大野眞嗣　ピアノと共に、音楽と共に -115ページ目

大野眞嗣　ピアノと共に、音楽と共に -115ページ目

ホームピグアメブロ

芸能人ブログ人気ブログ

25Nov
- 307.段階を経る
  私のところにレッスンに通うようになってから、まだ日が浅い生徒のレッスンでのことです。まず、背中で上半身を支えるのが、彼女にとって当たり前でしたから、それをおなかで支えるようにすることを体感として理解させるために靴を履いて弾かせたところ、ひざの位置が上に上がりますから、おなかのおへそのあたりで支えるという感覚が理解できたようです。もちろん、それ以前に手や腕の使い方を変えさせたのですが、おなかで支えるようになった途端に、倍音が豊かに鳴り出し、いわゆる響きの層が出来上がりました。ただ、それまでの彼女にとって、響きを生み出すことはせずに弾いてきたわけですから、当然、立ち上がりの音である基音を聴いて弾いてきたわけです。ここで問題になるのは耳の使い方も変えなくてはならないということなのですが、もともと倍音の少ない音で弾いている状態では、響きを聴きなさい！と言っても、その聴くべき響きがないわけですから、ないものを聴くことはできないわけです。しかし、今回のレッスンによって、倍音の量が増し、響きが出てきたわけですから、その聴くべき響きが存在するのですが、彼女の耳は、その倍音を聴かずに、基音を聴いて弾いてしまうという事態が生じました。とりあえず、倍音が豊かに鳴り響く演奏に変化したわけですから、今度は基音ではなく倍音を追う練習をしなければならない段階、次のステップに移行しなければなりません。倍音が豊かに鳴っているのに、基音を追って弾いていると、響きの移り変わりがうまくゆかず、混沌とした状態になってしまい、ただただ、ペダルの多い演奏という印象になってしまいます。ですから、次のステップへ移行するためにも、倍音を聴き続けて弾いて行く、ゆっくりとした耳の練習が必要になるわけです。それをすることによって響きが整理され、より表情豊かで繊細な演奏に変わることでしょう。クリックお願いします！　にほんブログ村
20Nov
- 306.エリソ・ヴィルサラーゼ氏が来日します！！！
  最高のシューマン弾き”女流ピアニスト最高峰11年ぶり、待望のソロ・リサイタル【公演情報】日　付2014年2月3日（月）時　間19:00開演（18:30開場）曲　目モーツァルト／ドゥゼードの「ジュリ」の「リゾンは眠った」による9つの変奏曲ハ長調 K.264(315d)ブラームス／ピアノ・ソナタ第1番ハ長調 op.1ハイドン／アンダンテと変奏曲ヘ短調 Hob.XVII:6シューマン／交響的練習曲 op.13出　演エリソ・ヴィルサラーゼ［ピアノ］主催・企画：すみだトリフォニーホール招聘制作：ジャパン・アーツチケット情報料　金S¥6,000　A¥5,000割　引トリフォニークラブ会員は、S席のみ20％引き、お問合せトリフォニーホールチケットセンター 03-5608-1212～私からひと言～１１年ぶりの日本公演です。ヴィルサラーゼ氏のチャーミングかつ大変厳しいお人柄が演奏に反映されていると思います。日本での知名度は、残念ながら、今一つですが大変すばらしい芸術家であると思います。是非、皆さん、この機会を逃さず、生で彼女の演奏を堪能していただきたく存じます。　クリックお願いします！にほんブログ村
16Nov
- 305.指の力が抜けない
  日々、生徒たちのレッスンをしていて、つくづく思うことなのですが、指の力が抜けないということです。長年の癖で、指に力を入れて関節を固めて弾いてきたことが当たり前の生徒たちにとって、指の力を抜くということが、いかに難しいことなのかということを実感します。以前の章でも書きましたが、指に力が入った状態では、打鍵のスピードが遅く、音が響かないのです。確かに基音はしっかりしますが、倍音は少なく、よって音色の差が付きません。ショパンの魅力的なパッセージなどを、このようなタッチで正確に弾けても、私にしてみれば、大変つまらない、芸術どころか、ただの指の練習、例えるならば、チェルニーを機械的に弾いているのと何ら変わりはなく聴こえてしまいます。指の関節を安定させるには、指自体の関節で固めるのではなく、手首の腱で支えて指の関節を安定させねばなりません。そうすることによって打鍵のスピードが速くなり、倍音が豊かに鳴り出し、響きと響きが混ざりだし、音色の変化、表情の変化が初めてできるのです。これを何度言っても、その場で指摘すればできるのですが、自分だけで練習していると元に戻ってしまうケースがほとんどです。非常に単純なことなのですが、これがなかなかできないものですね。このことは大変重要なことだと思うのですが、自分ではできていると思ってしまうようですが、例えできていても、自分はまだできていないというくらいに疑って思わなければできないことなのかもしれませんし、そう思うからこそ上達するのかもしれません。本当に難しいことだと実感するこの頃です。　クリックお願いします！にほんブログ村
