ペッカ・クーシスト&都響

６月１９日。２８年度から都響の首席指揮者になるという、ペッカ・クーシストを聴きにサントリーホールへ。

ペッカ・クーシストはフィンランド出身の、ヴァイオリニスト兼指揮者。今日は前半が自身の弾き振りで、シベリウスの「恋人」組曲、ヒルボリの「バッハ・マテリア」（日本初演）。後半がオーケストラの指揮のみで、タッローディの「きりん座」（日本初演）、シベリウス交響曲５番。

シベリウスの「恋人」ではクーシストのヴァイオリンの美音を堪能。滑らかで繊細な響きから、独特の香りがありました。続くヒルボリの「バッハ・マテリア」。今回現代音楽が２曲あり、ヒルボリとタッローディの曲です。これらは不協和音が連続するみたいな曲でなく、聴きやすい音楽で、コンサートで聴く分には悪くないなと思いました。

「バッハ・マテリア」は作曲家がクーシストに捧げた音楽ということで、クーシストは正に水を得た魚のよう。本当に生き生きと演奏をしました。演奏者がチューニングをしているのかと思っていると、実はもう音楽が始まっており、知らないうちにクーシストも加わって、２０分程度のヴァイオリン協奏曲といって良いような、音楽になっていきました。即興性を求められる場面があるとかで、かなりジャズに近い響きの部分もあります。同時に、中間部はおそらく緩徐楽章の部分だと思いますが、懐かしいメロディが顔を出し、しっとりと聴かせもします。最初のチューニングを思わせるガチャガチャした響きから、幾重にも別種と思える音楽が重なって、一筋縄ではいかない音楽だと思いました。

このような複雑な音楽をクーシストは軽やかに、のびのびと演奏し、聴衆を驚かせます。只者ではない感じがします。

後半は交響詩の「きりん座」から。分かり易い描写音楽で、夜空に輝く星々とか、夜景に響く動物のさえずりなどを感じさせる音楽でした。聴きやすい音楽で１０分程度。

ラストはシベリウスの交響曲５番。

クーシストは粘らないすっきりした演奏で、中々の快速。セクションごとの分離の良い演奏が多い中、若干団子気味ともいえる響きで押し通していきます。ヴァイオリンの主旋律など、やや埋没気味です。特に第１楽章では、後半積み上げられた動機が、北欧の澄み切った青空を思わせるような、大気の厚みを感じさせるような響きとなりますが、ここもこの指揮者は粘らずに、ずんずん進んでいきました。この辺りテンポを落として粘る指揮者も多い中、独特だという感じですね。同時にスケールはそんなに大きくない指揮ぶりだとも感じます。しかしその分シベリウス特有の爽快さは出ていました。

音も決して大きくなく、繊細で、シベリウスに必要な響きです。

第３楽章、今度は打って変わって、場面ごとの描き分けがあり、繊細な響きと相まって個人的には今日一の素晴らしさでした。オケによって、幻想的に切々と雪が降りしきるような印象が与えられる中、木管群によるあの懐かしい響きが歌われる時、シベリウスの音楽の美しさは極まります。

しなやかに響き渡る音楽は中々の素晴らしさです。

終演後はかなり湧きました。確かに相当な才人だと感じさせる演奏会で、驚きだったのは確かです。ただ指揮者としてはどうなんでしょう？シベリウスはあれで良いと思いますが、スケールが大きく、分厚い響きの音楽は難しそうです。

彼の本質は今日聴かせた２曲の現代音楽のような、過去にとらわれない斬新な資質にあるのかもしれません。

マンダロリアン・アンド・グローグー

先日スター・ウォーズ最新作である「マンダロリアン・アンド・グローグー」を映画館で観てきました。

最近は人気に陰りが出てきているスターウォーズ・シリーズですが、劇場版は７年ぶりということらしいです。マンダロリアンというのは、スターウォーズ世界に存在する、アーマーを着た戦闘種族の名前です。その英雄、ディン・ジャリンが、グローグーと呼ばれる小さな子供のお供を連れて、悪を成敗するお話です。

原型はディズニープラスでドラマ制作されている「マンダロリアン」シリーズで、今回はシーズン３の続きとして制作されました。シーズン３の最後に出てきた、「反乱者たち」のゼブも登場。

個人的見解では今回は完全にファミリー向け、子供向きに振り切った内容に見えました。専門家の評価は低いですが、オーディエンス評価は好調のようで、終演後、この日も若い人たちが「面白い」といっていたのが聞こえてきました。

ドラマシリーズを知らなくても分かる程度の内容で、孤高の戦士ディン・ジャリンが、悪者たちを次々と倒していきます。なんというか、王道といえば王道の内容で、多くの人達に受け入れられそうな内容でした。ディズニー風スターウォーズとしては成功の部類かと思います。

