こんにちはガリッポです。
しばらく休暇でブログも休んでいました。
更新を止めれば閲覧者も減るものですが、今回はそんなに減ってきていません。
期待外れです。
ヴァイオリン職人でも音のことはよくわかっておらず自在に作るのは難しいということを説明しています。
作ってみたらこんな音になったという事でもありますが、出来上がって10年くらい使い続けるとまた違っています。したがって、何かの試みをしても結果が分かるのがいつになるのかもわかりません。
今回の休暇での一時帰国でも、新しく作ったヴァイオリンに比べると、10年位前に作ったものの方が音が出やすくなっていることが分かりました。したがって「鳴りの良さ」という部分は職人が作り出すというよりも、使うことによって引き出されるものだということができるかもしれません。できた当初は高いポジションの音が鳴りにくかったのが改善したという人もいます。
それに対して、新しい楽器でも魅力的に思える部分もあります。鳴り方はおとなしくても、「良い音だなあ」と感じることができました。私自身が楽器を作ってその音を「良い音がする」と感じていますが、それが個人的な感想なのか、誰にとってもそうなのかよく分からない所です。昔から風光明媚な所があって、古来より多くの人たちにその景色が愛されていることがあります。弦楽器にもそのような音があり、オールドの名器などはそのように多くの人達に美しいと感じられるものなのでしょうか？
そのような「良い音」をどのように言葉で説明していいかはわかりません。弾いてみないと感じることができません。今回の帰国では何人かの方にそれを感じてもらうことができ、私が感じていたのと同じことを共有したような体験ができました。
職人の私が音について語るのはまだそんなレベルですが、常識として語られていることではありません。
改めて弦楽器の音とそれを感じる人の不思議さを知ったくらいです。
「音が良い」と「良い音がする」と言葉で言うとそれぞれニュアンスが違ってきます。私は厳密には区別せずに語ってきたこともありますし、区別して使っているのを多くの読者の方は気づかないだろうと書いていることもあります。
私が音が良い楽器と言う時には、音響面が優れている楽器のことです。職人の腕前が優れているとか、工芸品として美しいとか、木目やニスが美しいとかそう言う事ではなく、音の面で優れているということです。楽器の品質が関係ないのなら値段も関係ありません。
我々職人や業者の間でも、「良い楽器」と言う時があります。英語なら「A fine ...violin」と鑑定書やオークションの目録に書かれていることもあります。この時はお金のことが含まれています。値段が高い楽器なら「良い楽器」であり、安ければ良い楽器ではありません。
業界では常識として語られてきたことです。
未熟な職人が雑に作ったものでもイタリア製なら「良い楽器」と言われることがあります。ただ古いだけのものでも「良い楽器」と言われることがあります。
職人の目で見て、良い楽器と業界で言われることの基準を分析してみると「値段が高い＝良い楽器」になっていることに気付きます。私がムードに流されない頑固な職人だからです。職人として修業する時、師匠からどういうふうに作るべきか教わることと、商業取引される時の良い楽器の基準が矛盾することに気付いてしまいます。多くの職人は異なる物差しを器用にその時その時で使い分けています。オールドの名器を見たときに美しいと言っておきながら自分楽器を作る時には全く違う基準で作るのです。すごく頑固な人だと自分の作っている楽器の基準が正しく「ストラディバリは私のものよりも劣る」くらいに考えている人もいます。でも私は古い楽器と現代の楽器は別物だと思います。何が違うのかに興味を持っています。
私が「音が良い」と言う場合には、値段で楽器を判断しているのではなく、音でのみ評価していると考えてください。
30万円でとてもよく鳴る楽器があれば、奇跡の一台ということになります。しかし数千万円になってもただ鳴るというだけではその値打ちは無いでしょう。値段で期待される音というのはあるわけでコストパフォーマンスという意味では値段を気にします。多くの人はそれとは逆で値段を知らされると、初めから決めつけて評価することが多いです。
楽器の値段は音に対して、たとえば1dB当たりいくらと値段を決めているわけではありません。オークションなどで欲しい人が多くなれば値段が高くなるという経済原理だけのことです
このため値段とは関係なく音が良い楽器が存在するということを説明しています。
じゃあ、音が良いというのはどういうことなのでしょうか？
楽器の販売を商売としているのなら「売れる音」を察する必要があるでしょう。
商売で成功する秘訣ではあるでしょうが、客観的に音が良いと評価する事とは違うでしょう。
私の地域で売れる音と、日本で売れる音が違います。ですから相対的なものですね。日本で絶賛された楽器を持ってヨーロッパにやってくれば、誰にも見向きもされないということもあり得る、音というのはそれくらいのものです。
私は、先生やプロの演奏者が「音が良い」と言ったものは音が良い楽器と言うことができます。しかし先生も個人差があります。実務の経験でこれなら音が良いと思う人がいるかもしれないというそんなものです。
基本的には音が出やすいということが多数の人に評価されやすいものです。つまり「鳴る」ということです。
しかし、それに対しても、「弱い音が出しにくい」と評する人もいます。弓が触れたとたんアクセルがいきなり全開になってしまうのではなく、オンとオフではなくじわじわと音が出るほうが良いというわけです。「弱く弾いても音が消えない」ということを「発音が良い」ということもできます。そうやって個人個人の感じ方を聞いていくと一筋縄ではいかないことが分かります。
基本的には上級者であればどんな楽器でも鳴らしてしまうので、それほど「鳴る」ということを重視しなくなっていきますから、鳴りを重視するのは中級者までということになります。こうなると基準が変わってきますが、プロの演奏者でも音が出やすいことで「仕事が楽にできる道具」として評価する人もいます。
つまり私がニュアンスとして「音が良い」という時には音楽をするための道具として機能が優れているという意味になるでしょうか？
一方「良い音」という時は、音自体を心地よく、気持ちよく感じるというニュアンスが強くなるでしょう。同じ曲を演奏するのはピアノでもフルートでもオルガンでもコンピュータでも音楽としては同じかもしれません。同じ曲をヴァイオリンで聞いた時に他の楽器以上に気持ちよさを感じるとすれば、楽器そのものの音が好きということが言えるかもしれません。
このように様々な基準が人によって違うのが楽器の評価です。このため値段という一つの尺度で評価することはできません。
多くの人は「オールド楽器のような音かどうか？」という基準で楽器を評価することはありません。職人も同様で、オールド楽器の音に近いかどうかを全く考慮しない人の方が多いでしょう。鳴りが良く楽器としての機能が優れていれば音が良い楽器と言えます。そのようなものが売れるでしょう。
基準が一つ変わるだけで楽器の評価はまるで変ってしまいます。
このため自分で責任を持たないといけないのです。
私はブログでも、100年くらい前の楽器でよく鳴るようになっているものがあったときに「音が良い」と書いています。しかしオールド楽器のような音とは全く違うこともあります。私個人としては音そのものにはピンと来ていません。でも私情を挟まなければ、楽器の機能としては優れているということで「音が良い」と書いています。
つまり古くなれば大概、音が良くなるのです。
このため50年以上前に作られたものなら、音が良い楽器がゴロゴロあって、値段はただの中古品として新品よりも安いことが多いです。つまり、音が良い楽器というのは宝くじに当たるようなものです。宝くじは買う前に当たるかどうかわからないように、弾く前に音が良い楽器かどうか絞ることができません。手あたり次第いろいろなものを弾いてみないと音が良い楽器には当たらないのです。ウンチクを信じたり、値段が高いとか、職人の腕が良いとか関係ないのです。
こういうのは音楽家の楽器の選び方です。音楽には興味があっても、楽器には無頓着な人が多数派です。うちでは売れるのはこういう音が良い楽器です。職人は楽器の品質にこだわりが強く、ディーラーは楽器の素性に興味が強いですが、このような音楽家が評価すると全く違う楽器を選ぶことが多くありケンカになることがあります。ディーラーがコレクター向けに楽器を仕入れる時とは選ばれる楽器が全く違うのですからオークションでの値段などは何の意味もありません。
ただし「オールド楽器のような音」という基準になるとこれらでは叶えられることは少ないでしょう。普通は本当に古い楽器を探すことになります。モダン楽器でも、19世紀のものになると、20世紀のものよりはオールドのような音のものが見つかることでしょう。
「オールドのような音」となったときには運ではなくある程度楽器の作りに法則性があるように思えます。
それは何かといえばオールドのような楽器ということになりますが、新品でもそのように作ることができると考えています。実際にそのような成果が出てきているのが面白いです。ヴァイオリン作りをやっていて「良い音がする」のは最高に面白いことです。
「良い音」はオールド楽器のような構造にすることで、技術的に得ることができる。
「音が良い」のは、作られてから長年使いこまれること、または運によって得ることができるということが分かってきました。
こんな事さえ情報として知らされることは無かったでしょう。
とても有用な情報でしょう。
私も師匠や文献から教わったりはしていません。
私が研究をして今分かってきたことです。
不思議なのは、「なぜオールド楽器のような構造にすると良い音が得られるのか？」ということです。
アマティなどの昔の職人はそのような音を目指していたと考えることができるかもしれません。しかし、当時の職人はそのような方法しか弦楽器の作り方を知らなかったと考えたほうが自然でしょう。そうなると後の時代の人が、楽器を改良していった（つもり）ときに、「良い音」が失われて行ったということです。それに対して注意を払わなかったということです。
私の故郷でも、江戸時代には古い街があって、戦後には古い建物を壊して商店街に変えてしまいました。その後鉄道が交通の主役になると商店街は駅の近くに新しくできて寂れてしまいました。さらに自家用車が普及すると駅前の商店街もシャッター街になってしまいました。江戸時代のままの町を保存していれば今頃観光地として栄えていたことでしょう。そうやって古いものを保存していくのは難しいことなのではないかと思います。
アマティの時代に当時知りうる方法で作られた楽器が素晴らしかったために、楽器として普及し、クラシック音楽の主流の楽器となりました。その後改良（？）が続けられ音が変わっていったという事でしょう。
しかしアマティたちの時代にはガット弦が張られ、バロック仕様で今とは音が違っていたので、彼らの音の好みが現在のオールド楽器の音だったわけでもありません。
私はオールド楽器という「デバイス」が固有の美しい音というのを持っているのではないかと思います。別のデバイスでも性能は得られますが、音は変わってしまいます。私が研究して分かってきたのはこれくらいです。
具体的には表板や裏板がデバイスとなります。修理で分解してパーツを変えて組み立てても固有の音は変わりません。
新年あけましておめでとうございます。
今年もみなさんにとって良い一年になるようにお祈りしています。
去年は空前の円安ユーロ高になって楽器の値段を考えることも難しくなっています。
ブログの当初とは値段が全く違っています。
経済の専門家ではありませんが、ヨーロッパでは日本以上にインフレが加速し、弦楽器用品も値上げ値上げです。ユーロが高いならEU外からの輸入品は安くなるかもしれませんが、便乗的に値上げが続いています。欧州中央銀行は金利を上げるインフレ対策をしてきた結果ユーロ高になっているようです。
ヨーロッパの人たちが賃上げを要求し、高コストのエネルギーに転換を求めることで、製造業は壊滅し、工場が国外に移って雇用が失われて行くことでしょう。それはヨーロッパの人たちが望んだ結果であり、私はそれに従うしかありません。
ヨーロッパから楽器を輸入することも困難なことになるでしょう。
日本の職人の楽器に注目したほうが良いかもしれません。
今では日本産のお米のほうがイタリア産のお米よりも安くなっています。
インフレが落ち着いて為替が通常に近づけば、値段について語ることもできるかもしれません。
「高いもの＝名器」と考える人にとっては、楽器の値段が高くなるので、たくさんお金を払うことができて良かったですね。
値段というものが美や芸術とは関係なく、経済によるものと理解できる方に向けて経験を語っていきたいと思います。
お問い合わせはこちらから
今年もみなさんにとって良い一年になるようにお祈りしています。
去年は空前の円安ユーロ高になって楽器の値段を考えることも難しくなっています。
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経済の専門家ではありませんが、ヨーロッパでは日本以上にインフレが加速し、弦楽器用品も値上げ値上げです。ユーロが高いならEU外からの輸入品は安くなるかもしれませんが、便乗的に値上げが続いています。欧州中央銀行は金利を上げるインフレ対策をしてきた結果ユーロ高になっているようです。
ヨーロッパの人たちが賃上げを要求し、高コストのエネルギーに転換を求めることで、製造業は壊滅し、工場が国外に移って雇用が失われて行くことでしょう。それはヨーロッパの人たちが望んだ結果であり、私はそれに従うしかありません。
ヨーロッパから楽器を輸入することも困難なことになるでしょう。
日本の職人の楽器に注目したほうが良いかもしれません。
今では日本産のお米のほうがイタリア産のお米よりも安くなっています。
インフレが落ち着いて為替が通常に近づけば、値段について語ることもできるかもしれません。
「高いもの＝名器」と考える人にとっては、楽器の値段が高くなるので、たくさんお金を払うことができて良かったですね。
値段というものが美や芸術とは関係なく、経済によるものと理解できる方に向けて経験を語っていきたいと思います。
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こんにちはガリッポです。
年末年始は休暇をいただきます。
ブログも休みにします。
今年もありがとうございました。
日本でお会いする方に連絡事項があります。
お土産などは大変ありがたいのですが、楽器のケースをいくつも持って移動するのに荷物が多いと困ることがあります。ご遠慮ください。
今回はビオラの弓を持って帰るためヴァイオリンの弓を試奏用に用意できないのでご自身のものをお持ちください。
予定は一杯になりましたので、締め切らせていただきます。
今年はコロナも落ち着いて、余暇の時間で楽器作りをやっていました。完成するのに一年以上かかっている計算になります。相変わらず仕事と毎日の料理しかしてない生活でした。もうちょっと普通の人のような暮らしもしたいですね。
ブログの閲覧者数もどんどん多くなってきているようです。
それに伴って書く内容も個人的なものから、最大公約数的なものに変えざるをえません。見る人が増えるにしたがって音については何も語らないということになっていくでしょう。
コメントを受けることがありますが、毎度のように書いていることを誤解しているような印象があります。分かっている人は何も書かないのでしょう。伝え方が不十分であるとは思いますが、何もかも想定するのは無理です。
今の世の中は何かにつけてケチをつけることができるので、物を言った方が損です。余りにも損だと感じるならやる意味を感じなくなります。もしくは一方的に好きなことを書いて、コメントなどは受け付けないということも有り得ます。
しばらく休みしますので、弦楽器熱を冷まして他のことに興味を持ってください。
良いお年を！
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今回はビオラの弓を持って帰るためヴァイオリンの弓を試奏用に用意できないのでご自身のものをお持ちください。
予定は一杯になりましたので、締め切らせていただきます。
今年はコロナも落ち着いて、余暇の時間で楽器作りをやっていました。完成するのに一年以上かかっている計算になります。相変わらず仕事と毎日の料理しかしてない生活でした。もうちょっと普通の人のような暮らしもしたいですね。
ブログの閲覧者数もどんどん多くなってきているようです。
それに伴って書く内容も個人的なものから、最大公約数的なものに変えざるをえません。見る人が増えるにしたがって音については何も語らないということになっていくでしょう。
コメントを受けることがありますが、毎度のように書いていることを誤解しているような印象があります。分かっている人は何も書かないのでしょう。伝え方が不十分であるとは思いますが、何もかも想定するのは無理です。
今の世の中は何かにつけてケチをつけることができるので、物を言った方が損です。余りにも損だと感じるならやる意味を感じなくなります。もしくは一方的に好きなことを書いて、コメントなどは受け付けないということも有り得ます。
しばらく休みしますので、弦楽器熱を冷まして他のことに興味を持ってください。
良いお年を！
こんにちはガリッポです。
こちらの事情を日本の人に説明するのが難しいのと同じで、日本の事情をこちらの人に説明するのが難しいことがあります。
先日はプロのビオラ奏者が店に来て、試奏したモダンビオラをとても気に入っていました。演奏や休暇でさまざな都市を訪れると、合間にヴァイオリン工房を訪ねているようです。それで掘り出し物の楽器を探そうというわけです。
それは人口が10万人程度の町にでもヴァイオリン工房が何軒もあります。それくらいどこにでもある普通の職業です。
それぞれの職人は一国一城の主としてやっていて、自分で楽器を作ったり、お客さんの求めるものを集めて売ったりしています。弟子の育成もしています。
これが日本なら、東京を中心とした文化があり、東京で噂になったことが全国へと広がっていきます。韓国のソウルもそうです。
東京から情報が広がっていくのです。
でもこちらではそんなことは無くて、それぞれの地域に音楽家がいて、楽団があって、音大があって、職人がいてそれぞれが勝手にやっています。
地元の人たちの間でコミュニティができているのです。
日本では「世界的に評価が高い」というイタリアのマエストロの楽器が東京に集まっています。そのようなものはこちらでは見ることはありません。発想が違うのです。イタリアの現代の楽器を今年見たのは2台で、そのうち１台は日本から来た読者のものでした。休暇で日本に帰っている時期の方がたくさんイタリアの現代の楽器を見ます。
なぜ世界的に評価が高いマエストロの楽器が東京のいくつもの店にあるのでしょうか？一人の職人が年間に作れる本数は限られているのに東京にほとんどが割り当てられているのはおかしくありませんか？
普通に考えれば東京ばかりで売っているのです。
そう言うとこちらではだれの楽器が評判になっているのかと聞く人がいますが、そういう流通の仕組みが無いのです。それぞれの職人が自分の店で売っているからです。興味があれば作者のところを訪ねるしかありません。それでも評判の作者のうわさが外国に漏れて日本にまで伝わります。現地の方が知らないです。
私はそういうお金の匂いのするうわさ話に一番興味がない人なので、聞く相手が間違っています。
前回も話したように、音は普通でも有名な作者の名前がついていて先入観を持っていると良い音に聞こえるでしょう。そういうことを狙って、日本の楽器店は少しでも有名な作者の楽器を集めているのです。私たちの感覚だと、なぜそこまでしないと楽器が売れないのかと不思議に思います。勤勉な日本人はわずかでも売れる可能性が高い物を選んで輸入しています。
子供たちが楽器を習い始め、大人用のサイズになり、さらに本格的に勉強しようという生徒が出てくると楽器の需要が発生します。品質の良いものを揃えておけば無名な作者の楽器でも弾き比べて音が良いものを選んで買っています。今は棚がスカスカになってしまいました。
それだけ演奏者の人口が少ないのでしょう。わたしも日本に帰るのが怖くなります。
先日はこんな人もいました。
学生の頃ヴァイオリンを習っていて、しばらくやっていなかったのが、また再開したそうです。ヴァイオリンを買い替えようかと店に来て試奏して、何本か家に持って帰って試奏してもらいました。結果は自分の楽器が悪くなく、買い替える必要はないという結論に達し、弓を探すことになりました。
弦楽器というのはそういうもので、10年20年前に売っていたものよりも、今売っているもののほうが良くなっているということはありません。
自分に自信があって、自分の持っているものを高く評価する傾向があります。日本人は自分の持っている楽器を卑下することが多いです。よほどひどくなければ、それを信じて弾き続ければその楽器を使いこなしていって、鳴るようにもなってきます。私は自分の楽器を信じていられるかが大事なことで、楽器自体がどうであるかはあまり重要ではないとも思います。
弾いてみて音が良ければ買うし、音が良くなければ買わなければ良いのです。
それを、「作者が天才だ」とか木材やニスがどうだとかいろいろ言って褒めちぎることができる要素が無いと売れないというのは悲しいですね。テレビショッピングじゃないですから。買う方のメンタリティだと思います。
飲食店に行っても「〇〇産牛肉」とか書いてあることは無いですね。
そういう事じゃなくて、肉食文化の伝統の長い国なので肉の質で客がついたり離れたりすることでしょう。
完成したヴィオリンの続報です。
ヴァイオリンの先生に弾いてもらいました。
音については「美しい」と言っていました。
楽器をどう評価するか、音をどう評価するかも人によって様々です。
西洋の人は弦楽器の音ではなく日常的に物事で「美しい」ということを重んじます。日本では美しいというのは女性的な価値観で男性はあまり言わないですね。
ともかく西洋の人が美しいと感じる音であるということですね。
それから音の個性がとても強く出ていることを言っていました。
付き合いが長いので、私が作った楽器をずっと知っています。
何度か飛躍的に音が変わった変化がありました。
私も初めは現代のセオリー通りにきっちりとしたものを作っていました。それがとても難しいもので、正確に決められた寸法に加工し、でこぼこや傷が無いようにきれいに加工しないといけません。そこまで到達する職人は多くありません。教科書通りの楽器をきちんと作れるようになると腕前が認められるわけです。実際に目にする楽器はコストを下げるために安価に作られたものや、自信過剰な下手くそな職人のものが多いですから、それでも希少です。
そういうものがあれば、職人同士では「きれいな楽器だ」と認め合います。量産品ではないとはっきりわかるので中古品でも高い値段になります。しかし、高い値段をつけても売れるとは限りません。お客さんは加工の正確さや綺麗さには興味が無く音しか気にしません。
そんな中実際にストラディバリを目にする機会があり、全く自分がやってきたことと違うことに驚きました。他のオールド楽器についても興味を持つようになりました。私が、一つは謙虚であった事、もう一つは違いが分かったという事です。
これを自分たちの楽器を最高だと信じて疑わなければ、ストラディバリを見ても「私の楽器と同じだ」と考えるかもしれません。
考え方を変えて古い楽器について調べることを始めました。
またアンティーク塗装についても、先輩や師匠が始めていました。私はニスをむらなく完璧に塗ることに挑戦していたので、邪道だと思っていました。
ところが先輩や師匠がやったアンティーク塗装があまりにもひどいので、私が手直しをしたこともあります。
そうやって研究を始めると音は飛躍的に変わりました。
特に板の厚みを薄くしたことで、スケールの大きな本格的な遠鳴りする楽器になりました。音色にも深みが出て、「新作らしい明るい音」ではなくなりました。
ストラディバリやデルジェス、アマティのモデルで多く作ってきました。ニコラス・リュポーの実物を元にコピーを作ったこともありました。
高いアーチの楽器はその試みの初期のころからやっています。
ベネチアのピエトロ・グァルネリのモデルでは、世界的に知られた古楽の楽団のヴァイオリン奏者に音が気に入られてその後バロックヴァイオリンに改造しました。
アレサンドロ・ガリアーノの実物を元にコピーを作ったものは、ミラノのヴァイオリン製作学校の先生に見せると、目を丸くして驚いていました。
アマティのモデルのビオラでも高いアーチのものをいくつも作っています。
そのなかでも、マントヴァのピエトロ・グァルネリのモデルは、要素の組み合わせがバチッとはまったような強い個性的な音です。最初に作ったベネチアのピエトロのモデルでも、見た目や音は印象的でしたが、弾き手を選ぶ難しい感じでした。
最近のものはそこまで難しい感じでは無いでしょう。
そこが長年の高いアーチの楽器作りの経験です。見た目の完成度も上がっています。上級者ならフラットなアーチを弾いている人でも問題なく弾けると思いますし、アマチュアであればどちらにしても限界まで鳴らしきるということは無いので、楽器そのものが持っている個性的な音を味わうこともできるでしょう。
ヴァイオリンの先生も、「暗くて柔らかい音」と言っていました。私らしい音だということも言っていました。付き合いも長いので20年ほどの間で音が変わってきたことを言っていました。
他の新作楽器には無い珍しい音ですが、方向としては魅惑的な音です。
私は「快楽主義」ということを言っています。理屈が正しいかどうか、自分が正しいかどうかではなく、そこに心地良さや気持ちよさを感じるかということを重視しています。
とかく西洋では、「自分は正しい」と主張することで対価として収入を得ることができます。偉い職人としての地位もあります。西洋で高い地位というのはオリンピックのバッハ会長のようなことです。それは財産や家族を守るために必要なことでしょう。しかしお客さんにとっては得になりません。いちいち聞いていたらお金が無くなってしまいます。
そういう屁理屈を言うよりも「私はお金が欲しいので値上げしました」と正直に言ってくれた方がまだ信用できます。
その誠実さに対して余計にお金を払う気になります。
そういう態度は透けて見えます。
私は聞く価値が無いつまらない話だと感じてしまうからです。社会やニュースについての意見も自分の正しさを主張しているだけで聞く価値が無いと感じてしまいます。
今回はピエトロⅠのモデルで以前作って音を気に入った上で、さらに小型化したものが欲しいという依頼がありました。弦長は5mm短くなっています。
先生も弦長が短いことがはっきりと分かって、「快適だ」と言っていました。慣れないので「音を探さないといけない」と探り探り弾いていました。
弦長が短くなると、抑える場所の音と音の間隔が近くなるのです。数ミリでも気づく人は気付きます。特に長すぎるものは問題です。
西洋でできたものですから、日本人には大きすぎるかもしれません。
特にビオラではその問題があり、小型で低音が豊かな楽器を作る経験を得て来て、それをヴァイオリンに生かしたわけです。
アマティの頃には小型のヴィオリンがあって、それをそっくりそのまま作ればコピーとしては「正しい」でしょう。でもわたしは自分が正しいということを主張して利益を得ようとしているわけではありません。音でフルサイズのものに引けを取ってはいけません。今回はオールドに多い小さなヴァイオリンをそのまま作るのではなく、フルサイズのピエトロ・グァルネリをモディファイして小型化しました。
「高価な名器と全く同じに作ったから音が良い」と主張するのではなく、その中でも奇跡的な条件が何なのかを探してきたところです。いくつも異なるものを作ってたまたまた音が印象的なものを見つけたということです。もちろん、自分の中でこういう構造のものを作りたいということがあって、それにあったものとして選んだモデルでもあります。
マントヴァのピエトロの場合には見た目も丸みがあって、アマティ譲りの美しさと、全体としてのバランスの良さもあります。ストラディバリの影響もあるからでしょう。しかし、丸みには独特なこだわりがあったのかアーチのふくらみも丸みがあります。形が整っているのでピエトロ・グァルネリのモデルで作る新作楽器もたまにあります。しかし、現代的な作法が多く残っている人が多いです。
こればかり作れば、それでも全く同じわけではないので自分の癖が加わって私の強烈な個性となります。
「自分オリジナル」モデルを作るよりもはるかに個性的です。
いわば、ピエトロ・グァルネリの弟子、カミロ・カミッリやトマソ・バレストリエリのようなマントヴァ派の一人になるようなものですから。
しかしながら、人によって音の好みや楽器を使う目的が違います。
ストラディバリやデルジェスのモデルであれば、もっと広く一般的に優れた楽器として薦められることでしょう。
その反面より「普通」の感じがします。
構造から常識外れの部分が少なくなってくると音もより普通になってきます。
これは私の楽器に限らず、現代のセオリーに近づくほど音は普通になっていくことでしょう。そういう一人前の職人がまじめにきちんと作ったものすら、世の中では少ないので、そういうものが悪いものだと言っているわけではありません。でも私以外に作れる人がたくさんいます。
これは古い楽器でもそうです。
20世紀の戦後に作られたものは、新品の楽器と音は似ています。しかし新品よりもよく鳴るようになっています。同じ音で鳴りが良いのならそっちのほうが良いですよね。有名な作者の新品よりも、無名な作者の50年くらい前のものであればその方が音が良いかもしれません。ただの中古品ですから値段は半分以下かもしれません。
1900年頃になると、鋭い音のものが多く感じます。
したがって音は最も強く感じるでしょう。
音が強い＝良い楽器と考えるなら最高ですよね。
それに対して1600～1800年頃のオールド楽器は全く違う音がします。
個体差も大きく、数が少なくて、同じようなものと再び出会うこともないかもしれません。
モダン楽器で値段が数千万円してもやはりオールドの音とは違います、慣れ親しんでいる身近のものと似ています。名前が有名なら価格は高騰しますが私はそこまで出す価値があるのかなと思います。
ガット弦とナイロン弦でも同じような葛藤があります。
ナイロン弦を開発するなら多くの人が求める条件を満たしたものを製品化することでしょう。多数派で言えば張力を高め、パワーパワーと力を求める人が多いでしょう。新製品ほどそういう傾向です。ヨーロッパよりもアメリカやアジアで顕著です。ヨーロッパローカルではなく「世界的な評価」を得るにはそういう音にしないといけません。
それに対して本来はガット弦が使いたいところを、実用性のためにあきらめてナイロン弦を使っている人もいることでしょう。
ガット弦になるべく近いものを目指すというのも難しいです。メーカーのカタログには「ガット弦のような」と書いてある製品がたくさんありますがガット弦の愛好家はどれも代わりにはならないと言います。
これもまた「ガット弦の音」をどうとらえるか人によって違うからです。とにかく聴覚というのは人によって信じられないほど違います。
それで言うとその先生はガット弦を使っているのですが、クリスマスに教会で弾かないといけないそうです。教会はオルガンが古くてピッチが低いし、冬には寒くて音程が安定しないそうです。それでこれまでのたくさんの弦を試して来ました。先生曰く最悪なのは、ピラストロのパッシオーネです。調弦が狂いにくいように改良された現代のガット弦です。そうかと思えば別の古楽に精通した教授は使っている人もいます。
先生の好みも知っているので、コレルリのカンティーガを薦めました。今まで試した人工繊維のものでは一番良いと言っていました。コレルリではさらに新しいソレアという製品が出ていますが、まだ手元にはありません。またカンティーガにも張力が違うバージョンが3種類あります。普通は弱い張力のバージョンを買う人はほとんどいないでしょうが理論上はガット弦に近づくはずです。響きは豊かで複雑な音になるかもしれません、この辺は楽器との相性もあります。コレルリはフランスのサバレスという会社の製品です。世界のトレンドと違うような製品は面白いですね。値段もそれほど高くなっていません。
話はそれましたが、じゃあオールドとモダンのどちらの音が優れているのでしょうか？それは多数決で決めることではなく、人それぞれ自分自身でどう思うかだけです。
時代が遠くなるほど、音も身の回りにあるものと違いが大きくなっている印象はあります。
良いか悪いかはそれぞれが判断してください。
しかし、違いが大きいということは、やはりその作風の違いによる部分があるのではないかと思います。それに加えて古さも音への影響があることでしょう。
新品の楽器で「オールド楽器のような音」を再現する条件はとても厳しいと思います。オールドの時代には周りの職人がやっていたのと同じことをしていれば、今頃はオールド楽器の音になっているのです。しかし、今その音を再現しようと思うと、周りの職人が誰もやっていない作り方で、なおかつ、奇跡的な条件を見つけないといけません。
「オールド楽器のような音」というのも、人によって何をオールド楽器の音の魅力ととらえるかが違います。単に音量があると考える人もいます、それならモダン楽器でもありそうです。
板の厚みについて、職人が説明します。
ある人は木材の硬さによって変えますとか、タッピングして音を聞いて最終的に決めますと言うかもしれません。それを聞くとなるほど分かってらっしゃるんだなと思うかもしれません。
最初に与えられた寸法に近くなってきて、師匠や先輩に見せると、板を持って何やら曲げてみたり、叩いたりして「もうちょっとここを削れ」のような指示を出すのです。
私が言ってるのはそういう事ではありません。
根本から最初の設計が全く違うのです。
その程度の加減では本当に音が変わったのかわからないです。
分からないことを分かっていると思い込んでいることが危険なのです。それは頭で考えているだけで効果を確認してないのです。そういことが職人には多いんです。
そうじゃなくて、常識からかけ離れたくらいに板を薄くすると、木材の質の違いを超えて特徴のある音になるのです。私は実現できているかどうかは別として「オールド楽器のような音にしたい」というはっきりした目標がありますが、普通は新作同士で他のヴァイオリンよりも派手な音なら評価されることでしょう。もっと言うと「（えらい師匠に教わった）正しい方法で作った私の楽器の音が正しい」と主張する人が多いです。
でも弦楽器というのはそれくらいやらないと音の違いが出てこないということが私は分かってきました。小さな違いはあまり重要ではないのです。職人は0.1mmという単位で仕事をしているので本人は工夫したり、調整をしているつもりになっているものです。0.1㎜単位の正確性は意味がないのです。「音が悪くなるのでやってはいけない」と信じられているくらいのことをやらないと音に違いが出ません。
細かいことを言う人の方が精通しているように見えます。
しかしざっくりとつかんでいる方が私は力があると思います。
私は今でも、学生さんのためにヴァイオリンを作るなら、真っ平らなアーチのフランス風の楽器にしたほうが良いかもしれないという考えがあります。もし自分がもう一人いれば両方作るのですが…。
実際に使っている音大生もいます。本当のフランスの楽器は音が鋭いものが多いので、それに比べればマイルドな音になります。逆に言えばそこまで鳴らないので、それを鳴らす技量が必要です。ホールでは豊かに響くので、人に聞かせる場合にも使えることでしょう。より現実的なチョイスです。
一方で、オールド楽器を弾きこなしてこそ一流の演奏者だとすれば、それに近いものを使ったほうが良いとも考えられます、そうなると今回のようなものはうってつけです。弾いていて気持ちがよくて楽しいということも無視できない要素です。
いずれ高価なオールド楽器が手に入れば良いですが、そうでなくても何十年も弾き込めば音も出やすくなり、稀有な存在になることでしょう。理想を求めたチョイスです。
実際に上級者でも、一流のモダン楽器か二流以下のオールド楽器かは、「究極の選択」と言える問題だと思います。意見は人によって分かれることでしょう。