15Nov
- 304.エフゲニー・オネーギン
  ロシアを代表する作曲家で、なぜか彼のピアノソロ曲は日本で演奏されることが少ないのですが、最もロシア的な作曲家といえるのではないでしょうか？そのチャイコフスキーのオペラといえば「エフゲニー・オネーギン」が代表作です。チャイコフスキーゆえの甘味な世界です。　クリックお願いします！にほんブログ村
02Nov
- 302.耳の感覚のずれ
  日々レッスンをしていて、私自身戒めなくてはならないことを再認識したのですが、生徒たちの演奏を聴いていて、響きの観点において、無意識のうちにハードルを下げてしまっていたということです。生徒たちのほとんどは、汚い響きは出すことはなく、皆、美しい響きで弾いていますし、それでよかろうと思っていたのです。しかし、先日、長年教えている生徒、相澤弘子のラヴェルの夜のギャスパールの演奏を聴いていて、同じギャスパールでも、ふとしたタッチでこうも響きが共鳴しあうものなのか！？ということの事実をまざまざと感じたのです。正直、私の偏見でもあったのですが、ラヴェルの作品はあまりにも完成度が高いので、誰が弾いても、そんなに違いは出ないものだと、たかをくくっていましたが、そうではないということを思い知らされました。何気なく弾くモーツァルトのヴァリエーションの１フレーズにも、宝石のように輝く響きのヴェールが存在していました。響きのヴェールとは、いわゆる「倍音」のことです。「倍音」というものには、不思議な、魔法のような力があり、聴いているものの体内にいろいろな物質を分泌させるということが科学的に実証されています。「倍音」豊かな音。上を見ればきりがないほど、現代のピアノという楽器の性能は優れており、奏者次第でいかようにもなってしまうものだということを、改めて痛感しました。耳の感覚というものは、自分でも気が付かないうちにずれていくものです。クリックお願いします！にほんブログ村
29Oct
- 301.生徒、高橋美幸の演奏
  クリックお願いします！にほんブログ村
25Oct
- 300.芸術はエロス
  つくづく思うことの１つなのですが、広くは芸術、そして音楽は究極的には官能性を帯びているべきであり、いわゆる「エロス」であるということです。例えば、和声進行の持つ「エロス」というものがあると思います。もちろん、それを感じるか感じないかは人それぞれの感受性が受け止めることであり、作品のどこに「エロス」を感じるかは様々だと思います。１９世紀末に活躍した作曲家である、リヒャルト・シュトラウスやグスタフ・マーラーにそのことを見出す方は大勢いらっしゃるのではないでしょうか？私にしてみれば、バロックの音楽である、ヨハン・セバスティアン・バッハの作品においても、「エロス」というものが満ち溢れていると感じます。ですから、ピアノ演奏においても、「エロス」というのは存在するべきではないか？と思うようになりました。色々なピアニストの演奏で世の中は満ち溢れていますが、その演奏そのものに「エロス」が存在するピアニストに惹かれる私です。もちろん、考え方は様々ですから、私が思うに、敢えて「エロス」を排除する演奏家もいるように思います。しかし、私自身の過去を振り返っても、そのような演奏、そのような演奏家に惹かれることはなく、私は子供のころから、無意識に、音楽、演奏に「エロス」を求めていたように感じます。そこには、音そのものに官能性を帯びた響きがまとわりついていなければならないということも、後々になってわかったことです。１音そのものが、何とも形容しがたいような、ある種の色気、官能性を帯びた倍音の響きがあってこそ、その演奏は官能性を帯び、「エロス」の存在する演奏となると思うのです。このことは、本来、頭で考える理屈ではなく、感覚で捉えることであると思います。もちろん、音楽の様式感など知的な領域を無視するわけにはいきませんが、それを踏まえた上の感覚から生じる「エロス」というものが音楽には必要不可欠であり、それに人々は感動することが出来ると思うのです。クリックお願いします！にほんブログ村
