大野眞嗣　ピアノと共に、音楽と共に -120ページ目

大野眞嗣　ピアノと共に、音楽と共に -120ページ目

ホームピグアメブロ

芸能人ブログ人気ブログ

07Sep
- 204.ショパン　エチュードop.25-11、op.25-12
  ショパン　エチュードop.25-11第５小節、半音階の右手下行音型は３，４，５の指で受け持ちますが、この指に重心がかかるように、１の指の付け根の手首の部分で下から持ち上げるように支えます。その上、手首を右に少しだけ回転させます。これにより基本のポジションが出来上がります。そして３，４，５の指の打鍵は鍵盤の奥の方向に手首からもたれて載せていくだけです。間の音は１，２が受け持ちますが、基本的に触れるだけで十分です。第９小節、Ｅ－Ｈ－Ｄ－Ｆ－Ｅ－Ｈの音型は、Ｅ５の指ではもたれ、Ｈは２の指で触れるだけ、Ｄは４の指でもたれ、次のＦは手首で下から支えながら１の指で触れるだけ、Ｅは５の指でもたれ、Ｈは２の指で触れるだけです。41小節、左手に半音階が移ります。ここでは１，２がメロディーを受け持ちますが、手のひらの重心は、やはり５に感じます。そして１，２の指は１の指の付け根の手首の部分で下から持ち上げるように支えながら、鍵盤の奥のほうへ斜めに打鍵しながらもたれていきます。やはり、間の音は触れるだけで音の粒を聴かせるより響きで十分です。第17小節、２拍目、左手の３連符は難しい箇所として有名ですが、最初の和音Ｇ－Ｂ－Ｅを摑まずに、Ｅの音、１の指に重心を置き、次のＨは手首で支えながら５の指は触れるだけ、次のＣは４の指で鍵盤の奥のほうへ手首を移動させながらもたれます。ショパン　エチュードop.25-12両手のユニゾンを弾くときに、右利きの方の場合は、往々にして左手がいい加減になりがちです。まず、ひとつの方法として、左右交差してゆっくり練習することをお勧めします。この曲の場合、アルペジオを摑んでしまいがちですが、作品10－１同様、手のひらを広げすぎないことが大切だと思います。あくまでも緩んだ状態を保つことです。さらに移動する際に手首をうまく使うことです。　第１小節、Ｅｓ－Ｇ－Ｅｓ－Ｅｓとなりますが、Ｅｓは１の指でたっぷりとした音を出すために鍵盤にもたれます。この曲の場合、下に向かって手首から落とし、瞬時に手首の中が空になった状態にし、腕の重さを逃がします。決して押し付けてはいけません。次のＧは手首を斜め右上に持ち上げながら触れるだけです。そして次のＥｓで１の指の付け根の手首の下の部分から鍵盤の蓋の方に重さを逃がしながらもたれます。そして次の１の指は高いポジションのままもたれるのです。クリックお願いします！にほんブログ村
02Sep
- 203.ロシアピアニズムの奏法に移行すること
  みなさんが奏法を変えることをイメージするとき、そこには身体的な使い方を変えるというイメージが思い浮かぶのではないでしょうか？確かに、それは事実で、一般的なドイツ系の奏法とは真逆と言っても良いくらい身体の使い方が違います。しかし、奏法を変えていくということに於いて、実は身体よりも音の聴こえ方、いわゆる耳の使い方が変化しますし、そこには、それまで感じなかった音色、もしくは現代のピアノという楽器から出てくる表現の幅というものに新たな発見、もしくは新たな認識ということが伴うのです。ですから、奏法を変えていく段階で理想的と思いますのは、イメージする音色がまず表象として浮かぶことで、そういう音色を求めるから、そのためには身体はどう使うのか？という順序がよろしいかと思います。そのイメージする音色自体が多種多彩でなければならないと思います。私自身の今までの経験から、ピアノという楽器の音色というものの認識が、以前はいかに狭かったかを実感します。他者の演奏はもちろん自分の演奏に対しても、そのような音色が存在することさえも気がつかなかったとも言えます。自分自身がそうでしたから、皆さんも同じだとは断定しては失礼なのかもしれませんが、一般的に私のもとへ来る生徒たちの多くは最初のレッスンに於いて音色が聴こえません。ですから、１度だけレッスンを受けたまま連絡がない方、または聴講してもピンとこない方の方が圧倒的に多いのです。多分、この２０年間で、２００人以上の方がそのパターンでいらっしゃるような気がします。今から思えば、笑い話ですが、ある学生さんが私のレッスンを聴講して帰り、ご自身のブログで何も得ることはなかった・・・それにしてもタバコ臭かった！と書かれてしまったこともあります。（笑）ちなみにレッスン室では絶対喫煙しませんので、タバコ臭いということはないはずなのですが・・・。私から言わせれば、音色が聴こえないのはご自身の耳に問題がある、要するに耳の使い方が悪いだけの話で、そのような方の演奏を聴かせていただくと、かわいそうなほど音色の種類がなく、場合によっては１色だけで１曲を弾き切ってしまう場合も多々あります。それに対して、好奇心旺盛な方なのか？もしくは音色は聴こえなくても、身体的に弾き方が楽だと実感できる方は、その後もレッスンを受けにくることになります。もし、最初の段階で音色が聴こえなくても、レッスンに通っている間に、だんだん聴こえてくるケースが多いのです。音というのは目に見えませんから、本当に感覚的なことであり、それを教えるのは大変難しいと今現在でも思います。正直、初めてレッスンに来た生徒が、学生にしろ大人にしろ非常に才能豊かな演奏をする方だったとしても、残念ながら、その方自身が音色が聴こえないために、私のレッスンに手ごたえを感じることができずに、継続してレッスンに見えないケースがいかに多いことか！ロシアピアニズムの奏法ならではの響き、音の発声、美しさなどなど、その魅力は無限にあると感じます。ですから、奏法を変えるということは手や腕の使い方はもちろんですが、何よりも耳の使い方を変えていくことを意味することを、ここで申し上げておきたいと思います。　クリックお願いします！にほんブログ村