そうやって答えは決まらないのが弦楽器のおもしろさだと思いますし、現代の職人が正しいと信じているものから離れるほど、思いもよらない音が出るのだと思います。正しいと職人が皆信じているものを作っても音は普通になってしまいます。
私が飛躍的に音が変わったのは、「良くない」と常識では信じられているものを作ったからです。
だから私の楽器の音は「ヨーロッパの音」ではありません。現代の楽器の音はヨーロッパも日本の作者も変わりません。日本ではそのような現代の楽器を褒めちぎって多く売って来ただけです、こちらではそのようなものは売れなくなってきています。
普通が悪いという事ではありません。むしろ妙なこだわりのない普通の人には真っ当なものです。
そちらの音が好みの人もいるでしょう、私の20年前の楽器のほうが今のものよりも音が良いと感じる人もいるでしょう。
普通に作っても個体差のような音の違いがあり、私が作りを調べてもなんでそのような音になるのかわからないこともあります。たくさん弾き比べれば魅力的なものもあるでしょう。
一方、普通のものすら作れない技能の低い職人の方が多いです。
下手な職人の作る楽器の音は予測不可能です。
下手な職人のほうが意外性があるというわけです。こうなると「運」ですね。
なのでどこの誰が作った楽器に気に入る音のものがあるのか全く分かりません。
私の言っている理屈もまた、何でもない楽器に覆されることもあるでしょうね。
才能とか、腕の良さと音は関係ないのです。
最初はピラストロのオブリガートを張ってみました。E線には同社のNo.1というものです。これは巻き線と言って一般的なスチールの単線ではなく金属を巻いてあります。弦の性格と楽器のキャラクターが似ています。個性がとても強く出るでしょう。
次にA,D,Gをラーセンのイル・カノーネにしてみました。細かな響きが豊かになり量感が増えたようです。暗い一辺倒ではなくなりました。E線を強いテンションのものにすると他の線でも響きが無くなって単純な音になりました。そこでカプランのソリューションズにするとまた響きが戻りました。楽器の特徴を強く感じるにはオブリガートのほうが良いかもしれませんし、総合的にはイル・カノーネのほうがバランスが整っているのかなとは思います。
こういうのは最後の詰めの作業であって、楽器自体の音を変えるのは難しいようです。新しい楽器ではすぐに取り掛かるよりも弾き込んでからのほうが良いかもしれません。
音が明るくなる弦はたくさんあるのに、暗くなる弦はオブリガートくらいのものです。だから板の厚みが重要なのです。ビビッて攻めきれずに十分に薄くできないと音が明るくなってしまいどうしようもありません。
ドミナントプロも一度だけ試したことがあって、その楽器には良い感じでしたが、うちではトマスティクを使う人自体が少ないので経験が少ないです。日本の方がメーカーに親しみを持っている人が多いでしょう。トマスティクは新製品を連発していますが、トマスティクユーザーが少なすぎてうちで試す意味が無いようです。
ピラストロが多いのはガット弦の時代から「高級ブランド」になっていたからでしょう。
日本ではドミナントの時代にブランドイメージが定着したのに対して、こっちではもっと古い時代からブランドが定着しているという事でもあります。それで言うと日本の方が最新の知見があるというわけです。それも30年以上前の知識ですが…。
日本人はとことん突き詰めて確固とした正解を求める傾向が強く、その分一度定着すると変えにくい。80～90年代バブル期のごく短い期間の状況の中で価値観が決定づけられたことが多いのではないかと思います。
それがいろいろなところでひずみとなって表れていることでしょう。弦楽器はまさにその一つです。
こちらの事情を日本の人に説明するのが難しいのと同じで、日本の事情をこちらの人に説明するのが難しいことがあります。
先日はプロのビオラ奏者が店に来て、試奏したモダンビオラをとても気に入っていました。演奏や休暇でさまざな都市を訪れると、合間にヴァイオリン工房を訪ねているようです。それで掘り出し物の楽器を探そうというわけです。
それは人口が10万人程度の町にでもヴァイオリン工房が何軒もあります。それくらいどこにでもある普通の職業です。
それぞれの職人は一国一城の主としてやっていて、自分で楽器を作ったり、お客さんの求めるものを集めて売ったりしています。弟子の育成もしています。
これが日本なら、東京を中心とした文化があり、東京で噂になったことが全国へと広がっていきます。韓国のソウルもそうです。
東京から情報が広がっていくのです。
でもこちらではそんなことは無くて、それぞれの地域に音楽家がいて、楽団があって、音大があって、職人がいてそれぞれが勝手にやっています。
地元の人たちの間でコミュニティができているのです。
日本では「世界的に評価が高い」というイタリアのマエストロの楽器が東京に集まっています。そのようなものはこちらでは見ることはありません。発想が違うのです。イタリアの現代の楽器を今年見たのは2台で、そのうち１台は日本から来た読者のものでした。休暇で日本に帰っている時期の方がたくさんイタリアの現代の楽器を見ます。
なぜ世界的に評価が高いマエストロの楽器が東京のいくつもの店にあるのでしょうか？一人の職人が年間に作れる本数は限られているのに東京にほとんどが割り当てられているのはおかしくありませんか？
普通に考えれば東京ばかりで売っているのです。
そう言うとこちらではだれの楽器が評判になっているのかと聞く人がいますが、そういう流通の仕組みが無いのです。それぞれの職人が自分の店で売っているからです。興味があれば作者のところを訪ねるしかありません。それでも評判の作者のうわさが外国に漏れて日本にまで伝わります。現地の方が知らないです。
私はそういうお金の匂いのするうわさ話に一番興味がない人なので、聞く相手が間違っています。
前回も話したように、音は普通でも有名な作者の名前がついていて先入観を持っていると良い音に聞こえるでしょう。そういうことを狙って、日本の楽器店は少しでも有名な作者の楽器を集めているのです。私たちの感覚だと、なぜそこまでしないと楽器が売れないのかと不思議に思います。勤勉な日本人はわずかでも売れる可能性が高い物を選んで輸入しています。
子供たちが楽器を習い始め、大人用のサイズになり、さらに本格的に勉強しようという生徒が出てくると楽器の需要が発生します。品質の良いものを揃えておけば無名な作者の楽器でも弾き比べて音が良いものを選んで買っています。今は棚がスカスカになってしまいました。
それだけ演奏者の人口が少ないのでしょう。わたしも日本に帰るのが怖くなります。
先日はこんな人もいました。
学生の頃ヴァイオリンを習っていて、しばらくやっていなかったのが、また再開したそうです。ヴァイオリンを買い替えようかと店に来て試奏して、何本か家に持って帰って試奏してもらいました。結果は自分の楽器が悪くなく、買い替える必要はないという結論に達し、弓を探すことになりました。
弦楽器というのはそういうもので、10年20年前に売っていたものよりも、今売っているもののほうが良くなっているということはありません。
自分に自信があって、自分の持っているものを高く評価する傾向があります。日本人は自分の持っている楽器を卑下することが多いです。よほどひどくなければ、それを信じて弾き続ければその楽器を使いこなしていって、鳴るようにもなってきます。私は自分の楽器を信じていられるかが大事なことで、楽器自体がどうであるかはあまり重要ではないとも思います。
弾いてみて音が良ければ買うし、音が良くなければ買わなければ良いのです。
それを、「作者が天才だ」とか木材やニスがどうだとかいろいろ言って褒めちぎることができる要素が無いと売れないというのは悲しいですね。テレビショッピングじゃないですから。買う方のメンタリティだと思います。
飲食店に行っても「〇〇産牛肉」とか書いてあることは無いですね。
そういう事じゃなくて、肉食文化の伝統の長い国なので肉の質で客がついたり離れたりすることでしょう。
完成したヴィオリンの続報です。
ヴァイオリンの先生に弾いてもらいました。
音については「美しい」と言っていました。
楽器をどう評価するか、音をどう評価するかも人によって様々です。
西洋の人は弦楽器の音ではなく日常的に物事で「美しい」ということを重んじます。日本では美しいというのは女性的な価値観で男性はあまり言わないですね。
ともかく西洋の人が美しいと感じる音であるということですね。
それから音の個性がとても強く出ていることを言っていました。
付き合いが長いので、私が作った楽器をずっと知っています。
何度か飛躍的に音が変わった変化がありました。
私も初めは現代のセオリー通りにきっちりとしたものを作っていました。それがとても難しいもので、正確に決められた寸法に加工し、でこぼこや傷が無いようにきれいに加工しないといけません。そこまで到達する職人は多くありません。教科書通りの楽器をきちんと作れるようになると腕前が認められるわけです。実際に目にする楽器はコストを下げるために安価に作られたものや、自信過剰な下手くそな職人のものが多いですから、それでも希少です。
そういうものがあれば、職人同士では「きれいな楽器だ」と認め合います。量産品ではないとはっきりわかるので中古品でも高い値段になります。しかし、高い値段をつけても売れるとは限りません。お客さんは加工の正確さや綺麗さには興味が無く音しか気にしません。
そんな中実際にストラディバリを目にする機会があり、全く自分がやってきたことと違うことに驚きました。他のオールド楽器についても興味を持つようになりました。私が、一つは謙虚であった事、もう一つは違いが分かったという事です。
これを自分たちの楽器を最高だと信じて疑わなければ、ストラディバリを見ても「私の楽器と同じだ」と考えるかもしれません。
考え方を変えて古い楽器について調べることを始めました。
またアンティーク塗装についても、先輩や師匠が始めていました。私はニスをむらなく完璧に塗ることに挑戦していたので、邪道だと思っていました。
ところが先輩や師匠がやったアンティーク塗装があまりにもひどいので、私が手直しをしたこともあります。
そうやって研究を始めると音は飛躍的に変わりました。
特に板の厚みを薄くしたことで、スケールの大きな本格的な遠鳴りする楽器になりました。音色にも深みが出て、「新作らしい明るい音」ではなくなりました。
ストラディバリやデルジェス、アマティのモデルで多く作ってきました。ニコラス・リュポーの実物を元にコピーを作ったこともありました。
高いアーチの楽器はその試みの初期のころからやっています。
ベネチアのピエトロ・グァルネリのモデルでは、世界的に知られた古楽の楽団のヴァイオリン奏者に音が気に入られてその後バロックヴァイオリンに改造しました。
アレサンドロ・ガリアーノの実物を元にコピーを作ったものは、ミラノのヴァイオリン製作学校の先生に見せると、目を丸くして驚いていました。
アマティのモデルのビオラでも高いアーチのものをいくつも作っています。
そのなかでも、マントヴァのピエトロ・グァルネリのモデルは、要素の組み合わせがバチッとはまったような強い個性的な音です。最初に作ったベネチアのピエトロのモデルでも、見た目や音は印象的でしたが、弾き手を選ぶ難しい感じでした。
最近のものはそこまで難しい感じでは無いでしょう。
そこが長年の高いアーチの楽器作りの経験です。見た目の完成度も上がっています。上級者ならフラットなアーチを弾いている人でも問題なく弾けると思いますし、アマチュアであればどちらにしても限界まで鳴らしきるということは無いので、楽器そのものが持っている個性的な音を味わうこともできるでしょう。
ヴァイオリンの先生も、「暗くて柔らかい音」と言っていました。私らしい音だということも言っていました。付き合いも長いので20年ほどの間で音が変わってきたことを言っていました。
他の新作楽器には無い珍しい音ですが、方向としては魅惑的な音です。
私は「快楽主義」ということを言っています。理屈が正しいかどうか、自分が正しいかどうかではなく、そこに心地良さや気持ちよさを感じるかということを重視しています。
とかく西洋では、「自分は正しい」と主張することで対価として収入を得ることができます。偉い職人としての地位もあります。西洋で高い地位というのはオリンピックのバッハ会長のようなことです。それは財産や家族を守るために必要なことでしょう。しかしお客さんにとっては得になりません。いちいち聞いていたらお金が無くなってしまいます。
そういう屁理屈を言うよりも「私はお金が欲しいので値上げしました」と正直に言ってくれた方がまだ信用できます。
その誠実さに対して余計にお金を払う気になります。
そういう態度は透けて見えます。
私は聞く価値が無いつまらない話だと感じてしまうからです。社会やニュースについての意見も自分の正しさを主張しているだけで聞く価値が無いと感じてしまいます。
今回はピエトロⅠのモデルで以前作って音を気に入った上で、さらに小型化したものが欲しいという依頼がありました。弦長は5mm短くなっています。
先生も弦長が短いことがはっきりと分かって、「快適だ」と言っていました。慣れないので「音を探さないといけない」と探り探り弾いていました。
弦長が短くなると、抑える場所の音と音の間隔が近くなるのです。数ミリでも気づく人は気付きます。特に長すぎるものは問題です。
西洋でできたものですから、日本人には大きすぎるかもしれません。
特にビオラではその問題があり、小型で低音が豊かな楽器を作る経験を得て来て、それをヴァイオリンに生かしたわけです。
アマティの頃には小型のヴィオリンがあって、それをそっくりそのまま作ればコピーとしては「正しい」でしょう。でもわたしは自分が正しいということを主張して利益を得ようとしているわけではありません。音でフルサイズのものに引けを取ってはいけません。今回はオールドに多い小さなヴァイオリンをそのまま作るのではなく、フルサイズのピエトロ・グァルネリをモディファイして小型化しました。
「高価な名器と全く同じに作ったから音が良い」と主張するのではなく、その中でも奇跡的な条件が何なのかを探してきたところです。いくつも異なるものを作ってたまたまた音が印象的なものを見つけたということです。もちろん、自分の中でこういう構造のものを作りたいということがあって、それにあったものとして選んだモデルでもあります。
マントヴァのピエトロの場合には見た目も丸みがあって、アマティ譲りの美しさと、全体としてのバランスの良さもあります。ストラディバリの影響もあるからでしょう。しかし、丸みには独特なこだわりがあったのかアーチのふくらみも丸みがあります。形が整っているのでピエトロ・グァルネリのモデルで作る新作楽器もたまにあります。しかし、現代的な作法が多く残っている人が多いです。
こればかり作れば、それでも全く同じわけではないので自分の癖が加わって私の強烈な個性となります。
「自分オリジナル」モデルを作るよりもはるかに個性的です。
いわば、ピエトロ・グァルネリの弟子、カミロ・カミッリやトマソ・バレストリエリのようなマントヴァ派の一人になるようなものですから。
しかしながら、人によって音の好みや楽器を使う目的が違います。
ストラディバリやデルジェスのモデルであれば、もっと広く一般的に優れた楽器として薦められることでしょう。
その反面より「普通」の感じがします。
構造から常識外れの部分が少なくなってくると音もより普通になってきます。
これは私の楽器に限らず、現代のセオリーに近づくほど音は普通になっていくことでしょう。そういう一人前の職人がまじめにきちんと作ったものすら、世の中では少ないので、そういうものが悪いものだと言っているわけではありません。でも私以外に作れる人がたくさんいます。
これは古い楽器でもそうです。
20世紀の戦後に作られたものは、新品の楽器と音は似ています。しかし新品よりもよく鳴るようになっています。同じ音で鳴りが良いのならそっちのほうが良いですよね。有名な作者の新品よりも、無名な作者の50年くらい前のものであればその方が音が良いかもしれません。ただの中古品ですから値段は半分以下かもしれません。
1900年頃になると、鋭い音のものが多く感じます。
したがって音は最も強く感じるでしょう。
音が強い＝良い楽器と考えるなら最高ですよね。
それに対して1600～1800年頃のオールド楽器は全く違う音がします。
個体差も大きく、数が少なくて、同じようなものと再び出会うこともないかもしれません。
モダン楽器で値段が数千万円してもやはりオールドの音とは違います、慣れ親しんでいる身近のものと似ています。名前が有名なら価格は高騰しますが私はそこまで出す価値があるのかなと思います。
ガット弦とナイロン弦でも同じような葛藤があります。
ナイロン弦を開発するなら多くの人が求める条件を満たしたものを製品化することでしょう。多数派で言えば張力を高め、パワーパワーと力を求める人が多いでしょう。新製品ほどそういう傾向です。ヨーロッパよりもアメリカやアジアで顕著です。ヨーロッパローカルではなく「世界的な評価」を得るにはそういう音にしないといけません。
それに対して本来はガット弦が使いたいところを、実用性のためにあきらめてナイロン弦を使っている人もいることでしょう。
ガット弦になるべく近いものを目指すというのも難しいです。メーカーのカタログには「ガット弦のような」と書いてある製品がたくさんありますがガット弦の愛好家はどれも代わりにはならないと言います。
これもまた「ガット弦の音」をどうとらえるか人によって違うからです。とにかく聴覚というのは人によって信じられないほど違います。
それで言うとその先生はガット弦を使っているのですが、クリスマスに教会で弾かないといけないそうです。教会はオルガンが古くてピッチが低いし、冬には寒くて音程が安定しないそうです。それでこれまでのたくさんの弦を試して来ました。先生曰く最悪なのは、ピラストロのパッシオーネです。調弦が狂いにくいように改良された現代のガット弦です。そうかと思えば別の古楽に精通した教授は使っている人もいます。
先生の好みも知っているので、コレルリのカンティーガを薦めました。今まで試した人工繊維のものでは一番良いと言っていました。コレルリではさらに新しいソレアという製品が出ていますが、まだ手元にはありません。またカンティーガにも張力が違うバージョンが3種類あります。普通は弱い張力のバージョンを買う人はほとんどいないでしょうが理論上はガット弦に近づくはずです。響きは豊かで複雑な音になるかもしれません、この辺は楽器との相性もあります。コレルリはフランスのサバレスという会社の製品です。世界のトレンドと違うような製品は面白いですね。値段もそれほど高くなっていません。
話はそれましたが、じゃあオールドとモダンのどちらの音が優れているのでしょうか？それは多数決で決めることではなく、人それぞれ自分自身でどう思うかだけです。
時代が遠くなるほど、音も身の回りにあるものと違いが大きくなっている印象はあります。
良いか悪いかはそれぞれが判断してください。
しかし、違いが大きいということは、やはりその作風の違いによる部分があるのではないかと思います。それに加えて古さも音への影響があることでしょう。
新品の楽器で「オールド楽器のような音」を再現する条件はとても厳しいと思います。オールドの時代には周りの職人がやっていたのと同じことをしていれば、今頃はオールド楽器の音になっているのです。しかし、今その音を再現しようと思うと、周りの職人が誰もやっていない作り方で、なおかつ、奇跡的な条件を見つけないといけません。
「オールド楽器のような音」というのも、人によって何をオールド楽器の音の魅力ととらえるかが違います。単に音量があると考える人もいます、それならモダン楽器でもありそうです。
板の厚みについて、職人が説明します。
ある人は木材の硬さによって変えますとか、タッピングして音を聞いて最終的に決めますと言うかもしれません。それを聞くとなるほど分かってらっしゃるんだなと思うかもしれません。
最初に与えられた寸法に近くなってきて、師匠や先輩に見せると、板を持って何やら曲げてみたり、叩いたりして「もうちょっとここを削れ」のような指示を出すのです。
私が言ってるのはそういう事ではありません。
根本から最初の設計が全く違うのです。
その程度の加減では本当に音が変わったのかわからないです。
分からないことを分かっていると思い込んでいることが危険なのです。それは頭で考えているだけで効果を確認してないのです。そういことが職人には多いんです。
そうじゃなくて、常識からかけ離れたくらいに板を薄くすると、木材の質の違いを超えて特徴のある音になるのです。私は実現できているかどうかは別として「オールド楽器のような音にしたい」というはっきりした目標がありますが、普通は新作同士で他のヴァイオリンよりも派手な音なら評価されることでしょう。もっと言うと「（えらい師匠に教わった）正しい方法で作った私の楽器の音が正しい」と主張する人が多いです。
でも弦楽器というのはそれくらいやらないと音の違いが出てこないということが私は分かってきました。小さな違いはあまり重要ではないのです。職人は0.1mmという単位で仕事をしているので本人は工夫したり、調整をしているつもりになっているものです。0.1㎜単位の正確性は意味がないのです。「音が悪くなるのでやってはいけない」と信じられているくらいのことをやらないと音に違いが出ません。
細かいことを言う人の方が精通しているように見えます。
しかしざっくりとつかんでいる方が私は力があると思います。
私は今でも、学生さんのためにヴァイオリンを作るなら、真っ平らなアーチのフランス風の楽器にしたほうが良いかもしれないという考えがあります。もし自分がもう一人いれば両方作るのですが…。
実際に使っている音大生もいます。本当のフランスの楽器は音が鋭いものが多いので、それに比べればマイルドな音になります。逆に言えばそこまで鳴らないので、それを鳴らす技量が必要です。ホールでは豊かに響くので、人に聞かせる場合にも使えることでしょう。より現実的なチョイスです。
一方で、オールド楽器を弾きこなしてこそ一流の演奏者だとすれば、それに近いものを使ったほうが良いとも考えられます、そうなると今回のようなものはうってつけです。弾いていて気持ちがよくて楽しいということも無視できない要素です。
いずれ高価なオールド楽器が手に入れば良いですが、そうでなくても何十年も弾き込めば音も出やすくなり、稀有な存在になることでしょう。理想を求めたチョイスです。
実際に上級者でも、一流のモダン楽器か二流以下のオールド楽器かは、「究極の選択」と言える問題だと思います。意見は人によって分かれることでしょう。
そうやって答えは決まらないのが弦楽器のおもしろさだと思いますし、現代の職人が正しいと信じているものから離れるほど、思いもよらない音が出るのだと思います。正しいと職人が皆信じているものを作っても音は普通になってしまいます。
私が飛躍的に音が変わったのは、「良くない」と常識では信じられているものを作ったからです。
だから私の楽器の音は「ヨーロッパの音」ではありません。現代の楽器の音はヨーロッパも日本の作者も変わりません。日本ではそのような現代の楽器を褒めちぎって多く売って来ただけです、こちらではそのようなものは売れなくなってきています。
普通が悪いという事ではありません。むしろ妙なこだわりのない普通の人には真っ当なものです。
そちらの音が好みの人もいるでしょう、私の20年前の楽器のほうが今のものよりも音が良いと感じる人もいるでしょう。
普通に作っても個体差のような音の違いがあり、私が作りを調べてもなんでそのような音になるのかわからないこともあります。たくさん弾き比べれば魅力的なものもあるでしょう。
一方、普通のものすら作れない技能の低い職人の方が多いです。
下手な職人の作る楽器の音は予測不可能です。
下手な職人のほうが意外性があるというわけです。こうなると「運」ですね。
なのでどこの誰が作った楽器に気に入る音のものがあるのか全く分かりません。
私の言っている理屈もまた、何でもない楽器に覆されることもあるでしょうね。
才能とか、腕の良さと音は関係ないのです。
最初はピラストロのオブリガートを張ってみました。E線には同社のNo.1というものです。これは巻き線と言って一般的なスチールの単線ではなく金属を巻いてあります。弦の性格と楽器のキャラクターが似ています。個性がとても強く出るでしょう。
次にA,D,Gをラーセンのイル・カノーネにしてみました。細かな響きが豊かになり量感が増えたようです。暗い一辺倒ではなくなりました。E線を強いテンションのものにすると他の線でも響きが無くなって単純な音になりました。そこでカプランのソリューションズにするとまた響きが戻りました。楽器の特徴を強く感じるにはオブリガートのほうが良いかもしれませんし、総合的にはイル・カノーネのほうがバランスが整っているのかなとは思います。
こういうのは最後の詰めの作業であって、楽器自体の音を変えるのは難しいようです。新しい楽器ではすぐに取り掛かるよりも弾き込んでからのほうが良いかもしれません。
音が明るくなる弦はたくさんあるのに、暗くなる弦はオブリガートくらいのものです。だから板の厚みが重要なのです。ビビッて攻めきれずに十分に薄くできないと音が明るくなってしまいどうしようもありません。
ドミナントプロも一度だけ試したことがあって、その楽器には良い感じでしたが、うちではトマスティクを使う人自体が少ないので経験が少ないです。日本の方がメーカーに親しみを持っている人が多いでしょう。トマスティクは新製品を連発していますが、トマスティクユーザーが少なすぎてうちで試す意味が無いようです。
ピラストロが多いのはガット弦の時代から「高級ブランド」になっていたからでしょう。
日本ではドミナントの時代にブランドイメージが定着したのに対して、こっちではもっと古い時代からブランドが定着しているという事でもあります。それで言うと日本の方が最新の知見があるというわけです。それも30年以上前の知識ですが…。
日本人はとことん突き詰めて確固とした正解を求める傾向が強く、その分一度定着すると変えにくい。80～90年代バブル期のごく短い期間の状況の中で価値観が決定づけられたことが多いのではないかと思います。
それがいろいろなところでひずみとなって表れていることでしょう。弦楽器はまさにその一つです。
こんにちはガリッポです。
高いアーチの楽器についても予備知識があるほど理解が難しくなります。
私は、特にアーチの高さは意識しなくてもいいと考えています。
そこに興味を持つ必要が無く、単に弾いてみてどう思うかというだけです。
板の厚みについても同じです。
私が言っていることは「なんでも良い」ということです。
これで今回の記事は終わりです。「はい、解散！」
これだけで十分ですが、なぜなんでも良いかという話も多少は必要でしょう。
音が良いものを買いたいとか、変なものを買ってしまわないか不安があると思います。
「〇〇が良い」とか「××はダメ」という情報を欲しているのでしょう。
実際ヴァイオリン職人の間でも、そういう知識が多いですし、そういうことを語る職人も多いです。師匠や製作学校の先生ものそうです。現代の職人の多くは一般の人や、お客さん、弟子や生徒にそうやって語りかける人が多いです。
でも理屈で考えていたのと実際の楽器の音は全くかけ離れていて一つ一つの楽器に向き合うと「なんでも良い」ということを経験するし、そうやってふるいに分けてしまうことがとてももったいないことだと思います。高いアーチの楽器を愛用している教授に「あなたのヴァイオリンは間違っています」と職人は説教するべきでしょうか？演奏を聞くととてもそんなことは言えません。平らなアーチの楽器でも同じことです。厚い楽器の持ち主でも薄い楽器の持ち主でも見事な演奏をする人がいます。私は決めつけを無くすように言っています。
しかし知識としては「なんでも良い」では何も増えていません。
ヴァイオリン工房を訪れて職人に話を聞いたり、学校に通って勉強したのに、何も知識が増えていないのでは甲斐がありません。なんか得をしたと思って帰りたいですね。せっかくなら収穫ゼロよりも満足感が得られる何かを持って帰りたいものです。世の中に迷信やニセ科学などそのようなものがずっと昔からあるのは人間の欲求なんでしょう。
弦楽器の基本的な知識として「オールド」と「モダン」ということがあります。
それすら分かっている人は少ないものです。
オールドと言って単なる中古品を売っているお店もあるでしょう。詐欺じゃないかと言えば、英語の辞書を引いてみてください。新品ではないので商取引の用語としてはオールドで間違っていません。
しかし弦楽器の世界では専門用語してオールドという言葉があります。
ヨーロッパの多くの産地では1850年より前と後で、作風ががらりと変わる時期があり、ある産地の専門書では1850年より前と後で2巻に分けています。
したがって1850年より後のものが「モダン」というものです。
しかしそれ以前をオールドと言えるかといえば、過渡期があります。
同じ年代でも、ベテランの職人は昔の作り方を続けていたかもしれませんし、新しもの好きの職人はそれ以前にも最新の楽器作りの流行をキャッチしていたかもしれません。
ギルドのような組合としてこのままではいかんと勉強をさせられた職人もいたかもしれません。
弦楽器の変化は、科学技術では、エンジニアリングよりは生物の進化に似てるように思います。
コロナウィルスでも感染力の強い変異種が出ると一気に広まって、それ以前のものがほとんどなくなってしまいました。モダン楽器が一気に広まって、オールド楽器が無くなってしまったのです。
モダン楽器は19世紀には進んだ優れたものだと考えられていたからです。我々が学ぶ知識もその頃のものが基本として残っています。それに対して、楽器取引の現場ではオールド楽器の価値が無いということはありません。それが厄介で、過去の劣った技術としてオールド楽器が全く見向きもされないのではなく、むしろそれ以上に貴重なものとして高価な値段で取引がなされているのです。
ここに矛盾する二つの考えがあります。
①オールド楽器は劣ったものである
②オールド楽器は貴重なものである
楽器を作っている職人の世界なら①を教わります。自分たちが作っているものは昔のものよりも優れていると思いたいからです。職人によっては、現代の楽器のほうが音が良いと言い切る人もいるでしょう。私は控えめな性格なので、そうは言いません。しかしそういう態度の人がカリスマを発揮することでしょう。それも厄介ですね。
読者の皆さんがどちらの考えをこれまでの経験で得られているかは人それぞれでしょう。
それはともかく、生物の進化になぞらえたときに、どうやってモダン楽器が生まれて広まっていったかということはとても面白い、古生物学のような研究テーマです。エンジニアリングとして音をどう作るかではなく、歴史の研究として面白いということです。
すでに絶滅してしまった生物では手がかかりは化石しかないということになります。繁栄するのに有利な特質を獲得してそれからは個体数も増え、化石や今でも生きている生物を見ることができるでしょう。しかしまだ少数だったころのものは化石も見つかりにくいものです。そういう進化の途中の化石をミッシングリンクと言うそうです。
オールド楽器とモダン楽器のミッシングリンクは研究テーマとしてはとても面白いと思います。
残念なことは弦楽器の歴史を研究してお金をもらうという職業が無いのです。つまりそういう学問のジャンルが無いのです。職業としての学者も存在できないです。
弦楽器を語るうえでとても重要な事でも学問になっていないのです。
だから知識を学んで分かったつもりになるのは怖いことだし、間違った知識を持っていると楽器選びでは妨げになります。
私はこういうふうに考えると「お前は融通が利かないな」と思うかもしれません。世の中の人たちはあやふやな出どころ不明なよく分からない知識をすでに持っていて、大金をどんどん出してしまうのだから、その流れに逆らわなければお金儲けもできるだろうし、間違いを指摘して機嫌を損ねないほうがコミュニケーションも円滑になるというものです。
たまに帰国したときに、知人の付き添いで新宿の中古カメラ屋に行ったことがあります。
スーツの上にペラペラのコートを着たサラリーマン風の男性が店主に対してやたら偉そうにしていました。店主は心得ていて、ドラマに出てくるバーのマスターのように下手に出てご機嫌をうかがっているようでした。どう考えても店主のほうがカメラに精通し幼稚な素人の考えを見通しているはずです。バーのマスターだって起業家で社長ですから。
どうでも良い話になりましたが、私も本格的に学者として研究することはできません。
それでも専門書を見れば多少は資料があります。
これからも機会があれば研究はしていきます。
オールド楽器とモダン楽器はある時期を境にとって代わられたという事すら多くの人は知らないと思いますし、そんな知識が当ブログ以外で語られることも少ないでしょう。ブログを全部読めというのは酷ですので、最初の方に書いたことを全部読んでいないという前提で書いていきます。
モダン楽器というのがそもそも何かと言えば、
①モダンフィッティングであること
②ストラディバリを理想のヴァイオリンと考えること
③アーチがフラットであること
大雑把にはこんな所です。
①のモダンフィッティングだけなら、オールドヴァイオリンを改造することができます、これは「オールドとモダン」ではなく、「バロックとモダン」という対比になります。モダン楽器はモダンフィッティングで作られました。モダンフィッティングとはネックと指板、バスバー、駒などの違いです。響板そのものはオールドのものを改造してモダン仕様にすることができます。②と③はモダンフィッティングの上にさらに特徴づけられることです。
これは現代でも基礎として生き続いていて、これを正当化する理屈がいろいろ語られてきました。
③を覆して高いアーチの楽器が作られることはめったにありません。もっと厄介なのは②で、ストラディバリというのがあまりにも擦り込まれすぎていて、ストラディバリモデルの影響を受けずに自分独自のヴァイオリンを設計することもできません。身の回りにあるヴァイオリンというものがたいていはモダン楽器の影響を受けたものです。アマチュアが独学で作っても、持っている身近なヴァイオリンがすでにストラディバリ型のモダンヴァイオリン以降のものだからです。ガルネリモデルでも輪郭の形を変えただけで音も変わりません。
ストラディバリの影響を受けていないものは、彼が楽器を作る前の時代のもの、それが各地に伝わる前のものだけということになります。これもオールド楽器が研究対象として面白い要因です。
私は今回はピエトロⅠ・グァルネリ（マントヴァ）のモデルで作りました。彼も、ストラディバリよりも10歳ほど年下で影響を少し受けています。でもまだ少ない方です。それ以前のスタイルが色濃く残っています。
イタリアではストラディバリ以降、何となく作風に流行のようなものがあって、1600年代のアマティ的なものから変わっていきます。ストラディバリもアマティの特徴を緩くしたものと考えることもできます。例えば、ナポリのガリアーノ家の2～3世代目の楽器を見ているとストラディバリっぽい感じが出てきます。しかし、ものよってはアマティの特徴も色濃くあり、ストラディバリの弟子というのは誤情報です。昔は何でもストラディバリの弟子と語って楽器を売ってきました。
なんとなく似ては来るけども、完全にモダン楽器とはなっていません。
不思議なのはベネツィアのマテオ・ゴフリラーもどことなくストラディバリに似てるところがあります。ベネツィアの楽器は形がバラバラなので、シュタイナーに似ているものだけでなくストラディバリに似ているものも出てきてしまいます。そうするとストラディバリの弟子が一人増えますね。
何かにつけイタリアのオールドの作者ではストラディバリの弟子にこじつけてきました。はっきり特徴が分かるのはカルロ・ベルゴンツィくらいです。
1600年代にはアマティ的なヴァイオリンがイタリアでは主流でした。アーチはアマティのものよりもさらに強調されてぷっくりと膨らんだものもありました。それがヨーロッパ各地に伝わり、さらに変化していきました。
シュタイナーもアマティの影響がとても強い作者の一人です。楽器の基本的な構造や形はアマティ家のものと同じで、それ以前にも存在していたものとは違います。アマティ以前の弦楽器についてはよく分かってはいませんが、スイスからドイツのシュバルツヴァルトにかけて「アレマニック派」という流派が残っていました。おそらくそれはアマティ以前の弦楽器製作の生き残りだったのではないかと思います。楽器は現存しており、古生物学の化石のようなものです。