しかし従来のコアなスターウォーズを期待すると、「何か違う」という人も多いと思います。ライトセーバーは一切出てきませんし、ジェダイの騎士もいないという、スターウォーズとなりました。個人的に面白いというほどの内容ではないですが、今後アソーカ・タノのシリーズも映画化するそうなので、その辺の伏線もあるかと思って観ていました。ドラマシリーズなんかを観ている人たちにとってみると、エズラ、アソーカらとスローン大提督の戦いが、これらのサーガの最大の見どころになっていくんじゃないかという期待があります。

今回の映画で、素晴らしいと思ったのは映像と音楽です（一応スクリーンXの大きな画面で鑑賞）。これはどちらも良くできていたと思います。コンセプト画そのものを映像化したようなクリチャーやロケーションの映像などは見ごたえがありました。音楽も従来のスターウォーズの音楽とは異なりますが、ドラマシリーズを知っているのなら、お馴染みのモチーフがあり、また、斬新な響きの音楽などが、かなり充実していた印象です。

２０２６年１月をもって、悪名高きルーカスフィルムの社長だった、キャスリーン・ケネディが退任。彼女はスターウォーズの正史に、ポリコレを持ち込みファンから大スカンを食らうエピソード７・８・９を制作しました（若い人たちを中心に、評価をしている人もそれなりにいるようです）。その後もスターウォーズ・シリーズ初の赤字映画となった「ハン・ソロ」、シーズン１で打ち切りとなったドラマシリーズの「アコライト」などを手掛け、次々とスターウォーズ・シリーズを破壊。

現状まだ噂段階ですが、エピソード７・８・９を、ディズニーがなかったことにするのではないかという話が出てきています。エピソード７・８・９のグッズなども全く売れていないそうです。

今回の「マンダロリアン・アンド・グローグー」の脚本はジョン・ファブロ―とジョージ・ルーカスの１番弟子といわれるデイブ・フィローニが担当しています。

ジョージ・ルーカスはスターウォーズを組み立てる際、神話学者のジョーセフ・キャンベルの提唱する、英雄の旅を描いた神話プロットを採用しています。そしてスターウォーズほどこの神話論理に忠実に作られた作品はないといわれており（特にエピソード４・５・６）大変な成功を収めました。

こうしたルーカスの持っていた物語のバックボーンに比べればデイブ・フィローニの作品は中々面白いものが多いものの、どこか同人誌的な感じがするのはやむを得ないでしょう。

それでも彼の作品は、いつも子供が見られるような内容になっていることが多く、作家としての良心を感じさせます。

今回の映画も、そのような良心を感じさせる映画で、今後も期待しても良いのじゃないかと思いました。

チューリッヒ・トーンハレ管弦楽団

昨日はサントリーホールで、チューリッヒ・トーンハレ管弦楽団を鑑賞。曲目はブルックナー交響曲４番と、ベートーヴェン・ピアノ協奏曲３番。指揮者はパーヴォ・ヤルヴィ、ソリストは反田恭平。

ブルックナー４番を実演で聴くのが今回が３回目。１回目はエリアフ・インバルの指揮でしたが初稿の演奏と知らずにチケットをゲット。演奏自体は良かったですが、初稿故、不完全燃焼でした。２回目はヴェンツァーゴの演奏でした。これは通常の４番でしたが、ヴェンツァーゴは強音部で速度を速め、意図的に壮大さを削る演奏で、これはこれで面白かったですが、本来の、迫力のあるフィナーレなどは聴けず、これも不完全燃焼でした。

今回は３回目の正直で、非常に良い演奏で満足しました。

外国のオーケストラに関していえば、去年の後半からチェコフィル、年始のウクライナオペラと、割と、東欧の土臭いオーケストラの演奏ばかり聴いてきたのですが、昨日のチューリッヒ・トーンハレは泥臭さのない、品の良い響きで美しかったです。聴いていると、あんまり特徴のない音のような気がしますが、複数の楽器が混じりあい出すと、日本のオーケストラでは出ないような、まろやかで上品な響きとなります。チェロの響きの味わいとか、日本のオーケストラの持つインターナショナルな響きとは一線を画し、伝統に根差した美しい響きで、本場ものだという気がしました。

前半のベートーヴェンはピアニストが反田恭平氏で、自分は初めて聴きます。自分はコンクールとかに全く興味がなく、反田さんは名前とか顔は認識していましたが、演奏を聴くこと自体今回が初です。