20Oct
- 299.パーヴェル・ネルセシアンの演奏
  最近、彼とはご無沙汰していますが、アメリカでも教え始め超多忙なことでしょう。久しぶりに、彼の新しいこの動画で、素晴らしい演奏を聴いてしまいました！！！通常のイゾルデの愛の死の前に第１幕の前奏曲の冒頭をつなげて弾いています。いかにも彼らしい、ニクイことしてくれますね！！！　クリックお願いします！にほんブログ村
19Oct
- 298.生徒、吉永哲道の演奏
  　クリックお願いします！にほんブログ村
15Oct
- 297.生徒、高橋美幸の演奏
  　クリックお願いします！にほんブログ村
11Oct
- 296.弦楽器の感覚
  ロシアピアニズムに限らず、どのピアニズムで弾く場合においても、楽譜を見たときに必要な感覚の１つに、他の楽器で弾く場合を想像してみることは大切に思います。中でも、弦楽器や弦楽四重奏を思い浮かべることが多く、特にベートーヴェンのソナタの全作品において、そのことが重要であると思います。もちろんロマン派以降の作曲家で、純粋にピアノのために作られ、その背景にはピアノという楽器の性能を知り尽くし、それを重んじて作っている作曲家もいると思います。例えば、ショパン、リスト、ドビュッシー、スクリャービン、そしてラフマニノフです。それ以外の作曲家の作品においては、確かにピアノのために作られたのですが、作曲家自身の頭の中には、他の楽器が連想されているといったことを感じます。最近のレッスンにおいて、特にブラームスに、それを感じることが多くなりました。ある作品を、例えばショパンと同じ感覚、もしくは似たような感覚でテンポ・ルバートをしてしまうと、聴き心地は良いのですが、何かが違うと感じたのです。そこで、楽譜を見るときに、弦楽器の発想で読んでいくと、リタルダンドをする場所やテヌートなどなど、結果としてテンポ・ルバートの質や場所が変わってしまうのです。そのように弾かれたブラームスは、同じ作品を弾いても、全く違った顔を持つことになります。それに加えて、そのように弾いた方が、はるかに弾き易くなります。それに関わることなのですが、ロシアピアニズムならではの響き、音色の多彩さで弾かれるときには、その魅力たるものが一層増し、何とも味わい深いブラームスになるのです。ドイツ流の奏法では味わえない、なぜか？よりドイツ的と感じさせる、深い深い低音に支えられた、確固たる土台のしっかりしたブラームス像が出来上がると思います。このことは、やはり、最近のレッスンで、J.S.バッハの作品でも当てはまりました。本来、バッハの作品というのは、どの楽器で演奏をしても違和感がないと言われています。ですから、ピアノで弾く場合にどの楽器を連想してもよいと思いますが、私個人としましては、弦楽器を連想することが多いようです。実際にチェリストのミッシャ・マイスキーを中心としたトリオでゴールトベルク変奏曲が演奏されているCDを持っていますが、素晴らしい演奏です。ブラームス同様、弦楽器をイメージすることにより、土台のしっかりした健全で、非常に繊細で深みのあるバッハが出来上がると思います。ここで、余談ではありますが、皆さんが、よく誤解されていることの１つに、ロシアピアニズムの奏法は、ロシア作品のためにある奏法だと勘違いをされている方がいらっしゃいますが、ロシアピアニズムの奏法は、あえて打楽器的に作られた作品は置いておくとして、どの作品においても通用する奏法なのです。先に申しあげましたように、弦楽器のイメージから、弦楽器のできる表現に近い表現ができる、唯一の奏法だと私自身は確信しております。クリックお願いします！にほんブログ村
08Oct
- 294.具体的に弾きすぎない感覚
  ロシアピアニズムの奏法に変わったことにより、弾いているときの意識、感覚の変化の1つに、良い意味で「あいまい」、非常に抽象的な感覚で弾くことを挙げることができます。私自身、奏法を変える以前の感覚は、１つ１つの音を明確に具体的に意識することにより、それゆえ基音を聴いて弾いていましたし、指の感覚も1音1音ずつ、しっかり弾いていました。この感覚を指し示す言葉として、私自身の感覚では、具体的に弾くという言葉が似合っているように感じ表題にしました。読者の皆さんの中にも同じような感覚の方はいらっしゃることだろうと思います。そもそも音楽というものを捉えるとき、また曲を練習していく段階により、その感覚は変化していくものだと思います。まず、楽譜を読むときに、1音ずつ読んでいきます。