それから比べるとシュタイナーははっきりとアマティの特徴があります。なのでアマティやシュタイナーのようなものが1600年代的なオールド楽器ということになります。
それが各地に伝わっていく過程も面白いものです。
オーストリアやドイツの最南部ではシュタイナーの影響が色濃く出ています。ミッテンバルトのクロッツ家などははっきりとシュタイナーの特徴があります。しかし1700年代になると作風がどんどん変わって行ってシュタイナーそっくりを目指していたわけではないことが分かります。1800年頃になるとクロッツでもストラディバリの影響が随所に入っています。ストラディバリのコピーを作ろうというものではなく、作風が流行のように変化していったのです。
マルクノイキルヒェンでは1600年代にははるかに原始的な安価なものが作られていました。こちらは貴族の宝物というよりも音楽をするための道具という感じがします。デルジェスよりも前にフラットなアーチの四角いモデルのものが作られていました。パフリングが入っておらず、線を描いただけのものもありました。アーチが平らなのも安価なものを作るためのものだったのかもしれません。また、アマティやシュタイナー以降の高いアーチのスタイルが伝わる前の技術で楽器を作っていて、原始的な楽器の特徴を残していたのかもしれません。つまり、アマティの影響を受ける前にすでに平らなアーチの楽器があって、アマティの影響が伝わると高いアーチの楽器が作られるようになっていったということです。
このように皆がシュタイナーそっくりに完ぺきなものを作ろうとしていたわけではなく、ドイツの職人たちは当時知りうる知識で個性的な楽器を作っていました。イタリアの職人と同じように一人一人個性的でした。「シュタイナー型」とひとまとめにするのは商業的に注目度が低いからです。
アマティの弟子やその弟子によって1600年代にイタリアで高いアーチの楽器が作られるとその影響が各地に伝わっていきました。伝言ゲームのように伝わる過程でさらに大げさになって行ったとしてもおかしくありません。ストラディバリの最も若い頃のものも、アマティよりもさらに高いアーチになっています。アーチを作る時測定器具を使わず、目の感覚だけでやると意外と今アーチがどれくらいの高さなのかよくわからなくなってしまいます。さらにいつも見慣れているとそれが普通に見えてきます。自分は普通のものを作っているつもりでも、他者から見れば高いアーチになっているかもしれません。
イギリスではドイツとのつながりがあり、シュタイナー的なものが作られていました、ミッテンバルトの楽器を購入していたというのも言われています。オランダではアマティをお手本としたものが作られました。
一つ一つのミッシングリンクを研究していくのはとても面白いです。
しかしティラノサウルスと違って、一般の人々の関心は低いでしょう。公的に研究する職業がありません。
ヴァイオリンの歴史で、アマティに次ぐ、大きな変化というのはフランスのパリで起きます。
フランスでも1500年代から弦楽器は作られていたようです。古くはナンシーという所でアルプスやミルクールに近い方です。1700年頃にはパリでアマティ型のものが作られていました。こういうのも不思議で常識的な知識としては、かつてはシュタイナーが王侯貴族の間で大人気で最も高価な楽器だったものが、ストラディバリにその座を交代したとなっています。フランスの職人もシュタイナー型のものを作っていたところ、パリにストラディバリのヴァイオリンがやってきて、一夜にして作風を変えたという物語があります。でも実際に楽器を調べてみるとアマティ型のものを作っていたようです。知識というよりもまるで神話ですね。
パリでも1750年頃には、アマティの影響が少なくなり、ストラディバリ的になってきます。イタリアの職人も同じではっきりストラディバリそっくりのものを作ろうというのではなく、何となくストラディバリに似てくるという感じで、もっと言うとアマティの特徴が失われて行ったという感じでもあります。アマティを一つ一つの工程で最後まできっちり作らないで切り上げるとストラディバリっぽくなるというわけです。
アマティとストラディバリは一世代しか変わりませんから、その差もわずかです。フランスでもアマティ型のものを作っていたのでストラディバリ型に移行するのは比較的容易だったはずです。それがアマティ、シュタイナーを経て独自の個性あふれる楽器に進化しいてたドイツでは差が大きくなります。ドイツではガブリエル・ダビッド・ブッフシュテッターがストラディバリの1690年代のものを真似た楽器を1700年代の中ごろには製造をしています。その後ウィーンではフランツ・ガイゼンホフがストラディバリのコピーを作っています。それらはそれまでの南ドイツの楽器とは全く姿が違う画期的なものでした。しかし種として生き残り繁栄したのはパリのストラディバリコピーです。
パリでは同じ時に複数の職人がストラディバリのコピーに取り組んでいただろうと思われます。その中で名前があるのが、ジョセフ・バソとフランソワ・ルイ・ピケです。ピケなどは歴史では出てくる名前ですが、楽器はかなりレアじゃないかと思います。バソは若い頃と晩年で作風が変わります。まさにミッシングリンクです。1790年頃にはストラディバリになんとなく似ているというレベルを超えて、「ストラディバリのコピー」というものが出来上がっているようです。
ストラディバリの大型のモデルにフラットなアーチ、赤いニスなどその後のフランスの楽器の基本形ができます。実際のストラディバリはそこまでフラットなものはめったにないでしょう。当時の人にはストラディバリがそう見えたのだと思います。ストラディバリやデルジェスのアーチの高さは晩年までバラバラで定まっていませんでした。それも木材の硬さによってアーチの高さを変えたとストラディバリは何もかも計算尽くだったと考えるような人もいます。それだとストラディバリを神様とするには都合が良すぎる感じがします。私は製品を統一しようという概念が無かったからだと思います。そういうアドリブに満ちた気まぐれさがストラディバリの魅力だと私は思います。
特にピケは、ニコラス・リュポーを助手として楽器を作らせて売っていましたが、作品はそっくりで見分けがつかないくらいだそうです。リュポーが独立したあとは、チャールズ・フランソワ・ガンなどの弟子が今度はリュポーの代わりに楽器を作っていたようです。そのように従業員が全く同じ楽器を作って社長の名前で楽器を売るということが行われていたので、楽器の形や作風が定まっていました。歴史上複数の職人が全く同じ形のものを作る流派というのも珍しいです。これがヨーロッパや世界中に広まって、それまでのオールド楽器にとってかわりました。
ピケはパリ国立高等音楽・舞踊学校のために仕事をしていたと資料にはあります。公的な立場で音楽家とともに新しい時代の楽器を研究していたということを示唆しています。
これは新古典主義という芸術の時代と一致します。古代ギリシャやローマ、イタリア・ルネサンスなどの古典作品を研究しそれを改良してさらに完璧にするという思想でした。つまりストラディバリモデルのモダン楽器は古典様式と言えるでしょう。古典を元にしながらもさらに改良を加え、欠点の無い完璧なものにするという思想です。従ってストラディバリの完璧なコピーではなく、さらに改良されたものだと考えていたはずです。パリでは、ギリシャ神殿をモチーフにした建物が作られました。アメリカの国会議事堂やホワイトハウスもそうです。その時代の主流の考え方だったはずです。現在のEU議会は現代的なもので古典様式ではありません。現代の人と弦楽器職人の世界では考え方が違いますね。文化財を復元するという考え方でもありません。
つまり、アマティに変わる変異種がピケだというわけです。
ピケやリュポーから世代が離れていくほど作風は特徴が薄くなっていきます。
ヴィヨームも若い頃はリュポーそっくりのものを作っていたのが、豪商として成り上がり自分で楽器を作らなくなるとモデルがストラディバリのメシアに変わります。アーチもまっ平らではなくちょっと高くなります。フランスでも1850～1900年頃にはアーチも少し高くなっていきます。
スイス出身の歯医者アレサンドロ・デスピーネがパリでヴィオリン製作を学ぶと、トリノに移ってフランスから職人を呼び寄せトリノのモダン楽器の流派が始まりました。ジョバンニ・フランチェスコ・プレッセンダヤジュゼッペ・ロッカもそのようにしてフランス風のストラディバリ型のヴァイオリンを作りました。
歴史を何も知らない人たちは、プレッセンダやロッカがストラディバリに似ていることを、ストラディバリ以来の伝統を受け継ぐ「ストラディバリの再来」と勘違いし値段が高騰しました。当時はストラディバリモデルの楽器を作るのが普通ですから似てるのは当たり前で、それはフランスから伝わったことです。ロッカがメシアのモデルで作っていますが、ヴィヨームの影響が考えられます。専門書にはこれを皮肉って、「ロッカはミルクールの楽器に似ている」と書いてあるものもあります。つまりフランスではミルクールが大きな産地で、その中で優秀な人だけがパリに行って一流の職人のもとで修行し、一流の職人となるのです。フランスでは同じ形のものを作るのでうまいヘタがはっきりします。当時からすでにヴァイオリン製作コンクールが行われ、今でも審査基準の基礎となっています。ロッカはそのレベルに無いためミルクール並の楽器だということでしょう。
デスピーネはアマチュアのヴァイオリン職人としてはおそらく最高額の25万ユーロ（4000万円）となっています。これがパリに残っていたらアマチュアの職人のまま名前も知られないままだったことでしょう。それだけ「イタリア製」ということが商業取引では大きな違いになります。間違っても職人の腕前によって値段が決まっているわけではありません。
リュポーやヴィヨームの弟子の中にも本人よりもさらに腕の良い職人もいた事でしょう、しかし、豪商として力を持たないと名も知れずに忘れられていきます。高い楽器を有り難がっている姿を見ると職人としては空虚に思えます。何も知らない人が普通の職人が作った楽器を数千万円で買って偉そうにしている姿をどうやって見るかということですね。それは自業自得ですからどうでも良いですが、子供の教育のために祖父母が財産を処分して高価な楽器を買って音が悪かったなんてシャレになりません。高価な楽器を買うなら必ず音を確かめてから買ってください。当たり前と思うかもしれませんが日本という国ではその当たり前が通用しないようです。
このような歴史があって現代の楽器製作や我々の知識ができています。
それは、音響工学的なエンジニアリングとは違います。
現代の楽器製作を正当化するような理屈が常識として語られてきましたが、言葉で作られた世界と、実際の音になると全く別世界の出来事です。なにも理屈は音について言い表せていないです。だから知識などは忘れて、楽器を弾いて音を感じれば良いのです。
それを言うために、いかにして今の常識が出来上がったかを説明しました。
知らなくても良いことです。全く知らないか、ちゃんと知っているかどっちかです。
中途半端な聞きかじったような知識は一番惑わせます。
だから当ブログでは何を知らなくても良いかを教えていきます。
知らないと不安が強いでしょうから、知らなくて良いということに自信を持ってください。
知らなくても良いというために出した一つ一つの話に食いつてしまう、スーパースペシャリストの人は自業自得ですから私は知りません。
職人として言えることは、強度が十分に得られる構造になっているかどうか、楽器ごとの規格に沿っていて演奏上問題が無いか、ペグがうまく機能するか、古いものなら修理にいくらかかるか、それから修理を施す値打ちがある一人前の職人が作ったものなのか、コストを削減する方法で作られた量産品か素人の作ったものかそれくらいのことです。音は何を好むかは自由です。・・・・強度が十分すぎる場合もわかります。
ネックが外れたヴァイオリンが持ち込まれました。
はずれた理由もちゃんと作ってないからですが、木材を足して接着面を作り直し、くっつければ元と同じにはできます。
しかし作られた時点で欠陥があるとそれをやり直さないと理想的にはなりません。表板を開けてブロック交換をし、継ネックが必要になります。
壊れた箇所以外の問題を見つけていくと修理代がいくらかかるかとなりますが、最初からちゃんと作れよと思います。ビジネスとしてはいかに早く作るかということが求められますし、楽器店からすれば早く楽器を作れる人を「天才」と考えるでしょうね。修理する側からするとそれとは違う評価になります。ニスの厚みが足りないとすぐに剥げてしまいます。
職人が分かるのはそういう話です、毎日朝から晩まで労力を費やしています。自分の楽器ではそうならないように時間をかけて作ります。楽器店は才能が無いと考えるでしょう。
外はこんな状況です。日中も氷点下です。
2月ころから作ってきたヴァイオリンもいよいよ完成です。
暗くてうまく写真が撮れません。
また天気が良い日があれば改めて撮り直しましょう。
裏板は板目板です。
弦は他の楽器に張って試奏に使ったオブリガートをとりあえず張っています。弦の力をかけて楽器を馴染ませるためです。
このモデルでは小型にモディファイしましたが元の方は2度作っていて、同じような板目板では一度作っています。
それは低音が魅力的で、音には深みや味わいがあり、柔らさもありました。
今回は木材は前の板目板のものに比べるとやや硬い感じはします。
弦を張ってすぐはそんなに低音が下から出る感じではありませんでしたが、しばらくすると鳴り始めて、翌日にはやはりG線が他の弦に比べてはるかに特別なものだとはっきりしました。すべての弦が均等にバランスよく鳴るのが良い楽器と考えられるでしょうが、これは明らかにG線に偏った楽器です。
最初のものが印象的だっただけにその時に比べると予測通りで置きに行った感じはしますが、はっきりと同じキャラクターになっています。小型化して351mmくらいのモデルになりましたが、低音が際立ったものです。胴体の大きさは低音の出方に関係が無いということです。同様のことはビオラで経験積みですから驚くことはありません。
戦後の現代的な楽器を弾き比べるとはるかに明るく響きが多くてよく鳴ってはいます。しかしそれは現代の教科書のような音です。それとは全く違って、暗く深みのある音がします。オールド楽器と弾き比べてもその点では全く違うという感じはしません。
それよりも印象的なのは特に低音は腹の底から声を出すような鳴り方です。フラットなものや量産品でも低音が強いものはあります。しかしそれはビャーという表面的な鳴り方です。これはペラペラな板ではなく「筒」が鳴っている感じがします。それがアーチの高さの違いでしょうか？
私がこれまで考えてきた高いアーチの音の特徴がまるっきりわからなくなりました。
実際に筒状のヴァイオリンを作ったらもっとそういう音になるのかもしれません。
音量は大きくは感じませんが、それはアーチが高いものに限ったものではありません、私が作ったら大人しいものです。そうかと思うとツボにはまるとボーっとよく響く底知れない感じがします。これからどうなっていくか楽しみです。
刺激的な音もせず地味な音でもあります。グイグイ自己主張するタイプではなく、独特な世界に引き込まれるタイプです。
こういう教科書通りの現代の楽器と全く違うタイプの音が出るのは面白いです。楽器作りをやっていて特に面白い瞬間です。
以前作ったものとは違う木材であるにもかかわらず音には共通する特徴がはっきりと出ています。その時だけまぐれでその音になったのではなく、作りを同じにすれば同じような傾向の音になりました。したがって、木材によって音が決まるのではないでしょう。やはり作り手によって、また作りによって大きく音は変わることが分かりました。現代の常識の中で楽器を作るとやりようがないため、材料に凝ったり、ニスに凝ったりするしかないのかもしれません。
しかしそれがRPGのゲームや野球チームの能力を示す角形グラフのようにステータスの数字を入れ替えると音が変わるというよりは、パッケージだと思います。
ガルネリ家のモデルでぷっくりとした高いアーチ、薄い板厚が組み合わさった瞬間に強烈な特徴ある音になるのでしょう。
一つだけの特徴と音の規則性を考えても意味がないのかもしれません。
このため別の高いアーチの楽器とは何の共通点も見いだせないのかもしれません。
こういう面白い経験は止められないので、セオリーに縛られることがいかに損か実感します。これだけ音に特徴があれば、好きか嫌いか判断することもできるでしょう。セオリー通りまじめに作られた楽器であればどれも悪くないし、かと言って極端に良くもありません。始めに思い込みがあると有名な作者の名前がついていれば良い音に聞こえるし、値段が安ければ安物の音に聞こえます。だから試奏しても有名な作者のものを選んでしまう事でしょう。一方名前や値段を見ずに音だけで選ぶなら古いものの方がよく鳴ります。
私は自分で楽器を作って来たのでそのような「普通の音」をいかに脱するかに取り組んできました。何度も同じ形のヴァイオリンを作ったことでそれがまぐれではないことを証明しました。
私は自分が最初に作ったもの、先輩や職人の仲間たちが作って普通の音というのを基準に考えていますが、そのような楽器を持っている人はさほど多くはないかもしれません。
人それぞれ今使っている楽器が違います。自分が使っているものとの比較になるため、感想は人それぞれになることでしょう。
また5mmほど小型化したのに音のキャラクターはそのままでした。1㎝大きなものよりも低音に深みがあります。数字にこだわっても意味がありません。アーチの高さについても音の規則性がよく分かりません。
板の薄さが低音の強さに関わっているのは間違いないでしょう。しかしそれ以上になっているのはそれより高い他の響きが抑えられることで強烈なキャラクターを生んでいるのだと思います。響きを抑えるのはアーチの高さによるところでしょう。したがってより音を制御していると考えられます。
試してみたい人はまだ予定は埋まっていないので考えてみてください。
今後の経過と他の弦も試してみたいと思います。
パラメーターの数字を少しずつ変えることで音を作って来たのではなく、ピエトロⅠ・グァルネリというパッケージで楽器を作ったら突然そんな音になりました。
他に同じようなものは、マントヴァのトマソ・バレストリエリが筆頭かなと思います。同じくマントヴァにはカミロ・カミッリという作者もいました。
他にはジュゼッペ・グァルネリやデルジェスにも高いアーチのものがあります。またベネツィア派ならもう一人のピエトロ・グァルネリも可能性があります。
ちょっと違うのは、フランチェスコ・ルジェリです。ストラディバリとこれの間くらいになるかもしれません。ルジェリは意外と資料が少ないので現実には難しさもあります。若い頃のストラディバリもそれに近いものでしょう。
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高いアーチの楽器についても予備知識があるほど理解が難しくなります。
私は、特にアーチの高さは意識しなくてもいいと考えています。
そこに興味を持つ必要が無く、単に弾いてみてどう思うかというだけです。
板の厚みについても同じです。
私が言っていることは「なんでも良い」ということです。
これで今回の記事は終わりです。「はい、解散！」
これだけで十分ですが、なぜなんでも良いかという話も多少は必要でしょう。
音が良いものを買いたいとか、変なものを買ってしまわないか不安があると思います。
「〇〇が良い」とか「××はダメ」という情報を欲しているのでしょう。
実際ヴァイオリン職人の間でも、そういう知識が多いですし、そういうことを語る職人も多いです。師匠や製作学校の先生ものそうです。現代の職人の多くは一般の人や、お客さん、弟子や生徒にそうやって語りかける人が多いです。
でも理屈で考えていたのと実際の楽器の音は全くかけ離れていて一つ一つの楽器に向き合うと「なんでも良い」ということを経験するし、そうやってふるいに分けてしまうことがとてももったいないことだと思います。高いアーチの楽器を愛用している教授に「あなたのヴァイオリンは間違っています」と職人は説教するべきでしょうか？演奏を聞くととてもそんなことは言えません。平らなアーチの楽器でも同じことです。厚い楽器の持ち主でも薄い楽器の持ち主でも見事な演奏をする人がいます。私は決めつけを無くすように言っています。
しかし知識としては「なんでも良い」では何も増えていません。
ヴァイオリン工房を訪れて職人に話を聞いたり、学校に通って勉強したのに、何も知識が増えていないのでは甲斐がありません。なんか得をしたと思って帰りたいですね。せっかくなら収穫ゼロよりも満足感が得られる何かを持って帰りたいものです。世の中に迷信やニセ科学などそのようなものがずっと昔からあるのは人間の欲求なんでしょう。
弦楽器の基本的な知識として「オールド」と「モダン」ということがあります。
それすら分かっている人は少ないものです。
オールドと言って単なる中古品を売っているお店もあるでしょう。詐欺じゃないかと言えば、英語の辞書を引いてみてください。新品ではないので商取引の用語としてはオールドで間違っていません。
しかし弦楽器の世界では専門用語してオールドという言葉があります。
ヨーロッパの多くの産地では1850年より前と後で、作風ががらりと変わる時期があり、ある産地の専門書では1850年より前と後で2巻に分けています。
したがって1850年より後のものが「モダン」というものです。
しかしそれ以前をオールドと言えるかといえば、過渡期があります。
同じ年代でも、ベテランの職人は昔の作り方を続けていたかもしれませんし、新しもの好きの職人はそれ以前にも最新の楽器作りの流行をキャッチしていたかもしれません。
ギルドのような組合としてこのままではいかんと勉強をさせられた職人もいたかもしれません。
弦楽器の変化は、科学技術では、エンジニアリングよりは生物の進化に似てるように思います。
コロナウィルスでも感染力の強い変異種が出ると一気に広まって、それ以前のものがほとんどなくなってしまいました。モダン楽器が一気に広まって、オールド楽器が無くなってしまったのです。
モダン楽器は19世紀には進んだ優れたものだと考えられていたからです。我々が学ぶ知識もその頃のものが基本として残っています。それに対して、楽器取引の現場ではオールド楽器の価値が無いということはありません。それが厄介で、過去の劣った技術としてオールド楽器が全く見向きもされないのではなく、むしろそれ以上に貴重なものとして高価な値段で取引がなされているのです。
ここに矛盾する二つの考えがあります。
①オールド楽器は劣ったものである
②オールド楽器は貴重なものである
楽器を作っている職人の世界なら①を教わります。自分たちが作っているものは昔のものよりも優れていると思いたいからです。職人によっては、現代の楽器のほうが音が良いと言い切る人もいるでしょう。私は控えめな性格なので、そうは言いません。しかしそういう態度の人がカリスマを発揮することでしょう。それも厄介ですね。
読者の皆さんがどちらの考えをこれまでの経験で得られているかは人それぞれでしょう。
それはともかく、生物の進化になぞらえたときに、どうやってモダン楽器が生まれて広まっていったかということはとても面白い、古生物学のような研究テーマです。エンジニアリングとして音をどう作るかではなく、歴史の研究として面白いということです。
すでに絶滅してしまった生物では手がかかりは化石しかないということになります。繁栄するのに有利な特質を獲得してそれからは個体数も増え、化石や今でも生きている生物を見ることができるでしょう。しかしまだ少数だったころのものは化石も見つかりにくいものです。そういう進化の途中の化石をミッシングリンクと言うそうです。
オールド楽器とモダン楽器のミッシングリンクは研究テーマとしてはとても面白いと思います。
残念なことは弦楽器の歴史を研究してお金をもらうという職業が無いのです。つまりそういう学問のジャンルが無いのです。職業としての学者も存在できないです。
弦楽器を語るうえでとても重要な事でも学問になっていないのです。
だから知識を学んで分かったつもりになるのは怖いことだし、間違った知識を持っていると楽器選びでは妨げになります。
私はこういうふうに考えると「お前は融通が利かないな」と思うかもしれません。世の中の人たちはあやふやな出どころ不明なよく分からない知識をすでに持っていて、大金をどんどん出してしまうのだから、その流れに逆らわなければお金儲けもできるだろうし、間違いを指摘して機嫌を損ねないほうがコミュニケーションも円滑になるというものです。
たまに帰国したときに、知人の付き添いで新宿の中古カメラ屋に行ったことがあります。
スーツの上にペラペラのコートを着たサラリーマン風の男性が店主に対してやたら偉そうにしていました。店主は心得ていて、ドラマに出てくるバーのマスターのように下手に出てご機嫌をうかがっているようでした。どう考えても店主のほうがカメラに精通し幼稚な素人の考えを見通しているはずです。バーのマスターだって起業家で社長ですから。
どうでも良い話になりましたが、私も本格的に学者として研究することはできません。
それでも専門書を見れば多少は資料があります。
これからも機会があれば研究はしていきます。
オールド楽器とモダン楽器はある時期を境にとって代わられたという事すら多くの人は知らないと思いますし、そんな知識が当ブログ以外で語られることも少ないでしょう。ブログを全部読めというのは酷ですので、最初の方に書いたことを全部読んでいないという前提で書いていきます。
モダン楽器というのがそもそも何かと言えば、
①モダンフィッティングであること
②ストラディバリを理想のヴァイオリンと考えること
③アーチがフラットであること
大雑把にはこんな所です。
①のモダンフィッティングだけなら、オールドヴァイオリンを改造することができます、これは「オールドとモダン」ではなく、「バロックとモダン」という対比になります。モダン楽器はモダンフィッティングで作られました。モダンフィッティングとはネックと指板、バスバー、駒などの違いです。響板そのものはオールドのものを改造してモダン仕様にすることができます。②と③はモダンフィッティングの上にさらに特徴づけられることです。
これは現代でも基礎として生き続いていて、これを正当化する理屈がいろいろ語られてきました。
③を覆して高いアーチの楽器が作られることはめったにありません。もっと厄介なのは②で、ストラディバリというのがあまりにも擦り込まれすぎていて、ストラディバリモデルの影響を受けずに自分独自のヴァイオリンを設計することもできません。身の回りにあるヴァイオリンというものがたいていはモダン楽器の影響を受けたものです。アマチュアが独学で作っても、持っている身近なヴァイオリンがすでにストラディバリ型のモダンヴァイオリン以降のものだからです。ガルネリモデルでも輪郭の形を変えただけで音も変わりません。
ストラディバリの影響を受けていないものは、彼が楽器を作る前の時代のもの、それが各地に伝わる前のものだけということになります。これもオールド楽器が研究対象として面白い要因です。
私は今回はピエトロⅠ・グァルネリ（マントヴァ）のモデルで作りました。彼も、ストラディバリよりも10歳ほど年下で影響を少し受けています。でもまだ少ない方です。それ以前のスタイルが色濃く残っています。
イタリアではストラディバリ以降、何となく作風に流行のようなものがあって、1600年代のアマティ的なものから変わっていきます。ストラディバリもアマティの特徴を緩くしたものと考えることもできます。例えば、ナポリのガリアーノ家の2～3世代目の楽器を見ているとストラディバリっぽい感じが出てきます。しかし、ものよってはアマティの特徴も色濃くあり、ストラディバリの弟子というのは誤情報です。昔は何でもストラディバリの弟子と語って楽器を売ってきました。
なんとなく似ては来るけども、完全にモダン楽器とはなっていません。
不思議なのはベネツィアのマテオ・ゴフリラーもどことなくストラディバリに似てるところがあります。ベネツィアの楽器は形がバラバラなので、シュタイナーに似ているものだけでなくストラディバリに似ているものも出てきてしまいます。そうするとストラディバリの弟子が一人増えますね。
何かにつけイタリアのオールドの作者ではストラディバリの弟子にこじつけてきました。はっきり特徴が分かるのはカルロ・ベルゴンツィくらいです。
1600年代にはアマティ的なヴァイオリンがイタリアでは主流でした。アーチはアマティのものよりもさらに強調されてぷっくりと膨らんだものもありました。それがヨーロッパ各地に伝わり、さらに変化していきました。
シュタイナーもアマティの影響がとても強い作者の一人です。楽器の基本的な構造や形はアマティ家のものと同じで、それ以前にも存在していたものとは違います。アマティ以前の弦楽器についてはよく分かってはいませんが、スイスからドイツのシュバルツヴァルトにかけて「アレマニック派」という流派が残っていました。おそらくそれはアマティ以前の弦楽器製作の生き残りだったのではないかと思います。楽器は現存しており、古生物学の化石のようなものです。
それから比べるとシュタイナーははっきりとアマティの特徴があります。なのでアマティやシュタイナーのようなものが1600年代的なオールド楽器ということになります。
それが各地に伝わっていく過程も面白いものです。
オーストリアやドイツの最南部ではシュタイナーの影響が色濃く出ています。ミッテンバルトのクロッツ家などははっきりとシュタイナーの特徴があります。しかし1700年代になると作風がどんどん変わって行ってシュタイナーそっくりを目指していたわけではないことが分かります。1800年頃になるとクロッツでもストラディバリの影響が随所に入っています。ストラディバリのコピーを作ろうというものではなく、作風が流行のように変化していったのです。
マルクノイキルヒェンでは1600年代にははるかに原始的な安価なものが作られていました。こちらは貴族の宝物というよりも音楽をするための道具という感じがします。デルジェスよりも前にフラットなアーチの四角いモデルのものが作られていました。パフリングが入っておらず、線を描いただけのものもありました。アーチが平らなのも安価なものを作るためのものだったのかもしれません。また、アマティやシュタイナー以降の高いアーチのスタイルが伝わる前の技術で楽器を作っていて、原始的な楽器の特徴を残していたのかもしれません。つまり、アマティの影響を受ける前にすでに平らなアーチの楽器があって、アマティの影響が伝わると高いアーチの楽器が作られるようになっていったということです。
このように皆がシュタイナーそっくりに完ぺきなものを作ろうとしていたわけではなく、ドイツの職人たちは当時知りうる知識で個性的な楽器を作っていました。イタリアの職人と同じように一人一人個性的でした。「シュタイナー型」とひとまとめにするのは商業的に注目度が低いからです。
アマティの弟子やその弟子によって1600年代にイタリアで高いアーチの楽器が作られるとその影響が各地に伝わっていきました。伝言ゲームのように伝わる過程でさらに大げさになって行ったとしてもおかしくありません。ストラディバリの最も若い頃のものも、アマティよりもさらに高いアーチになっています。アーチを作る時測定器具を使わず、目の感覚だけでやると意外と今アーチがどれくらいの高さなのかよくわからなくなってしまいます。さらにいつも見慣れているとそれが普通に見えてきます。自分は普通のものを作っているつもりでも、他者から見れば高いアーチになっているかもしれません。
イギリスではドイツとのつながりがあり、シュタイナー的なものが作られていました、ミッテンバルトの楽器を購入していたというのも言われています。オランダではアマティをお手本としたものが作られました。
一つ一つのミッシングリンクを研究していくのはとても面白いです。
しかしティラノサウルスと違って、一般の人々の関心は低いでしょう。公的に研究する職業がありません。
ヴァイオリンの歴史で、アマティに次ぐ、大きな変化というのはフランスのパリで起きます。
フランスでも1500年代から弦楽器は作られていたようです。古くはナンシーという所でアルプスやミルクールに近い方です。1700年頃にはパリでアマティ型のものが作られていました。こういうのも不思議で常識的な知識としては、かつてはシュタイナーが王侯貴族の間で大人気で最も高価な楽器だったものが、ストラディバリにその座を交代したとなっています。フランスの職人もシュタイナー型のものを作っていたところ、パリにストラディバリのヴァイオリンがやってきて、一夜にして作風を変えたという物語があります。でも実際に楽器を調べてみるとアマティ型のものを作っていたようです。知識というよりもまるで神話ですね。
パリでも1750年頃には、アマティの影響が少なくなり、ストラディバリ的になってきます。イタリアの職人も同じではっきりストラディバリそっくりのものを作ろうというのではなく、何となくストラディバリに似てくるという感じで、もっと言うとアマティの特徴が失われて行ったという感じでもあります。アマティを一つ一つの工程で最後まできっちり作らないで切り上げるとストラディバリっぽくなるというわけです。
アマティとストラディバリは一世代しか変わりませんから、その差もわずかです。フランスでもアマティ型のものを作っていたのでストラディバリ型に移行するのは比較的容易だったはずです。それがアマティ、シュタイナーを経て独自の個性あふれる楽器に進化しいてたドイツでは差が大きくなります。ドイツではガブリエル・ダビッド・ブッフシュテッターがストラディバリの1690年代のものを真似た楽器を1700年代の中ごろには製造をしています。その後ウィーンではフランツ・ガイゼンホフがストラディバリのコピーを作っています。それらはそれまでの南ドイツの楽器とは全く姿が違う画期的なものでした。しかし種として生き残り繁栄したのはパリのストラディバリコピーです。
パリでは同じ時に複数の職人がストラディバリのコピーに取り組んでいただろうと思われます。その中で名前があるのが、ジョセフ・バソとフランソワ・ルイ・ピケです。ピケなどは歴史では出てくる名前ですが、楽器はかなりレアじゃないかと思います。バソは若い頃と晩年で作風が変わります。まさにミッシングリンクです。1790年頃にはストラディバリになんとなく似ているというレベルを超えて、「ストラディバリのコピー」というものが出来上がっているようです。
ストラディバリの大型のモデルにフラットなアーチ、赤いニスなどその後のフランスの楽器の基本形ができます。実際のストラディバリはそこまでフラットなものはめったにないでしょう。当時の人にはストラディバリがそう見えたのだと思います。ストラディバリやデルジェスのアーチの高さは晩年までバラバラで定まっていませんでした。それも木材の硬さによってアーチの高さを変えたとストラディバリは何もかも計算尽くだったと考えるような人もいます。それだとストラディバリを神様とするには都合が良すぎる感じがします。私は製品を統一しようという概念が無かったからだと思います。そういうアドリブに満ちた気まぐれさがストラディバリの魅力だと私は思います。
特にピケは、ニコラス・リュポーを助手として楽器を作らせて売っていましたが、作品はそっくりで見分けがつかないくらいだそうです。リュポーが独立したあとは、チャールズ・フランソワ・ガンなどの弟子が今度はリュポーの代わりに楽器を作っていたようです。そのように従業員が全く同じ楽器を作って社長の名前で楽器を売るということが行われていたので、楽器の形や作風が定まっていました。歴史上複数の職人が全く同じ形のものを作る流派というのも珍しいです。これがヨーロッパや世界中に広まって、それまでのオールド楽器にとってかわりました。
ピケはパリ国立高等音楽・舞踊学校のために仕事をしていたと資料にはあります。公的な立場で音楽家とともに新しい時代の楽器を研究していたということを示唆しています。