どんな感じなんだろうと思っていましたが、構えの大きいグランドマナーな演奏という印象。結構面白いなと思いました。今回１回聴いただけなので、良く分かりませんが、クラウディオ・アラウとかルービンシュタインみたいな、ゆとりを持ったスタイルを目指しているように見えました。

結末まで時間をかけたピアノ協奏曲３番でした。まだ若いのであれですが、ああいったスタイルはもっと円熟してからが本番かなという感じを持っていますが、これはこれで名演かと思います。

後半はブルックナーの交響曲４番。

正直、現代のコンサートに出向いて、ブルックナーならそれこそギュンター・ヴァントのような完璧な名演を求めているのかといわれればそうではないし、あり得ないだろうとも思っています。ある程度の範囲内で、ブルックナーに限らずですが、満足できる演奏であればうれしいかなと思って聴いています。

今回のヤルヴィの演奏は個人的に充分満足いく出来栄えで、素晴らしかったと思います。原因の１つはオーケストラにあると思いました。どこかメカニックで、乾いた印象のある日本のオーケストラによるブルックナーが多い中、チューリッヒ・トーンハレは滑らかで美しい響きがあり、節回しも日本それとは異なります。

多分ヤルヴィなら日本のオーケストラでもほとんど同じような響きは出せるのでしょうが、音響の細部における、細かい節回しや、音のシルキーな繋がりなど、これは日本のオーケストラがどんなに頑張っても出せない、欧州の味わいだと思いました。

こういった日本では聴かないような響きの中、ヤルヴィは推進力のある、表情の良く出た解釈を披露、素晴らしかったです。音量も無駄に大きすぎず、バランス感覚に優れたヤルヴィらしい響きです。

個人的にはやはり第４楽章。１番スケールが大きい楽章ですが、インバルの時は第１稿で、ヴェンツァーゴの時はスケール小さめで肩透かしを食らっていました。

今回は第１主題の咆哮から、濃厚な表情があり、最高でした。牧歌的な第２主題を経て、第１主題にも劣らぬ巨大さを持つ第３主題の、大きな音響が眼前に現れると、自分は心の中で「キター！」と叫んでいました。

やっぱりブルックナーはこうじゃないと駄目だなと思って聴き入った瞬間です。

展開部はこの楽章の導入楽句によって始まります。地平線に没する夕日の如く、第２主題が展開され、寂寥感と静けさが混じりあったのち、第１主題と第３主題が巨大な音響体として重ね合わされ、大自然の偉大さと神の造形への畏怖の念が、これ以上ないヒロイックな感情を伴って表現されていきます。まさに第４交響曲の白眉ですが、ここもちゃんと出ていました。最高やな~と思います。

やはりヨーロッパのオーケストラは違うな、と思いました。非常に満足しました。

終演後、隣に座っていた夫婦は「ブルックナーは分からん」といっていましたが、もうちょっと勉強してから来いよ、とさすがに思います。ブルックナーを聴きに行くと良くあるんですよね、「分からなかった」という声。インバルの時は２人組の若い女子が「繰り返しが多すぎる」とかのたまっておられました。聞こえてるんですよ。

人は自由なので別に構わないですが、それにしても、もうちょっと予習してこないか？と思います。今回なんか、それなりの値段がするチケットだし、ああゆう御仁は理解できないですね。

別にブルックナーの音楽が分からなくても何も問題ないと思いますが、楽しみで来ている人の身にもなってよとは思います。文句はあっていいけど、ホール出てからにしてくれないですかね。

というブルヲタの苦言を呈して今回は終わりにします。

アンドリュー・ワイエス展

５月５日、上野で開催中の、米国画家アンドリュー・ワイエスの回顧展を見にいってきました。

上野公園は相変わらず人だらけで、何か買おうと思うと並ぶことが必須みたいな感じでした。

アンドリュー・ワイエス展も人が多いと思っていたのですが、他人のスレッドなんか見ると、今日の感じはそうでもないらしい。自分は２０年以上前？箱根でこのアンドリュー・ワイエスを見たことがあって、その時はほとんど貸し切り状態でした。

今日は見たい絵があると、少し待たないといけない感じで、立ちっぱなしになり、腰が痛かったです。上野の美術館はほとんど行かないので、知らなかったのですが、もっと有名な画家とかだとまともに見ることすら難しいとか。

展示で面白いと思った作品は半分ぐらい。ワイエスは精緻な写実主義者で、力の入った作品は細かいところまで神経を使って描いているのが良く分かりました。

殺伐として、白色を基調にした風景画が多いです。しかし殺伐としながらも全体に静けさを感じさせて、光の加減なども美しかったです。

↑、クリスティーナ・オルソンという作品が展示されていて、間近で見ると木の扉の木目などやたら細かく描いてありました。ああいうのは写真では伝わらないですね（写真は借り物です）。

