが、私にはその濁りが混沌とした非現実的な世界を彷徨うというか、その世界から抜け出たいものが出口を探し求めて苦しんでいるような、または悪夢にうなされて必死にめざめようとしているかのような感覚を覚える。まあ、歳をとらなければ理解できない世界が描かれている作品なのかもしれない。神に近づいてしまったシューベルトの世界。

825.基本のタッチ

基本のタッチ。ロシアピアニズムでは、弾くというより置くという感覚で音を紡ぎ出す。しかも、音に空気を含ませる方が音は飛んでいくと思う。その際、物理的に良いとか美しいだけでは音楽には使える音にはならない。そこには、主義、主張、哲学、品格が備わってなければならない。奏者の生きているステージや思考、感受性、教養などの全てが丸裸になって聞こえてきてしまう。大変興味深いことだ。

824.様々な音

今、モーツァルトのハ短調の幻想曲をレッスンしていて、最初のフレーズから何度も何度も弾かせている。それぞれの音の役割を探求することは非常に興味深い。例えば、吸引力のある引っ張る音と開放された音があるとする。引っ張る音は鍵盤の上で指を手前に引っ張ると、なるほど緊張感のある音になってみたり。思うのだが、作曲家の若い頃の作品と晩年の作品では、それぞれの作品の持つ音のキャラクターが異なるように感じる。作曲家にもよると思うが、例えばモーツァルト。晩年の作品には、暖かくて丸くて重めの音が相応しいように感じる。そして、テンポ感も遅くなるような気がする。これがスクリャービンになると、晩年になるほど、音は軽くなり、音というより香りを伴った空気のように感じる。おもしろい！

823.そもそも

従来のテクニックとロシアピアニズムのテクニックの相違点。何と言っても、始点が違う。始点？要するに指の初動。従来のテクニックは、指先が宙に浮いている状態が始点。そして指を下に下げる運動。ロシアピアニズムのテクニックでは、指先が鍵盤の底にもたれている状態が始点。そしていかに腕の重さをかけないように調節する。よって手首で上方向にエネルギーが生じる。真逆。そもそも・・・ぶつぶつ。にほんブログ村