01Sep
- 202.和声進行が持つ音楽のだいご味
  最近レッスンをしていて思うことは、和声の進行についてです。音楽の３大要素と言われる「メロディー、リズム、和声」の中の１つであり、私個人としてはこの３大要素が重要であることに異論はありませんが、中でも和声の役割が音楽の解釈を決める上で１番重要に感じるようになりました。これは、特にロシアピアニズムの奏法になってから感じるようになったことで、もしそれ以前の奏法であったら感じなかったかもしれないと思います。なぜなら、ロシアピアニズムの奏法では、響きが膨らみ、その響き、１つ１つの音、響きが混じり合うので、和声の色がよりはっきりと表現できるからです。そして、まず主和音を中心に考えますと、その主和音は、いわば家であり、遠くのハーモニーに行くほど、主和音から遠くにいるという感覚を持つことが大切なことの１つに感じます。また、和声の進行によって、その移り変わる瞬間に、ある種の神秘的な要素を感じる瞬間があります。この瞬間は、音楽が持つ奇蹟と言っても良いほど特別な瞬間であり、何とも形容しがたい感覚を覚えます。演奏者は、それを感じるのはもちろんですが、それを具体的に表現しなくてはならないと思いますし、その瞬間、和声の変わる瞬間に、その音楽が持つだいご味が存在することを感じなくてはならないと思います。このことは、CDを聴く時にも同様であり、聴き手は演奏の和声の進行を中心に聴くことが大切に思います。そうすることによって、その演奏の枝葉の部分ではなく、幹の部分を聴くこととなり、その演奏の真の意味での解釈、演奏者の音楽に向かう姿勢など、根本的な中心部分から聴くことができると思います。もちろん、これは和声の進行を中心に考え、感じ、実践している演奏に限られてしまいますが。話を演奏する側に戻しますが、演奏者は和声を分析して、頭で、理屈でわかっているというだけでは不十分であり、そんな理屈はむしろ演奏行為の上では邪魔な存在で、それよりも感じることができる耳と心、要するに感覚が重要だと思うのです。その感覚が反映されていない演奏は、私にとっては無意味で空虚な演奏に感じられてしまうのです。　クリックお願いします！にほんブログ村
28Aug
- 201.ニコライ・サラトフスキー・サロン・コンサート
  昨日、拙宅に於いて、ニコライ・サラトフスキー氏のサロン・コンサートを催しました。モスクワ音楽院にて、エレーナ・リヒテル氏に師事。モスクワ市内の音楽学校で指導もされています。浜松国際ピアノコンクールに入賞など、まだまだ若い演奏家ですが、素晴らしい演奏をなさってくださいました。プログラムシューマン　ウィーンの謝肉祭の道化シューベルト＝リスト　ヴァルス・カプリス第６番アルベニス　イベリアより　港、トゥリアーナ舞曲ラフマニノフ　プレリュードより３曲リスト　スペイン狂詩曲アンコールレクオーナ　マラゲーニャビゼー＝ホロヴィッツ　カルメン幻想曲ショパン　華麗なる大円舞曲クリックお願いします！にほんブログ村
25Aug
- 200.ディーナ・ヨッフェ先生の演奏
  先日、ザルツブルクの講習会からお帰りになったばかりのディーナ先生とネットでチャットをしていましたが、なんでも先生希望の日本人受講生が多かったそうな。。。ディーナ先生が、日本に於いて、そんなにも人気があるとはつゆ知らず、なれなれしくさせて頂いていることには、改めて感謝の気持ちと尊敬の念をもたねばと思った次第です。今年は、大変忙しく、秋の浜松国際コンクールの審査員で来日されますが、東京に来る予定はないとかで、浜松で会おう！と言われてしまいました。それはともかく、今日掲載した、先生の演奏。スケルツォ２番なんて、聴き過ぎて・・・と思う方も大勢いらっしゃると思いますが、この演奏はもの凄いです！！！そんじゃそこらにありふれて腐りかけているスケルツォ２番とは全く違う演奏です！！！そこには「凄み」さえ感じられます。聴いていて、今度はどんな感じなんだろう？とわくわくしながら聴いてしまいます。「ショパンコンクールの真の覇者」と呼ばれているディーナ先生の、ショパンの魂に迫る演奏だと思います。クリックお願いします！にほんブログ村
- 199.確固として存在する響きの上流社会