残り半分の作品は、彼のプライベートに焦点を当てた習作などが多く、ちょっとお腹いっぱいになりました。

パブロ・エスラ＝カサドによるブルックナー

４月２６日、サントリーホールでスペインの指揮者、パブロ・エスラ＝カサド、東京交響楽団による演奏会を鑑賞。曲目はシューベルトの未完成交響曲、ブルックナーの交響曲６番。

パンフレットには、カサドは欧州で人気があると出ていますが、相変わらず自分はその辺の事情は疎いので、今回はブルックナーの６番を聴きたくてチケットを取りました。当然ながらカサドも初めて聴きます。

前半はシューベルトの未完成交響曲。洗練された響きで現代的でした。音も粘らず透明感も高い。今風といえば今風。しかし繊細というよりは、悲劇的な部分では激しい強音を見せるなどして、思いの外、劇的な演奏でした。音楽を通して感情を表に出すタイプで、個人的には聴きやすいと思いました。中々力強くもあり、美感もありで良かったと思います。

後半はメインのブルックナー。深みがあるかどうかは別として、この人オーケストラを鳴らす手腕は中々だと思えるような演奏でした。

従来のブルックナー６番に抱く印象とは違うような、明るいオーケストラの音色。特に金管軍は輝かしいぐらいの音色で、朗々と鳴ります。また各旋律や音型の造形も、感情が乗り鮮やかです。時には行進曲のように、オケの足並みをガッチリ揃えて推進力のある進行を見せたりと、曲の持つ曲想を表情多彩に表現していきます。

カサドは気力や活力を感じさせる指揮ぶりで、音の強弱を使ったり、あるいはテンポの交錯を狙ったりと、単調にならない、色々なアプローチを見せました。また自分の感じた情熱のまま演奏している、というやり方は、演奏者のメッセージを伝えるのに適していると思います。

陰りがないことを除けば、ブルックナーの曲想に合致した解釈であったことも間違いないと思います。フィナーレのコーダなども、大胆で劇的な表現だったりして楽しめました。これも伝統的なブルックナー像とは違うのでしょうが、名演の部類かと思いました。

恐らくですが、こういう演奏を録音で聴き直すと、ちょっとやりすぎではないのか、みたいな感じがあると思います。しかし、一期一会のコンサートであればありだなと思いますし、お客さんも盛り上がりやすいでしょう。

実際、散々オーケストラから多様な響きを引き出したカサドの手腕に皆さん驚いた風でして、相当なブラボーが飛びました。オケがはけても沢山の人が帰らず、参賀となりました。

派手目なブルックナー６番の演奏という感じでしょうか。しかしカサドの東京交響楽団のデビューは好印象ということだと思います。

アークヒルズは蚤の市で人だかり。今日は２０度ぐらいの気温で、お日柄も良く、新緑が美しい気持ちの良い１日でありました。

コンサート・レコード・CD

今回はクラシック音楽を聴く側として、生演奏と録音の差などを書きていきたいと思います。

コンサート・レコード・ＣＤについて簡単に書いています。ストリーミングは聴かないので、触れていません。またレコードについては中古市場が活発で、特に過去の名演奏家のレコードについては中古品の記述などがありますので、よろしくお願いします。

さて、自分がクラシック音楽を聴き始めたころは、録音媒体としてＣＤが主流でした。その後時間が経って、自分がレコードを主体的に聴くようになるとは、夢にも思っていませんでした。

それほど細かいことを気にせずにいうのなら、レコードよりも、ＣＤの方がコンサートの音に近いような気がします。

コンサートで聴く音の音質は、音の透明感とか、滑らかさはＣＤの感覚に近い、という感じですかね。しかしレコードを聴いたあと、ＣＤで音楽を聴くと、音が硬い、味気ないとも感じます。

やはり音楽は生の演奏を聴くのが１番良いのだろうと思います。スケールの大きい音楽の迫力なんかは、家庭の音響装置では限界があり、録音で聴いたものと、実際に生で聴いたものとの違いに驚くこともあります。

去年ボエームを生で観ましたが、第３幕の大きな空間を使った、生きた絵画のような雰囲気は、映像や録音では感じられないと思いました。

しかしここは日本。生で歌劇を観たり、気に入ったコンサートを聴いたりというのは、それこそ東京にでも住んでいなければ中々難しいと思います。日本人のクラシック鑑賞が録音中心になるのは、仕方のないことといえるでしょう。

個人的には、コンサート以外で音楽を聴くとなると、最近は大体がレコードで聴くようになりました。レコードを聴くようになってから、ＣＤの音は圧縮されていると特に実感するようになり、音の硬さなどを含めると、音楽を聴いていて疲れるというか、そういう印象も感じるようになりました。