そして、ハーモニーという縦の線を意識し、その進行を追うことなど、その他さまざまな要素を含んで、仕上げて行くわけです。ロシアピアニズムの奏法で仕上げて行きますと、指の動きが、最大限の脱力によって、非常にあいまいな方向に行きます。なぜならば、指自体に力を入れて動かすことはせず、手首の腱で支えて弾いて行くので、最終的には指と鍵盤が離れない状態、1つになった感覚になります。そして、そのようなタッチで弾き進めていくと、基音ではなく倍音が豊かに広がることになります。その倍音を聴くと、基音のようなはっきりとした音ではなく、広がった倍音の響きの中に、弾く者が包まれることになります。この感覚は、ロシアピアニズムの奏法で味わうことができる、いわば至福の時、感覚だと思います。そのような状態で弾いて行くわけですから、非常に抽象的な感覚になるのです。そして、最終的に演奏するときには、手で弾いているという感覚は、もはや無いに等しく、ひたすら耳で響き、音楽を追っていく感覚が先行していくことになり、表題に挙げました、具体的に弾く感覚とは正反対の感覚を覚えるのです。　クリックお願いします！にほんブログ村
01Oct
- 293.生徒、高橋美幸の演奏
  　クリックお願いします！にほんブログ村
24Sep
- 292.椅子の高さ
  今日は椅子の高さについて申し上げたいと思います。ここに挙げた動画は、マルタ・アルゲリッチとグレゴリー・ソコロフの演奏です。私からしてみますと、この2人はテクニックの観点から、ロシアピアニズムの奏法に入ると思います。言い換えるならば、「重力奏法」です。手首の裏の腱で、手全体を持ち上げていますので、他のピアニズムの奏法とは根本から違い、手全体が高い位置にあります。その高い位置であっても、手首より肘のほうが上に位置しています。たまに私の耳にも、私のところの生徒は椅子が高いという、やや悪い意味での噂を耳にすることがありますが、この動画をご覧になれば、納得する方もいらっしゃることでしょう。それはさておき、このように手首が高い位置にあっても、肘が手首よりも高いということは、椅子の高さもそれなりに高いということが理解できるはずです。ソコロフのような高さで弾くのは例外的に高いと思いますが、だからこそできること、それはテクニック的な観点からは弾きやすさ、響きの観点からは美しさということが実現可能なのです。重力奏法を実践するためには、非常に強い手首の腱を持つか、それほど強くない場合においては、椅子の高さから見直すことが必要になります。　クリックお願いします！にほんブログ村
17Sep
- 291.音に対する感受性
  ネット社会の今、若いピアニストたちの演奏を簡単に聴くことができます。特に日本人ピアニストたちの演奏を聴くことは多く、その演奏の水準の高さ、多くのすばらしい才能を持った人たちがいることはうれしいことです。ただ、残念なのは、音色の豊かさという観点から聴いたときに、色彩感豊かに弾いている人は多くはありません。我が国の才能あるピアニストたちが、より素晴らしい演奏ができるようになればと思います。このことは、思うに、音に対する感受性がどれだけあるか？ということではないかと思います。私事ですが、まだ小学生だった頃、いわゆる「珠玉のピアノ名曲集」といったレコードを聴いている次元の頃です。レコードから聴こえてくる音と自分の家のアップライトピアノの音の違いに気が付いたものです。レコードから聴こえてくる豊かな低音の響きは、我が家のアップライトピアノからは、どうやっても出ないと思ったのです。当たり前と言えば当たり前のことなのですが、１０歳に満たない幼い私にしてみれば大きな発見だったのです。その後、音大生の時です。ラフマニノフのコンチェルトのある部分のメロディー、５の指の連続で弾いて行くのですが、レコードで聴くアルゲリッチやホロヴィッツのように、どうやってもそのメロディーが表情豊かに歌わないことに気が付いたのです。思えば、その時にホロヴィッツやアルゲリッチと自分のテクニックが根本的に違うのではないか？と思った最初の経験だったのかもしれません。その後、ザルツブルクにて、ニコラーエワ先生の音を生で聴くことになるわけですが、その経験があったからこそ、いばらの道に進む決心がついたと言えます。以上のような経験は、音に対する感受性が、幸運にも少しは持っていたから発見できたことであり、その発見がなかったら、今の私はいなかったでしょう。先に挙げた、日本の若い才能あるピアニストの皆さんも、音に対する感受性を持っているとすれば、将来、より素晴らしい演奏ができるようになることでしょう。クリックお願いします！にほんブログ村