  先日、ある生徒のレッスンをしていて思ったことなのですが、その演奏、その生徒の出す音の響きの美しさに、なんともいえない心地よさ、敢えて例えるならば、ベルベットのような光沢のある、私の琴線に触れる響きと申しましょうか、ピアノという楽器から鳴っているのですが、何か、その楽器からなっているとは思えない、どちらかというと人の声のような性質を持った響きであり、昔、ニコラーエワ先生の音を聴いた時の感動を呼び起こさせるような響きなのです。私の知る限り、このような類の響きはロシアピアニズムの特徴であり、改めて、私がそのような響きに惹かれることを実感しました。以前にも申し上げましたが、このような響きが聴こえる、誰にでも聴こえないのが残念であり、不思議なことにも思います。あのニコラーエワ先生の極上の響きが、その場に居合わせた受講生全員に聴こえていなかったであろうことは想像できますし、聴こえる人にしか聴こえない、もしくはそのようなレッスンや音源を聴くうちに、だんだん聴こえてくるというのが現実なのです。私は、この２０年間、そのような響きを追い続け、そして、出来るならば生徒全員にそのような響きが出せるようになることを願いつつレッスンしてきましたが、残念ながら、その領域に達した生徒は数少ないのです。先に申し上げました、ロシアピアニズムの特徴でありますが、さりとてロシア人ピアニスト全員が持っていないのも現実です。ですから、ある一部のロシア人、もしくは、ロシア人でなくても、ある一部のピアニストだけが持っている、響きの観点から考えた、ある種の上流社会のようなものが、全世界のピアノ界には存在するのです。先日催された、ロシアン・ピアノスクールin 東京で、パーヴェル・ネルセシアンが極上の響きをレッスンで出していたと思いますが、その響きを聴きとることができた受講生、聴講した方は残念ながら少ないことは予想がつきます。そこには、自分自身の音と同じであるという、大きな誤解に基づいた、ある意味では慢心であり、日本のピアノ界の教育の結果なのかもしれませんが、響きを聴くという耳の使い方が出来ない、その結果、真のレガートを知らない、真のレガートが出来ないのが現実で、非常に残念なことだと思います。　クリックお願いします！にほんブログ村
23Aug
- 198.内田光子氏のインタビュー
  私はロシアピアニズムと出会う前から、内田光子氏の演奏が好きです。彼女のピアニズムは、ロシアではありませんが、ピアニズムを越えて聴衆を魅了する力があると思います。私は皆さんご存知のように、ロシアピアニズムに傾倒しておりますが、良いものはピアニズムを越えて存在するものだということを、彼女の演奏から感じることが出来ます。この動画を私は留学中のザルツブルクにて、テレビで放送されたのを見ました。当時はドイツ語がまだよくわかりませんでしたので、半分は推測でしたが、彼女のドビュッシーに対する哲学がここにはあると思います。にほんブログ村クリックお願いします！
18Aug
- 197.ロシアン・ピアノスクールin東京
  今年も、ロシアン・ピアノスクールが行われています。この催しが行われていることは非常に良いことだと私は思います。私も過去に聴講しましたし、今年も私の生徒たちが聴講に行っておりますが、異口同音に感想は同じです。２台のピアノで、先生と生徒がなぜ？こんなにも違うのだろう？と思われる方も少なくはないでしょう。私の友人であるパーヴェル・ネルセシアンが生徒と同じ曲を弾くと、同じ曲とは思えないほど、より繊細にそしてより大胆な表現をすることができるのです。この催しは、そのことをご自身の耳で確認できる良い機会だと思います。<p＞このブログで何度も申し上げてきましたが、ロシアのピアニズムと日本のピアニズムを比較した時に、その差は歴然であり、それを思われない方がいるとすれば、その方の耳は残念ながら聴こえないのだと思わざるを得ないのが正直なところです。この現実を、日本のピアノ界は真摯に受け止め、教師も生徒も根本から、初心に帰ったつもりで研究、勉強をし、より良くなっていくことを願わずにはおれません。にほんブログ村</p＞
17Aug
- 196.ネルセシアン・リサイタルのお知らせ
  パーヴェル・ネルセシアン先生のリサイタルが、１０月に東京と山口で行われます。素晴らしい彼の世界を満喫できると思います。にほんブログ村
12Aug
- 195.アレクセイ・スルタノフ夫人を迎えて
  今日は、世界的ピアニストだった、今は亡きアレクセイ・スルタノフの夫人でありチェリストのダーツァ・スルタノフさんと弟でやはりピアニストのセルゲイ・スルタノフさんが我が家へみえました！！！演奏を聴かせていただいたり、アレクセイ・スルタノフのこと、そして彼の先生であるタマーラ・ポポヴィッチ先生の話題など、とても楽しいひと時でした！！！クリックお願いします！にほんブログ村
07Aug
- 194.おたく