かといって全くＣＤを聴かないというわけでもありません。クラシック以外の音楽はＣＤで聴くことが多いし、レコードになっていない音源はＣＤで聴くしかないですね。

最新の録音など、そのままレコードになる時もありますが、まずはストリーミングかＣＤか、という感じでしょうか。リサ・バティアシュヴィリなどショスタコーヴィチやプロコフィエフの良いアルバムがあるんですが、なぜかレコード化してません。ヒラリー・ハーンや、最近ではマリア・ドゥエニャスなんかもレコード化してるのに、解せません。本人が嫌がっているのでしょうか。こうなるとＣＤで聴くしかありません。

↑、バティアシュヴィリによるショスタコーヴィチとプロコフィエフのアルバム。アナログ盤になったら購入しようと思っていたのですが、現状まだ販売されていないと思います。来日も中々してくれません。マリア・ドゥエニャスのＬＰも購入しましたが、それほど感銘は受けませんでした。こういうことをいうのは何ですが・・・ドゥエニャスについては、美人だから採用しているのでは？という勘繰りが自分にはありますが・・・。

プロコフィエフのＶコン | 　ヒマジンノ国

↑、過去記事です。

レコードは実際のところ、音がザラザラするときもありますし、ノイズも乗ります。しかし音の味わいはどうしても、あくまで個人的な感想ですが、ＣＤの上をいくような気がします。

特に弦楽器に対するレコードの優位性は高く、中古レコードは値段が跳ね上がるものも多いです。有名なところだと、男性ではレオニード・コーガン、女性ではヨハンナ・マルツィなどのオリジナル盤が非常に高価で、日本円で７０万円とか８０万円とかします。

オイストラフとクレンペラーによる、ブラームス・ヴァイオリン協奏曲の名盤（１９６０）。

ＳＡＸ２４１１。

↑、コ―ガンとオイストラフを比べると、オイストラフの方が実力が上、というのが一般的な見方だと思います。ただオイストラフのレコードは高価ですが、それ以上にコ―ガンのレコードが高いのが事実です。この辺もレコードの特殊性が出ていると思います。コ―ガンのレコードは、市場に出回ったものが少ないと考えられます。コ―ガンのオリジナル盤を聴いてみたいと思いますが、まず無理なので諦めています。

確かにピアノの音のように、音が面で広がる場合、レコードは若干不利なのかもしれません。針圧を間違えると、ピアノの音色は音が割れやすいようです。だからといって、決して音が悪いわけではなく、弦の方が向いているという話です。

こうなってくるとレコード鑑賞というのは、生のコンサートを聴いたり、ＣＤで録音を聴いたりというのとは、また違う鑑賞の芸術だと思うようになりました。

特に１９５０年代や６０年代、初期のステレオ録音など、レコードの音が素晴らしく、これは技術が進んだ現代でも同じ音を再現できません。モノラル録音についても、ＣＤで聴く時よりもずっと音が柔らかく、透明感があります。

これは自分の推測にすぎませんが、レコードが開発された当時はやはりそのレコードの作り手に、相当の気合があったのだと思っていて、ＵＫのコロンビア、デッカ、ＨＭＶの初期ステレオ録音などを聴いていると、おそらくは実際の録音よりも良い音になっているんじゃないか？と思える場面が多々あります。

つまりレコードはレコードの持つ特有の音も含めて楽しむもので、実際のコンサートとはまた違う楽しみだと思うようになりました。実際のコンサートの音でないのなら「インチキ」だという意見もあると思います。しかしそのようなレコードが存在する以上、聴きたいと思う人はそれなりにいるわけで、これはやむを得ないでしょう。

アニー・フィッシャーとエイドリアン・ボールトによる、モーツァルト・ピアノ協奏曲２０番、２３番（１９５８）。

ＳＡＸ２３３５。

↑、このレコードのピアノの音が美くてびっくりします。多分実際の音はこんな音ではなかったと思います。これもレコードの音のマジックではないでしょうか。味わいの深さがと爽やかさが同居した美音です。

クラウディオ・アラウによる、ショパン・ピアノソナタ３番（１９６０）。

ＯＳ３０２５。

↑、上記オイストラフとアニー・フィッシャーのアルバムはＵＫ盤ですが、このアラウのアルバムは国内盤です。日本人は物持ちがよく、国内盤のレコードは綺麗な状態の美品が多いです。レコードの出来栄えは一般にＵＫ盤が１番良いことが多く、価格も高価です。それに比べると中古品の国内盤はＵＫ盤の１０分の１以下という価格設定の場合も多いです。音は決して悪くなく、非常に滑らかです。ただ、５０年代、６０年代のレコードは、どうしても音のリアリティが外国産よりも劣ることが多いので、安くなりがちだと思います。しかし、贅沢をいわなければこれでも充分だと思います。