これは新古典主義という芸術の時代と一致します。古代ギリシャやローマ、イタリア・ルネサンスなどの古典作品を研究しそれを改良してさらに完璧にするという思想でした。つまりストラディバリモデルのモダン楽器は古典様式と言えるでしょう。古典を元にしながらもさらに改良を加え、欠点の無い完璧なものにするという思想です。従ってストラディバリの完璧なコピーではなく、さらに改良されたものだと考えていたはずです。パリでは、ギリシャ神殿をモチーフにした建物が作られました。アメリカの国会議事堂やホワイトハウスもそうです。その時代の主流の考え方だったはずです。現在のEU議会は現代的なもので古典様式ではありません。現代の人と弦楽器職人の世界では考え方が違いますね。文化財を復元するという考え方でもありません。
つまり、アマティに変わる変異種がピケだというわけです。
ピケやリュポーから世代が離れていくほど作風は特徴が薄くなっていきます。
ヴィヨームも若い頃はリュポーそっくりのものを作っていたのが、豪商として成り上がり自分で楽器を作らなくなるとモデルがストラディバリのメシアに変わります。アーチもまっ平らではなくちょっと高くなります。フランスでも1850～1900年頃にはアーチも少し高くなっていきます。
スイス出身の歯医者アレサンドロ・デスピーネがパリでヴィオリン製作を学ぶと、トリノに移ってフランスから職人を呼び寄せトリノのモダン楽器の流派が始まりました。ジョバンニ・フランチェスコ・プレッセンダヤジュゼッペ・ロッカもそのようにしてフランス風のストラディバリ型のヴァイオリンを作りました。
歴史を何も知らない人たちは、プレッセンダやロッカがストラディバリに似ていることを、ストラディバリ以来の伝統を受け継ぐ「ストラディバリの再来」と勘違いし値段が高騰しました。当時はストラディバリモデルの楽器を作るのが普通ですから似てるのは当たり前で、それはフランスから伝わったことです。ロッカがメシアのモデルで作っていますが、ヴィヨームの影響が考えられます。専門書にはこれを皮肉って、「ロッカはミルクールの楽器に似ている」と書いてあるものもあります。つまりフランスではミルクールが大きな産地で、その中で優秀な人だけがパリに行って一流の職人のもとで修行し、一流の職人となるのです。フランスでは同じ形のものを作るのでうまいヘタがはっきりします。当時からすでにヴァイオリン製作コンクールが行われ、今でも審査基準の基礎となっています。ロッカはそのレベルに無いためミルクール並の楽器だということでしょう。
デスピーネはアマチュアのヴァイオリン職人としてはおそらく最高額の25万ユーロ（4000万円）となっています。これがパリに残っていたらアマチュアの職人のまま名前も知られないままだったことでしょう。それだけ「イタリア製」ということが商業取引では大きな違いになります。間違っても職人の腕前によって値段が決まっているわけではありません。
リュポーやヴィヨームの弟子の中にも本人よりもさらに腕の良い職人もいた事でしょう、しかし、豪商として力を持たないと名も知れずに忘れられていきます。高い楽器を有り難がっている姿を見ると職人としては空虚に思えます。何も知らない人が普通の職人が作った楽器を数千万円で買って偉そうにしている姿をどうやって見るかということですね。それは自業自得ですからどうでも良いですが、子供の教育のために祖父母が財産を処分して高価な楽器を買って音が悪かったなんてシャレになりません。高価な楽器を買うなら必ず音を確かめてから買ってください。当たり前と思うかもしれませんが日本という国ではその当たり前が通用しないようです。
このような歴史があって現代の楽器製作や我々の知識ができています。
それは、音響工学的なエンジニアリングとは違います。
現代の楽器製作を正当化するような理屈が常識として語られてきましたが、言葉で作られた世界と、実際の音になると全く別世界の出来事です。なにも理屈は音について言い表せていないです。だから知識などは忘れて、楽器を弾いて音を感じれば良いのです。
それを言うために、いかにして今の常識が出来上がったかを説明しました。
知らなくても良いことです。全く知らないか、ちゃんと知っているかどっちかです。
中途半端な聞きかじったような知識は一番惑わせます。
だから当ブログでは何を知らなくても良いかを教えていきます。
知らないと不安が強いでしょうから、知らなくて良いということに自信を持ってください。
知らなくても良いというために出した一つ一つの話に食いつてしまう、スーパースペシャリストの人は自業自得ですから私は知りません。
職人として言えることは、強度が十分に得られる構造になっているかどうか、楽器ごとの規格に沿っていて演奏上問題が無いか、ペグがうまく機能するか、古いものなら修理にいくらかかるか、それから修理を施す値打ちがある一人前の職人が作ったものなのか、コストを削減する方法で作られた量産品か素人の作ったものかそれくらいのことです。音は何を好むかは自由です。・・・・強度が十分すぎる場合もわかります。
ネックが外れたヴァイオリンが持ち込まれました。
はずれた理由もちゃんと作ってないからですが、木材を足して接着面を作り直し、くっつければ元と同じにはできます。
しかし作られた時点で欠陥があるとそれをやり直さないと理想的にはなりません。表板を開けてブロック交換をし、継ネックが必要になります。
壊れた箇所以外の問題を見つけていくと修理代がいくらかかるかとなりますが、最初からちゃんと作れよと思います。ビジネスとしてはいかに早く作るかということが求められますし、楽器店からすれば早く楽器を作れる人を「天才」と考えるでしょうね。修理する側からするとそれとは違う評価になります。ニスの厚みが足りないとすぐに剥げてしまいます。
職人が分かるのはそういう話です、毎日朝から晩まで労力を費やしています。自分の楽器ではそうならないように時間をかけて作ります。楽器店は才能が無いと考えるでしょう。
外はこんな状況です。日中も氷点下です。
2月ころから作ってきたヴァイオリンもいよいよ完成です。
暗くてうまく写真が撮れません。
また天気が良い日があれば改めて撮り直しましょう。
裏板は板目板です。
弦は他の楽器に張って試奏に使ったオブリガートをとりあえず張っています。弦の力をかけて楽器を馴染ませるためです。
このモデルでは小型にモディファイしましたが元の方は2度作っていて、同じような板目板では一度作っています。
それは低音が魅力的で、音には深みや味わいがあり、柔らさもありました。
今回は木材は前の板目板のものに比べるとやや硬い感じはします。
弦を張ってすぐはそんなに低音が下から出る感じではありませんでしたが、しばらくすると鳴り始めて、翌日にはやはりG線が他の弦に比べてはるかに特別なものだとはっきりしました。すべての弦が均等にバランスよく鳴るのが良い楽器と考えられるでしょうが、これは明らかにG線に偏った楽器です。
最初のものが印象的だっただけにその時に比べると予測通りで置きに行った感じはしますが、はっきりと同じキャラクターになっています。小型化して351mmくらいのモデルになりましたが、低音が際立ったものです。胴体の大きさは低音の出方に関係が無いということです。同様のことはビオラで経験積みですから驚くことはありません。
戦後の現代的な楽器を弾き比べるとはるかに明るく響きが多くてよく鳴ってはいます。しかしそれは現代の教科書のような音です。それとは全く違って、暗く深みのある音がします。オールド楽器と弾き比べてもその点では全く違うという感じはしません。
それよりも印象的なのは特に低音は腹の底から声を出すような鳴り方です。フラットなものや量産品でも低音が強いものはあります。しかしそれはビャーという表面的な鳴り方です。これはペラペラな板ではなく「筒」が鳴っている感じがします。それがアーチの高さの違いでしょうか？
私がこれまで考えてきた高いアーチの音の特徴がまるっきりわからなくなりました。
実際に筒状のヴァイオリンを作ったらもっとそういう音になるのかもしれません。
音量は大きくは感じませんが、それはアーチが高いものに限ったものではありません、私が作ったら大人しいものです。そうかと思うとツボにはまるとボーっとよく響く底知れない感じがします。これからどうなっていくか楽しみです。
刺激的な音もせず地味な音でもあります。グイグイ自己主張するタイプではなく、独特な世界に引き込まれるタイプです。
こういう教科書通りの現代の楽器と全く違うタイプの音が出るのは面白いです。楽器作りをやっていて特に面白い瞬間です。
以前作ったものとは違う木材であるにもかかわらず音には共通する特徴がはっきりと出ています。その時だけまぐれでその音になったのではなく、作りを同じにすれば同じような傾向の音になりました。したがって、木材によって音が決まるのではないでしょう。やはり作り手によって、また作りによって大きく音は変わることが分かりました。現代の常識の中で楽器を作るとやりようがないため、材料に凝ったり、ニスに凝ったりするしかないのかもしれません。
しかしそれがRPGのゲームや野球チームの能力を示す角形グラフのようにステータスの数字を入れ替えると音が変わるというよりは、パッケージだと思います。
ガルネリ家のモデルでぷっくりとした高いアーチ、薄い板厚が組み合わさった瞬間に強烈な特徴ある音になるのでしょう。
一つだけの特徴と音の規則性を考えても意味がないのかもしれません。
このため別の高いアーチの楽器とは何の共通点も見いだせないのかもしれません。
こういう面白い経験は止められないので、セオリーに縛られることがいかに損か実感します。これだけ音に特徴があれば、好きか嫌いか判断することもできるでしょう。セオリー通りまじめに作られた楽器であればどれも悪くないし、かと言って極端に良くもありません。始めに思い込みがあると有名な作者の名前がついていれば良い音に聞こえるし、値段が安ければ安物の音に聞こえます。だから試奏しても有名な作者のものを選んでしまう事でしょう。一方名前や値段を見ずに音だけで選ぶなら古いものの方がよく鳴ります。
私は自分で楽器を作って来たのでそのような「普通の音」をいかに脱するかに取り組んできました。何度も同じ形のヴァイオリンを作ったことでそれがまぐれではないことを証明しました。
私は自分が最初に作ったもの、先輩や職人の仲間たちが作って普通の音というのを基準に考えていますが、そのような楽器を持っている人はさほど多くはないかもしれません。
人それぞれ今使っている楽器が違います。自分が使っているものとの比較になるため、感想は人それぞれになることでしょう。
また5mmほど小型化したのに音のキャラクターはそのままでした。1㎝大きなものよりも低音に深みがあります。数字にこだわっても意味がありません。アーチの高さについても音の規則性がよく分かりません。
板の薄さが低音の強さに関わっているのは間違いないでしょう。しかしそれ以上になっているのはそれより高い他の響きが抑えられることで強烈なキャラクターを生んでいるのだと思います。響きを抑えるのはアーチの高さによるところでしょう。したがってより音を制御していると考えられます。
試してみたい人はまだ予定は埋まっていないので考えてみてください。
今後の経過と他の弦も試してみたいと思います。
パラメーターの数字を少しずつ変えることで音を作って来たのではなく、ピエトロⅠ・グァルネリというパッケージで楽器を作ったら突然そんな音になりました。
他に同じようなものは、マントヴァのトマソ・バレストリエリが筆頭かなと思います。同じくマントヴァにはカミロ・カミッリという作者もいました。
他にはジュゼッペ・グァルネリやデルジェスにも高いアーチのものがあります。またベネツィア派ならもう一人のピエトロ・グァルネリも可能性があります。
ちょっと違うのは、フランチェスコ・ルジェリです。ストラディバリとこれの間くらいになるかもしれません。ルジェリは意外と資料が少ないので現実には難しさもあります。若い頃のストラディバリもそれに近いものでしょう。
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こんにちはガリッポです。
12月下旬から1月中旬まで日本に滞在しますので御用の方はご連絡ください。
日程は早い者勝ちですので。
これから完成させるヴァイオリンを試奏することができます。
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弦楽器はアナログの製品で弦の力を受けると力が楽器の様々な所にかかります。前回弦の話をしましたが、新しい楽器や修理した後で弦を張ると一日後にはまた音が変わっています。暗く深みが増してくることも少なくありません。
何も起きていないように見えますが、弦の力によって様々な変形が起きます。まず弦を張った瞬間に弦の力で表板の低音側が低くなります。ヴァイオリンでは高音側の弦高（弦と指板下端の隙間）はほとんど変わらず、低音側は弦高が1mmほど下がります。アーチが高かったりバスバーが強かったりすると低音側の沈み込みが0.5mm程度になることも少なくありません。
そうすると駒が少し傾きます。弦が指板の上からずれます。そこで駒を高音側に0.5mmくらいずらします。魂柱との位置関係が変わります。そんな微妙な変化が起きます。
チェロの場合も低音側が高音側よりも1mmほど弦高が下がります。チェロは予測不能の動きをします。ネックが弦によって引っ張られネックと指板の角度が下がります。このままでは弦高が高くなってしまいますが、裏板が魂柱によって押し出され、表板は沈み込みます。それで相殺されますので、弦高が高くなるどころか低くなることも少なくありません。バロックチェロではネックがとても丈夫なのでびくともしません、表板は沈み込むので弦高が2mmほど低くなりました。
表板の沈み込みは季節によっても変わるようです。夏と冬で弦高が変わってしまうことも少なくありません。このため夏用と冬用の駒の二つを用意することができます。そういうことを知っていると詳しいような感じがいますが、こちらでは実際に使っている人はほとんどいません。日本の場合にどうなのかはわかりません。
ヴァイオリンでも同じようなことで、平らなアーチのものでは、ネックが弦に引っ張られてネックと指板の角度が下がると同時に、表板も沈んでいきます。普通はそれらが相殺されます。
アーチが高い楽器で問題になるのは「ネックの下がり」です。アーチが高い楽器では表板があまり沈み込まずネックだけが引っ張られるからでしょう。フラットなアーチのものに比べてもネックが下がるトラブルが起きやすいです。
また不思議なのはオイルニスを塗ったときに、塗る前に比べて表板が沈み込みます。ニスが乾燥するときに縮むのでアーチが低くなるのではないかと思います。それが弦を張ると半年くらいで戻るようです。
ネックの下がりが起きても良いようにネックの角度を高めにしていますが、ニスによっても余計に高くなっていることでしょう。この時点ではビオラ並みです。
高いアーチの楽器の場合にはアーチ全体が沈み込まない代わりに駒の脚のところだけが沈み込みます。古い楽器では確実にそうなっています、修理で裏から押し出して、木材（パッチ）を埋め込むことで直すこともできます。
弦を張ると早ければ一日後にはネックが引っ張られて下がり、弦高が0.5mmくらい高くなることも少なくありません。半年もすれば1mmは下がるのは普通です。高いアーチならそれ以上見ておかないといけません、
魂柱を入れることでも表板や裏板が変形します。
魂柱を入れた時点で、裏板と表板の間のつっかえ棒になるためそれぞれ外側に押し出されます。普通は裏板のほうが硬く厚みがあるので表板の方が多く押し上げられるはずです。
ニスの乾燥によって下がっていた表板を魂柱で押し上げると1mm近く上がったようです。古い楽器ではそんなにすると魂柱はきつすぎるのですが、新しい楽器の場合には弦を張るとその魂柱もすぐに緩くなってしまいます。裏板が押し出されてしまい、表板が下がります。
新作ヴァイオリンでは半年もすると魂柱が緩くなってしまい交換が必要になります。今回は裏板が板目板なのでもっと大きく変形するかもしれません。
ビオラではもっと変形が大きく、数か月で魂柱交換が必要で、チェロなら数週間です。量産楽器では板が厚すぎたり削り残しがあって強度が高いため、そこまで変形はしないことでしょう。
裏板は魂柱のところが押し出されて行きます。裏板が薄すぎると魂柱のところが突き出てきます。裏板全体にも歪みが出てきます。オールド楽器では極端に薄いものがあります。クレモナの流派のものでも裏が薄すぎて変形したり、修理によって厚みを足してあるものがあります。何千万円、１億円を超える楽器の作者でも裏板を厚くするという現代の常識は無くアバウトでそんなものです。
これはオランダのオールド楽器ですが、中央に板を張り付けて厚みを増す修理がしてあります。おそらく3mmにも満たなかったことでしょう。現在では裏板の方を表板よりも厚くするのが常識ですが、表板の中央のほうが厚くなっています。このようなものは修理というよりも「改造」ですね。私はオールドの時代の作風を変えたくないのでやりたくは無いです。
それと、あご当ての来る場所の横板に厚みを増す修理がされています。これは後で説明するので覚えておいてください。
裏板の魂柱のところが外側に押し出されているオールド楽器はよくあります。そのようなものは魂柱を入れる作業がとても難しくなります。ドイツのオールド楽器では理論上魂柱を入れることが不可能なことがよくあります。そこをなんとかしないといけませんが、金銭利益で考えていると仕事はできません。
楽器の変形は永遠に続くのではなく、力のバランスが取れたところで止まるようです。それもまた古い楽器の音が変わる理由かもしれません。ひどく変形した楽器も見た目の無残さとは反対に、暖かみのある心地の良い音がして驚くことがあります。したがって修理するのは見た目の問題ということかもしれません。またどちらかというと柔らかい音になるのかもしれません、修理をして変形を直すと力強さが戻ることもありそうです。
コントラバスで特に5弦のものでは弦の力に表板が耐えられなくなることが起きます。表板も太い大木が必要になりますが樹齢の古いものは希少です。成長が早く密度が低い材質であることも原因の一つでしょう。違う種類の針葉樹を使うこともあります。
さらに細かいことでは、テールガットが伸びます。よく使われるプラスチック製のものは思っているよりも伸びます。カーボンやケブラーのものも張って間もなくから、一晩くらいで伸びます。ちょうどいい長さよりも短くしておかないといけません。
あご当ての金具は楽器と触れる部分にコルクが張ってあり、コルクも圧力で潰れていきます。新品を付けた後で緩くなってしまうと、落下してしまう危険があります。またテールピースと接触するようになることがあります。あご当てがテールピースに触れるとビリつきが発生することがあります。
黒檀に次いで多いのは、ツゲです。これは白っぽい木なのですが、硝酸で反応させると茶色になります。紳士靴などと同じで、黒いものはフォーマルすぎて茶色いほうが遊び心があって気楽に過ごせる感じがします。
オールドの時代には黒檀が貴重品で、白や茶色い木を使ったり、それらを黒く染めて使ったようですが、ほとんど残っていないので分かりません。
19世紀にヴィヨームのころになると、彫刻がほどこされたツゲのテールピースなどが目につきます。今でも売ってはいますが、使っている人を見ることはないですね。
その後はイギリスの楽器商が力を持ってきてツゲに黒檀の飾りがついたものがストラディバリ等についているのをよく見ます。
ストラディバリのコピーを作るとツゲにするとイメージと一致するので、私はストラディバリのモデルで作ったときにはツゲのものを使ってきました。しかし次に帰国するとペグの軸が曲がってしまい、うまく回転しなくなっていました。このような問題はペグではよくあることです、しかし普通は何十年も手入れせずに使い続けている古いペグに起きています。それで、まだ木も新しいので初期不良のようなものだと思ってペグを削り直しましたが、また次に帰国したら曲がっていました。
同じようなことはローズウッドのペグを入れたビオラでも起きました。それは一度直したらそれで大丈夫でした。黒檀のものでは問題が起きていません。
新作楽器にツゲのものをつけると似合わないのではないかという感じもします。いかにも高い楽器に見せかけようとしてるあざとさも感じます。中国製の安価な量産品にツゲのペグがついていることも多くなりました。
画像では上から、黒檀、ローズウッド、ツゲです。
そこで中間としてローズウッドを新作楽器につける人も多かったです。
しかしローズウッドは森林保護のために取引が制限されるようになりました。今でも別の産地のものや近い種類の木材でローズウッドと称されて売られているものはあります。しかし全くカタログから消滅してしまったメーカーもあります。
今はそれに代わる代替の木材が検討されていて、メーカーごとにバラバラです。私はタマリンドというものは良いと思いますが、あご当てまで好きなものを選べるほど充実していません。
このようなペグやテールピース、あご当てなどの付属部品は、中国やインドでとても安価なものが作られています。ネットなどを見ればそんなものが溢れかえっています。一方高級メーカーになるとめちゃくちゃ高いです。その中間的なものが欲しいのですが、難しいです。他の職人も同様なのかすぐに売り切れてしまいます。
安いツゲのペグなどは黒い飾りの部分がプラスチックで作られていたりしますし、密度が低くE線が食い込んでしまいます。硬く動きがきつくなって無理に動かすと折れてしまう事さえあります。
写真のものはオットー・テンペルという高級なメーカーですが、生産量が多くいつでも入手できます。職人はさほど腕が良い人が集まっているわけでも無いようで、仕事は甘いです。それとて手に持った時には角が無いので馴染みやすく実用的には優れていると言えるかもしれません。材質は上等なものです。
テンペルのツゲのペグでよく起きるのは軸の根元についている飾りの輪っかが取れてしまうことです。軸の外径に対してわっかの内径が緩いので木材が乾燥してくるとはずれてしまうことがあります。接着剤で私は補強しています。取れてしまっても接着しなおせますし、部品が取り寄せられるので紛失しても大丈夫です。
そういうわけでテンペルのものは使っています。しかし高級品として高すぎる期待をしていると失望するものです。そういう故障はつきものだと思っておけば問題ありません。
ヒルのハートモデルという形のツゲのもので、黒檀の飾りがついているものです。軸の太さには3段階くらいあって、新作楽器や穴を埋め直した楽器には細いもの、交換するにしたがって太いものを使います。細いものの方が弦を巻き取るスピードがゆっくりになるので微妙な調弦がしやすくなります。なのであまり太くなってくると穴を埋め直すほうが良いということになります。そうでしたが、細いペグは軸が曲がってくる危険も高いのではないかとも考えています。
一番上の黒檀のものはスイスモデルという形です。手に持ちやすいように作られていてシンプルなものです。真ん中のローズウッドのものはそれに金色のボールが飾りとしてついています。本当の金ではなく金メッキか合金であることが多いと思います。ボールではなく金の飾りがついているものもあります。
付属部品を作る新興メーカーが次々と出てきます、だいたい一番下のツゲに飾りがついたようなものをアピールしてきます。ところが一番上のスイスモデルのようなものを作っていません。スイスモデルの高級品が手に入らなくなってきています。この在庫が切れたら終わりかもしれません。一見地味なこういう物の良さが分かる人が少ないのです。
うちでは、20年前には安価な量産楽器にもつけていましたが、もう手に入りません。このようなシンプルな高級品がついているのを見ると私などは「おお」と思います。昔はまだ手に入ったのでしょう。
値段はツゲのものが高いですが、それは飾りがついているからです。黒檀のものと同じように飾りが無ければ値段は変わりません。
ペグの軸は専用の道具で削ります。工場で出荷されたものは正確に加工されていませんし、保管している間に曲がっていくこともあるからです。このような道具も何万円もします。アマチュアで楽器を作ると元が取れないというのはこういうことです。
ペグの穴の方はリーマーというもので開けます。これはテーパーが決まっていてヴァイオリンなら1：30になっています。上のペグシェーパーを調整してテーパーを合わせます。これは本当に微妙なものです。テーパーが合っていないとペグボックスの左右の壁のどちらかしか接地しませ。これも1万円はするでしょう。太さの違うものも必要です。
修理ではなるべく元の穴を大きくせず、ペグの方を細くして長さを合わせていきます。新作の場合には初めにペグの太さを決めて穴を大きくしていきます。
これはビオラですが、スイスモデルの高級なものです。これを入れるのにふさわしいビオラはそんなに多くはありません。
今回の私の楽器にはヒル・ハートモデルの黒檀のものをつけました。見た目だけならツゲのほうが良いのかもしれませんが、実用性を考えて黒檀のバージョンにしました。軸もあまり細くし過ぎないように気をつけました。
材質の特徴は職人ならだれでも説明していると思いますが、黒檀は密度が高くて重く硬いものです。ツゲは軽く密度が低いもので、それにしては硬いものです。ローズウッドも比重は重いもので木材の中では硬木ですが、黒檀よりは柔らかいです。
ローズウッドは現在では使われなくなってきていて、あご当てなどの選択肢が少ないので避けます。
ツゲは日本ではトラブルが起きたこと、音が明るく軽い感じの音になってしまうこともオールド風の音という意味では好ましくありません。もちろん本当のオールド楽器なら楽器自体が音を持っていますので問題ありません。付属部品で音が変わるのは期待するほどではなく、楽器自体の音が重要です。うまく作れていたのなら何でも良いはずです。
日本の楽器店の営業努力はすさまじいもので、これらの部品を変えると音が良くなると言って高級ブランドのものやローズウッドのものに変えさせるということをやって来たようです。しかしこのようなものは音をどうにかするために開発されているわけではありません。そのような話を聞くと日本では仕事が少なくそこまでがんばらなくてはいけないのかと思います。
ツゲのもう一つの弱点は、硝酸で染めないといけない所です。硝酸は危険な強い酸で木材を痛めてしまい耐久性が落ちます。ペグが折れることもありますがテールピースなどが古くなると壊れてしまうことがあります。微調整のために削るとそのたびに色をつけなくてはいけないのも劇薬だけに気を使います。また製品によって色味が大きく違います、あご当てだけ違うメーカーにしたらテールピースと色が全然合わなかったり、薄い黄色で色が明るすぎたりします。使っていると汚れて黒ずんでいくので大丈夫ですけども。新作楽器のお披露目にはちょっとがっかりですね。
他のあるのはスネークウッドというものです。これは日本で見たビソロッティにはついていました。流行りの高級ブランドのパーツメーカーにはスネークウッドのセットのものがあって、ブランド好きの日本向けにはピッタリです。しかしあご当てだけのものが無いので実用的には選択肢がありません。顎にうまくフィットしなければ終わりです。ペグが一本問題が生じると交換もできません。
うちでは実用性を考えて、ペグとテールピースとあご当てとエンドピンがセットになっているようなものは使っていません。
いろいろな形のものがあります。
左のものが一般的なガルネリというタイプのものです。もちろんグァルネリ・デルジェスが考案したわけでなく当時はあご当てはありませんでした。それに対して右のものはフレッシュというものです。フレッシュには古いものと新しいものがあり、これは新しいものです。新しいと言っても私が就職したときにはすでにありました。フレッシュは楽器の真ん中にあごが来るので、肩当などを使わない場合にはずれ落ちにくくなります。このように定番のモデルというのがいくつもあって、それを各メーカーが作っていてそれぞれ微妙に違います。人によって骨格や演奏スタイルが違うので実際にあてがってみないとわかりません。
最近はメーカーごとにオリジナルのモデルも出てきました。トレンドとしてはこの両者の中間的なものでしょう。左側の真ん中よりのものです。
左右反対の左利き用というものも実はありますが、使っている人は皆無です。
私がお薦めするのは上の二つのようにテールピースをまたぐものです。テールピースの左側につけるものは横板を破損させる危険があるからです。安いあご当てにしたばかりに高額な修理代になることがあります。先ほどオランダのヴァイオリンで説明しました。
テールピースをまたぐものは高さが高くなりますし、テールピースと接触することがあるとも指摘しました。
ビソロッティなら、日本の業者に売れば終わりで買う人も文句は言わないでしょう。うちで販売してる楽器は、試奏用に仮のあご当てがついているだけで他のものに変えることができます。楽器を選んだあとであご当ても選べるのです。巨匠の選んだパーツだからありがたく使わせていただくというが日本人の態度でしょう。うちでは通用しません。
スチール弦ではペグの動きに対して音の高さの変化が速すぎるので微調整が難しくアジャスターをつけるのが必須です。このためE線にはアジャスターがつけられてきました。チェロでは4弦ともスチール弦を使っているので4つアジャスターが内蔵されています。それと同じようなヴァイオリンやビオラのものも作られるようになっています。
木製のテールピースに4つアジャスターを取り付けると、ごちゃごちゃしてすっきりしません。重さが増えるので良くないという人がいますが、理屈が本当なのかはわかりません。少なくとも機構として気持ちよくないですね。
アジャスターが四つ内蔵されているものはドイツのウィットナーのものが機能性に優れています。かつては金属で作られていて、今はプラスチックのものが主流になっています。初心者用の楽器にはそれをつけています。
上級者になるとヴァイオリンではアジャスターはE線のみのものを使うのが普通です。
アジャスターの種類は一番右のものはヒルというタイプです。これは可動範囲が狭く、場合によってテールピースとうまく合わずに取り付けるのに改造が必要になることもあります。見た目はすっきりします。日本でこだわりの強い人や保守的な人は使っている人が多いです。弦の方も「ループエンド」になっているE線を使います。
うちでは真ん中のものを標準と考えています。可動範囲が大きく使いやすいからです。これは「ボールエンド」の弦が適合します。E線を買う時は気を付けてください。
一番左のものはチタンで作られているものです。これも軽いと音が良いという理屈で売られているもので値段がけた違いに高いです。
最近はアジャスターが内蔵されたテールピースも木製のものが改良されてきました。昔からありますが昔のものは金属部分と木材の部分の接合に問題があり異音などが発生することが多くありました。それでいて値段が1万円くらいして高いです。
今はチェロで新しいタイプのものが主流になって来たのでヴァイオリンやビオラにもラインナップされるようになってきて、値段も安くなってきました。
しかしとても安いものは弦を張った瞬間にプラスチック製の部品が破損してお釈迦になってしまうことがありました。
今でもそういうリスクはあります。うちは専門店なのでスペアパーツが入手できます。
このようなタイプのテールピースではネジの位置に注意が必要です。弦のボールをひっかける所とネジが近すぎると指が入らなくなります。したがって機能的には木製の高級品よりもプラスチック製のウィットナーのほうが未だに優れています。このため高価なチェロにウィットナーがつけれられていることがよくあります。不具合が発生して応急処置としてウィットナーに交換しそのままというわけです。
ウィットナーも金属製の時代には木製のものに変えると音が良くなった経験をしました。しかし今はプラスチックなので音が悪くはないと思います。素材としての安っぽさは増したので見た目の問題ですね。
テールガットはかつては文字通りガットが使われていました。今はプラスチックのものが主流でカーボンやケブラーもあります。正確にはテールガットではありません。
プラスチックのほうが音がマイルドで穏やかな音になります。プラスチックという素材はそんな音です。カーボン系のほうがダイレクトで強い音になります。楽器によってどちらに持って行きたいか選ぶことができます。金属のものは細いのでサドルという黒檀の部品に食い込みます。あまりおすすめできません。
付属部品などは自分で作ったこともありますが、耐用年数を考えると経済的ではありません。
のん気に仕事ができる環境があれば自分で作ったらいいかもしれません。しかし機械で同じものをきっちり作るのが良いと思います。中国やインドの製品にもよくできているものがあります。テンペルのコピー商品として造形のの甘さを真似ているものさえあります。それなのに材質まで安いものではガッカリです。インド製のものではその点、材質も加工も良いものがあります。そういうものはすぐに売り切れて手に入らなくなってしまうかもしれません。それでもスイスモデルはもう良いものが出てきません。
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12月下旬から1月中旬まで日本に滞在しますので御用の方はご連絡ください。
日程は早い者勝ちですので。
これから完成させるヴァイオリンを試奏することができます。
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弦楽器はアナログの製品で弦の力を受けると力が楽器の様々な所にかかります。前回弦の話をしましたが、新しい楽器や修理した後で弦を張ると一日後にはまた音が変わっています。暗く深みが増してくることも少なくありません。
何も起きていないように見えますが、弦の力によって様々な変形が起きます。まず弦を張った瞬間に弦の力で表板の低音側が低くなります。ヴァイオリンでは高音側の弦高（弦と指板下端の隙間）はほとんど変わらず、低音側は弦高が1mmほど下がります。アーチが高かったりバスバーが強かったりすると低音側の沈み込みが0.5mm程度になることも少なくありません。
そうすると駒が少し傾きます。弦が指板の上からずれます。そこで駒を高音側に0.5mmくらいずらします。魂柱との位置関係が変わります。そんな微妙な変化が起きます。
チェロの場合も低音側が高音側よりも1mmほど弦高が下がります。チェロは予測不能の動きをします。ネックが弦によって引っ張られネックと指板の角度が下がります。このままでは弦高が高くなってしまいますが、裏板が魂柱によって押し出され、表板は沈み込みます。それで相殺されますので、弦高が高くなるどころか低くなることも少なくありません。バロックチェロではネックがとても丈夫なのでびくともしません、表板は沈み込むので弦高が2mmほど低くなりました。
表板の沈み込みは季節によっても変わるようです。夏と冬で弦高が変わってしまうことも少なくありません。このため夏用と冬用の駒の二つを用意することができます。そういうことを知っていると詳しいような感じがいますが、こちらでは実際に使っている人はほとんどいません。日本の場合にどうなのかはわかりません。
ヴァイオリンでも同じようなことで、平らなアーチのものでは、ネックが弦に引っ張られてネックと指板の角度が下がると同時に、表板も沈んでいきます。普通はそれらが相殺されます。
アーチが高い楽器で問題になるのは「ネックの下がり」です。アーチが高い楽器では表板があまり沈み込まずネックだけが引っ張られるからでしょう。フラットなアーチのものに比べてもネックが下がるトラブルが起きやすいです。
また不思議なのはオイルニスを塗ったときに、塗る前に比べて表板が沈み込みます。ニスが乾燥するときに縮むのでアーチが低くなるのではないかと思います。それが弦を張ると半年くらいで戻るようです。
ネックの下がりが起きても良いようにネックの角度を高めにしていますが、ニスによっても余計に高くなっていることでしょう。この時点ではビオラ並みです。
高いアーチの楽器の場合にはアーチ全体が沈み込まない代わりに駒の脚のところだけが沈み込みます。古い楽器では確実にそうなっています、修理で裏から押し出して、木材（パッチ）を埋め込むことで直すこともできます。
弦を張ると早ければ一日後にはネックが引っ張られて下がり、弦高が0.5mmくらい高くなることも少なくありません。半年もすれば1mmは下がるのは普通です。高いアーチならそれ以上見ておかないといけません、
魂柱を入れることでも表板や裏板が変形します。
魂柱を入れた時点で、裏板と表板の間のつっかえ棒になるためそれぞれ外側に押し出されます。普通は裏板のほうが硬く厚みがあるので表板の方が多く押し上げられるはずです。