  クラシック作品は芸術です。そこにははかり知れないほど、深みや重みというものがあります。だからこそ何百年経った作品でも、すたれることなく演奏されるのです。最近の若者の演奏を聴いていて感じることがあります。これはパーヴェル・ネルセシアン先生も雑誌のインタビューで語っていたことなのですが、技術的に弾けているだけで、内容を理解していない、表面的に演奏をする若者が多々いるということについてです。現代社会の日常生活というのは、作品が作られた時代とは違い、便利で物や刺激であふれています。それが原因ゆえか、日常生活の感覚で芸術作品を、気がつかないうちに捉えてしまっているのです。ですから、作品を演奏する時に必要な様々な物事を求めていないし、求めようとさえもしない、求めなければいけないということにさえ気がついていないかもしれないということです。要するに、現代社会に於いて必要とするものを考えたときに、人は健康やお金や仕事を求めますが、音楽を第一に求めるわけでもなく、またその必要もない社会なのです。芸術作品と対峙するということは、例えて言うならば、この現代の都会の生活が日常生活であり、何の不便もない満ち足りた生活を送っている人が、敢えてその社会を捨てて、南の孤島に眠っている宝を手漕ぎボートで一人で探しに行くというような、まったくもって非現実的なことをすることに似ていると思うのです。芸術作品は孤島に眠る宝のようなものであり、特別な物なのです。現代社会で生産されているオートメーションで作られている製品とは違うのです。そのような宝を、敢えて自ら能動的に全ての犠牲を払ってまでも求めることであり、現代の日常生活の中の感覚では、決してありえない行為なのです。これは、言ってしまえば、現代風の「おたく」でなければ、音楽など求めないし、「おたく」だからこそ、孤島に眠る宝にたどり着くことができる、そして、そこには音楽の持つ真の喜びというのがあると思うのです。真の喜びは、たやすく手に入るものではありません。人生をかけてたくさんのエネルギーと時間を費やした人だけが得られる「特別な物」だと思います。私の友人が言っておりましたが、茶道の世界に置き換えたときに、真の抹茶の味を知るより、たやすく抹茶風味を楽しむ人々で溢れかえっているということです。アマチュアの方ならいざ知らず、プロの世界でも残念ながら感じてしまうことです。抹茶風味で満足していては、真の音楽をする喜び、醍醐味を味わうことは出来ないのだと思います。現代社会がどうであれ、一人間として、何物にも増して能動的に音楽を求める。「おたく」でなければ、音楽の世界に限らず、どの分野に於いても、その道で極めることは出来ないのだと思います。　クリックお願いします！にほんブログ村
01Aug
- 193.温度の高い演奏
  私は子供のころから東京藝大の先生に師事し、今から振り返ってみると、非常に厳格なレッスンを受けて育ってきました。それは、ある意味で落ち着いていて冷静な演奏を求められていたような気がします。芸術作品に対する真摯な姿勢であり、それはそれで良かったと思います。そして、高校生の時から桐朋の先生に変わったのですが、レッスンの内容があまりにも違うのには驚きでした。「なぜそんな簡単そうな顔をして弾くのだ？」「そんな気持ちでは聴いている人に思いが届かない！」「もっと一生懸命弾きなさい！」などなど。それはそれは怖い先生で、スパルタ教育でした。先生は目と鼻の先のソファーに座っていらっしゃるのですが、「そんな音じゃここまで聴こえな～い！！！」としょっちゅう怒鳴られ、私は必死になって弾いたものです。（笑）どちらの先生も、たまたまそのようなレッスンをするというだけで、それぞれの大学の先生全員が同じであるとは申しませんが、なんとなく、時が経ってみると、それぞれの大学の生徒の演奏を聴いていると、そのような伝統、傾向があるような気がします。ここではどちらが良いということは申し上げられませんが、１つ思うことがあります。演奏する時の気持ちの持ちようというか、頭の状態なのですが、ある程度の弾く意欲というか、聴いている方に伝える意欲のようなものが必要な気がするのです。冷静で緻密な印象を与える演奏は、私が思うに温度が低い演奏であり、演奏に必要な何か？が足りない、物足りなさを感じます。最近、生徒たちの演奏を聴いていて思うのは、やはり良い演奏というのは、どこかで冷静な部分を持ちつつも、基本的にテンションの高い、温度の高い演奏ではないか？と思うのです。それは、弱音やゆっくりと落ち着いた作品を弾く時でも同様の状態であるべきだと思います。そのような状態で弾いてこそ、演奏行為の上での何か？そう！魂のようなものが演奏に宿り、聴いている方に何かのメッセージが伝わり、そこには奇蹟が生まれると思うのです。ただ、私の過去の経験から思うことは、一生懸命弾くということとは少々違うように思います。そのような状態が良いと思っていた頃の私を思い出すと、それによって弊害が出てきたように思います。それはひと言で申し上げて、身体の力みです。そして、それによって生ずる、無駄な動きと音の汚さです。過去の私は、そのような勘違いをしていたと思います。みなさんも、そのような観点からご自身の頭の中や心の状態、そして演奏というものを見つめてみてはいかがでしょうか？クリックお願いします！にほんブログ村
22Jul
- 192.去って行く生徒