ＢＣＪによるマタイ受難曲

金曜日、サントリーホールでＢＣＪによる「マタイ受難曲」を鑑賞。聖金曜日の演奏ということらしいです（イエスが４月の金曜日に亡くなったという伝承から）。

ＢＣＪは古楽器による全曲演奏で、指揮者は鈴木優人氏。鈴木さんとＢＣＪのコンビを聴くのは今回が２回目です。前回がメサイアでした。前回同様、古楽器ながら柔らかめの響きで、劇的に過ぎない、静かなドラマ性を感じさせる演奏で、非常に美しかったと思います。

自分はマタイを生で聴くのは今回が初めてですが、この曲の響きの美しさを堪能しました。合唱も精度が高く、透明感があります。

コラール、レチタティーヴォ、アリアなどの書法、そこに４種の人間の声を組み合わせ、一定の世界観を作りつつ、色彩的な音色が清潔に広がっていくのは素晴らしく、バロック音楽の持つ、自然と人間の感情が一体になった雰囲気に魅了されます。

あっという間の３時間になりました。

録音だけでは中々分かりにくい、響きの広がりとか透明感を実感できました。

さすがにマタイを聴きに来るお客さんだけあって、会場は静かで集中力も高かったと思います。

少し話はずれますが、個人的にはイエスの伝承を全て信じるか？といわれれば難しいところがあり、ダ・ヴィンチ・コードではないですが、妻と子供がいたイエス像の方がリアルに近いものではないかと思っています。

ただ、この曲はイエスの奇蹟がメインの主題なので、善人が受けるいわれなのない中傷や、悲劇などが同情的な音楽の中で展開する様は、イエスの奇蹟を信じたくなるものがあります。

ゆっくりと進むドラマの中に、積み重ねられて行くバッハの信仰心は、他人の心を動かす強い力があります。全曲聴き通すと独特の雰囲気になるんですね。その独特の雰囲気と感情は、言語化しにくいです。

歌手はエヴァンゲリス卜の櫻田さん、イエスを演じたクリストフ・フィラー、男性アルトのテリー・ウェイが特に素晴らしかったです。

アンドラーシュ・シフのリサイタル

昨日はピアニストの、アンドラーシュ・シフのリサイタルを聴きに、所沢ミューズに行ってきました。

１５時開演のコンサートで、会場は満席。自分は恥ずかしながら、いつも通り（？）、シフを初めて聴きます。あんまりよく知らないので、色々書くと怒られそうですが、現代の巨匠？みたいな感じなんでしょうか。ハンガリー生まれ（１９５３年）で、英国からはサーの称号も貰っているような人物です。

チラシにはバッハの評判が良いとか書いていますが、多分ファンはそれだけではないという意見でしょう。

しかし今回のコンサート、前半だけで１時間半。内容を事前に教えてもらえないので、いつ終わるのか不安になったりしました。

その前半だけでも、バッハから始まって、ハイドンのソナタ、モーツァルト２曲、ベートーヴェンの田園ソナタと盛りだくさん。ピアノソナタを３・４曲連続して聴く感じで、若干の眠気が襲います。

自分は仕事の疲れのせいもあるんですが、モーツァルトぐらいから意識が飛ぶ瞬間があり、２度ほど寝落ちしました。

シフのピアノの音色は、高い練度と純度が同居した、角のない柔らかい音で、表現も自然。バッハなどは日常に潜む、生きる喜びが、音の内部から柔らかく滲み出るような演奏（ゴルトベルグのアリアと、フランス組曲５番）。

ハイドンは初めて聴く曲で（ソナタ３３番）、繰り返しが多く少し退屈しました。モーツァルト（幻想曲とロンド）も美しい瞬間がありましたが、少し地味すぎるかなという印象もあり、先も書きましたが眠気が襲ってきました。

ベートーヴェンの田園ソナタはおそらく名演だったんですが、眠気が取れず、半分ぐらいしか覚えていません。

前半は選択された曲の曲調が、個人的に、全体に似かよった感じがあり、それを連続して演奏するので、少し一本調子に聴こえるような気もして、やや疲れました。

後半はシューベルト４曲（アレグレットや即興曲などから）が美しい名演、その後ベートーヴェンのソナタ３０番をやりました。これも詩的な感情が乗る名演で、弾き終わったシフはかなり疲れた様子です。

これで終わりかな、と思っていたんですが、ここから大アンコール大会が始まり、なんと８曲もアンコールをやりました。お客さんも帰ろうとして、用意をしますが、シフが繰り返し袖から出てくるので帰れません。