ニスの乾燥によって下がっていた表板を魂柱で押し上げると1mm近く上がったようです。古い楽器ではそんなにすると魂柱はきつすぎるのですが、新しい楽器の場合には弦を張るとその魂柱もすぐに緩くなってしまいます。裏板が押し出されてしまい、表板が下がります。
新作ヴァイオリンでは半年もすると魂柱が緩くなってしまい交換が必要になります。今回は裏板が板目板なのでもっと大きく変形するかもしれません。
ビオラではもっと変形が大きく、数か月で魂柱交換が必要で、チェロなら数週間です。量産楽器では板が厚すぎたり削り残しがあって強度が高いため、そこまで変形はしないことでしょう。
裏板は魂柱のところが押し出されて行きます。裏板が薄すぎると魂柱のところが突き出てきます。裏板全体にも歪みが出てきます。オールド楽器では極端に薄いものがあります。クレモナの流派のものでも裏が薄すぎて変形したり、修理によって厚みを足してあるものがあります。何千万円、１億円を超える楽器の作者でも裏板を厚くするという現代の常識は無くアバウトでそんなものです。
これはオランダのオールド楽器ですが、中央に板を張り付けて厚みを増す修理がしてあります。おそらく3mmにも満たなかったことでしょう。現在では裏板の方を表板よりも厚くするのが常識ですが、表板の中央のほうが厚くなっています。このようなものは修理というよりも「改造」ですね。私はオールドの時代の作風を変えたくないのでやりたくは無いです。
それと、あご当ての来る場所の横板に厚みを増す修理がされています。これは後で説明するので覚えておいてください。
裏板の魂柱のところが外側に押し出されているオールド楽器はよくあります。そのようなものは魂柱を入れる作業がとても難しくなります。ドイツのオールド楽器では理論上魂柱を入れることが不可能なことがよくあります。そこをなんとかしないといけませんが、金銭利益で考えていると仕事はできません。
楽器の変形は永遠に続くのではなく、力のバランスが取れたところで止まるようです。それもまた古い楽器の音が変わる理由かもしれません。ひどく変形した楽器も見た目の無残さとは反対に、暖かみのある心地の良い音がして驚くことがあります。したがって修理するのは見た目の問題ということかもしれません。またどちらかというと柔らかい音になるのかもしれません、修理をして変形を直すと力強さが戻ることもありそうです。
コントラバスで特に5弦のものでは弦の力に表板が耐えられなくなることが起きます。表板も太い大木が必要になりますが樹齢の古いものは希少です。成長が早く密度が低い材質であることも原因の一つでしょう。違う種類の針葉樹を使うこともあります。
さらに細かいことでは、テールガットが伸びます。よく使われるプラスチック製のものは思っているよりも伸びます。カーボンやケブラーのものも張って間もなくから、一晩くらいで伸びます。ちょうどいい長さよりも短くしておかないといけません。
あご当ての金具は楽器と触れる部分にコルクが張ってあり、コルクも圧力で潰れていきます。新品を付けた後で緩くなってしまうと、落下してしまう危険があります。またテールピースと接触するようになることがあります。あご当てがテールピースに触れるとビリつきが発生することがあります。
ペグの材質
私はこれまでも自作の楽器を日本の方にいくつも使ってもらっています。一般にペグやテールピースなどの付属部品には真っ黒な黒檀を使うことが多いです。見慣れてしまい黒檀のものをつけると「退屈」と感じるので、自作の楽器では何かそれらよりも良く見えるようにしたいものです。新作楽器では黒檀以外のものをつけている人が多いでしょうね。黒檀に次いで多いのは、ツゲです。これは白っぽい木なのですが、硝酸で反応させると茶色になります。紳士靴などと同じで、黒いものはフォーマルすぎて茶色いほうが遊び心があって気楽に過ごせる感じがします。
オールドの時代には黒檀が貴重品で、白や茶色い木を使ったり、それらを黒く染めて使ったようですが、ほとんど残っていないので分かりません。
19世紀にヴィヨームのころになると、彫刻がほどこされたツゲのテールピースなどが目につきます。今でも売ってはいますが、使っている人を見ることはないですね。
その後はイギリスの楽器商が力を持ってきてツゲに黒檀の飾りがついたものがストラディバリ等についているのをよく見ます。
ストラディバリのコピーを作るとツゲにするとイメージと一致するので、私はストラディバリのモデルで作ったときにはツゲのものを使ってきました。しかし次に帰国するとペグの軸が曲がってしまい、うまく回転しなくなっていました。このような問題はペグではよくあることです、しかし普通は何十年も手入れせずに使い続けている古いペグに起きています。それで、まだ木も新しいので初期不良のようなものだと思ってペグを削り直しましたが、また次に帰国したら曲がっていました。
同じようなことはローズウッドのペグを入れたビオラでも起きました。それは一度直したらそれで大丈夫でした。黒檀のものでは問題が起きていません。
新作楽器にツゲのものをつけると似合わないのではないかという感じもします。いかにも高い楽器に見せかけようとしてるあざとさも感じます。中国製の安価な量産品にツゲのペグがついていることも多くなりました。
画像では上から、黒檀、ローズウッド、ツゲです。
そこで中間としてローズウッドを新作楽器につける人も多かったです。
しかしローズウッドは森林保護のために取引が制限されるようになりました。今でも別の産地のものや近い種類の木材でローズウッドと称されて売られているものはあります。しかし全くカタログから消滅してしまったメーカーもあります。
今はそれに代わる代替の木材が検討されていて、メーカーごとにバラバラです。私はタマリンドというものは良いと思いますが、あご当てまで好きなものを選べるほど充実していません。
このようなペグやテールピース、あご当てなどの付属部品は、中国やインドでとても安価なものが作られています。ネットなどを見ればそんなものが溢れかえっています。一方高級メーカーになるとめちゃくちゃ高いです。その中間的なものが欲しいのですが、難しいです。他の職人も同様なのかすぐに売り切れてしまいます。
安いツゲのペグなどは黒い飾りの部分がプラスチックで作られていたりしますし、密度が低くE線が食い込んでしまいます。硬く動きがきつくなって無理に動かすと折れてしまう事さえあります。
写真のものはオットー・テンペルという高級なメーカーですが、生産量が多くいつでも入手できます。職人はさほど腕が良い人が集まっているわけでも無いようで、仕事は甘いです。それとて手に持った時には角が無いので馴染みやすく実用的には優れていると言えるかもしれません。材質は上等なものです。
テンペルのツゲのペグでよく起きるのは軸の根元についている飾りの輪っかが取れてしまうことです。軸の外径に対してわっかの内径が緩いので木材が乾燥してくるとはずれてしまうことがあります。接着剤で私は補強しています。取れてしまっても接着しなおせますし、部品が取り寄せられるので紛失しても大丈夫です。
そういうわけでテンペルのものは使っています。しかし高級品として高すぎる期待をしていると失望するものです。そういう故障はつきものだと思っておけば問題ありません。
ヒルのハートモデルという形のツゲのもので、黒檀の飾りがついているものです。軸の太さには3段階くらいあって、新作楽器や穴を埋め直した楽器には細いもの、交換するにしたがって太いものを使います。細いものの方が弦を巻き取るスピードがゆっくりになるので微妙な調弦がしやすくなります。なのであまり太くなってくると穴を埋め直すほうが良いということになります。そうでしたが、細いペグは軸が曲がってくる危険も高いのではないかとも考えています。
一番上の黒檀のものはスイスモデルという形です。手に持ちやすいように作られていてシンプルなものです。真ん中のローズウッドのものはそれに金色のボールが飾りとしてついています。本当の金ではなく金メッキか合金であることが多いと思います。ボールではなく金の飾りがついているものもあります。
付属部品を作る新興メーカーが次々と出てきます、だいたい一番下のツゲに飾りがついたようなものをアピールしてきます。ところが一番上のスイスモデルのようなものを作っていません。スイスモデルの高級品が手に入らなくなってきています。この在庫が切れたら終わりかもしれません。一見地味なこういう物の良さが分かる人が少ないのです。
うちでは、20年前には安価な量産楽器にもつけていましたが、もう手に入りません。このようなシンプルな高級品がついているのを見ると私などは「おお」と思います。昔はまだ手に入ったのでしょう。
値段はツゲのものが高いですが、それは飾りがついているからです。黒檀のものと同じように飾りが無ければ値段は変わりません。
ペグの軸は専用の道具で削ります。工場で出荷されたものは正確に加工されていませんし、保管している間に曲がっていくこともあるからです。このような道具も何万円もします。アマチュアで楽器を作ると元が取れないというのはこういうことです。
ペグの穴の方はリーマーというもので開けます。これはテーパーが決まっていてヴァイオリンなら1：30になっています。上のペグシェーパーを調整してテーパーを合わせます。これは本当に微妙なものです。テーパーが合っていないとペグボックスの左右の壁のどちらかしか接地しませ。これも1万円はするでしょう。太さの違うものも必要です。
修理ではなるべく元の穴を大きくせず、ペグの方を細くして長さを合わせていきます。新作の場合には初めにペグの太さを決めて穴を大きくしていきます。
これはビオラですが、スイスモデルの高級なものです。これを入れるのにふさわしいビオラはそんなに多くはありません。
今回の私の楽器にはヒル・ハートモデルの黒檀のものをつけました。見た目だけならツゲのほうが良いのかもしれませんが、実用性を考えて黒檀のバージョンにしました。軸もあまり細くし過ぎないように気をつけました。
材質の特徴は職人ならだれでも説明していると思いますが、黒檀は密度が高くて重く硬いものです。ツゲは軽く密度が低いもので、それにしては硬いものです。ローズウッドも比重は重いもので木材の中では硬木ですが、黒檀よりは柔らかいです。
ローズウッドは現在では使われなくなってきていて、あご当てなどの選択肢が少ないので避けます。
ツゲは日本ではトラブルが起きたこと、音が明るく軽い感じの音になってしまうこともオールド風の音という意味では好ましくありません。もちろん本当のオールド楽器なら楽器自体が音を持っていますので問題ありません。付属部品で音が変わるのは期待するほどではなく、楽器自体の音が重要です。うまく作れていたのなら何でも良いはずです。
日本の楽器店の営業努力はすさまじいもので、これらの部品を変えると音が良くなると言って高級ブランドのものやローズウッドのものに変えさせるということをやって来たようです。しかしこのようなものは音をどうにかするために開発されているわけではありません。そのような話を聞くと日本では仕事が少なくそこまでがんばらなくてはいけないのかと思います。
ツゲのもう一つの弱点は、硝酸で染めないといけない所です。硝酸は危険な強い酸で木材を痛めてしまい耐久性が落ちます。ペグが折れることもありますがテールピースなどが古くなると壊れてしまうことがあります。微調整のために削るとそのたびに色をつけなくてはいけないのも劇薬だけに気を使います。また製品によって色味が大きく違います、あご当てだけ違うメーカーにしたらテールピースと色が全然合わなかったり、薄い黄色で色が明るすぎたりします。使っていると汚れて黒ずんでいくので大丈夫ですけども。新作楽器のお披露目にはちょっとがっかりですね。
他のあるのはスネークウッドというものです。これは日本で見たビソロッティにはついていました。流行りの高級ブランドのパーツメーカーにはスネークウッドのセットのものがあって、ブランド好きの日本向けにはピッタリです。しかしあご当てだけのものが無いので実用的には選択肢がありません。顎にうまくフィットしなければ終わりです。ペグが一本問題が生じると交換もできません。
うちでは実用性を考えて、ペグとテールピースとあご当てとエンドピンがセットになっているようなものは使っていません。
いろいろな形のものがあります。
左のものが一般的なガルネリというタイプのものです。もちろんグァルネリ・デルジェスが考案したわけでなく当時はあご当てはありませんでした。それに対して右のものはフレッシュというものです。フレッシュには古いものと新しいものがあり、これは新しいものです。新しいと言っても私が就職したときにはすでにありました。フレッシュは楽器の真ん中にあごが来るので、肩当などを使わない場合にはずれ落ちにくくなります。このように定番のモデルというのがいくつもあって、それを各メーカーが作っていてそれぞれ微妙に違います。人によって骨格や演奏スタイルが違うので実際にあてがってみないとわかりません。
最近はメーカーごとにオリジナルのモデルも出てきました。トレンドとしてはこの両者の中間的なものでしょう。左側の真ん中よりのものです。
左右反対の左利き用というものも実はありますが、使っている人は皆無です。
私がお薦めするのは上の二つのようにテールピースをまたぐものです。テールピースの左側につけるものは横板を破損させる危険があるからです。安いあご当てにしたばかりに高額な修理代になることがあります。先ほどオランダのヴァイオリンで説明しました。
テールピースをまたぐものは高さが高くなりますし、テールピースと接触することがあるとも指摘しました。
ビソロッティなら、日本の業者に売れば終わりで買う人も文句は言わないでしょう。うちで販売してる楽器は、試奏用に仮のあご当てがついているだけで他のものに変えることができます。楽器を選んだあとであご当ても選べるのです。巨匠の選んだパーツだからありがたく使わせていただくというが日本人の態度でしょう。うちでは通用しません。
スチール弦ではペグの動きに対して音の高さの変化が速すぎるので微調整が難しくアジャスターをつけるのが必須です。このためE線にはアジャスターがつけられてきました。チェロでは4弦ともスチール弦を使っているので4つアジャスターが内蔵されています。それと同じようなヴァイオリンやビオラのものも作られるようになっています。
木製のテールピースに4つアジャスターを取り付けると、ごちゃごちゃしてすっきりしません。重さが増えるので良くないという人がいますが、理屈が本当なのかはわかりません。少なくとも機構として気持ちよくないですね。
アジャスターが四つ内蔵されているものはドイツのウィットナーのものが機能性に優れています。かつては金属で作られていて、今はプラスチックのものが主流になっています。初心者用の楽器にはそれをつけています。
上級者になるとヴァイオリンではアジャスターはE線のみのものを使うのが普通です。
アジャスターの種類は一番右のものはヒルというタイプです。これは可動範囲が狭く、場合によってテールピースとうまく合わずに取り付けるのに改造が必要になることもあります。見た目はすっきりします。日本でこだわりの強い人や保守的な人は使っている人が多いです。弦の方も「ループエンド」になっているE線を使います。
うちでは真ん中のものを標準と考えています。可動範囲が大きく使いやすいからです。これは「ボールエンド」の弦が適合します。E線を買う時は気を付けてください。
一番左のものはチタンで作られているものです。これも軽いと音が良いという理屈で売られているもので値段がけた違いに高いです。
最近はアジャスターが内蔵されたテールピースも木製のものが改良されてきました。昔からありますが昔のものは金属部分と木材の部分の接合に問題があり異音などが発生することが多くありました。それでいて値段が1万円くらいして高いです。
今はチェロで新しいタイプのものが主流になって来たのでヴァイオリンやビオラにもラインナップされるようになってきて、値段も安くなってきました。
しかしとても安いものは弦を張った瞬間にプラスチック製の部品が破損してお釈迦になってしまうことがありました。
今でもそういうリスクはあります。うちは専門店なのでスペアパーツが入手できます。
このようなタイプのテールピースではネジの位置に注意が必要です。弦のボールをひっかける所とネジが近すぎると指が入らなくなります。したがって機能的には木製の高級品よりもプラスチック製のウィットナーのほうが未だに優れています。このため高価なチェロにウィットナーがつけれられていることがよくあります。不具合が発生して応急処置としてウィットナーに交換しそのままというわけです。
ウィットナーも金属製の時代には木製のものに変えると音が良くなった経験をしました。しかし今はプラスチックなので音が悪くはないと思います。素材としての安っぽさは増したので見た目の問題ですね。
テールガットはかつては文字通りガットが使われていました。今はプラスチックのものが主流でカーボンやケブラーもあります。正確にはテールガットではありません。
プラスチックのほうが音がマイルドで穏やかな音になります。プラスチックという素材はそんな音です。カーボン系のほうがダイレクトで強い音になります。楽器によってどちらに持って行きたいか選ぶことができます。金属のものは細いのでサドルという黒檀の部品に食い込みます。あまりおすすめできません。
付属部品などは自分で作ったこともありますが、耐用年数を考えると経済的ではありません。
のん気に仕事ができる環境があれば自分で作ったらいいかもしれません。しかし機械で同じものをきっちり作るのが良いと思います。中国やインドの製品にもよくできているものがあります。テンペルのコピー商品として造形のの甘さを真似ているものさえあります。それなのに材質まで安いものではガッカリです。インド製のものではその点、材質も加工も良いものがあります。そういうものはすぐに売り切れて手に入らなくなってしまうかもしれません。それでもスイスモデルはもう良いものが出てきません。
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こんにちはガリッポです。
秋も深まってまいりました。年末年始には帰国します。
御用の方は考えておいてください。
前回はチェロの弦の話をしました。
スピルコア＋ラーセンを使っている人は年々少なくなっています、他の選択肢が増えたからです。
弦については好みの問題ですし把握し切れて無いので網羅することはできませんが、スピルコア＋ラーセンに代わるものというテーマで多くの人の参考になるかと思って記事にしました。
うちは地方なので音楽家や先生、職人などが個人的にどう考えるかの話なんですが、大きな都市になるほどスピルコア＋ラーセンを使っている人が多くなります。大都市や国際的になるほど、一人一人の人間の存在価値が薄く軽くなるようです。
弦についてはオンラインショップの方が安いので、関心が高いユーザーは自分で発注して購入していることでしょう。お店に買いに来る人はよくわかっていないので、「切れたからヴァイオリンのA線をください」とかそんな感じです。「どのA線ですか？」と聞くと「Aの線です」と答えられます。「A線にもメーカーや銘柄がちがうものがたくさんあります」と教えます。「楽器を持ってくれば同じものを張り替えますよ」と言います。
実際にはめちゃめちゃにミックスした弦を使っている人がよくいます。ガット弦やスチール弦、高級弦や初心者用のものがごちゃ混ぜになっていたりします。それでも不自由なく演奏しています。
お店に来る人は自分が使っている弦の銘柄も知らない人が多いです。
何を使っている人が多いかと言っても、買った時についていた弦を使っている人が多いとしか言えないでしょう。
店が何をつけるかによります、うちの店で買ったものならうちの店でつけているものを使っている人が当然多いです。
それを前提としてもドミナントのヴァイオリン弦を使っている人はとても少ないです。詳しくない人はドミナントも知らないし、新しい製品がどんどん出ているので今時使っている人がいないということですが、外国から来た人などたまに求める人がいます。
中級者以上ではヴァイオリンのナイロン弦は張り立ててすぐは硬さがありしばらく使うと馴染んでくると言うユーザーが多いです。それ以降は徐々に劣化するため音の変化は気付きません。
新品は全く松脂がついておらず、徐々に弓から松脂が擦り込まれて行き、それも音や感触の変化の原因となるでしょう。つき過ぎた松脂や汚れはアルコールによって除去することができ、少しフレッシュな感触が戻ります。ナイロン弦やスチール弦では何かを塗る必要はありません、専用のクリーナーなどは必要なく松脂はアルコールに溶けるので除去することが可能で薬局などで手に入れることができます、小瓶などに分けておくと便利です。ただしアルコールはニスを溶かすので絶対にニスには触れないようにしてください。指板は黒檀がむき出しであればついても構いません。
しかし、それにも限界があります。巻いてある金属がほころびていたり、錆びたりしているのを見るとさすがに交換を薦めます。新しい弦にして劣化していたことに気付くというパターンです。弦の寿命は切れたら交換という人も少なくないでしょう。それで言うとドミナントなどトマスティクの製品は丈夫にできていて長持ちするというイメージを持っています。トマスティクの本拠地オーストリアはもともと経済水準の低い東ヨーロッパと関係が深く音のクオリティよりも丈夫で長持ちするものが求められていると私は師匠に教わりました。ドミナントは安くて丈夫でまさにこのような需要にあったものだそうですが、仕入れ値は割引などがあり、うちではピラストロのヴィオリーノの方が安く仕入れられるので、初心者には薦めています。親戚から譲り受けたような古い量産楽器などやかましい音のものを使っている人も多いので合っていることでしょう。
日本人は勉強家で何十年も前の知識をしっかり学んでいますね。
知識を学ぶと現実から遠くなっていきます。
何も学ばないでフィーリングで選んだほうが可能性が出てきます。
ドミナントについてもしばらく使ってからの音で評価すべきでしょうね。何のことを言っているか分からない人は分からないままで良いです。
日本では短期間でドミナントを張り変えて使うという話をこちらですれば奇妙に思われます。おかしいと思っていた人は自信を持っておかしいと考えて良いと思います。
弦を売っている人は頻繁に変えてくれた方が儲かるでしょうけども。
こちらではガット弦を使っている人がとても少ないです。
特に仕事で楽器を弾く上級者ほど実用性を重視し、調弦の安定する合成繊維のものを使っています。ガット弦を使っているのは教師や年配の人です。
ナイロン弦というのは俗称で、正確にはナイロンとは別の合成繊維が使われていることが多いです。それも古い知識が定着するという例です。日本の気候ではさらに調弦は安定しないそうです。日本でガット弦を使用するのは大変なことになります。偉い先生が「弦はガットに限る」なんて言っていてガット弦しか使わせてもらったことが無い人もいるでしょう。それで弾き方を身につけたならそれ以外のものでは弾けないということになります。いかにも日本的という感じがします。偉い人や有名な演奏者が言うと皆それに従うということは、こちらでは無いですね。
楽器に対する考え方からしても初めから実用的ですね。
でもヨーロッパの人は物事にそれほど実用性は重視しません。弦楽器というのは完全に実用的に作られていないのはそのためです。
これからペグの話もしますが、日本ではツゲのペグはかなり厳しいということが私の経験でも分かってきました。
私は見た目を楽しむためにはツゲの茶色の色も良いかなと思っていましたが、どうも特に日本では実用的にかなり厳しいようです。
現実的には弦メーカーは国や地域によって営業力の差があります。
プロの演奏者や指導者に無料で提供し生徒に薦めるように働きかけています。
このため彼らはラーセンのチェロ弦のような短い寿命に設計されている弦でも平気です。他の人たちはそれに代わるものを探さないといけません。
目にする機会が多いものを使うことが多いでしょう、しかしたまたま自分の周りがそうだというだけで絶対的と思い込むのは違います。
本当に音が良い製品をすべて試して探すことをしている人はお金持ちのマニア以外皆無でしょうね。種類が多すぎて不可能だからです。年間で弦に費やす予算を決めれば「投資」と考えることもできるでしょう。
2月から作って来たヴァイオリンが8月に白木のホワイトヴァオリンとなったところまでお伝えしました。8月は暑さと訪問者があって、9月からニスを塗り始めて11月になって塗り終わりました。まだ細かい修正はあります、ここからは修理のようなものです。
こんなに時間がかかっているとおよそ商売にはならないでしょう。「プロのヴァイオリン職人」なら1～2週間で終わるような塗り方でないといけません。楽器店に卸す職人なら1週間で終わらせないといけないでしょう。
季節としては本当は夏至の6月ころが一番良いんでしょうけども、始める時期が悪くて間に合いません。それをカバーする方法はいくらでもあります。オイルニスの場合には紫外線を受けて酸化して固まるのでその時期が良いということになりますが、こういう話はウンチクとして語るとカッコいいですね。でも天候はそんなに重要なことではなく、その時期に塗らなくてもニスは塗れます。それよりも、ニスを塗っている時は天気や時間帯によって塗っている楽器の色が違って見えます。つまり部屋の光によって色が違って見えるのです。朝まだ暗い時には濃い色に見えます。十分な色になったと思っていると昼間には色が薄く見えます。層を何度も重ねていくので、一度の変化は小さいものです。時間の変化の方が大きいくらいです。日没が早くなると色が分からなくなってしまいます。10月中には終わらせたいと思っていました。演奏会は夜でステージも暗いので落ち着いた色に見えますが、昼間に工房で見ると目が痛くなるような楽器もあります。新作楽器を売りたい日本の楽器店は店を暗くして暖かみのある照明をつけています。ニスは透明度があり光が通過し木材まで届くと反射して戻ってきます。この時ニスが光学フィルターの役割を果たします。特定の色を吸収するのでその色に見えるわけです。このため木材そのものの色が大きく影響します。新作のように木が白いと光が多く反射するので明るく見えます。古い楽器は反射が少ないので暗く見えます。暗く見えるほうが立派に見えるので店を暗くするのです。文字通り白昼堂々と売ってもらいたいですね。
色は相対的なので周りに古い楽器が多いのと、新しい楽器が多いのでも見え方は違ってきます。
壁や室内の色でも変わって見えますし、アンサンブルやオケの他の楽器もあります。日本のオケでは明るいオレンジ色の楽器を使っている人が多いですね。ヨーロッパのオケでは暗い色のものが多いです。
カメラで撮っても実物とは違う色になりますが、それを画像を加工したとしても、見る人のディスプレイによって違ってしまいます。アマゾンに出ている中国製品なら実物よりもよく見えるように加工しているでしょうが、私の場合には写真の方が実物以下になってしまいます。
楽器作りをビジネスとするなら、売り物になる最低限で仕事を切り上げないといけないでしょう。ニスは濃い色にするほど塗る回数が増えてしまいます。一度に濃い色を塗れば色ムラができてしまいますし、濃い色に塗れても擦れるとすぐに剥げてしまいます。将来無残な姿になります。明るい色の楽器のほうが手間が少ないというわけです。
板の厚みも薄くするほど時間がかかり、音色も暗く深くなります。
明るい色のニスで音も明るいといかにも新作という感じがします。
そういうものは他にたくさんあるので私は作りません。
初級者の価格帯でも濃い色の楽器が欲しいという要望はお客さんからよく聞きます。特に女性が色に関心が高いようです。そうなると、「楽器は色ではなく音で選んでください」と説明しないといけません。別に音で選ばないといけないという決まりはありませんが、初心者は楽器の何に関心を持ったらいいかもわからないので、優先事項を教えます。日本の楽器店なら製造国から始まって全く違うウンチクを披露するでしょうが・・・。
我々からすると量産楽器の濃い色は人工染料を使っているので安っぽく見えますが、自分でニスを作っていないとそんな違いは見えません。天然のニスでも明るい色では高級品のはずなのに通用しません。
こんな様子でした。
ニスを塗っていく過程を見せたいところですが、上手く撮影ができません。
いきなり塗り終わった写真です。
こんなになりました。
わざとらしくなく自然と古さを表現するのが目標です。
古い楽器と見間違えるようなものを目指しているのではなく、アンティーク塗装で2023年に作られたヴァイオリンです。それでもわざとらしさを出さずに古く見せるのは難しいもので、短時間ではできません。2か月もニスにかかっていたら商売にはならないでしょうが、通常数百年かかることを考えれば時間を短縮しています。
古い楽器はもともとのニスははげ落ちてしまい、木材が変色しニスの色と木の色が似ているものがあります。そうなるとどこにニスが残っていてどこが剥げているのかわかりません。それ以上に多くの汚れがついています。汚れが付きやすいのは特にオイルニスの場合にはニス自体に粘着性があり、松脂も付着します。したがってはっきりと二色に塗り分けられているようなものはわざとらしいとなります。せいぜい150年くらい経ったもので、木材とは違う真っ赤なニスなどのものです。ヴィヨームなどの時代のアンティーク塗装ではストラディバリも150年くらいしか経っていません。
塗る場合もニスそのものよりも汚れを塗っている感じです。それを削り落として隅っこに残っているようにします。実際の古い楽器を掃除するのと同じ作業です。
古い楽器ではニスを塗り直されていることも少なくありません。
100年以上前に塗り直されたものならそれも剥げています。
モダン楽器のようにきれいに見えるオールド楽器がありますが、そういうことです。
オリジナルのニスはわずかで残っている所には汚れも残っています。
塗りたての状態を目にすることは不可能です。
ニスがあると思っても後の時代に塗られたものと境目が分かりません。
これは絵画などと違いそれ自体は道具であって芸術作品ではないので観賞用として保存されるわけではないからです。
肉眼に近い感じで撮れた写真です。
汚れがついているのが分かるでしょうか？
これは私の独特のアンティーク塗装で、他で同じようなものを見たことがありません。新品として自分独自の作品を作ったほうがどれも同じに見えて、オールド楽器を模したほうが人によって違いが出るのは皮肉です。私は、ものごとを長期的に考えているので現代人の考え方は気にしていません。
綺麗すぎるのは使っていくうちに古くなっていくので構いませんが、わざとらしいのは永遠にわざとらしいままです。私以外には誰も気づかないかもしれませんがそうなると私は悔やんでも悔やみきれません。
とはいえ汚れをしっかりつけないと迫力が出ません。
古い楽器が立派に見えるのは巨匠の秘密のニスではなく「汚れ」だというのが本当のところでしょう。
「名工は神様のような天才」という前提で物を考えていると、それを汚すような説明はできなくなってしまいます。一度嘘をついたばかりに嘘の上に嘘の理屈を積み重ねていくことになります。知識を学べば学ぶほど実際から遠くなってしまうのです。
丸く膨らんだ高いアーチの楽器は裏板のニスが剥げやすいです。ミドルバウツの溝のところに残っているだけです。そこには汚れも残っているのでもともとのニスの色はよくわかりません。今回は赤オレンジのニスを作りましたが、汚れがつくことで茶色になっています。
しかし広い部分でニスが剥げているのでそこは別の色です。木材が古くなると黒ずんでくるので木の色です。これは新作なのでいわゆる黄金色を作ってあります。これも難しく経験がいるものです。
本当の古い楽器なら薄い色の普通のニスを塗るだけでそう見えます。
茶色でもオレンジでも黄色でも薄い層ではほんのり黄色く見えるので、下地が古くなって黒ずんでいると黄金色に見えるのです。これはクレモナの楽器だけではなくマルクノイキルヒェンの楽器でも同様です。
ここでもニスがはげたところがはっきりと分かるようだとわざとらしすぎます。オールド楽器でもそういうこともありますが、実は例外的でメンテナンスを繰り返しながら演奏で使われている楽器はニスがはがれている境界があいまいになっています。したがってよくあるアンティーク塗装のように剥げたてホヤホヤの状態が保存されているということは珍しいです。
アーチを作る工程で溝のところだけ後から彫り直すということをしました。グァルネリ家の楽器ではそこだけ仕上げが甘かったりします。白木の楽器では見えないほどの微妙な凹凸にも汚れが残って見えるわけです。これをノミの刃の跡を残そうと意図的にやるとわざとらしくなりすぎてしまいます。
一度溝全体を黒っぽくしてからそれを削り取ると、実際の汚れと同じようにわずかなくぼみに残ります。これはきれいに仕上げてあるほど残らないわけですが、それでも最後はちょっとは残るのです。それを刃の跡をつけようと思ってやると角が白くなってわざとらしいのです。
ヘッド部でも難しいのは、色が明るい所です。濃い所は塗りまくればいい所なのですが、少ない色で表現する方がミスが許されません。実は3回目くらいの層でミスをしてしまい、それがごまかしきれず塗り直すことになってしまいました。一か月の作業がパーになり、ニスに2か月もかかってしまったのはそのことも原因です。
アーチは高さがあります。
エッジが丸くなり、溝に汚れがたまったようになるとアーチのふくらみが一層感じられるようになります。新作楽器のままで高いアーチにしてもオールド楽器のようには見えないのです。そういう意味では見た目を近づけることでオールド楽器を研究した答え合わせとなります。
お金が必要になったり歳を取って気力がなくなったら凝った塗装もやらなくなるかもしれません。
このヴァイオリンは以前から依頼されていた日本の方のために作ったものです。
これともう一つのヴァイオリンを持って帰らないといけないため、Wケースでは以前考えていたオールドヴァイオリンなどを持って帰ることはできません。
amebaブログというものを使っていまして、いろいろな制約があります。
個人の特定に関わるようなことは書かないようにということも言われていますのでそれに従っています、ご協力ください。
かつては商用利用が禁止となっていました。芸能事務所がやっていて商用利用じゃないというのもおかしな話でしたが、商品を販売する目的で掲載するようなことはできませんでした。
今は解禁されているのでそのようなこともできるようになっています。
そこで、面白いヴァイオリンなどがあればブログ上で紹介し日本に持って帰って販売するということも考えられます。
しかし今回は荷物の関係で無理です。
以前から連絡をいただいていた方は再び連絡をください。
それ以外の方は問い合わせの方からよろしくお願いします。
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秋も深まってまいりました。年末年始には帰国します。
御用の方は考えておいてください。
前回はチェロの弦の話をしました。
スピルコア＋ラーセンを使っている人は年々少なくなっています、他の選択肢が増えたからです。
弦については好みの問題ですし把握し切れて無いので網羅することはできませんが、スピルコア＋ラーセンに代わるものというテーマで多くの人の参考になるかと思って記事にしました。
うちは地方なので音楽家や先生、職人などが個人的にどう考えるかの話なんですが、大きな都市になるほどスピルコア＋ラーセンを使っている人が多くなります。大都市や国際的になるほど、一人一人の人間の存在価値が薄く軽くなるようです。
弦についてはオンラインショップの方が安いので、関心が高いユーザーは自分で発注して購入していることでしょう。お店に買いに来る人はよくわかっていないので、「切れたからヴァイオリンのA線をください」とかそんな感じです。「どのA線ですか？」と聞くと「Aの線です」と答えられます。「A線にもメーカーや銘柄がちがうものがたくさんあります」と教えます。「楽器を持ってくれば同じものを張り替えますよ」と言います。
実際にはめちゃめちゃにミックスした弦を使っている人がよくいます。ガット弦やスチール弦、高級弦や初心者用のものがごちゃ混ぜになっていたりします。それでも不自由なく演奏しています。
お店に来る人は自分が使っている弦の銘柄も知らない人が多いです。