  私が今まで出会った生徒たちは、この約１５年余りで、ざっと２５０人を超えます。その殆どが、専門的に勉強している受験生から、音大生、音大卒業生です。どこにも所属しない私のところへそういう生徒たちが集まってくるのは、色々な方々から不思議と言われますが、多くの専門的にピアノに携わっている方々が、自分自身の受けてきた教育に疑問を感じたり、限界を感じたり、ロシアのピアニストに憧れたりと理由は様々です。もちろん、その生徒たちが１人も私のところをやめていなければ、現在の生徒数は２５０人を超えてしまうという、私1人でこなすことは不可能な数で、あり得ないことになってしまいますから、当然、何人もやめていったことになります。この件については、非常にデリケートなことであり、また理由は様々ですので、全ての例を挙げてお話しするわけにはいきません。ただ、最近思い当たることがあり、ここに書き留めておきたいと思った次第なのですが、数年前のこと、時を同じくして数人の生徒たちがやめていきました。当時の彼ら、彼女らのレッスンを覚えていますが、とにかく私が言ったことを理解できないのか？同じことを何回も言わなくてはならない、私にとっても生徒にとっても、なんにも発展もないマンネリなレッスンだったのです。当然、私にしてみれば、生徒の側に問題があるからだと思いますし、生徒の側からしてみれば、私のレッスンはつまらないものと感じていたと思うのです。まさに悪循環の極みに達していました。結果として先に申し上げましたように、生徒たちは去っていったのです。それから数年たった今、あることに私は気がつきました。先に挙げたような状態のレッスンになってしまったのは、生徒の側の責任であるというのは間違いであるということです。当時の私は、自分のキャパを超えた生徒数に、日々レッスンに明け暮れる毎日を送っていました。ですから、今現在のような生活、それは自分の勉強をする時間とエネルギーをしっかり確保しているのですが、そのような状態ではなかったのです。そのような多忙すぎる日々を送っていた私ですから、生徒の演奏を聴いても、ある決まり切ったことしか言えなかった、要するに幅広く演奏を捉え、指導する発想が浮かばない状態だったのです。当然、レッスンはまるでオウムのごとくに、同じことの繰り返しを言ってましたし、言う方も言われる方も、本当にフラストレーションがたまる一方になったわけです。ここで申し上げたいのは、教師というのは、教師である前に芸術家でなければあらず、自分自身の勉強を怠ってはならないということです。例えば私と生徒の間に１０年の開きがあるとします。もし私が勉強をしなければ、生徒の側がだんだん私に近づいてくることになりますから、その開きは１０年だったとしても、だんだん近づいてきてしまうのです。そうなると、生徒の側からしてみれば、教師である私が、悪い意味でどんどん身近な存在になってしまい、最悪の場合は生徒になめられてしまったと思うのです。ですから、生徒が努力し向上するように、教師の側も同じスピード、もしくはそれ以上に努力、研究をしないと、その開きを保つことはできません。その開きを維持しつつ、時には生徒の次元に降りていく必要もありますが、私が思う良い教師というのは、生徒の次元に降りていく必要はないと思うのです。細かく指導する教師が、良い教師だと思われがちですが、教師は、あくまでも一芸術家であり続けるべきで、演奏活動や研究を怠らずに、その芸術家としての姿を、生きざまを見せる、そうして生徒たちにどうあるべきかを身を持って教えないで教えるべきだと思うようになったのです。（もちろん、基礎的な段階、内容に関しては細かく根気強く指導するべきですが）具体的には、言葉で説明するよりも、片手の１フレーズでも、１小節でも弾いて聴かせ、音は音で伝え、目に見えない響きの交信とでも申しましょうか、それをわかり合えて、共有できる喜び、それはまさに奇跡とも言える瞬間だと思うのです。現に私の留学時代、モーツァルテウム音楽院にて師事していたアルフォンス・コンタルスキー先生のレッスンは、まず、生徒である私が、持ってきた作品を通して弾き、それに対して少ない注意が与えられ、先生ご自身がほとんど実際に弾いて下さるという形式がとられ、生徒である私は、先生の演奏から様々なことを盗み取る、アンテナを張り巡らして感じ取らねばならないものでした。例えばブラームスの２番のコンツェルトのような大曲でも、最初から演奏会のように弾けなくてはならず、必ず3回から４回のレッスン、つまり約1カ月で仕上げなければならない過酷な日々でした。今から思えば、コンタルスキー先生はご自身が芸術家として、そして、私に対してもまだまだ稚拙ではありましたが、1人の芸術家として扱ってくださったように感じます。先生は先生のステージにあくまでもおられ、私のレヴェルには降りてきてくださらなかったと思いますが、そのことが今の私にとっては、ある意味で大きな財産となりました。それはさて置き、教師がどのようなレッスンをしたとしても、去っていく生徒は必ずいるでしょうが、教師は先に挙げたような自分自身の信念を貫きつつ、その後ろ姿を堂々と見せればよいのです。勉強を続ける後ろ姿をです。そのようにして、生徒自身に考えさせ、自ら気付くことができる生徒、教師から刺激を受け、それを盗むことができる生徒、自分自身を叱咤激励し這い上がってこれる生徒などが、厳しいようですが本当の意味で成長することができ、本物の芸術家になっていくと思うようになった次第です。クリックお願いします！にほんブログ村
20Jul
- 191.音色の存在の有無