拍手に応えて出てきては１曲弾き、袖にはけてはまた出てきて１曲弾き、の繰り返しです。

ベートーヴェンから始まり、ブラームス、モーツァルト、シューベルト、ショパン・・・と全て暗譜で続々弾いていきます。

料理のフルコースどころではない大演奏会となって、皆さん大盛り上がり。最後はスタンディング・オベーションとなり、びっくりです。

調べると他のリサイタルでも似たようなことをしているようなので、昨日が特別ということでもなさそうです。確信犯かもしれません。ガランチャの時も５曲アンコールやって、全員総立ちになっていたので同じ様な感じでしょうか。

なんというか、演奏の内容が素晴らしいというのもあるんですが、それ以上にプロの演奏家の、ショウマンシップみたいなのを実感したリサイタルでした。

１５時開始のリサイタルで、終了時刻が何と１８時２５分。こんなにピアノの音色を１度に沢山聴く機会は、中々ないかと思いますね。

高市さんとトランプの会談

高市さんがD・トランプと会談のために訪米中とか。ホルムズ海峡の話なんかをしたらしい。色々いわれているようですが・・・。

少し話はずれますが、自分は以前の記事で次のように書きました。

自民党大勝 | 　ヒマジンノ国

「簡単にいえば、トランプ政権はリベラル思想・政策の排除に努めており、おかげで世界情勢そのものが変わったということです。日本は米国の軍事戦略に引っ張られて、中東へ軍事派兵する可能性もなくなりました。」

て書いてるんですが、真逆のことが起こっていて、さすがに我ながら草です(^-^;。恥ずかしいです。中東へ自衛隊の艦船を送れという話になりましたが・・・一応送らなくて良いようです。

D・トランプ氏もベネズエラの時のように、上手くいかなかったのでしょう。ちょっと焦っているように見えましたね。しかし今回は、トランプもあんまり印象良くないですね。

イランへの攻撃も、ここまで急ぐ必要がありますかね。おかげでＭＡＧＡは分裂気味。西側では割とトランプ寄りだったメローニも米軍のイラン攻撃を批判しました。

イヴァンカ・トランプの娘婿のクシュナーは有名なシオニストのユダヤ人。ネタニヤフが彼と仲が良く、家に泊まりに来るほどの関係らしいです。この辺にせっつかれると、D・トランプも断れないのでは？

それに良くいわれるように、トランプ政権は福音派のキリスト教的な終末論に偏った関係者が多く、今回のイラン戦争もその終末論に関係しているという人も多数います。

トランプとガザ | 　ヒマジンノ国

 以下、私見を含めて個人的に感じることを書いておきます。

 D・トランプ氏は福音派に属しており、彼も終末論を信じている可能性があります。ホワイトハウスでは彼の重要なブレーンの１人である、福音派の牧師ポーラ・ホワイト氏とともに祈りを捧げています。

彼女は福音派の重要な牧師だそうで、２０２５年、トランプが設置した信仰局の局長に選ばれています。おそらく米国大統領の精神的支えとなっていると考えられます。

またトランプ政権の陰の大統領ともいわれる、実業家のピーター・ティ―ル氏も高市総理を訪問。表舞台に出てきました。

トランプ氏 | 　ヒマジンノ国

トランプ氏が、エプスタイン・ファイルの公開に躊躇した理由の１つのが、このティ―ル氏との関係だったのでは？などと噂されました。

ピーター・ティ―ル氏は保守的なキリスト教徒といわれ、国連などの他国籍の集まりが世界を支配するのは間違っているといいます。彼はキリスト教に根差した、徳のある人物や政治家でなければ世の中を良くできないといい（現トランプ政権の方向性と合致している）、国連のようなリベラル勢力の強い政治体制などを、キリスト教の黙示録に登場する「アンチ・キリスト」と呼んでいます。

人間の競争によって生まれる、暴力社会や、一部の為政者が行う管理社会は間違っているといい、戦争なども、有能なキリスト者が抑制的に運営できるようにと、彼が生み出した会社が軍事企業の「パランティア」です。

しかし、なんだ？この思想、という感じの思想ですね。今までどこかで聞いたことないかな？みたいな話よね。

その人物が高市総理に会いに来たというので、結構な反発がＳＮＳでは出ていますね。日本人の個人情報をパランティアに流すのか？と。

疑問など | 　ヒマジンノ国

色々それらしいことをいっていますが、ティ―ルのいっていることも結局人類を管理する話にしか聞こえませんけどね。彼なんかもトランス・ヒューマニズム肯定派ですし。やっぱり何か裏があるかな、とは感じますね。トランス・ヒューマニズムなんてのも元来左派連中の主張じゃないの？と自分なんかは思います（上の過去記事の中で、ティール氏が無神論者だと書いていますが、違うようです。修正いたします。トランス・ヒューマニズムもどれぐらい支持しているかなど、細かいところはまだ良く分かりません）。