10Sep
- 290.生徒、高橋美幸の演奏
  クリックお願いします！　にほんブログ村
08Sep
- 289.生徒、相澤弘子（大野ピアノメソッド講師）からのメッセージ
  今年で、大野先生に師事して１３年程になろうとしています。振り返るとそれは生易しいものではなく、率直に申しまして大変厳しい日々だったと思います。世界中の名指導者と言われる方のほとんどがそうであるように、先生もまた懐が深く独特のオーラがある非常に感性の鋭い方です。学生の頃、そもそも音に「響き」や「色彩」があるなどとは想像したこともなく、逆にピアノの音というのは単色でなければならないと思っていました。響きがなく単色で作られた演奏は言わば「音学」と呼ぶべき真面目で禁欲的・礼儀正しい、つまり非常に日本人的なものだと言わざるを得ません。正直、最初は自分が何を目指しているのか全く分からず、倍音も聴き取れませんでしたが和声と共に変化する「音色・響き」を身につけること、そして極限まで脱力を追及するレッスンにともかく毎週通いました。それは徹底した妥協を許さないものでしたが、今考えるとある意味当然のことでした。なぜなら生徒が問題と向き合おうとせずにいると、その範囲内で解決できることしか要求されません。結果的にレッスンで指示される事はどんどん減り、生徒は自動的にクビになってしまうのです（笑）。何度となく、自分の考えの甘さに冷や汗をかいたか分かりません。怖かったのは、先生ご自身が生徒の根本的な欠点についていつも確実に掴んでいたこと、そしてそれを生徒自身が強く自覚し、自ら原因に向き合うことを「じっと待っている」ことでした。根本的な原因というは、文字通りその人の根幹に関わる問題であることがほとんどです。解決するのに大変なリスクを背負ったり、自分自身の根っこが揺らぐ可能性さえあります。しかし自分も含め、長年色々な生徒さんやレッスンを見てきて感じたのはそういう事です。それでも芸術に懸けたいという思いが考え方に変化を起こし、そうなって初めて響きを作る様々なテクニックが功を奏してくるのです。大人になればなるほど本気で注意をして下さる方は減りますから、今も先生のレッスンを受ける事ができるのは本当に幸運だと思います。もちろん勉強というのは何歳になってもできるものですが、やはり若い時にある一定期間やっておかなければならない事はあると思います。人生というのは案外短いもので「いつか」はない事もあるからです。最後になりますがこの場を借りて、大野先生そして今まで支えあってきた仲間、お世話になった方々にお礼を申し上げたいと思います。ありがとうございました。クリックお願いします！にほんブログ村
07Sep
- 288.心を開く
  最近、私が気になっていることの1つに、演奏者の心の在り様が演奏に反映するのではないか？ということがあります。ピアノという楽器は、一般に孤独との戦いと言ってもよいほど、練習時間が必要になります。楽器と自分という２者の存在の感覚のまま、それをそのまま舞台で行ってしまうと、聴衆の存在を無視した感覚、演奏になってしまうと思うのです。このことは、練習時間に限ったことではなく、日常生活全般に及ぶと思います。特にレッスンにおいて、教師と生徒の距離感が近く、お互いに心を開いている場合は良いのですが、ここでは近くない場合。それはお互いに心を開いていない関係においてレッスンが行われ、どう弾くか？といった演奏に対してのみコミュニケーションが存在する師弟関係が当たり前の環境で育ってしまった演奏者の演奏には、どんなに難曲を見事に弾けたとしても、それ以上でもそれ以下でもないという、心の琴線に触れることはない演奏になってしまうのではないかと思います。まだ若い日本人のコンクール受賞者たちの演奏を聴いていて、特に感じることです。奏法や音楽的趣向は差し引いて聴くのですが、とにかく皆さん難曲を見事に弾き切りますが、それ以上の演奏に不可欠な何かが欠落している演奏に聴こえてしまうのです。このことは大きな問題ではないでしょうか？素晴らしく弾いているのに感動がない。何も訴えてこない。心の琴線に触れない。そんな演奏が、そこらじゅうにあふれていると感じるのは残念でなりません。その原因の１つに、私の過去の教師としての経験から、「心が開かれていない師弟関係」ということが思い当り、「心を開く」ということの重要性を感じることとなりました。ですから、教師の側が、どのような考えの下、生徒を育てようと思うのか？ということは大変重要であり、教師次第で生徒の演奏は変わってしまう可能性があると思います。教師の皆さんはもちろんですが、教わる側の生徒の皆さんにも、ここで１つ考えてみていただきたいのです。無意識のうちに、先生や周りの友人など、対人関係において、多分に自分の身を守るためだとは思いますが心を閉ざしていませんか？　クリックお願いします！にほんブログ村