  音というのは目に見えませんから、以前もお話ししましたように聴こえる人にしか聴こえないという、ある意味で厄介な物といえるのかもしれません。それは、人それぞれの感受性により、同じ音を聴いても同じように聴こえない、だからこそ興味深いことなのかもしれません。日本に於いての学生時代まで、つまりロシアピアニズムの音を生でまじかで聴く事が出来るようになるまで、私にとって「音色」という言葉は存在しても、それが具体的にどれをさして「音色」と感じることができるまでは、非常にあいまいでした。多分、このブログの読者の皆さんの大勢の方が同じような感覚であるかもしれません。ただ、私自身の子供のころから好んで聴いていたピアニスト、また1度聴いただけで興味もわかなかったピアニストを思う時に、今だから実感できることで、その当時は無意識に感じていたことなのですが、音色の変化のないピアニストには興味を持たなかったようです。例え、そのピアニストが巨匠と呼ばれるようなピアニストだったとしても、何が良いのか？さっぱりわからなかったのを記憶しています。参考までに、私が子供のころから夢中だったピアニストを挙げるとすれば、マルタ・アルゲリッチを筆頭に、当時のショパン国際コンクールで入賞し、来日公演においてのディーナ・ヨッフェ先生、ダン・タイ・ソン、タチアナ・シェバノヴァ、イーヴォ・ポゴレリチなど、無意識のうちにロシアピアニズムの響きのピアニストに夢中でした。さて、一般的にプロであっても、ピアノに音色の変化があると自信を持って肯定する方は、案外少ないように感じます。ピアノは打楽器であり、音色の変化は全くつかず、強弱の変化を音色の変化と錯覚しているという考えの方。ピアノというのは音色の変化はあるけれど、それは1音では不可能で2音目が鳴った時から生ずるという考えの方。大きく分けて、この2つの考え方のいずれかの考えの方が多いように思います。この2つの考え方に対して、私は異論を呈したいと思います。それは、その考えの持ち主の奏法から来る、実現可能なことから来る、ある意味で狭い考え方であり、ピアノという楽器の本当の弾き方、私に言わせれば世界規模で見たときに実はスタンダードな弾き方をご存じないから、そのような考えを持ってしまうと思うのです。私は、たくさんのロシアピアニズムのピアニスト、先生たちのおかげで、大変恐縮ではありますが、今の段階でさえも、例え1音であっても、具体的にタッチを変えることにより音色の変化を、音色の性格を変えることができようになりました。でもこれがゴールではなく、これから先、もっともっと多彩な表現ができるようになりたいということも思っております。現代のピアノという楽器は、無限の表現の可能性を秘めた素晴らしい楽器です。ですから、奏者であるこちら側が、楽器に対して歩み寄る、その性能を知り尽くさねばならないということを永遠に探求しなければならないのです。しつこいようですが、「ピアノに音色の変化は存在します！」ということを声を大にして申し上げたいと思います。クリックお願いします！にほんブログ村
18Jul
- 190.少々くるったピアノの方が良い
  このことについては、非常に個人的な、そして感覚的なことですので、申し上げるのが多少、はばかれるのですが、結論から申し上げましょう！語弊があるかもしれませんが、私は少々、適度に調律がくるった状態のピアノが好きなんです。理由は、その方がおもしろいからです！（笑）私自身、今までのピアノ人生において、多分３，４０人の調律師の方々にお世話になってきました。どのような調律が良いとか、好きなどということは、非常に個人的なことであいまいな領域だと思います。１つ感じるのは、日本に於いて良いとされている調律とヨーロッパに於いて良いとされている調律は、いささか異なっているように感じます。日本で良いとされている調律、全ての調律師さんの調律のことではありませんが、大半の調律は、正直、音が合いすぎているように感じます。まるで歯並びが良いかのごとくに全部の音がそろっているのですが、残念ながら、そのような状態の調律ですと、音色の変化が出ないのです。なぜならば、どうやって弾いても音が伸びないからです。日本の調律師さんの大半が、そのような音づくりをしているように感じます。ですから、そのような状態のピアノでは、演奏者である私は何もできない感覚、窮屈な服を着ているような感覚になります。それに比べて、日本に於いても、少数派だと思える調律は、先ほど申し上げたような状態とは異なる、音はもちろん合っているのですが、ある意味でそろいすぎていない状態であり、もしかすると、人によってはくるっていると感じてしまう方もいるのではないか？と思う調律です。（笑）そこには、倍音豊かで、弾いていて窮屈な感じがありません。冒頭でも申し上げましたが、そのような調律の方が、私にとっては、色々な音色が出ますので、非常に面白いのです。ここまで述べたことを感じるようになったのは、私自身がロシアピアニズムを追求していく段階に於いて、色々な音色を出せるようになったからであり、以前の私ですと、そのような物差しがない状態でしたので、調律が終わった時に、調律師さんに弾いてみてください！と言われても何が良くて悪いのか？が何もわからなかったのが正直なところです。（笑）１つ大切に思うことは、ご自身の中に、そのような物差しである、音に対する感覚を持つことだと思います。もちろん、ピアニストたるもの、どんな調律であっても、その調律の中で出来ることを最大限に表現することが大切でありますが、私個人としては、少々音が合っていない状態を好むということです。クリックお願いします！にほんブログ村