何を使っている人が多いかと言っても、買った時についていた弦を使っている人が多いとしか言えないでしょう。
店が何をつけるかによります、うちの店で買ったものならうちの店でつけているものを使っている人が当然多いです。
それを前提としてもドミナントのヴァイオリン弦を使っている人はとても少ないです。詳しくない人はドミナントも知らないし、新しい製品がどんどん出ているので今時使っている人がいないということですが、外国から来た人などたまに求める人がいます。
中級者以上ではヴァイオリンのナイロン弦は張り立ててすぐは硬さがありしばらく使うと馴染んでくると言うユーザーが多いです。それ以降は徐々に劣化するため音の変化は気付きません。
新品は全く松脂がついておらず、徐々に弓から松脂が擦り込まれて行き、それも音や感触の変化の原因となるでしょう。つき過ぎた松脂や汚れはアルコールによって除去することができ、少しフレッシュな感触が戻ります。ナイロン弦やスチール弦では何かを塗る必要はありません、専用のクリーナーなどは必要なく松脂はアルコールに溶けるので除去することが可能で薬局などで手に入れることができます、小瓶などに分けておくと便利です。ただしアルコールはニスを溶かすので絶対にニスには触れないようにしてください。指板は黒檀がむき出しであればついても構いません。
しかし、それにも限界があります。巻いてある金属がほころびていたり、錆びたりしているのを見るとさすがに交換を薦めます。新しい弦にして劣化していたことに気付くというパターンです。弦の寿命は切れたら交換という人も少なくないでしょう。それで言うとドミナントなどトマスティクの製品は丈夫にできていて長持ちするというイメージを持っています。トマスティクの本拠地オーストリアはもともと経済水準の低い東ヨーロッパと関係が深く音のクオリティよりも丈夫で長持ちするものが求められていると私は師匠に教わりました。ドミナントは安くて丈夫でまさにこのような需要にあったものだそうですが、仕入れ値は割引などがあり、うちではピラストロのヴィオリーノの方が安く仕入れられるので、初心者には薦めています。親戚から譲り受けたような古い量産楽器などやかましい音のものを使っている人も多いので合っていることでしょう。
日本人は勉強家で何十年も前の知識をしっかり学んでいますね。
知識を学ぶと現実から遠くなっていきます。
何も学ばないでフィーリングで選んだほうが可能性が出てきます。
ドミナントについてもしばらく使ってからの音で評価すべきでしょうね。何のことを言っているか分からない人は分からないままで良いです。
日本では短期間でドミナントを張り変えて使うという話をこちらですれば奇妙に思われます。おかしいと思っていた人は自信を持っておかしいと考えて良いと思います。
弦を売っている人は頻繁に変えてくれた方が儲かるでしょうけども。
こちらではガット弦を使っている人がとても少ないです。
特に仕事で楽器を弾く上級者ほど実用性を重視し、調弦の安定する合成繊維のものを使っています。ガット弦を使っているのは教師や年配の人です。
ナイロン弦というのは俗称で、正確にはナイロンとは別の合成繊維が使われていることが多いです。それも古い知識が定着するという例です。日本の気候ではさらに調弦は安定しないそうです。日本でガット弦を使用するのは大変なことになります。偉い先生が「弦はガットに限る」なんて言っていてガット弦しか使わせてもらったことが無い人もいるでしょう。それで弾き方を身につけたならそれ以外のものでは弾けないということになります。いかにも日本的という感じがします。偉い人や有名な演奏者が言うと皆それに従うということは、こちらでは無いですね。
楽器に対する考え方からしても初めから実用的ですね。
でもヨーロッパの人は物事にそれほど実用性は重視しません。弦楽器というのは完全に実用的に作られていないのはそのためです。
これからペグの話もしますが、日本ではツゲのペグはかなり厳しいということが私の経験でも分かってきました。
私は見た目を楽しむためにはツゲの茶色の色も良いかなと思っていましたが、どうも特に日本では実用的にかなり厳しいようです。
現実的には弦メーカーは国や地域によって営業力の差があります。
プロの演奏者や指導者に無料で提供し生徒に薦めるように働きかけています。
このため彼らはラーセンのチェロ弦のような短い寿命に設計されている弦でも平気です。他の人たちはそれに代わるものを探さないといけません。
目にする機会が多いものを使うことが多いでしょう、しかしたまたま自分の周りがそうだというだけで絶対的と思い込むのは違います。
本当に音が良い製品をすべて試して探すことをしている人はお金持ちのマニア以外皆無でしょうね。種類が多すぎて不可能だからです。年間で弦に費やす予算を決めれば「投資」と考えることもできるでしょう。
2月から作って来たヴァイオリンが8月に白木のホワイトヴァオリンとなったところまでお伝えしました。8月は暑さと訪問者があって、9月からニスを塗り始めて11月になって塗り終わりました。まだ細かい修正はあります、ここからは修理のようなものです。
こんなに時間がかかっているとおよそ商売にはならないでしょう。「プロのヴァイオリン職人」なら1～2週間で終わるような塗り方でないといけません。楽器店に卸す職人なら1週間で終わらせないといけないでしょう。
季節としては本当は夏至の6月ころが一番良いんでしょうけども、始める時期が悪くて間に合いません。それをカバーする方法はいくらでもあります。オイルニスの場合には紫外線を受けて酸化して固まるのでその時期が良いということになりますが、こういう話はウンチクとして語るとカッコいいですね。でも天候はそんなに重要なことではなく、その時期に塗らなくてもニスは塗れます。それよりも、ニスを塗っている時は天気や時間帯によって塗っている楽器の色が違って見えます。つまり部屋の光によって色が違って見えるのです。朝まだ暗い時には濃い色に見えます。十分な色になったと思っていると昼間には色が薄く見えます。層を何度も重ねていくので、一度の変化は小さいものです。時間の変化の方が大きいくらいです。日没が早くなると色が分からなくなってしまいます。10月中には終わらせたいと思っていました。演奏会は夜でステージも暗いので落ち着いた色に見えますが、昼間に工房で見ると目が痛くなるような楽器もあります。新作楽器を売りたい日本の楽器店は店を暗くして暖かみのある照明をつけています。ニスは透明度があり光が通過し木材まで届くと反射して戻ってきます。この時ニスが光学フィルターの役割を果たします。特定の色を吸収するのでその色に見えるわけです。このため木材そのものの色が大きく影響します。新作のように木が白いと光が多く反射するので明るく見えます。古い楽器は反射が少ないので暗く見えます。暗く見えるほうが立派に見えるので店を暗くするのです。文字通り白昼堂々と売ってもらいたいですね。
色は相対的なので周りに古い楽器が多いのと、新しい楽器が多いのでも見え方は違ってきます。
壁や室内の色でも変わって見えますし、アンサンブルやオケの他の楽器もあります。日本のオケでは明るいオレンジ色の楽器を使っている人が多いですね。ヨーロッパのオケでは暗い色のものが多いです。
カメラで撮っても実物とは違う色になりますが、それを画像を加工したとしても、見る人のディスプレイによって違ってしまいます。アマゾンに出ている中国製品なら実物よりもよく見えるように加工しているでしょうが、私の場合には写真の方が実物以下になってしまいます。
楽器作りをビジネスとするなら、売り物になる最低限で仕事を切り上げないといけないでしょう。ニスは濃い色にするほど塗る回数が増えてしまいます。一度に濃い色を塗れば色ムラができてしまいますし、濃い色に塗れても擦れるとすぐに剥げてしまいます。将来無残な姿になります。明るい色の楽器のほうが手間が少ないというわけです。
板の厚みも薄くするほど時間がかかり、音色も暗く深くなります。
明るい色のニスで音も明るいといかにも新作という感じがします。
そういうものは他にたくさんあるので私は作りません。
初級者の価格帯でも濃い色の楽器が欲しいという要望はお客さんからよく聞きます。特に女性が色に関心が高いようです。そうなると、「楽器は色ではなく音で選んでください」と説明しないといけません。別に音で選ばないといけないという決まりはありませんが、初心者は楽器の何に関心を持ったらいいかもわからないので、優先事項を教えます。日本の楽器店なら製造国から始まって全く違うウンチクを披露するでしょうが・・・。
我々からすると量産楽器の濃い色は人工染料を使っているので安っぽく見えますが、自分でニスを作っていないとそんな違いは見えません。天然のニスでも明るい色では高級品のはずなのに通用しません。
こんな様子でした。
ニスを塗っていく過程を見せたいところですが、上手く撮影ができません。
いきなり塗り終わった写真です。
こんなになりました。
わざとらしくなく自然と古さを表現するのが目標です。
古い楽器と見間違えるようなものを目指しているのではなく、アンティーク塗装で2023年に作られたヴァイオリンです。それでもわざとらしさを出さずに古く見せるのは難しいもので、短時間ではできません。2か月もニスにかかっていたら商売にはならないでしょうが、通常数百年かかることを考えれば時間を短縮しています。
古い楽器はもともとのニスははげ落ちてしまい、木材が変色しニスの色と木の色が似ているものがあります。そうなるとどこにニスが残っていてどこが剥げているのかわかりません。それ以上に多くの汚れがついています。汚れが付きやすいのは特にオイルニスの場合にはニス自体に粘着性があり、松脂も付着します。したがってはっきりと二色に塗り分けられているようなものはわざとらしいとなります。せいぜい150年くらい経ったもので、木材とは違う真っ赤なニスなどのものです。ヴィヨームなどの時代のアンティーク塗装ではストラディバリも150年くらいしか経っていません。
塗る場合もニスそのものよりも汚れを塗っている感じです。それを削り落として隅っこに残っているようにします。実際の古い楽器を掃除するのと同じ作業です。
古い楽器ではニスを塗り直されていることも少なくありません。
100年以上前に塗り直されたものならそれも剥げています。
モダン楽器のようにきれいに見えるオールド楽器がありますが、そういうことです。
オリジナルのニスはわずかで残っている所には汚れも残っています。
塗りたての状態を目にすることは不可能です。
ニスがあると思っても後の時代に塗られたものと境目が分かりません。
これは絵画などと違いそれ自体は道具であって芸術作品ではないので観賞用として保存されるわけではないからです。
肉眼に近い感じで撮れた写真です。
汚れがついているのが分かるでしょうか？
これは私の独特のアンティーク塗装で、他で同じようなものを見たことがありません。新品として自分独自の作品を作ったほうがどれも同じに見えて、オールド楽器を模したほうが人によって違いが出るのは皮肉です。私は、ものごとを長期的に考えているので現代人の考え方は気にしていません。
綺麗すぎるのは使っていくうちに古くなっていくので構いませんが、わざとらしいのは永遠にわざとらしいままです。私以外には誰も気づかないかもしれませんがそうなると私は悔やんでも悔やみきれません。
とはいえ汚れをしっかりつけないと迫力が出ません。
古い楽器が立派に見えるのは巨匠の秘密のニスではなく「汚れ」だというのが本当のところでしょう。
「名工は神様のような天才」という前提で物を考えていると、それを汚すような説明はできなくなってしまいます。一度嘘をついたばかりに嘘の上に嘘の理屈を積み重ねていくことになります。知識を学べば学ぶほど実際から遠くなってしまうのです。
丸く膨らんだ高いアーチの楽器は裏板のニスが剥げやすいです。ミドルバウツの溝のところに残っているだけです。そこには汚れも残っているのでもともとのニスの色はよくわかりません。今回は赤オレンジのニスを作りましたが、汚れがつくことで茶色になっています。
しかし広い部分でニスが剥げているのでそこは別の色です。木材が古くなると黒ずんでくるので木の色です。これは新作なのでいわゆる黄金色を作ってあります。これも難しく経験がいるものです。
本当の古い楽器なら薄い色の普通のニスを塗るだけでそう見えます。
茶色でもオレンジでも黄色でも薄い層ではほんのり黄色く見えるので、下地が古くなって黒ずんでいると黄金色に見えるのです。これはクレモナの楽器だけではなくマルクノイキルヒェンの楽器でも同様です。
ここでもニスがはげたところがはっきりと分かるようだとわざとらしすぎます。オールド楽器でもそういうこともありますが、実は例外的でメンテナンスを繰り返しながら演奏で使われている楽器はニスがはがれている境界があいまいになっています。したがってよくあるアンティーク塗装のように剥げたてホヤホヤの状態が保存されているということは珍しいです。
アーチを作る工程で溝のところだけ後から彫り直すということをしました。グァルネリ家の楽器ではそこだけ仕上げが甘かったりします。白木の楽器では見えないほどの微妙な凹凸にも汚れが残って見えるわけです。これをノミの刃の跡を残そうと意図的にやるとわざとらしくなりすぎてしまいます。
一度溝全体を黒っぽくしてからそれを削り取ると、実際の汚れと同じようにわずかなくぼみに残ります。これはきれいに仕上げてあるほど残らないわけですが、それでも最後はちょっとは残るのです。それを刃の跡をつけようと思ってやると角が白くなってわざとらしいのです。
ヘッド部でも難しいのは、色が明るい所です。濃い所は塗りまくればいい所なのですが、少ない色で表現する方がミスが許されません。実は3回目くらいの層でミスをしてしまい、それがごまかしきれず塗り直すことになってしまいました。一か月の作業がパーになり、ニスに2か月もかかってしまったのはそのことも原因です。
アーチは高さがあります。
エッジが丸くなり、溝に汚れがたまったようになるとアーチのふくらみが一層感じられるようになります。新作楽器のままで高いアーチにしてもオールド楽器のようには見えないのです。そういう意味では見た目を近づけることでオールド楽器を研究した答え合わせとなります。
お金が必要になったり歳を取って気力がなくなったら凝った塗装もやらなくなるかもしれません。
このヴァイオリンは以前から依頼されていた日本の方のために作ったものです。
これともう一つのヴァイオリンを持って帰らないといけないため、Wケースでは以前考えていたオールドヴァイオリンなどを持って帰ることはできません。
amebaブログというものを使っていまして、いろいろな制約があります。
個人の特定に関わるようなことは書かないようにということも言われていますのでそれに従っています、ご協力ください。
かつては商用利用が禁止となっていました。芸能事務所がやっていて商用利用じゃないというのもおかしな話でしたが、商品を販売する目的で掲載するようなことはできませんでした。
今は解禁されているのでそのようなこともできるようになっています。
そこで、面白いヴァイオリンなどがあればブログ上で紹介し日本に持って帰って販売するということも考えられます。
しかし今回は荷物の関係で無理です。
以前から連絡をいただいていた方は再び連絡をください。
それ以外の方は問い合わせの方からよろしくお願いします。
お問い合わせはこちらから
こんにちはガリッポです。
夏にこんな記事を書きました。
https://ameblo.jp/idealtone/entry-12817824358.html
前編と言いながら後編が来ていませんでした。
過去に別の職人が指板を交換して音が悪くなったので元に戻してほしいという依頼でした。その職人は指板の裏側を特殊な加工をすることで音が良くなると考えたのでしょう。しかし、頭で考えただけでは机上の空論でしかありません。
修理の依頼として難しいのはその以前の音を知ることができないので、以前の音に戻してほしいと言われてもわかりません。
しかし問題は他に見つかりました。駒が低くなりすぎています。
弦に引っ張られネックの角度が寝ていきます。そうすると弦と指板の間隔（弦高）が広くなりすぎて弦を抑えるのが難しくなります。弦高を正しくするためには駒を低くします。それを繰り返していると駒が低くなりすぎてしまいます。
20年くらい前に大きな修理をしているチェロですが、そこからネックが下がったのか、もともと低めに入れていたのかよくわかりません。
そこでネックに木材を張り付けて角度を調整しました。
同時に指板も新しくしました。以前のチューンナップ指板は上のカーブが平らすぎるのを不満に思っていたそうです。丸すぎるものを削って平らにすることはできますが、平らすぎるものを丸くすると両端が薄くなりすぎてしまいます。そこで新しいものに交換です。裏側に特殊な処理はせずに普通のものです。
ニスの補修を終えるとこんな感じになりました。継ぎ目が全く分からないというまでにはいきません。しかし修理法としては楽器にダメージを与えず最も経済的な方法です。チェロの場合には数十年に一回はこのような修理が必要です。
ニスもこんなにひどい状況でした。
最低限の補修でも随分とましになりました。
オーケストラの夏休みを利用しての修理でしたから、また新シーズンが始まってしばらく試してもらいました。
基本的にはすごく気に入ってもらえたそうです。しかし高音に荒々しい音がついてくるのが不満だと言っていました。
修理を終えたときに、弦の交換も考えたのですが、とりあえずそれ以前に張ってあった弦をそのまま使って、修理後の音の変化を見てから、弦の交換を考えようということになっていました。
弦は低音側の二本がトマスティクのスピルコア、高音側がラーセンです。これは20年以上前に流行した組み合わせでしょう。私が始めたときにも新製品の弦が登場し、すでに時代遅れになっていました。
チェロはスチール弦を使っている人が99％で、弦の音や演奏感覚への影響がとても大きいです。かつてはチェロでもガット弦が使われていました。ガット弦では柔らかすぎるので、スチール弦も背に腹は代えられず音量を得るために使われてきました。欠点ははっきりしていて金属的な耳障りな音がすることです。
ヴァイオリンではガット弦に変わるものとしてナイロン弦が主流になりました。しかしチェロでナイロン弦は柔すぎます。トマスティク・ドミナントやピラストロ・オブリガートなどわずかな製品にナイロン弦がありますが、スチール弦になれた人はグニャグニャして弾きにくい印象を受けるでしょう。
一つはチェロが低音楽器であること、サイズの割に板が薄く構造に柔軟性がある事などが原因でしょう。ヴァイオリンでもスチールはかつては耳障りな嫌な音と考えられていました。ガット弦が高級でスチール弦は安物と考えられてきました。安い楽器にスチール弦を張るのでよけいに耳障りな音になったことでしょう。今ではナイロン弦が開発され音の滑らかさはガット以上で、張力もガットよりも強いものです。
現在ではスチール弦も進歩しそのようなことはありませんが、細かな音の表情が失われてしまうと感じるかもしれません。使う人がいないので開発は止まっています。ナイロン弦はもともと特性が万人向きで望ましいものであり、スチール弦は欠点を抱えているものでした。このためか、チェロのスチール弦は新製品が出るごとに改良が進み、金属的な音が軽減して来ています。ヴァイオリンのナイロン弦は進歩しているかどうかよくわかりません。新製品は出ますが、定番になるものはありません。
このためトマスティクのスピルコアは古い世代のスチール弦ということになります。荒々しく針金のような音です。それに対してラーセンというメーカーは進歩的なスチール弦の開発でリードしてきました。他社よりも金属的な音が少ない柔らかい音が特徴です。
多くのチェロでは低音が頼りなく、高音が耳障りという問題を抱えています。それは人間の耳が高い音には敏感だからではないかと考えていましたが、楽器の構造で高音側に魂柱が入っているために、高音にクッション性が少なく音が強くなっているのではないかとも思います。これは以前左利きの人のために弦を左右反対に張る実験をした結果得られた見識です。
そのようなチェロの癖にあわせて、低音には金属的な音のトマスティク・スピルコア、高音側にはラーセンのラーセンを組み合わせました。ラーセンは張力を増したソロイストというバージョンが追加されました。
私はあまりのも両極端な組み合わせだと思います。
すべてスピルコアにすると高音が耳障りで、すべてラーセンにすると低音が頼りないというわけです。もし同じ弦のセットで上手くいくのであればそれが優れた製品と言えるでしょう。それで言うと中庸なのがピラストロ社です。パーマネントまたはパーマネント・ソロイストであれば、4弦をセットで使うことができます。逆に言えば高音が特別柔らかいわけでも無く、低音が特別強いわけでもありません。チェロ自体が問題のないものならばそれでいいでしょう。その後はエヴァピラッチ・ゴールドが出ました。これは全体的に柔らかい音のもので明るく豊かなボリューム感のあるものです。さらにパーペチュアルというものが出ました。これは引き締まって筋肉質の角の尖った暗い音です。
ラーセンはトマスティクから低音市場を奪還するためか、マグナコアというものを発売しました。柔らかい一辺倒ではなくスピルコアのような荒々しさを持たせています。高級スピルコアといった感じです。楽器によって相性がありますが、今学生などには人気があります。ただラーセンの得意な音では無いようです。
さらに新たに出たのがイル・カノーネというもので、これにはDirect&FocusedとWarm&Boadの2種類のバージョンがあります。基本的にはDirect&Focusedでスチール弦の正常進化が実感できると思います。特に耳障りなチェロではWarm&Boadが救世主となるかもしれません。
ただしラーセンで問題になるのは、高音の弦の寿命が短いことです。スピルコアとともに使うとA線を頻繁に変えないといけません。プロの使用頻度では数か月、半年も使うと長い方でしょう。低音の方のスピルコアは何年でも大丈夫です。むしろうちのお客さんん間ではスピルコアは新品の頃の硬さが取れて使い込んだ方が良いとう認識になっています。
このためチェロの弦は高音のものほど頻繁に変える必要があり、低音の方は劣化はあまり気にしなくてもいいというものです。
ラーセンがそのようになっているのは、もともとそういう設計になっているからです。ピラストロのほうがそこまで柔らかい音ではないものの耐久性はもう少しあるということです。ピラストロでは一番新しいフレクソコア・デラックスが最も柔らかい音と公式HＰでも示されています。これは値段の安いものですが、安い楽器ほど耳障りな音のものが多いのでピッタリです。ただし、低音はやや頼りないので、同社のエヴァピラッチゴールドとの組み合わせを考えているようです。高音用の弦としても可能性を感じます。
トマスティクは伝統的に高音が耳障りになるケースが多いです。高音が柔らかい音のチェロなら可能性はあります。新製品がどんどん出ていますが、私どもは追いついていません。
話を戻すとチェロの持ち主は、マグナコアぐらいまでは試したことがあるそうです。10年以内の新製品は知らないようでした。いくつか試したけどもスピルコア＋ラーセンに戻っていたようです。
そのチェロは特殊で離れて聞いているとそうでもないのですが、弾いている本人にはとても柔らかく感じるようです。それでスピルコアに戻っていたというわけです。
新製品がたくさん出ているのでアップデートを考えることができます。また本人が言っていた高音の耳障りな音も、ラーセンの弦が古くなっていることが考えられます。本人が演奏するとすぐにそれが弦の劣化によるものだと分かりました。基本的にのチェロのＡ線は古くなるとビョーンと金属的な付帯音が出てきます。ラーセンでは最初は柔らかいだけに目立ちます。これは当たりはずれや、楽器との相性などのレベルではなく必ず生じる変化と考えて良いと思います。
アマチュアでも2年くらい手入れも何もしていないようなチェロでは高音がメタリックになっていることが多いです。そうなるとＡ線の交換を薦めます。高音ほど劣化が感じられるので次の機会にはＡ線とＤ線を交換することになります。
本人としては低音はスピルコアが悪くないと考えているようなので、単に新製品にするだけでは低音が頼りなくなってしまうでしょう。メーカーは金属的な音を減らし柔らかい音を目指して開発を続けていますが、時にはそれによって柔らかすぎるということも起き得ます。新しい製品にすれば何でもスピルコアよりもマイルドな音になってしまい持ち主はそれは望んでいないとのことでした。
そこで芯のしっかりした音のピラストロ・パーペチュアルを薦めました。パーペチュアルはバージョンの違いが山ほどあって我々も覚えられないくらいです。パーペチュアルは楽器によって相性があって上手くいったりいかなかったりします。その辺の難しさがバージョン違いを次々と発売する原因かもしれません。
もっとも新しいのは「エディション」というバージョンでマイナーチェンジバージョンと考えて良いでしょう。
これをスピルコアのGとC線と交換すると、芯の強さは残しつつも開放的に豊かに鳴りました。タングステン巻きの弦なので最初は本調子ではありませんが、すぐに新世代の弦の違いを実感できたようです。
これは楽器との相性もあり、押さえつけたような重い音の出方になることもあります。今回のケースでは上手くいきました。
今度は高音側です。
劣化したラーセンを新品にするだけでも効果はあると思いますが、同社では一番新しい高級弦のイル・カノーネを試してみることになりました。始めにWarm＆Boadを試すと耳障りな金属的な付帯音は無くなりました。さらにDierct&Focusedにすると伸び伸びと開放的に鳴るようになり、とてもスチール弦とは思えない柔らかい音でした。
このような体験は新製品が出るごとにします。かつて柔らかさに驚いた弦もさらに新製品と比べると針金のように感じます。ただそれがユーザーの求めている方向性なのかは分かりません。
プロの演奏者なのでこれが劣化すれば経費として交換が必要です。
アマチュアならそこまで劣化が速くありませんし、さらに経済性を考えるならフレクソコア・デラックスも考えられます。
スピルコア＋ラーセンに変わる弦のアップデートとして面白い結果を得られました。パーペチュアルはバージョンがいろいろあるので他がどうなのかは気になりますが、すべて試せる人はいないでしょう。カデンツァというバージョンはG線とC線のみで用意されています。ということはスピルコアの市場を奪うべく開発されたのかもしれません。今回はエディションで十分な効果を得られたのでそれ以上詮索しませんでした。
かつてはチェロのスチール弦は欠陥を抱えたものであり、良いものが無い中苦肉の策で、スピルコア＋ラーセンの組み合わせが流行しました。その後新製品が次々と出てどれを選んでいいか分からないという状況になっています。値段もどんどん高くなっていて気軽に買って試すというわけにもいきません。
そんな中ピラストロのフレクソコア・デラックスは値段も安く、耳障りな嫌な音を抑えてくれる悪くない製品です。ただ積極的に音を追い込んでいくというまではいかないでしょう。高級弦に比べると低音には頼りなさもあります。しかしランニングコストも考えると量産楽器にはとりあえずこれでいいのではないかと思うくらいです。
このチェロの持ち主の方はジョージア（グルジア）の出身だそうです。チェロも学生時代に買ってもらったものだそうです。サイズは小さめでその割には音が良く、他のものを借りてもピンとこないそうです。
楽器自体はボロボロで、どこの産地のものかもわかりませんが特別高価なのではないでしょう。そんなものを東ヨーロッパの人たちは使っています。ミルクール、マルクノイキルヒェン、シェーンバッハなど大きな産地の特徴が無いので地理的に考えてもハンガリーのものかなとも思います。
これはウクライナから来たばかりの親子が持っている子供用のチェロです。ラベルにはロシア語のような文字が書かれています。
酷いボロボロのものです。
修理もひどく絵の具のようなものが塗ってあります。
たまたまそこらにあった古い駒をあてがってみると奇跡的にぴったりだったので
タダで修理してあげました。
こんな粗末な楽器で練習している国もあります。
ロシア出身の人では24年使っていたチェロの弦が切れてしまって耐久性の不足を嘆いていました。それに比べるとラーセンの弦などはぜいたく品です。高価な新製品に次々と交換しなくてはいけないとまでは言うことはできません。
結果的に修理は上手くいって持ちの主の方には大変満足してもらったようです。指板の軽量化よりも、駒の高さ＝ネックの角度のほうが音への影響が大きいでしょう。駒が低すぎると弓が表板にぶつかってしまうので弓の可動範囲を確保するために必要な修理で、結果音も良くなったと感じたようです。
物事というのは優先順位というものがあります。細かいことに夢中になってしまうと大事なことを見落としてしまいます。細かいことを知っている方が優れていると錯覚しがちです。マニアにはそのような製品が魅力的に見えビジネスとなって目立ってきます。
しかし大きなことを理解する方が難しいです。
具体性やつかみどころがなく、それが分かっていることの方が理解度が上です。
私は音は好みだという話をしています。
これは、職人の論理で「これは良い楽器だからこの楽器を買いなさい」と強要するのではなくて、ユーザーに選択権があるということを言っています。
そんなのは配給制度じゃないんだから民主主義の社会では当たり前でしょう。それが当り前じゃないのが職人の世界です、中世の大昔のままなのです。
夏にこんな記事を書きました。
https://ameblo.jp/idealtone/entry-12817824358.html
前編と言いながら後編が来ていませんでした。
過去に別の職人が指板を交換して音が悪くなったので元に戻してほしいという依頼でした。その職人は指板の裏側を特殊な加工をすることで音が良くなると考えたのでしょう。しかし、頭で考えただけでは机上の空論でしかありません。
修理の依頼として難しいのはその以前の音を知ることができないので、以前の音に戻してほしいと言われてもわかりません。
しかし問題は他に見つかりました。駒が低くなりすぎています。
弦に引っ張られネックの角度が寝ていきます。そうすると弦と指板の間隔（弦高）が広くなりすぎて弦を抑えるのが難しくなります。弦高を正しくするためには駒を低くします。それを繰り返していると駒が低くなりすぎてしまいます。
20年くらい前に大きな修理をしているチェロですが、そこからネックが下がったのか、もともと低めに入れていたのかよくわかりません。
そこでネックに木材を張り付けて角度を調整しました。
同時に指板も新しくしました。以前のチューンナップ指板は上のカーブが平らすぎるのを不満に思っていたそうです。丸すぎるものを削って平らにすることはできますが、平らすぎるものを丸くすると両端が薄くなりすぎてしまいます。そこで新しいものに交換です。裏側に特殊な処理はせずに普通のものです。
ニスの補修を終えるとこんな感じになりました。継ぎ目が全く分からないというまでにはいきません。しかし修理法としては楽器にダメージを与えず最も経済的な方法です。チェロの場合には数十年に一回はこのような修理が必要です。
ニスもこんなにひどい状況でした。
最低限の補修でも随分とましになりました。
オーケストラの夏休みを利用しての修理でしたから、また新シーズンが始まってしばらく試してもらいました。
基本的にはすごく気に入ってもらえたそうです。しかし高音に荒々しい音がついてくるのが不満だと言っていました。
修理を終えたときに、弦の交換も考えたのですが、とりあえずそれ以前に張ってあった弦をそのまま使って、修理後の音の変化を見てから、弦の交換を考えようということになっていました。
弦は低音側の二本がトマスティクのスピルコア、高音側がラーセンです。これは20年以上前に流行した組み合わせでしょう。私が始めたときにも新製品の弦が登場し、すでに時代遅れになっていました。
チェロはスチール弦を使っている人が99％で、弦の音や演奏感覚への影響がとても大きいです。かつてはチェロでもガット弦が使われていました。ガット弦では柔らかすぎるので、スチール弦も背に腹は代えられず音量を得るために使われてきました。欠点ははっきりしていて金属的な耳障りな音がすることです。
ヴァイオリンではガット弦に変わるものとしてナイロン弦が主流になりました。しかしチェロでナイロン弦は柔すぎます。トマスティク・ドミナントやピラストロ・オブリガートなどわずかな製品にナイロン弦がありますが、スチール弦になれた人はグニャグニャして弾きにくい印象を受けるでしょう。
一つはチェロが低音楽器であること、サイズの割に板が薄く構造に柔軟性がある事などが原因でしょう。ヴァイオリンでもスチールはかつては耳障りな嫌な音と考えられていました。ガット弦が高級でスチール弦は安物と考えられてきました。安い楽器にスチール弦を張るのでよけいに耳障りな音になったことでしょう。今ではナイロン弦が開発され音の滑らかさはガット以上で、張力もガットよりも強いものです。
現在ではスチール弦も進歩しそのようなことはありませんが、細かな音の表情が失われてしまうと感じるかもしれません。使う人がいないので開発は止まっています。ナイロン弦はもともと特性が万人向きで望ましいものであり、スチール弦は欠点を抱えているものでした。このためか、チェロのスチール弦は新製品が出るごとに改良が進み、金属的な音が軽減して来ています。ヴァイオリンのナイロン弦は進歩しているかどうかよくわかりません。新製品は出ますが、定番になるものはありません。
このためトマスティクのスピルコアは古い世代のスチール弦ということになります。荒々しく針金のような音です。それに対してラーセンというメーカーは進歩的なスチール弦の開発でリードしてきました。他社よりも金属的な音が少ない柔らかい音が特徴です。
多くのチェロでは低音が頼りなく、高音が耳障りという問題を抱えています。それは人間の耳が高い音には敏感だからではないかと考えていましたが、楽器の構造で高音側に魂柱が入っているために、高音にクッション性が少なく音が強くなっているのではないかとも思います。これは以前左利きの人のために弦を左右反対に張る実験をした結果得られた見識です。
そのようなチェロの癖にあわせて、低音には金属的な音のトマスティク・スピルコア、高音側にはラーセンのラーセンを組み合わせました。ラーセンは張力を増したソロイストというバージョンが追加されました。
私はあまりのも両極端な組み合わせだと思います。
すべてスピルコアにすると高音が耳障りで、すべてラーセンにすると低音が頼りないというわけです。もし同じ弦のセットで上手くいくのであればそれが優れた製品と言えるでしょう。それで言うと中庸なのがピラストロ社です。パーマネントまたはパーマネント・ソロイストであれば、4弦をセットで使うことができます。逆に言えば高音が特別柔らかいわけでも無く、低音が特別強いわけでもありません。チェロ自体が問題のないものならばそれでいいでしょう。その後はエヴァピラッチ・ゴールドが出ました。これは全体的に柔らかい音のもので明るく豊かなボリューム感のあるものです。さらにパーペチュアルというものが出ました。これは引き締まって筋肉質の角の尖った暗い音です。
ラーセンはトマスティクから低音市場を奪還するためか、マグナコアというものを発売しました。柔らかい一辺倒ではなくスピルコアのような荒々しさを持たせています。高級スピルコアといった感じです。楽器によって相性がありますが、今学生などには人気があります。ただラーセンの得意な音では無いようです。
さらに新たに出たのがイル・カノーネというもので、これにはDirect&FocusedとWarm&Boadの2種類のバージョンがあります。基本的にはDirect&Focusedでスチール弦の正常進化が実感できると思います。特に耳障りなチェロではWarm&Boadが救世主となるかもしれません。
ただしラーセンで問題になるのは、高音の弦の寿命が短いことです。スピルコアとともに使うとA線を頻繁に変えないといけません。プロの使用頻度では数か月、半年も使うと長い方でしょう。低音の方のスピルコアは何年でも大丈夫です。むしろうちのお客さんん間ではスピルコアは新品の頃の硬さが取れて使い込んだ方が良いとう認識になっています。
このためチェロの弦は高音のものほど頻繁に変える必要があり、低音の方は劣化はあまり気にしなくてもいいというものです。