29Aug
- 287.ロシアピアニズムの奏法を身につけるということ
  最近、特に新しい生徒たちのことを考えたときに思うことがあります。様々な事柄をクリアーして、いろいろな幸運とも呼ぶべきことが重ならなければ、ロシアピアニズムの奏法で演奏ができるようにはならないということです。第1段階として、最初のレッスンで倍音が聴こえるか聴こえないか？ということが重要になります。私も含め、ロシア人の先生のレッスンを初めて受けた時に、その独特の響き、音の色が見えるかどうかで、その先生のレッスンを受けてみたいか？どうかが決まってしまうように思います。ただ、中には、当初は聴こえなくても、数か月ののちに、だんだん聴こえるようになるという例はたくさんあります。第2段階として、その先生が、そのテクニックの基礎から教えてくれる先生なのか？ということがあります。多くのロシアピアニズムの奏法の先生方は、基礎から教えるということなど、正直面倒なことですから、やる方は少ないようです。ですから、多くの若い日本人ピアニストたちが、モスクワや他の国でロシア人の先生に師事しても、そのほとんどは何も教えられずに帰国、ロシア独特の美しく、そして合理的な奏法が身についている人は、残念ながらまだまだ少数と言わざるを得ません。第3段階として、基礎から教えてくださるような先生に幸運にも師事できたとしても、その先生と生徒の間の相性というものがあります。どんなに良いことを習って、教えられても、いろいろな条件がクリアーされなければ、レッスンは続きません。第4段階として、受け取る側の生徒の問題があると思います。1からやり直すという強い熱意、憧れの響きが頭の中に鳴っていて、それを一生かけて追い求めていく忍耐がなければ、ロシアピアニズムの響きは手に入れられません。以上のようなことがクリアーされて、やっと身につくことができる、これはある意味で、様々な幸運が重ならなければ、達成されない、実に困難な道であると思う今日この頃です。　クリックお願いします！にほんブログ村
18Aug
- 286.鍵盤の深さにこだわる
  このことについては、非常に感覚的なことで難しいのですが、私が最近感じますのは、鍵盤の深さ約1センチのどこを狙って弾くか？ということです。鍵盤の底を狙って弾く音は、ある種の良い響きが出ると思うのです。しかし、全部の音をそのような音にしてしまうと、音色の変化が乏しいと最近感じるようになりました。（乏しいとはいっても、ある種の深い音色であり、その代表的なピアニストにリヒテルがいると思います。）むしろ、鍵盤を浅めに、スタインウェイの場合ですと、２，３ミリのあたりを狙って弾いた方が、音色の種類が豊富になるように感じます。（たとえ、２，３ミリを狙っても、結果として鍵盤の底に触れることにはなります。）ただし、危険なのは打鍵のスピードです。指自体に力を入れて弾きますと、打鍵のスピードは遅くなってしまい、いわゆる「浮いた音」になってしまいますので、脱力の下（指の中が空洞になっているイメージを持つとわかりやすい）、非常に速いスピード（手のひらの指の付け根の筋肉で弾く）の打鍵が必要になります。以前の章でも申し上げましたが、ロシアピアニズムの奏法で弾く場合、指自体の関節を固めて、指力で弾くことはなく、あくまでも手首の腱で支えて、そこからイメージして打鍵をする、言ってしまえば、指ではなくて手首の腱で弾く感覚と言っても過言ではないのです。それを行うことにより、打鍵のスピードは速くなり、あとは手首のコントロールにより、どれだけ鍵盤に重さをかけるのかを変化させることで音色が変わります。このことは、ロシア人ピアニストが必ず行っていることではなく、ごく一部の美しい響きで演奏するピアニストが行っていることです。もちろん、私が今夢中になっているホロヴィッツやグレゴリー・ソコロフは行っています。エリソ・ヴィルサラーゼ氏も仰っておりますが、ロシア人ピアニストに限らず、昨今の若い世代のピアニストは、速く、大きくということを目指す傾向が強く、美しい響きということを求めている人が少ないのは、非常に残念に思います。　クリックお願いします！にほんブログ村