- 189.パーヴェル・ネルセシアン先生の演奏
  彼の師であるセルゲイ・ドレンスキー先生の８０歳の記念演奏会のようです。曲はプロコフィエフのコンツェルト２番の１楽章です。この時はカワイで弾いています。なんでもモスクワ音楽院大ホールにあるこのカワイは素晴らしい楽器らしく、あのプレトニョフもこの楽器を使ってます。余談ですが、パーヴェルの自宅のピアノは、古いスタインウェイのC型を使っているそうです。相変わらずの素晴らしい演奏です！！！来月の表参道のカワイに於けるロシアンピアノスクールの講師として来日しますが、非常に楽しみです！！！クリックお願いします！にほんブログ村
13Jul
- 188.縦と横の意味するもの
  最近、マタイ受難曲を聴いているからか、ふと思ったことがあります。　楽譜を眺めていると、和声のおかげで縦軸があり、メロディーは横軸になると思うのです。もともと、J.S.バッハ以前の音楽では、ポリフォニーであっても横軸で音楽が形成され、そこには縦軸である和声はまだ確立されてなく、J.S.バッハの出現によって縦軸である和声が確立されたと聞きました。作曲家や作品にもよりますが、特にドイツ作品においては縦軸をしっかり認識し意識して演奏しないとならないことを感じます。もちろん、横軸も存在するわけで、例えば、モーツァルトの作品などは確固たる縦軸とともに横軸である線（ライン）にで形成されている音楽であり、ベートーヴェンにおいては主に縦軸である和声によるブロック、固まりで音楽が構築されています。これがロマン派以降になると、メロディーの美しさが際立ってきますので、横軸の存在が目立ちますし、その横軸を意識することによってロマンティツクな要素が増すように思います。例えばシューベルト、シューマンやブラームスなどは、場所によっては縦軸の存在をはっきりさせつつも、やはり横軸であるメロディーの存在というものも大切であり、縦軸と横軸の混在と申しましょうか、その場所によって意識を変えることが必要に思います。これが同じ時代のピアノの大作曲家であるショパンの場合ですと、縦軸は存在しますが、横軸であるメロディーをいかに魅力的に歌い上げるか？いかにロマンティックに表現するか？ということが大切な要素であるのは皆さんもお感じになられると思います。このように縦軸である和声、もしくは縦の線とも言えると思いますが、それを強く意識して演奏するべきか？横軸であるメロディーを優先させ、縦の線を強調しないことでロマンティツクな表情を強調させるかにより、演奏というものは同じ作品であっても、全く違った顔を持つことになります。これがチャイコフスキーやラフマニノフという、どちらかというとロマンティツクなイメージ、横軸であるメロディーラインの美しい作曲家の作品において、文字通り横軸を意識し、強調しロマンティクに演奏するということが一般的でありますが、私個人としましては、チャイコフスキーの頭の中にはオーケストラが鳴っていたと思いますし、ラフマニノフにも同じことを感じるのです。そもそもオーケストラというのは複数の大人数で演奏するわけで、皆が一斉に縦に合わないと音楽が成立しません。ですから、横軸である魅力的なメロディーを歌いあげるのですが、そこには同時に確固とした縦軸の意識が必然であり、ある意味で縦軸と横軸が混在するべきだと思うのです。それが証拠に、ラフマニノフ自身の演奏の録音が残っていますが、その演奏は、自身の作品であっても、ロマンティクなメロディーである横軸に流されることのない、確固たる縦軸の存在を感じることができる、ある意味で古典的な要素を感じるのです。そんなことを考えていた私ですが、最近、ふと頭に浮かんだことがあります。J.S.バッハによって確立された縦軸と横軸の混在というのは、「音楽の父」と言われるほど功績が大きいことであると同時に、縦軸と横軸が確固たる存在となった時に、いわゆる縦と横の線である「十字架」を形作っているということに気がついたのです。キリスト教の中で生まれ育まれてきた西洋クラシック音楽なのですから、これは何かの偶然ではないように感じるのです。例えば、その民族の文化である言葉をとっても、ヨーロッパの言葉というのは子音やアクセントがはっきりと存在し、縦軸と横軸が存在しますが、日本語などは、明らかに横軸の言葉だと思いますし、そこから来ているのか？日本の古来の音楽も、やはり縦軸の和声ではなく、横軸で成り立っているように感じるのです。そのようなことが私の頭に浮かんできたのは、冒頭にもお伝えしたように、マタイ受難曲を聴くようになり、キリスト教の存在というものが私の意識に大きく存在することとなってからであり、先に申した「十字架」は偶然ではないように思う今日この頃です。クリックお願いします！にほんブログ村
12Jul
- 187.発声訓練