ラーセンがそのようになっているのは、もともとそういう設計になっているからです。ピラストロのほうがそこまで柔らかい音ではないものの耐久性はもう少しあるということです。ピラストロでは一番新しいフレクソコア・デラックスが最も柔らかい音と公式HＰでも示されています。これは値段の安いものですが、安い楽器ほど耳障りな音のものが多いのでピッタリです。ただし、低音はやや頼りないので、同社のエヴァピラッチゴールドとの組み合わせを考えているようです。高音用の弦としても可能性を感じます。
トマスティクは伝統的に高音が耳障りになるケースが多いです。高音が柔らかい音のチェロなら可能性はあります。新製品がどんどん出ていますが、私どもは追いついていません。
話を戻すとチェロの持ち主は、マグナコアぐらいまでは試したことがあるそうです。10年以内の新製品は知らないようでした。いくつか試したけどもスピルコア＋ラーセンに戻っていたようです。
そのチェロは特殊で離れて聞いているとそうでもないのですが、弾いている本人にはとても柔らかく感じるようです。それでスピルコアに戻っていたというわけです。
新製品がたくさん出ているのでアップデートを考えることができます。また本人が言っていた高音の耳障りな音も、ラーセンの弦が古くなっていることが考えられます。本人が演奏するとすぐにそれが弦の劣化によるものだと分かりました。基本的にのチェロのＡ線は古くなるとビョーンと金属的な付帯音が出てきます。ラーセンでは最初は柔らかいだけに目立ちます。これは当たりはずれや、楽器との相性などのレベルではなく必ず生じる変化と考えて良いと思います。
アマチュアでも2年くらい手入れも何もしていないようなチェロでは高音がメタリックになっていることが多いです。そうなるとＡ線の交換を薦めます。高音ほど劣化が感じられるので次の機会にはＡ線とＤ線を交換することになります。
本人としては低音はスピルコアが悪くないと考えているようなので、単に新製品にするだけでは低音が頼りなくなってしまうでしょう。メーカーは金属的な音を減らし柔らかい音を目指して開発を続けていますが、時にはそれによって柔らかすぎるということも起き得ます。新しい製品にすれば何でもスピルコアよりもマイルドな音になってしまい持ち主はそれは望んでいないとのことでした。
そこで芯のしっかりした音のピラストロ・パーペチュアルを薦めました。パーペチュアルはバージョンの違いが山ほどあって我々も覚えられないくらいです。パーペチュアルは楽器によって相性があって上手くいったりいかなかったりします。その辺の難しさがバージョン違いを次々と発売する原因かもしれません。
もっとも新しいのは「エディション」というバージョンでマイナーチェンジバージョンと考えて良いでしょう。
これをスピルコアのGとC線と交換すると、芯の強さは残しつつも開放的に豊かに鳴りました。タングステン巻きの弦なので最初は本調子ではありませんが、すぐに新世代の弦の違いを実感できたようです。
これは楽器との相性もあり、押さえつけたような重い音の出方になることもあります。今回のケースでは上手くいきました。
今度は高音側です。
劣化したラーセンを新品にするだけでも効果はあると思いますが、同社では一番新しい高級弦のイル・カノーネを試してみることになりました。始めにWarm＆Boadを試すと耳障りな金属的な付帯音は無くなりました。さらにDierct&Focusedにすると伸び伸びと開放的に鳴るようになり、とてもスチール弦とは思えない柔らかい音でした。
このような体験は新製品が出るごとにします。かつて柔らかさに驚いた弦もさらに新製品と比べると針金のように感じます。ただそれがユーザーの求めている方向性なのかは分かりません。
プロの演奏者なのでこれが劣化すれば経費として交換が必要です。
アマチュアならそこまで劣化が速くありませんし、さらに経済性を考えるならフレクソコア・デラックスも考えられます。
スピルコア＋ラーセンに変わる弦のアップデートとして面白い結果を得られました。パーペチュアルはバージョンがいろいろあるので他がどうなのかは気になりますが、すべて試せる人はいないでしょう。カデンツァというバージョンはG線とC線のみで用意されています。ということはスピルコアの市場を奪うべく開発されたのかもしれません。今回はエディションで十分な効果を得られたのでそれ以上詮索しませんでした。
かつてはチェロのスチール弦は欠陥を抱えたものであり、良いものが無い中苦肉の策で、スピルコア＋ラーセンの組み合わせが流行しました。その後新製品が次々と出てどれを選んでいいか分からないという状況になっています。値段もどんどん高くなっていて気軽に買って試すというわけにもいきません。
そんな中ピラストロのフレクソコア・デラックスは値段も安く、耳障りな嫌な音を抑えてくれる悪くない製品です。ただ積極的に音を追い込んでいくというまではいかないでしょう。高級弦に比べると低音には頼りなさもあります。しかしランニングコストも考えると量産楽器にはとりあえずこれでいいのではないかと思うくらいです。
このチェロの持ち主の方はジョージア（グルジア）の出身だそうです。チェロも学生時代に買ってもらったものだそうです。サイズは小さめでその割には音が良く、他のものを借りてもピンとこないそうです。
楽器自体はボロボロで、どこの産地のものかもわかりませんが特別高価なのではないでしょう。そんなものを東ヨーロッパの人たちは使っています。ミルクール、マルクノイキルヒェン、シェーンバッハなど大きな産地の特徴が無いので地理的に考えてもハンガリーのものかなとも思います。
これはウクライナから来たばかりの親子が持っている子供用のチェロです。ラベルにはロシア語のような文字が書かれています。
酷いボロボロのものです。
修理もひどく絵の具のようなものが塗ってあります。
たまたまそこらにあった古い駒をあてがってみると奇跡的にぴったりだったので
タダで修理してあげました。
こんな粗末な楽器で練習している国もあります。
ロシア出身の人では24年使っていたチェロの弦が切れてしまって耐久性の不足を嘆いていました。それに比べるとラーセンの弦などはぜいたく品です。高価な新製品に次々と交換しなくてはいけないとまでは言うことはできません。
結果的に修理は上手くいって持ちの主の方には大変満足してもらったようです。指板の軽量化よりも、駒の高さ＝ネックの角度のほうが音への影響が大きいでしょう。駒が低すぎると弓が表板にぶつかってしまうので弓の可動範囲を確保するために必要な修理で、結果音も良くなったと感じたようです。
物事というのは優先順位というものがあります。細かいことに夢中になってしまうと大事なことを見落としてしまいます。細かいことを知っている方が優れていると錯覚しがちです。マニアにはそのような製品が魅力的に見えビジネスとなって目立ってきます。
しかし大きなことを理解する方が難しいです。
具体性やつかみどころがなく、それが分かっていることの方が理解度が上です。
私は音は好みだという話をしています。
これは、職人の論理で「これは良い楽器だからこの楽器を買いなさい」と強要するのではなくて、ユーザーに選択権があるということを言っています。
そんなのは配給制度じゃないんだから民主主義の社会では当たり前でしょう。それが当り前じゃないのが職人の世界です、中世の大昔のままなのです。
こんにちはガリッポです。
まずはミルクールのヴァイオリンから
かつてこの楽器を買った人の領収書はミルクールのJTL（ジェローム・ティブヴィル・ラミー）のものと書かれています。
どこを調べても名前や印はありません。私にはJTLのものであるかどうかは分かりません。
しかしミルクールのヴァイオリンであることはすぐにわかります。
なぜこれを見てミルクールのヴァイオリンと分かるのでしょうか？
「ミルクールのヴァイオリンの特徴を挙げよ」と質問されたときになんと答えるでしょうか？
ストラディバリモデルでアーチはフラットです。
でもそれだけでは、他にもたくさん同様のものがありそうです。
エッジの仕上げ方に特徴がありますが、言葉でなんと説明しましょうか？
スクロールの縁が黒くなっています。しかしこれだけでミルクールの楽器とは断定できないでしょう。
つまり言葉では説明できなくても、楽器を見ることによってこれがミルクールの量産品であることが分かります。逆に言えば楽器がどのようなものであるかは楽器を見ないと分かりません。
量産品であるということがなぜわかるかと言えばクオリティが、一流の職人のハンドメイドのレベルには無いからです。しかしながら、他の国のものを含めれば高級品に匹敵する高い水準で作られています。とはいえ量産品、中よりも見た目のほうが美しくできているでしょう。板の厚みはやや厚めで、フランスの一流の作者のものとは違うようです。
その代わりにプレス（平らな板を曲げてアーチを作ったもの）では無いようです。無垢材というわけです。
JTLは当時ミルクールでは大きな企業であり、自社だけでなく他の工場からも買って販売していたことでしょう。したがって、どこの工場のものなのかはよくわかりません。しかしミルクールのものであることは明らかです。
これも見た瞬間に上等なものだと分かります。
ラベルは無く「Ｋ．Ａ．ギュッター」という焼き印が押されています。楽器のクオリティからハンドメイドのヴァイオリンだと分かります。作者を調べるとマルクノイキルヒェンの作者ということが分かりました。
裏板の材質も高級な一枚板であるだけでなくアーチのカーブがとても美しく立体造形のセンスがあることが分かります。このため職人の腕前としては一流であることが分かります。
エッジには丸みがつけられています。古い楽器の雰囲気を出すためで、オールドイミテーションの一つです。これは1900年頃には流行し、イタリアのモダン楽器にも見られる特徴です。現在でも主流で19世紀フランスのようなものの方が珍しいです。今ではそれがオールドイミテーションの手法とは知らずに作っている職人が多いことでしょう。
一流の腕前の職人の楽器に、ギュッターという名前が押されているのでおそらく本物と考えて良いでしょう。
一般の人は私とは逆です。一流の作者の情報をどこかで聞いて、その名前がついているとその楽器が一流の職人に作られたものと認識します。この方法だとどこかで聞いた評価が怪しいですし、名前がついていても偽造ラベルだったり、作者が弟子や工場で作らせたものかもしれません。腕の良い職人でも知られいていないことが多いです。
本には1978年にヴァイオリン製作コンクールで金賞を取ったと書かれています。この楽器は戦前のものでしょう。1991年まで存命だったそうです。
にもかかわらず日本でこの作者を知っている人は皆無でしょう。腕が良い職人でもマルクノイキルヒェンの作者は日本では注目されないのです。評価というのは一体何なんでしょうか？・・・ザルですね。
スクロールも丸みが綺麗に作られていますがニスにも特徴があります。
赤くて柔らかいニスです。同様のニスはドイツの19世後半から戦前にかけてのモダン楽器に見られるものです。フランスの楽器製作を元にしながらドイツ独特のスタイルが確立されています。もはやフランスのまねではありません。北ドイツのハンブルクから南のミッテンバルトまで作風が酷似しています。それでも作者ごとに微妙な違いがあり個性ということができます。
マルクノイキルヒェンでは量産品には硬いラッカーが使われ、独特なアンティーク塗装が施されました。
それに対してグレードの違いがあり、高級品には柔らかいオイルニスが分厚く塗られています。
コーナーとパフリングの仕事もきれいです。
柔らかいニスなので実際に剥がれたところもあるでしょうが、オールドイミテーションがほどこされていたのではないかと思います。
ひび割れなどは人工的につけられたものでしょう。
バスバーのところに割れがあります。これが安価な量産品なら致命的な損傷となるでしょう。この楽器はマイスター作品であることが明かなので修理する値打ちがあります。作られてから大きな修理は受けて無いようなのでちょうどオーバーホールでフルレストアする時でしょう。修理が済んでいるか済んでいないかも値段や音に大きな違いとなることでしょう。ですから試奏するときには注意が必要です。
この楽器は見たところで上等なドイツのモダン楽器であることが分かります。そこに焼き印があるので作者名が分かります。高いクオリティで作られているのでおそらく本物であろうと思います。さらに本で調べてみると形が酷似しています。
これも実際に楽器を見ることによって量産品ではなくマイスターのハンドメイドの楽器だと分かりました。文章で特徴を記述してもわかりません。実際に楽器を見ないといけません。
この楽器も板を測ると厚めに作られています。
しかし100年くらいは経っているので、同じような厚さで作られた新品の楽器よりはよく鳴ることでしょう。厚めの板で作るのは1900年以降は多くなります。それが手抜きのためなのか、それが音が良いと考えていたのかはわかりません。
私は板の厚みは音の個体差を生み出すので、好き嫌いの問題だと考えています。厚めの板の音が好きな人は、わりとたくさんあるので容易に入手できます。それに対して薄めの板の楽器は少ないのでそれが好みである場合には入手は苦労します。
この楽器はストラディバリモデルで赤いオイルニス、フラットなアーチです。しかしそれをマルクノイキルヒェンの特徴とは言えません。他の産地でも同様のものがたくさんあります。フランスやイタリアにもあります。
どうして量産品とマイスター作品との違いがわかるのでしょうか？
それはクオリティの違いであり、訓練されていれば見ればわかります。写真ではちょっと怖いです。現物を見れば一目瞭然です。
「マルクノイキルヒェンの楽器の特徴は？」と問われた場合の知識について考えてみます。
（正解）マルクノイキルヒェンではシュピールマン式のネックで作られ、木枠を使わないで横板が作られ、コーナーブロックが入ってない。
これが分かっていれば「知識がある」と言えます。
シュピールマン式が何か分かっている人は相当知識があることでしょう。
しかしこの楽器はシュピールマン式のネックではありませんし、おそらく外枠か何かの木枠を使ったことでしょう、コーナーブロックも入っています。
知識として学ぶことと、実際の楽器が違うのです。上記のような特徴はマルクノイキルヒェンのオールド楽器に見られる特徴です、モダン楽器ではもう変わっています。
ヴァイオリン製作学校の留学生の話をしましたが、このような知識を学んでいるところです。しかし現実の楽器とはかけ離れていて、学校では実物を見る機会もありません。
ヴァイオリン製作学校で何年も知識を学んだあと、実務経験を積んでそれが現実とは違っていることを学ぶことができます。
ですから、弦楽器について知識を学ぶと一旦、現実から遠ざかります。そしてさらに現場で勉強するとそれが間違っていることを学べます。この時「理論家」であると現実を受け入れることができません。
当ブログでも知識を教えると、学んだことによって現実から遠ざかってしまいます。知れば知るほど理解から遠のいていくのです。私が教えてしまっていることに罪を感じます。日本ではその機会すら難しいですが、先入観を捨ててできるだけいろいろな楽器を弾いてみてください。
先日、レンタルのチェロを使っている子の家族が4/4の初心者用のチェロを購入しようと来店していました。師匠は「値段は手作業の量が多いほど高くなる」と説明していました。うちですべて手作業で作ると4万ユーロになると言っていました。しかし4万ユーロ分音が良いというわけではなく、手作業で作るとそれだけのコストがかかるからその値段です。音で値段がついているのではありません。
4万ユーロなら今の相場では640万円ほどになります。
こちらの消費税込を抜くと520万円程度になります。日本に輸出する場合には日本の消費税がかかりますが、全額に対してかかるわけではなく現地で買うよりも~15％くらい安くなるでしょう。
ともかく師匠はコストで値段を説明しました。
さらに「音については主観です」と説明すると、お客さんは「じゃあ、音は好みの問題ですね」と自分から言ってきました。私がいつも言っているようなことがすんなりと理解されました。これが日本人には理解できないようです。
日本ではまったく違う説明がなされることでしょう。
営業マンはまず製造国がどこであるかから始まって、その楽器がいかに優れているか説明します。
しかしうちでは「値段は製造コストで決まっていて、好きな音のものを選んでください」というだけです。
日本の営業マンは必要ないことしか説明していません。
それを入社して先輩から学ぶのでしょうから、真面目に働いているわけです。
むしろ製造コストはうやむやにして、製造コストによって値段が決まるという概念自体を消費者の頭から消し去りたいようです。
このため楽器について知識を得ることは意味がないことになります。
それどころか知るほど現実から遠ざかっていきます。プロの職業人を育てるヴァイオリン製作学校でも例外ではありません。学校で学んだことが、職場で間違っていることに気付けるかということです。職場も様々で、師匠が自分の楽器を作っているだけの工房なら、師匠の楽器しか知らないままです。演奏家のお客さんと接し、いろいろな楽器を目にして行くと学んだ知識と現実が違っていることに直面するでしょう。理論家という人は頑なに現実を受け入れません。
そういう中で音大生や音大を目指す人たちがどんな楽器を求めているかを知っていると、今回出てきたような楽器が注目されます。
知識を勉強するとまず、アマティ、ストラディバリ、デルジェス、シュタイナーなど古い名器を学びます。「100年くらい前の普通の楽器」の価値が分かるのはずっと後です。一方新作楽器であれば、宣伝やメディアへの露出があって知られています。マニアで詳しい人はこの両方には詳しいかもしれません。ヴァイオリン職人でも19世紀のフランスの楽器に興味がある人はとても少なくなります。1900年頃のドイツの楽器ともなると誰も知らないという状況です。オークションでも注目されません。しかし楽器自体が現代のものと変わらないので同じ系統の音で新作楽器よりも鳴りが良くなっています。
楽器マニアではない学生と親は限られた予算の中で作者名を見ずに試奏して音が良い楽器を選ぶとこれらの楽器を購入するわけです。マニアでも何でもない人たちに選ばれるので我々は注目しているのです。このあたりの楽器が分かるということは相当詳しいということですね。でも作者名を知っても意味がありません。名前を伏せて選んだ結果、どの作者だったかということです。見て量産品なのかマイスターの作品なのかクオリティが分かることが重要です。楽器を見分けるのはそのレベルの話であって、作者が天才かどうかは私にもわかりません。
このような感じですから、言葉で言われていることは全くあてになりません。
言葉で物事を理解したいというのが「人間の性（さが）」でしょうね。しかし実態とは違っています。
そういうことを常に経験しているので私は言葉なんてものは全く信用していません。
まずはミルクールのヴァイオリンから
かつてこの楽器を買った人の領収書はミルクールのJTL（ジェローム・ティブヴィル・ラミー）のものと書かれています。
どこを調べても名前や印はありません。私にはJTLのものであるかどうかは分かりません。
しかしミルクールのヴァイオリンであることはすぐにわかります。
なぜこれを見てミルクールのヴァイオリンと分かるのでしょうか？
「ミルクールのヴァイオリンの特徴を挙げよ」と質問されたときになんと答えるでしょうか？
ストラディバリモデルでアーチはフラットです。
でもそれだけでは、他にもたくさん同様のものがありそうです。
エッジの仕上げ方に特徴がありますが、言葉でなんと説明しましょうか？
スクロールの縁が黒くなっています。しかしこれだけでミルクールの楽器とは断定できないでしょう。
つまり言葉では説明できなくても、楽器を見ることによってこれがミルクールの量産品であることが分かります。逆に言えば楽器がどのようなものであるかは楽器を見ないと分かりません。
量産品であるということがなぜわかるかと言えばクオリティが、一流の職人のハンドメイドのレベルには無いからです。しかしながら、他の国のものを含めれば高級品に匹敵する高い水準で作られています。とはいえ量産品、中よりも見た目のほうが美しくできているでしょう。板の厚みはやや厚めで、フランスの一流の作者のものとは違うようです。
その代わりにプレス（平らな板を曲げてアーチを作ったもの）では無いようです。無垢材というわけです。
JTLは当時ミルクールでは大きな企業であり、自社だけでなく他の工場からも買って販売していたことでしょう。したがって、どこの工場のものなのかはよくわかりません。しかしミルクールのものであることは明らかです。
マルクノイキルヒェンのマイスターヴァイオリン
これも見た瞬間に上等なものだと分かります。
ラベルは無く「Ｋ．Ａ．ギュッター」という焼き印が押されています。楽器のクオリティからハンドメイドのヴァイオリンだと分かります。作者を調べるとマルクノイキルヒェンの作者ということが分かりました。
裏板の材質も高級な一枚板であるだけでなくアーチのカーブがとても美しく立体造形のセンスがあることが分かります。このため職人の腕前としては一流であることが分かります。
エッジには丸みがつけられています。古い楽器の雰囲気を出すためで、オールドイミテーションの一つです。これは1900年頃には流行し、イタリアのモダン楽器にも見られる特徴です。現在でも主流で19世紀フランスのようなものの方が珍しいです。今ではそれがオールドイミテーションの手法とは知らずに作っている職人が多いことでしょう。
一流の腕前の職人の楽器に、ギュッターという名前が押されているのでおそらく本物と考えて良いでしょう。
一般の人は私とは逆です。一流の作者の情報をどこかで聞いて、その名前がついているとその楽器が一流の職人に作られたものと認識します。この方法だとどこかで聞いた評価が怪しいですし、名前がついていても偽造ラベルだったり、作者が弟子や工場で作らせたものかもしれません。腕の良い職人でも知られいていないことが多いです。
本には1978年にヴァイオリン製作コンクールで金賞を取ったと書かれています。この楽器は戦前のものでしょう。1991年まで存命だったそうです。
にもかかわらず日本でこの作者を知っている人は皆無でしょう。腕が良い職人でもマルクノイキルヒェンの作者は日本では注目されないのです。評価というのは一体何なんでしょうか？・・・ザルですね。
スクロールも丸みが綺麗に作られていますがニスにも特徴があります。
赤くて柔らかいニスです。同様のニスはドイツの19世後半から戦前にかけてのモダン楽器に見られるものです。フランスの楽器製作を元にしながらドイツ独特のスタイルが確立されています。もはやフランスのまねではありません。北ドイツのハンブルクから南のミッテンバルトまで作風が酷似しています。それでも作者ごとに微妙な違いがあり個性ということができます。
マルクノイキルヒェンでは量産品には硬いラッカーが使われ、独特なアンティーク塗装が施されました。
それに対してグレードの違いがあり、高級品には柔らかいオイルニスが分厚く塗られています。
コーナーとパフリングの仕事もきれいです。
柔らかいニスなので実際に剥がれたところもあるでしょうが、オールドイミテーションがほどこされていたのではないかと思います。
ひび割れなどは人工的につけられたものでしょう。
バスバーのところに割れがあります。これが安価な量産品なら致命的な損傷となるでしょう。この楽器はマイスター作品であることが明かなので修理する値打ちがあります。作られてから大きな修理は受けて無いようなのでちょうどオーバーホールでフルレストアする時でしょう。修理が済んでいるか済んでいないかも値段や音に大きな違いとなることでしょう。ですから試奏するときには注意が必要です。
この楽器は見たところで上等なドイツのモダン楽器であることが分かります。そこに焼き印があるので作者名が分かります。高いクオリティで作られているのでおそらく本物であろうと思います。さらに本で調べてみると形が酷似しています。
これも実際に楽器を見ることによって量産品ではなくマイスターのハンドメイドの楽器だと分かりました。文章で特徴を記述してもわかりません。実際に楽器を見ないといけません。
この楽器も板を測ると厚めに作られています。
しかし100年くらいは経っているので、同じような厚さで作られた新品の楽器よりはよく鳴ることでしょう。厚めの板で作るのは1900年以降は多くなります。それが手抜きのためなのか、それが音が良いと考えていたのかはわかりません。
私は板の厚みは音の個体差を生み出すので、好き嫌いの問題だと考えています。厚めの板の音が好きな人は、わりとたくさんあるので容易に入手できます。それに対して薄めの板の楽器は少ないのでそれが好みである場合には入手は苦労します。
この楽器はストラディバリモデルで赤いオイルニス、フラットなアーチです。しかしそれをマルクノイキルヒェンの特徴とは言えません。他の産地でも同様のものがたくさんあります。フランスやイタリアにもあります。
どうして量産品とマイスター作品との違いがわかるのでしょうか？
それはクオリティの違いであり、訓練されていれば見ればわかります。写真ではちょっと怖いです。現物を見れば一目瞭然です。
「マルクノイキルヒェンの楽器の特徴は？」と問われた場合の知識について考えてみます。
（正解）マルクノイキルヒェンではシュピールマン式のネックで作られ、木枠を使わないで横板が作られ、コーナーブロックが入ってない。
これが分かっていれば「知識がある」と言えます。
シュピールマン式が何か分かっている人は相当知識があることでしょう。
しかしこの楽器はシュピールマン式のネックではありませんし、おそらく外枠か何かの木枠を使ったことでしょう、コーナーブロックも入っています。
知識として学ぶことと、実際の楽器が違うのです。上記のような特徴はマルクノイキルヒェンのオールド楽器に見られる特徴です、モダン楽器ではもう変わっています。
ヴァイオリン製作学校の留学生の話をしましたが、このような知識を学んでいるところです。しかし現実の楽器とはかけ離れていて、学校では実物を見る機会もありません。
ヴァイオリン製作学校で何年も知識を学んだあと、実務経験を積んでそれが現実とは違っていることを学ぶことができます。
ですから、弦楽器について知識を学ぶと一旦、現実から遠ざかります。そしてさらに現場で勉強するとそれが間違っていることを学べます。この時「理論家」であると現実を受け入れることができません。
当ブログでも知識を教えると、学んだことによって現実から遠ざかってしまいます。知れば知るほど理解から遠のいていくのです。私が教えてしまっていることに罪を感じます。日本ではその機会すら難しいですが、先入観を捨ててできるだけいろいろな楽器を弾いてみてください。
先日、レンタルのチェロを使っている子の家族が4/4の初心者用のチェロを購入しようと来店していました。師匠は「値段は手作業の量が多いほど高くなる」と説明していました。うちですべて手作業で作ると4万ユーロになると言っていました。しかし4万ユーロ分音が良いというわけではなく、手作業で作るとそれだけのコストがかかるからその値段です。音で値段がついているのではありません。
4万ユーロなら今の相場では640万円ほどになります。
こちらの消費税込を抜くと520万円程度になります。日本に輸出する場合には日本の消費税がかかりますが、全額に対してかかるわけではなく現地で買うよりも~15％くらい安くなるでしょう。
ともかく師匠はコストで値段を説明しました。
さらに「音については主観です」と説明すると、お客さんは「じゃあ、音は好みの問題ですね」と自分から言ってきました。私がいつも言っているようなことがすんなりと理解されました。これが日本人には理解できないようです。
日本ではまったく違う説明がなされることでしょう。
営業マンはまず製造国がどこであるかから始まって、その楽器がいかに優れているか説明します。
しかしうちでは「値段は製造コストで決まっていて、好きな音のものを選んでください」というだけです。
日本の営業マンは必要ないことしか説明していません。
それを入社して先輩から学ぶのでしょうから、真面目に働いているわけです。
むしろ製造コストはうやむやにして、製造コストによって値段が決まるという概念自体を消費者の頭から消し去りたいようです。
このため楽器について知識を得ることは意味がないことになります。
それどころか知るほど現実から遠ざかっていきます。プロの職業人を育てるヴァイオリン製作学校でも例外ではありません。学校で学んだことが、職場で間違っていることに気付けるかということです。職場も様々で、師匠が自分の楽器を作っているだけの工房なら、師匠の楽器しか知らないままです。演奏家のお客さんと接し、いろいろな楽器を目にして行くと学んだ知識と現実が違っていることに直面するでしょう。理論家という人は頑なに現実を受け入れません。
そういう中で音大生や音大を目指す人たちがどんな楽器を求めているかを知っていると、今回出てきたような楽器が注目されます。
知識を勉強するとまず、アマティ、ストラディバリ、デルジェス、シュタイナーなど古い名器を学びます。「100年くらい前の普通の楽器」の価値が分かるのはずっと後です。一方新作楽器であれば、宣伝やメディアへの露出があって知られています。マニアで詳しい人はこの両方には詳しいかもしれません。ヴァイオリン職人でも19世紀のフランスの楽器に興味がある人はとても少なくなります。1900年頃のドイツの楽器ともなると誰も知らないという状況です。オークションでも注目されません。しかし楽器自体が現代のものと変わらないので同じ系統の音で新作楽器よりも鳴りが良くなっています。
楽器マニアではない学生と親は限られた予算の中で作者名を見ずに試奏して音が良い楽器を選ぶとこれらの楽器を購入するわけです。マニアでも何でもない人たちに選ばれるので我々は注目しているのです。このあたりの楽器が分かるということは相当詳しいということですね。でも作者名を知っても意味がありません。名前を伏せて選んだ結果、どの作者だったかということです。見て量産品なのかマイスターの作品なのかクオリティが分かることが重要です。楽器を見分けるのはそのレベルの話であって、作者が天才かどうかは私にもわかりません。
このような感じですから、言葉で言われていることは全くあてになりません。
言葉で物事を理解したいというのが「人間の性（さが）」でしょうね。しかし実態とは違っています。
そういうことを常に経験しているので私は言葉なんてものは全く信用していません。
こんにちはガリッポです。
コメントについては常に丁寧に応えることはできません。
時間が無いので応えることすらやめようかと考えています。
その時の時間の余裕や気分次第です。
いろいろ考えた結果結論だけを書くと冷たいと思われるかもしれません。質問であれば答えがはっきりしている場合は即答です。答えが分からない質問には分からないと答えます。
そういう事が少なくないと思います。そうなりえると思ってください。無視されたとしても怒らない覚悟のうえ書き込んでください。
友達に「ビオラ・ダ・ガンバ」を作ってくれと半分冗談で言われたことがあります。「ビオラ・ダ・ガンバは作れない」と即答してケンカになりました。それくらいできるだろうと思うかもしれませんが、私にとってはヴァイオリンやチェロとは全く違う未知の楽器であり、寸法や製法が分かりません。そもそも弦楽器は時間がかかるので友達だからと言ってプレゼントのように作ることはできません。弾く方も難しく、まずチェロから練習するように言いました。私は職人としてそれくらいシビアに物事を考えています。はっきりわからないものは分からないとしか言いませんし、できないものはできないと言います。友達としては「良いよ、いつか作ってやるよ」というくらいの答えで良かったのかもしれません。そんな答えが欲しいですか？
職人と一般の人ではかなりギャップがあるようです。それを埋めるためにブログを始めたわけですが、どうも無理そうです。
前回はトランジェントという概念で音を説明してみました。そのような発想を頭に置いて実際の楽器の音を聞いてみるとやはりよくわかりません。本当にそれが言い当てているのでしょうか？
音が鋭いとか柔らかいということを「時間軸」の特性で説明しました。
そんなことは考えずに音が鋭いとか柔らかいと感じたままに感じれば良いんじゃないかと思います。
作業などをしていると音が発生します。工房では作業音が出ます。ハンマーなどで叩いたりするのはもちろんやすりで削ったり擦ったりするだけでも思ったよりも大きな音が出て周囲の人を驚かせることがあります。これは、特に響板のような振動体を持っていない部品でも意外と大きな音がするものです。
何か机から落下しただけでも相当な音が出ます。そう考えると松脂のついた弓で弦を擦って出る振動はとても微弱なものでしょう。その微弱な振動を響かせるのが弦楽器の胴体ということですね。
世の中には騒音が溢れていて、音を響かせようとして作られていないのに大きな音になっていることがよくあります。ものを叩いたり擦ったりするときのように、弓と弦が擦れる瞬間にもいろいろな音が出ることでしょう。そのような音が楽器によっては吸収されたり、微弱な振動も失われずに響いたり差があるのではないかと思います。
さてヴァイオリン職人の職業について質問がありました。
イメージと現実が違うかもしれませんので皆さんにも説明しましょう。
もっと言うとお笑い芸人とか歌手ミュージシャンとか役者やアイドルなどそのようなものもあります。
これらの仕事はやりたいと思っている人が、求められている仕事の量よりも多いのでその職業に就くことがとても難しいものです。
クリエーター系の専門学校は日本にはありますね。
全く誰一人その職業につけないということは無いですが、ほとんどは辞めていくものです。学校に入ったからと就職できるわけではなく、クラスに一人、ものになる目の輝きの違うやつがいるかいないかの世界です。就職率などをアピールしてもやめて行った人はカウントされていません。
職業は需要と供給の関係にありますから、働き手が多い仕事ほど待遇は悪くなり、働き手が足りない仕事ほど良くなるはずです。仕事の重要度も大事です。暮らしや命を守るのに重要な仕事であるほど待遇は良くなるでしょうし、そうでなければ悪くなるでしょう。
それで言うと弦楽器はそれほど生きていくのに重要ではありません。ラーメンを食べる人は人口の大半を占めるかもしれませんが、ヴァイオリンを弾く人はわずかです。弾く人でも生涯に買う楽器の数はそれほど多くありません。ラーメン屋でさえ従業員の数がヴァイオリン工房よりもはるかに多いものです。ヴァイオリン工房に就職することはそれくらい難しいのです。
自動車なら製造するのはメーカーです。
メーカーは下請けの会社が作った部品を組み立てているだけです。
出来上がった車はディーラーという売る専門の会社で販売します。外国の車を輸入して販売する会社もあります。故障を修理する整備士がいたり、修理を専門にする会社もあります。古い車は中古車を販売する会社があります。クラシックカーを修理して販売したり、レースカーを改造して作ったりする会社もあるでしょう。レンタカーもあります。
このように自動車の産業は多くの会社が携わり、それぞれ専門の職業があります。ディーラーだけでも経営者、事務、経理、営業、整備士などヴァイオリン工房では考えられないほど多くの人が働いています。
しかしヴァイオリン職人はこれらの仕事をすべて一人でやらなければいけません。それほど多くの人に給料を払うほど演奏者が多くないからです。
ヴァイオリン職人になるということは「ヴァイオリン産業に就職する」という意味になります。ヴァイオリンを作るというのはその中のほんの一つの仕事にすぎません。
お客さんの立場になって考えることが重要です。
自分がヴァイオリンを買いたいとします。そんなにお金は持っていないかもしれません。30万円でも大金でしょう。
ヴァイオリンを作るのに3か月かかるとすると1か月10万円になります。材料代と工房の家賃や自分の家の家賃、光熱費を払うとその時点で赤字です。
ということはその値段では自分で作って売るのは無理なのです。
お客さんからすれば100万円も200万円も出すことはできません。
それをもっと早く作れば可能性が出てきます。
仕事は手早く雑に作ります。それができることが「ヴァイオリン職人の才能」と言えるかもしれません。つまり、大雑把で適当な人が向いているというわけです。チェロなら間違いなくそうです。