こういう人らって、最後は管理社会を作りたがる人ばっかりで嫌になります。左からいっても右からいっても、結局最後は同じ答えになる、では困るんですけどね。

V・グイを聴く

V・グイによる、モーツァルト交響曲３９番、ハイドン交響曲６０番。グラインドボーン祝祭管弦楽団。１９５３年録音。

ＡＬＰ１１１４。

ヴィットリオ・グイ（１８８５－１９７５）は１９世紀生まれのイタリアの指揮者。この時代の指揮者の多くは、機能的でシャープな指揮をする現代の指揮者とは違い、人間味のある音楽を奏でる人が多いと思います。彼らの演奏は、国の別を超え、前時代的で楽観的な性質を、音楽に与えているように思います。そこが魅力の１つでしょうか。

我々２１世紀の人間が、忙しない現代的な時間感覚から離れ、当時の感性に身を委ねるのは、癒しの効果があると思います。

V・グイもフルトヴェングラーと年は１つしか変わりませんから、１９世紀の名残を残した指揮者といえるでしょう。グイは歌劇場をメインにしていた指揮者で、１９７５年まで長生きをしました。日本にも１度、来日したことがあるようです（１９５６年）。

とはいえ、日本ではほとんど無名ともいえる存在かと思います。マリア・カラスの伝記などを読んでいると、たまに顔を出したりします。

グイはモーツァルトとブラームスの権威といわれており、このレコードも、そのモーツァルトを収録しています（もう１曲はハイドン）。

しかし自分が、初めてグイの演奏する、モーツァルトの交響曲３９番「プラハ」の演奏を聴いたとき、随分のろいテンポでびっくりしました。イタリアの指揮者というと、トスカニーニやムーティなど、ストレートで力強い演奏を思い浮かべます。ジュリーニでさえ、若いころはダイナミックなテンポの演奏があります。しかし、グイはその真逆といって良いような、おっとりとして、柔和な演奏です。正直初めは慣れませんでした。特に「プラハ」シンフォニーは、ある程度の推進力と力強さがあるほうが、愉悦の感情が表現されると思います。

自分は時間がある時に聴き直してみて、初めて魅力を感じ取ったところです。緩やかで色彩的なメロディの扱いに、指揮者個人の優しさのようなものが表れていると思います。心から音楽を味わうという印象でしょうか。ハイドンの方は活力も感じさせる名演で、誰でも楽しめると思いました。

このような演奏に身を任せていると、当時の緩やかな人々の生活が目に浮かぶようで、面白いです。

V・グイ指揮、グラインドボーン祝祭管弦楽団「フィガロの結婚」（１９５５）。

ＡＬＰ１３１２－１３１５。

日本ではあまり有名ではありませんが、このV・グイのフィガロは名盤として名高いものです。デッカ、コロンビア、ＨＭＶという、初期ステレオで有名なレコードレーベルには各社それぞれの「フィガロの結婚」があります。

デッカが有名なＥ・クライバーの録音（１９５５）。コロンビアがＳＡＸ仕様のＣ・M・ジュリーニの録音（１９５９）。そしてＨＭＶがこのＶ・グイの録音です。

このグイの録音は人によってはＥ・クライバーの録音より上、という人もいます。値段も高価で、クライバー盤を上回る。ですので自分が所持しているのはモノラル盤です。

細かい音の揺れ動きが、独特の色気を醸し出す、クライバー盤。濃厚で、厚みのある響きが魅力のジュリーニ盤。それらに比べるとグイの録音は、上述のプラハ交響曲のように柔和で、柔らかさを基調とした、洒落た演奏です。

とにかく音の角が立たないように徹底しており、初めはやや弱々しく聴こえていますが、聴き進み、時間が経つと、おとぎ話風の優しいファンタジーな雰囲気が立ち上がってきます。Ｅ・クライバーにやや似ているのかもしれませんが、非現実的な感触はこちらの方が上かもしれません。

聴後のまろやかな後味は、外では味わえないと思いました。

Silent Tone Record/モーツァルト:フィガロの結婚/ヴィットリオ・グイ,グラインドボーン祝祭管弦楽団 ALP 1312-5/クラシックLP専門店サイレント・トーン・レコード

↑、前奏曲の途中まで。

↑、伯爵夫人の配役はセーナ・ユリナッチ。

１９世紀生まれの指揮者の演奏を探るのは中々楽しいですね。