  ここに挙げた動画は、スペイン生まれの大歌手、モンセラート・カバリエのマスタークラスの模様です。　これを見ていると、発声の基本のレッスンが行われています。そうです。ピアノ以外の楽器のレッスン、声楽、弦楽器、管楽器のレッスンにおいては、楽曲解釈以前に発声訓練や音色の追求を主としたレッスンに多くの時間を割きます。このことは、本来は当たり前のことなのですが、なぜか？ピアノのレッスンにおいては、難しいパッセージを弾くための技術的なレッスンが主流であり、百歩譲って、もし音色が要求されていたとしても、私からしてみると間違った音色、そば鳴りの音、言い換えるならば、立ち上がりの音をしっかりさせるのが良いという、残念ながら大きな誤ちのレッスンが一般的だと思うのです。このことは、良い響きの発声訓練を大切にするレッスンですが、私が思うにロシア系のピアニズムのレッスンにおいてだけ行われているように感じます。私自身の日本での学生時代、そして留学先のザルツブルクにおいてのレッスンを振り返ってみますと、その内容は殆どが楽曲解釈に主眼を置いたレッスンでしかありませんでした。想像するに、私以外の多くの日本の学生が同じようなレッスンを受けて、音色に主眼を置いたレッスンや、それ以前の段階において基礎としてのレッスンにおいて、良い音色を追求する、発声訓練を受けていないということを、日本人ピアニストの多くの演奏から残念ながら感じます。その殆どは、音色の変化のない演奏であり、倍音を多く含むことにより音色の変化が出るのですが、その音色の魂とも言える倍音を出す発声訓練ではなく、立ち上がりの音である基音をしっかりさせることと指を強くすることに主眼を置いたレッスンだと思うのです。この現状のままでは、残念ながら日本のピアノ界の発展はないのではないか？と感じてしまいます。ここに挙げたカバリエのレッスンのように、ピアノであっても、良い音を追求する発声訓練のレッスンが、日本においても当たり前になる日が来ることを願っています。クリックお願いします！にほんブログ村
11Jul
- 186.生徒、相澤弘子の演奏
  今日は、私の生徒でアシスタントの１人でもある相澤弘子の演奏をご紹介させて頂きます。曲は、ショパン　ドン・ジョヴァンニの主題による変奏曲op.2です。プロフィール６歳よりピアノを始める。埼玉県立伊奈学園総合高校芸術コースを経て桐朋学園芸術短期大学を首席で卒業。卒業演奏会に出演。フランス・ロワール夏期アカデミー、パリ・エコールノルマル講習会、V・リャードフピアノ講習会、KAWAIロシアンピアノスクールin東京等、国内外で研鑽を積む。北関東ピアノコンクール一般の部第２位、第１回Musica Aruteコンコルソ、東京ピアノコンクール入選。及川音楽事務所新人オーディションにて審査員賞受賞。これまでに大野眞嗣、柴沼尚子、田尻桂、國土浩子、荒巻久美子、ディーナ・ヨッフェに師事。またP・ネルセシアン、E・ザラフィアンツのレッスンを受ける。ロシアピアノ奏法の研究を続けるにほんブログ村
10Jul
- 185.私の教えているピアニズム
  ある日、私が以前掲載した記事をもとに生徒の１人と話しておりました。その生徒曰く、私が研究してたどり着いたピアニズムというのは、確かにロシアを基にしたものだけれでも、ロシアという範囲を超えている。なぜならば、同じロシアでも、基音をレガートとするピアニストもいるし、私のように倍音でレガートを作ることを基本とするピアニスト（特にナウモフ系列が同じ音作りをしている）もいる。ロシア人ピアニストでもいろいろなタイプがいるということ。それ（私がたどり着き、教えてきたピアニズム）に名前を付けるとすれば「ロシアピアニズム」と言えるかもしれないけれど、「ロシアピアニズム」という響きで納まるものでもない。やはり、ロシアピアニズムを基にした、もっとオリジナル性のあるピアニズムだと思う。だから、「大野ピアノ・メソッド」と命名したのは良かったと思うし、現にネルセシアン先生やヨッフェ先生も言ってたが、「ロシアピアニズム」や「ロシアンテクニック」という１つにまとめられる概念のものは存在しない。そういう考え方は間違っているということ。それが良いものであれば、名前なんてつけられるものでもない。だから、私がたどり着き、教えているピアニズムが良いものであるから、お二人とも認めて下さっている。日本では、それが何なのかがわからないから、便宜上「ロシアピアニズム」と名乗らざるを得ない。というのが彼女の発言した大まかな感じでした。私は、彼女の発言は的を得ていると実感しました。そうなんです！「ロシア人ピアニスト達に共通する要素とドイツ的な楽譜の読み方を基に小柄な日本人でもできる、合理的で美しい音を追求した普遍性のあるインターナショナルな香りを求めるピアニズム」という何ともまどろっこしい長い名前になってしまうのが正直なところなのかもしれません。まぁ、略して「現代ピアノ奏法」ということばをつかうときもありますが。ですから、「ロシアピアニズム」や「ネイガウス流」という言葉は、言ってしまえば便宜上、この日本で、あくまでもイメージしてもらうために使わざるを得ない言葉であって、その本質は、そのような言葉では言い表せない、色々なピアニスト達から影響を受けたオリジナルなピアニズムであるということです。クリックお願いします！にほんブログ村