それよりも早くするには機械を使えば良いかもしれません。
機械はとても高価なので、元を取るためにもっとたくさん作らないといけません。自分のお店では売れ残ってしまうので、お店に販売します。
お店は30万円のヴァイオリンを30万円で仕入れたのでは儲けが出ません。もっと安い値段で仕入れます。さらに安く作らないといけません。工場を大きくして機械と従業員を増やして極力安く作れるようにします。たくさん販売して機械を買うために払った費用を回収します。
それに対して中国のメーカーがもっと安い値段で楽器を作ってきます。楽器店はそちらの方を買った方が儲かるので買ってくれなくなるかもしれません。
つまり自分で楽器を作って売る場合の価格帯が限られてきます。
お客さんは人によって出せる金額が違うので自分で作った楽器で対応できるお客さんの割合がずっと少ないのです。さらにもっとお金持ちの人がいると、骨董品のような古いものを買うようになります。
楽器の販売全体の中で、職人が自分で作った楽器を販売するのはわずかな割合であるということです。そもそも弦楽器を買う人自体が少ないです。それに対してヴァイオリン職人になりたいという人の方が多いのです。
人は皆自分のことを第一に考えています。他人を成功させようなんて考える人はいないと思ったほうが良いです。
若い職人が楽器を作っても、それを大きな楽器店の社長が「君の才能に惚れ込んだ、ぜひうちで販売させてほしい」なんて言ってくることはありません。楽器店の社長はいかに安く買って高く売るかを考えています。若い職人がほかに収入が無いことを知っていればものすごい安い値段で買いたたかれます。クレモナの職人などは、新作楽器の製造以外に収入源がありません。クレモナには職人が多すぎて、お客さんである演奏者が少なすぎるからです。それを知っている社長はものすごく安い値段を提示します。それしか収入源が無い職人の中にはその日のパンを買うためにやむなくそれを受け入れる人もでてくるでしょう。それが店頭に並ぶ時には何倍にもなっているのです。
このように自分でが作った楽器を売るのは、ものすごく安く作って楽器店に卸すか、自分で演奏者に直接売るかのどちらかです。
自分で演奏者に楽器を売るなら、楽器製造の能力だけではなく、販売員としての能力が必要になります。これは営業マンの能力です。
ただし、もしこの能力を持っているのなら、何も自分で作った楽器を売る必要がありません。人が作ったものを売ればその方が楽です。何か月も働かなくても、人が作ったものを買うのはお金を払えば一日で手に入ります。自分よりも知名度が高いものなら、もっと簡単に売れますし、安く買ったものなら安い値段にもできます。さっきの楽器店社長の立場です。
楽器を作ることはとても難しいです。
8割の人はそれすらできずに数か月以内に辞めていきます。
それ以上に難しいのは楽器を売ることです。
逆に楽器を売る能力があるなら作る必要はないのです。
このため職業としてヴァイオリンを作ることは世の中にそれほど必要性が無いのです。
日本では「イタリア製」ということが喜ばれます。日本人に生まれた時点でハンディキャップです。ヨーロッパでは中古楽器がたくさんあるのでそれに対抗するのが難しいです。楽器は古くなる方が音が良くなってくるので新品の楽器は難しいです。現代の物価の高さからすると値段が高くなってしまいます。中古品の方が音が良くて値段が安いので自分で楽器を作る意味がないのです。
お医者さんや弁護士が、患者や依頼者とお話をします。ヨーロッパでは30分お話をしただけでお金がたくさん入ります。楽器職人はお客さんと話をしてもお金は入りません。コメント欄で質問に答えるようなことは弁護士なら有料です。命や権利を守ることと、楽器とは重要性が違うからです。その上難しい試験によって人数が制限されているからです。こちらでは病気の治療を受けるためには何か月も待たないといけない状況になっていますが、お医者さんは長い休暇を取って優雅な生活をしています。
これに近いのは鑑定士です。鑑定士なら楽器を見て作者を判別し、書類を作成すると一日の仕事で何百万円も稼ぐことができることもあります。つまり楽器の作者が誰なのか判定するのは有料です。なぜなら高価な楽器は鑑定書が無いとその価値を保証できないからです。ただしその地位に就くのは大変なことです。そのような人たちは「マフィア」とも揶揄されています。
職人の仕事というのが世界全体でどんどん減ってきています。昔はそれしか物を作る方法が無かったのが、産業革命以降機械で作られるようになり、工場では分業で一人一人が別々の工程を担当するようになってきました。今では外国で作ったものを売るのが普通になっています。アマゾンでは中国製品ばかりが売られています。
楽器を作って売ることは職業として人々から求められていないという話でした。
それに対して趣味で楽器作りをしたらどうかと思うかもしれません。これは私はお薦めしません。ヴァイオリン作りは趣味でやるには難易度が高すぎるし、時間がかかり過ぎます。まず教わることが困難です。何年も修行しないとまともな楽器は作れません。
教える人も大変です。
職人が弟子を育てるにはつきっきりで面倒を見ないといけません。少し作業をしたらチェックして、もうちょっとこうしろとか、ああしろとか四六時中指導しないといけません。教えていると自分の仕事が半分もできなくなります。
それでいて弟子が作った楽器が売りものになるまでには何年もかかります。親方にとっては何年も自分の仕事が邪魔されるわけです。
その上に給料を払わないといけません。技術を身につけた後に独立すると商売敵になるかもしれません。どう考えても損です。そのため弟子を取りたくないという人が多いでしょう。
さらに最低賃金というものがあります。こちらでは左翼政党が一生懸命頑張って最低賃金を上げてきています。一時間あたりに支払わなくてはいけない給料が決まっているのです。何年か売り物にならないものを作っている間もその給料を払わないといけません。授業料を徴収したいくらいです。
このためヴァイオリン製作学校があります。
うちの工房に若者が「ヴァイオリン職人になりたいのでヴァイオリンの作り方を教えて欲しい」と言って来たら「こういう学校があるので行ってください」と答えます。
日本では職人は昔は住み込みで雑用をしながら、たまに教えてもらえる程度で、自分で盗めと言われたものです。従業員というよりはその家の子供に養子に行くようなものです。そのため「弟子」という言い方です。つまり子供の代わりというわけです。親方というのも親の代わりということです。昔は職業は親から子供へと受け継ぐのが普通でしたから本当の親子であることが多かったはずです。そうなると時間当たりの給料などはもらえずご飯を食べさせてもらえるだけでした。
それが今では会社の社長と従業員です。児童労働もできないので子供がお手伝いをしながら修行することもできません。100年くらい前のフランスやドイツの弓工房の写真が残っています。工房の中には子供がたくさんいて働いています。集合写真にも10歳くらいの子供がたくさん写っています。今は子供に働かせることが禁止されているので子供たちを雑用係として使いながら、英才教育を施すこともできません。今の我々職人は昔の職人のように熟練してはいません。また雑用も全部自分でやらないといけません。子供に変わるものが機械です、機械を使わないと100年前の弓工房のような生産数はできないのです。逆に言うと高価な弓もかつては、一人の職人が一本一本こだわって作っていたのではなく、子供たちでごったがえする工房で右から左と次々に完成させていたのです。だから私は作者名ではなく必ず試奏して選ぶように言っています。
学校が良いというよりは、全くの素人を一から教える余裕のある工房がまず無いでしょう。学校のメリットは他の生徒と比較できることで、自分の能力が分かります。幅広い知識や理論を学ぶこともできます。しかし実務とはかけ離れているので現場で学ばないとそれだけで開業するのは難しいでしょう。
数年では道具を使う事すらできません。働けるようになるには道具を使って作業ができるようにならないといけません。学校だけでは無理です。
アマチュアでは一生そこまで行かないでしょう。
だから趣味で楽器を作る方法を私は教えることができません。
段階としては道具が使えるようになる事が初めで、そうなったら本格的に作り方を教えることができます。道具が使えれば、指図をして仕事を任せることができます。
学校では道具の使い方を学ぶために楽器を作るという感じです。アマチュアは道具が使えないで楽器を作るわけですから不可能です。
普通の職業は就職するとその月から給料がもらえます。アルバイトなら言われた作業をすると給料がもらえます。しかし職人は道具が使えないと仕事ができません。それまでに何年もかかります。学校だけではそれすら難しいです。私も就職してすぐは給料だけでは暮らしていくことはできませんでした。当時は最低賃金が低かったのでフルタイムで働いても暮らせるだけの金額にはなりませんでした。今は同じ給料でパートタイムの雇用になっているケースが普通だそうです。他の仕事を掛け持ちしながら働くことになります。しかしEU外の人は他の仕事をするにはまた別の労働許可（就労ビザ）が必要になります。このような状況では技能が身に着かず修業期間が倍増します。暮らすために他の仕事もするのならそちらの仕事に専念しても真っ当な人生です。
今でも「無給の弟子」というのはあると思います。
親方とは雇用契約は結ばず、従業員にはなりません。
従業員ではないので給料は払う必要はありません。
仕事を手伝うことで学校の授業料を払う代わりにします。
クレモナの有名なマエストロに日本人のヴァイオリン製作学校の生徒が無償で働いて「マエストロの弟子」という肩書を手に入れます。マエストロの方は彼らに楽器を作らせて日本に輸出します。東京でイタリア製の楽器を買ったら作っていたのは日本人かもしれません。今では中国人の可能性があります。クレモナにはたくさん中国人がいるそうですがどうやって収入を得ているのかは謎です。
これも楽器を安く作るための手法です。
つまり無給の弟子に作らせるというものです。
チェロではかなりあると思います。
そういうグレーゾーンの場合もあれば、昔ながらの人情に厚い場合もあるでしょう。日本なら弟子を取って無償で教えて、食べ物をごちそうしたりお小遣いをあげたりすることで弟子の暮らしを支えます。この場合は個人的な人間関係で、親方が気に入るかどうかだけです、優秀かどうかは関係ありません。案外ダメな子ほどかわいいものです。ずっと続けられても困るので楽器が完成するまでの何年間と制限している場合もあるでしょう。これで道具が使えるようになると楽器店に就職することができて給料がもらえるようになるというわけです。
こちらでは労働組合がお金を出してくれます。しかし期限が決まっていて厳しいです。
日本の楽器店に就職するとまず楽器製作はあきらめることになります。従業員に作らせるよりも、よそで作ったものを買ってきた方が売れやすくて儲かるからです。このためヴァイオリン職人でもヴァイオリンを作っていない人の方が圧倒的多数になります。ヴァイオリン職人のほとんどは若い頃の修行時代に「ヴァイオリンを作ったことがある」という人がほとんどです。結婚などをして生活に追われると趣味などで楽器を作るなんてことはほとんど不可能です。
ヴァイオリン作りを学ぶのはこれほど大変なことなので趣味でヴァイオリンを作るよりも職人が作ったものを買った方がはるかに安いです。絶対に元は取れません。
弓については、ヴァイオリン職人として修業をしてからさらに弓職人に転向することが多いはずです。ヴァイオリン製作学校では弓職人のカリキュラムが別にあったりします。弓学校の生徒として学び直す必要があります。また弓工房や工場に就職して修行することもあるでしょう。
ヴァイオリン工房でも毛替えや修理などはやっていますので師匠に学ぶことはできます。大きな楽器店なら弓職人を雇っている場合もあります。
就職が難しいのは、個人レベルでやっている人は人は雇わないし、日本の楽器店に就職するとアフターサービス要員になるだけです。
こちらでも日本人だから難しいということではなく現地のヴァイオリン製作学校の生徒にとっても就職先は狭き門です。学校に求人が来て即就職が決まるような状況ではないそうです。私は運よく就職できましたが、決まったパターンはありません。コネが無ければ片っ端から工房を訪ねて弟子にしてくれというレベルです。ヴァイオリン製作学校の生徒のインターンというのもあります。
私が会社を辞めれば一つ枠が空くとしか言えません。
世の中には政治家の悪口を言ったり、宝くじを買ったりする人がいますが、そんなことを言っていても何も状況が好転することはありません。政府によって支援されるような産業であれば、政策が自分の職業や暮らしに直結します。弦楽器は何の支援も得られません。
すべて自分でやるしかありません。
誰もこんな事は教えてくれませんでしたが、私が20年以上やって分かってきたことです。
世の中から職人ができる仕事がどんどんなくなってきています。それでヴァイオリン職人に希望者が集中してきます。このため職人が多すぎるというわけです。
また自然志向のようなものが強い人が集まっているようです。
こちらのヴァイオリン製作学校でも生徒の半分くらいがベジタリアンやビーガンだそうです。研修などで来ると食べ物を御馳走するにも気を遣います。圧倒的に女子生徒が多いそうです。しかし独立して工房を経営している人は男性がほとんどです。
実際には森林資源を使用して自然保護に役立つような仕事ではありません。ただし、電気のような動力源を必要としない楽器ではありますし、耐用年数が長く数百年使うこともできます。
そうなるとますます新しい楽器を作ることが難しくなりますね。
少子化が進んで私の頃とは子供の数が違っていますので、様々な職業で人手不足が深刻化することでしょう。手作業の汚れるような仕事をするのはダサくて、スーツを着てオフィスで仕事をするのがオシャレだと考えられてきました。そんなドラマが多かったですね。私はそんな仕事をしたことが無いのでオフィスを見ても一日何をやってるのか全く想像もできません。
日本の社会がやって行けるように人手不足の職業にうまく人員が分配されることが良いと思います。かつてはバカにされたような職業でもいないと家も建たないし暮らしも維持できません。そのような職人の仕事もカッコいいと認められてちゃんと対価を払ってもらいたいものです。必要度の高い職業を見極めるのが重要だと思います。
私が子供の頃は景気が良く、公務員などは安月給として馬鹿にされていました。今では安定収入の特権階級だと非難されるくらいです。学生にとっても難関試験になっています。
親や先生は世代が違うためこのような現実は分かっていません。
良い大学に行けば就職できると思い込んでいます。
とにかく勉強するように言う事でしょう。
しかし具体的な職業を想定して準備する方が有利です。
この時、実現できる可能性、夢がかなわなかったときに最悪どうするかも考えないといけません。
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コメントについては常に丁寧に応えることはできません。
時間が無いので応えることすらやめようかと考えています。
その時の時間の余裕や気分次第です。
いろいろ考えた結果結論だけを書くと冷たいと思われるかもしれません。質問であれば答えがはっきりしている場合は即答です。答えが分からない質問には分からないと答えます。
そういう事が少なくないと思います。そうなりえると思ってください。無視されたとしても怒らない覚悟のうえ書き込んでください。
友達に「ビオラ・ダ・ガンバ」を作ってくれと半分冗談で言われたことがあります。「ビオラ・ダ・ガンバは作れない」と即答してケンカになりました。それくらいできるだろうと思うかもしれませんが、私にとってはヴァイオリンやチェロとは全く違う未知の楽器であり、寸法や製法が分かりません。そもそも弦楽器は時間がかかるので友達だからと言ってプレゼントのように作ることはできません。弾く方も難しく、まずチェロから練習するように言いました。私は職人としてそれくらいシビアに物事を考えています。はっきりわからないものは分からないとしか言いませんし、できないものはできないと言います。友達としては「良いよ、いつか作ってやるよ」というくらいの答えで良かったのかもしれません。そんな答えが欲しいですか？
職人と一般の人ではかなりギャップがあるようです。それを埋めるためにブログを始めたわけですが、どうも無理そうです。
前回はトランジェントという概念で音を説明してみました。そのような発想を頭に置いて実際の楽器の音を聞いてみるとやはりよくわかりません。本当にそれが言い当てているのでしょうか？
音が鋭いとか柔らかいということを「時間軸」の特性で説明しました。
そんなことは考えずに音が鋭いとか柔らかいと感じたままに感じれば良いんじゃないかと思います。
作業などをしていると音が発生します。工房では作業音が出ます。ハンマーなどで叩いたりするのはもちろんやすりで削ったり擦ったりするだけでも思ったよりも大きな音が出て周囲の人を驚かせることがあります。これは、特に響板のような振動体を持っていない部品でも意外と大きな音がするものです。
何か机から落下しただけでも相当な音が出ます。そう考えると松脂のついた弓で弦を擦って出る振動はとても微弱なものでしょう。その微弱な振動を響かせるのが弦楽器の胴体ということですね。
世の中には騒音が溢れていて、音を響かせようとして作られていないのに大きな音になっていることがよくあります。ものを叩いたり擦ったりするときのように、弓と弦が擦れる瞬間にもいろいろな音が出ることでしょう。そのような音が楽器によっては吸収されたり、微弱な振動も失われずに響いたり差があるのではないかと思います。
さてヴァイオリン職人の職業について質問がありました。
イメージと現実が違うかもしれませんので皆さんにも説明しましょう。
クリエイティブな職業
ヴァイオリン職人として思い浮かべる仕事はヴァイオリンを作って販売することでしょう。これは、小説家や漫画家、イラストレーターや画家、作曲家、デザイナー、ゲームクリエイターのような作品を作って販売する仕事です。どうやったらそれらの職業になれるか決まったルートは無いでしょう。もっと言うとお笑い芸人とか歌手ミュージシャンとか役者やアイドルなどそのようなものもあります。
これらの仕事はやりたいと思っている人が、求められている仕事の量よりも多いのでその職業に就くことがとても難しいものです。
クリエーター系の専門学校は日本にはありますね。
全く誰一人その職業につけないということは無いですが、ほとんどは辞めていくものです。学校に入ったからと就職できるわけではなく、クラスに一人、ものになる目の輝きの違うやつがいるかいないかの世界です。就職率などをアピールしてもやめて行った人はカウントされていません。
職業は需要と供給の関係にありますから、働き手が多い仕事ほど待遇は悪くなり、働き手が足りない仕事ほど良くなるはずです。仕事の重要度も大事です。暮らしや命を守るのに重要な仕事であるほど待遇は良くなるでしょうし、そうでなければ悪くなるでしょう。
それで言うと弦楽器はそれほど生きていくのに重要ではありません。ラーメンを食べる人は人口の大半を占めるかもしれませんが、ヴァイオリンを弾く人はわずかです。弾く人でも生涯に買う楽器の数はそれほど多くありません。ラーメン屋でさえ従業員の数がヴァイオリン工房よりもはるかに多いものです。ヴァイオリン工房に就職することはそれくらい難しいのです。
自動車なら製造するのはメーカーです。
メーカーは下請けの会社が作った部品を組み立てているだけです。
出来上がった車はディーラーという売る専門の会社で販売します。外国の車を輸入して販売する会社もあります。故障を修理する整備士がいたり、修理を専門にする会社もあります。古い車は中古車を販売する会社があります。クラシックカーを修理して販売したり、レースカーを改造して作ったりする会社もあるでしょう。レンタカーもあります。
このように自動車の産業は多くの会社が携わり、それぞれ専門の職業があります。ディーラーだけでも経営者、事務、経理、営業、整備士などヴァイオリン工房では考えられないほど多くの人が働いています。
しかしヴァイオリン職人はこれらの仕事をすべて一人でやらなければいけません。それほど多くの人に給料を払うほど演奏者が多くないからです。
ヴァイオリン職人になるということは「ヴァイオリン産業に就職する」という意味になります。ヴァイオリンを作るというのはその中のほんの一つの仕事にすぎません。
お客さんの立場になって考えることが重要です。
自分がヴァイオリンを買いたいとします。そんなにお金は持っていないかもしれません。30万円でも大金でしょう。
ヴァイオリンを作るのに3か月かかるとすると1か月10万円になります。材料代と工房の家賃や自分の家の家賃、光熱費を払うとその時点で赤字です。
ということはその値段では自分で作って売るのは無理なのです。
お客さんからすれば100万円も200万円も出すことはできません。
それをもっと早く作れば可能性が出てきます。
仕事は手早く雑に作ります。それができることが「ヴァイオリン職人の才能」と言えるかもしれません。つまり、大雑把で適当な人が向いているというわけです。チェロなら間違いなくそうです。
それよりも早くするには機械を使えば良いかもしれません。
機械はとても高価なので、元を取るためにもっとたくさん作らないといけません。自分のお店では売れ残ってしまうので、お店に販売します。
お店は30万円のヴァイオリンを30万円で仕入れたのでは儲けが出ません。もっと安い値段で仕入れます。さらに安く作らないといけません。工場を大きくして機械と従業員を増やして極力安く作れるようにします。たくさん販売して機械を買うために払った費用を回収します。
それに対して中国のメーカーがもっと安い値段で楽器を作ってきます。楽器店はそちらの方を買った方が儲かるので買ってくれなくなるかもしれません。
つまり自分で楽器を作って売る場合の価格帯が限られてきます。
お客さんは人によって出せる金額が違うので自分で作った楽器で対応できるお客さんの割合がずっと少ないのです。さらにもっとお金持ちの人がいると、骨董品のような古いものを買うようになります。
楽器の販売全体の中で、職人が自分で作った楽器を販売するのはわずかな割合であるということです。そもそも弦楽器を買う人自体が少ないです。それに対してヴァイオリン職人になりたいという人の方が多いのです。
人は皆自分のことを第一に考えています。他人を成功させようなんて考える人はいないと思ったほうが良いです。
若い職人が楽器を作っても、それを大きな楽器店の社長が「君の才能に惚れ込んだ、ぜひうちで販売させてほしい」なんて言ってくることはありません。楽器店の社長はいかに安く買って高く売るかを考えています。若い職人がほかに収入が無いことを知っていればものすごい安い値段で買いたたかれます。クレモナの職人などは、新作楽器の製造以外に収入源がありません。クレモナには職人が多すぎて、お客さんである演奏者が少なすぎるからです。それを知っている社長はものすごく安い値段を提示します。それしか収入源が無い職人の中にはその日のパンを買うためにやむなくそれを受け入れる人もでてくるでしょう。それが店頭に並ぶ時には何倍にもなっているのです。
このように自分でが作った楽器を売るのは、ものすごく安く作って楽器店に卸すか、自分で演奏者に直接売るかのどちらかです。
自分で演奏者に楽器を売るなら、楽器製造の能力だけではなく、販売員としての能力が必要になります。これは営業マンの能力です。
ただし、もしこの能力を持っているのなら、何も自分で作った楽器を売る必要がありません。人が作ったものを売ればその方が楽です。何か月も働かなくても、人が作ったものを買うのはお金を払えば一日で手に入ります。自分よりも知名度が高いものなら、もっと簡単に売れますし、安く買ったものなら安い値段にもできます。さっきの楽器店社長の立場です。
楽器を作ることはとても難しいです。
8割の人はそれすらできずに数か月以内に辞めていきます。
それ以上に難しいのは楽器を売ることです。
逆に楽器を売る能力があるなら作る必要はないのです。
このため職業としてヴァイオリンを作ることは世の中にそれほど必要性が無いのです。
日本では「イタリア製」ということが喜ばれます。日本人に生まれた時点でハンディキャップです。ヨーロッパでは中古楽器がたくさんあるのでそれに対抗するのが難しいです。楽器は古くなる方が音が良くなってくるので新品の楽器は難しいです。現代の物価の高さからすると値段が高くなってしまいます。中古品の方が音が良くて値段が安いので自分で楽器を作る意味がないのです。
お医者さんや弁護士が、患者や依頼者とお話をします。ヨーロッパでは30分お話をしただけでお金がたくさん入ります。楽器職人はお客さんと話をしてもお金は入りません。コメント欄で質問に答えるようなことは弁護士なら有料です。命や権利を守ることと、楽器とは重要性が違うからです。その上難しい試験によって人数が制限されているからです。こちらでは病気の治療を受けるためには何か月も待たないといけない状況になっていますが、お医者さんは長い休暇を取って優雅な生活をしています。
これに近いのは鑑定士です。鑑定士なら楽器を見て作者を判別し、書類を作成すると一日の仕事で何百万円も稼ぐことができることもあります。つまり楽器の作者が誰なのか判定するのは有料です。なぜなら高価な楽器は鑑定書が無いとその価値を保証できないからです。ただしその地位に就くのは大変なことです。そのような人たちは「マフィア」とも揶揄されています。
職人の仕事というのが世界全体でどんどん減ってきています。昔はそれしか物を作る方法が無かったのが、産業革命以降機械で作られるようになり、工場では分業で一人一人が別々の工程を担当するようになってきました。今では外国で作ったものを売るのが普通になっています。アマゾンでは中国製品ばかりが売られています。
弟子とヴァイオリン製作学校
楽器を作って売ることは職業として人々から求められていないという話でした。
それに対して趣味で楽器作りをしたらどうかと思うかもしれません。これは私はお薦めしません。ヴァイオリン作りは趣味でやるには難易度が高すぎるし、時間がかかり過ぎます。まず教わることが困難です。何年も修行しないとまともな楽器は作れません。
教える人も大変です。
職人が弟子を育てるにはつきっきりで面倒を見ないといけません。少し作業をしたらチェックして、もうちょっとこうしろとか、ああしろとか四六時中指導しないといけません。教えていると自分の仕事が半分もできなくなります。
それでいて弟子が作った楽器が売りものになるまでには何年もかかります。親方にとっては何年も自分の仕事が邪魔されるわけです。
その上に給料を払わないといけません。技術を身につけた後に独立すると商売敵になるかもしれません。どう考えても損です。そのため弟子を取りたくないという人が多いでしょう。
さらに最低賃金というものがあります。こちらでは左翼政党が一生懸命頑張って最低賃金を上げてきています。一時間あたりに支払わなくてはいけない給料が決まっているのです。何年か売り物にならないものを作っている間もその給料を払わないといけません。授業料を徴収したいくらいです。
このためヴァイオリン製作学校があります。
うちの工房に若者が「ヴァイオリン職人になりたいのでヴァイオリンの作り方を教えて欲しい」と言って来たら「こういう学校があるので行ってください」と答えます。
日本では職人は昔は住み込みで雑用をしながら、たまに教えてもらえる程度で、自分で盗めと言われたものです。従業員というよりはその家の子供に養子に行くようなものです。そのため「弟子」という言い方です。つまり子供の代わりというわけです。親方というのも親の代わりということです。昔は職業は親から子供へと受け継ぐのが普通でしたから本当の親子であることが多かったはずです。そうなると時間当たりの給料などはもらえずご飯を食べさせてもらえるだけでした。
それが今では会社の社長と従業員です。児童労働もできないので子供がお手伝いをしながら修行することもできません。100年くらい前のフランスやドイツの弓工房の写真が残っています。工房の中には子供がたくさんいて働いています。集合写真にも10歳くらいの子供がたくさん写っています。今は子供に働かせることが禁止されているので子供たちを雑用係として使いながら、英才教育を施すこともできません。今の我々職人は昔の職人のように熟練してはいません。また雑用も全部自分でやらないといけません。子供に変わるものが機械です、機械を使わないと100年前の弓工房のような生産数はできないのです。逆に言うと高価な弓もかつては、一人の職人が一本一本こだわって作っていたのではなく、子供たちでごったがえする工房で右から左と次々に完成させていたのです。だから私は作者名ではなく必ず試奏して選ぶように言っています。
学校が良いというよりは、全くの素人を一から教える余裕のある工房がまず無いでしょう。学校のメリットは他の生徒と比較できることで、自分の能力が分かります。幅広い知識や理論を学ぶこともできます。しかし実務とはかけ離れているので現場で学ばないとそれだけで開業するのは難しいでしょう。
数年では道具を使う事すらできません。働けるようになるには道具を使って作業ができるようにならないといけません。学校だけでは無理です。
アマチュアでは一生そこまで行かないでしょう。
だから趣味で楽器を作る方法を私は教えることができません。
段階としては道具が使えるようになる事が初めで、そうなったら本格的に作り方を教えることができます。道具が使えれば、指図をして仕事を任せることができます。
学校では道具の使い方を学ぶために楽器を作るという感じです。アマチュアは道具が使えないで楽器を作るわけですから不可能です。
普通の職業は就職するとその月から給料がもらえます。アルバイトなら言われた作業をすると給料がもらえます。しかし職人は道具が使えないと仕事ができません。それまでに何年もかかります。学校だけではそれすら難しいです。私も就職してすぐは給料だけでは暮らしていくことはできませんでした。当時は最低賃金が低かったのでフルタイムで働いても暮らせるだけの金額にはなりませんでした。今は同じ給料でパートタイムの雇用になっているケースが普通だそうです。他の仕事を掛け持ちしながら働くことになります。しかしEU外の人は他の仕事をするにはまた別の労働許可（就労ビザ）が必要になります。このような状況では技能が身に着かず修業期間が倍増します。暮らすために他の仕事もするのならそちらの仕事に専念しても真っ当な人生です。
今でも「無給の弟子」というのはあると思います。
親方とは雇用契約は結ばず、従業員にはなりません。
従業員ではないので給料は払う必要はありません。
仕事を手伝うことで学校の授業料を払う代わりにします。
クレモナの有名なマエストロに日本人のヴァイオリン製作学校の生徒が無償で働いて「マエストロの弟子」という肩書を手に入れます。マエストロの方は彼らに楽器を作らせて日本に輸出します。東京でイタリア製の楽器を買ったら作っていたのは日本人かもしれません。今では中国人の可能性があります。クレモナにはたくさん中国人がいるそうですがどうやって収入を得ているのかは謎です。
これも楽器を安く作るための手法です。
つまり無給の弟子に作らせるというものです。
チェロではかなりあると思います。
そういうグレーゾーンの場合もあれば、昔ながらの人情に厚い場合もあるでしょう。日本なら弟子を取って無償で教えて、食べ物をごちそうしたりお小遣いをあげたりすることで弟子の暮らしを支えます。この場合は個人的な人間関係で、親方が気に入るかどうかだけです、優秀かどうかは関係ありません。案外ダメな子ほどかわいいものです。ずっと続けられても困るので楽器が完成するまでの何年間と制限している場合もあるでしょう。これで道具が使えるようになると楽器店に就職することができて給料がもらえるようになるというわけです。
こちらでは労働組合がお金を出してくれます。しかし期限が決まっていて厳しいです。
日本の楽器店に就職するとまず楽器製作はあきらめることになります。従業員に作らせるよりも、よそで作ったものを買ってきた方が売れやすくて儲かるからです。このためヴァイオリン職人でもヴァイオリンを作っていない人の方が圧倒的多数になります。ヴァイオリン職人のほとんどは若い頃の修行時代に「ヴァイオリンを作ったことがある」という人がほとんどです。結婚などをして生活に追われると趣味などで楽器を作るなんてことはほとんど不可能です。
ヴァイオリン作りを学ぶのはこれほど大変なことなので趣味でヴァイオリンを作るよりも職人が作ったものを買った方がはるかに安いです。絶対に元は取れません。
弓については、ヴァイオリン職人として修業をしてからさらに弓職人に転向することが多いはずです。ヴァイオリン製作学校では弓職人のカリキュラムが別にあったりします。弓学校の生徒として学び直す必要があります。また弓工房や工場に就職して修行することもあるでしょう。
ヴァイオリン工房でも毛替えや修理などはやっていますので師匠に学ぶことはできます。大きな楽器店なら弓職人を雇っている場合もあります。
就職が難しいのは、個人レベルでやっている人は人は雇わないし、日本の楽器店に就職するとアフターサービス要員になるだけです。
こちらでも日本人だから難しいということではなく現地のヴァイオリン製作学校の生徒にとっても就職先は狭き門です。学校に求人が来て即就職が決まるような状況ではないそうです。私は運よく就職できましたが、決まったパターンはありません。コネが無ければ片っ端から工房を訪ねて弟子にしてくれというレベルです。ヴァイオリン製作学校の生徒のインターンというのもあります。
私が会社を辞めれば一つ枠が空くとしか言えません。
厳しい現実を知ってからがスタート
世の中には政治家の悪口を言ったり、宝くじを買ったりする人がいますが、そんなことを言っていても何も状況が好転することはありません。政府によって支援されるような産業であれば、政策が自分の職業や暮らしに直結します。弦楽器は何の支援も得られません。
すべて自分でやるしかありません。
誰もこんな事は教えてくれませんでしたが、私が20年以上やって分かってきたことです。
世の中から職人ができる仕事がどんどんなくなってきています。それでヴァイオリン職人に希望者が集中してきます。このため職人が多すぎるというわけです。
また自然志向のようなものが強い人が集まっているようです。
こちらのヴァイオリン製作学校でも生徒の半分くらいがベジタリアンやビーガンだそうです。研修などで来ると食べ物を御馳走するにも気を遣います。圧倒的に女子生徒が多いそうです。しかし独立して工房を経営している人は男性がほとんどです。
実際には森林資源を使用して自然保護に役立つような仕事ではありません。ただし、電気のような動力源を必要としない楽器ではありますし、耐用年数が長く数百年使うこともできます。
そうなるとますます新しい楽器を作ることが難しくなりますね。
少子化が進んで私の頃とは子供の数が違っていますので、様々な職業で人手不足が深刻化することでしょう。手作業の汚れるような仕事をするのはダサくて、スーツを着てオフィスで仕事をするのがオシャレだと考えられてきました。そんなドラマが多かったですね。私はそんな仕事をしたことが無いのでオフィスを見ても一日何をやってるのか全く想像もできません。
日本の社会がやって行けるように人手不足の職業にうまく人員が分配されることが良いと思います。かつてはバカにされたような職業でもいないと家も建たないし暮らしも維持できません。そのような職人の仕事もカッコいいと認められてちゃんと対価を払ってもらいたいものです。必要度の高い職業を見極めるのが重要だと思います。
私が子供の頃は景気が良く、公務員などは安月給として馬鹿にされていました。今では安定収入の特権階級だと非難されるくらいです。学生にとっても難関試験になっています。
親や先生は世代が違うためこのような現実は分かっていません。
良い大学に行けば就職できると思い込んでいます。
とにかく勉強するように言う事でしょう。
しかし具体的な職業を想定して準備する方が有利です。
この時、実現できる可能性、夢がかなわなかったときに最悪どうするかも考えないといけません。
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