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今日は、音楽はどこからくるのか?

というテーマについて考えます。

 

私は小さいころから、

話下手なことにコンプレックスがあり、

 

話し言葉はどこからくるのか?

がいつも不思議でした。

 

滑らかに上手に話す人たちは、

一体どうやっているのか、

どうやったらそうなれるのか、

知りたかったのです。

 

自分の頭の中を考えてみても、

なんかもやもやした思考みたいなところから、

いきなりパッと言葉がでてきます。

 

このメカニズムはどうなっているのか、

不思議でした。

 

話し方の本なんかを読んでも、

人の立場に立つとか、

こんなテーマがいいとか、

態度や話題に関するものが多く、

 

どうやって言葉が出てくるのかについて、

触れられているものはありませんでした。

 

 

音楽もこれに似ていると思います。

 

自分は作曲の経験はありませんが、

言葉と同じだと思います。

 

作曲する時に、

一体どこかから、

 

メロディやハーモニーやリズムの集合体である

音楽が出てくるんでしょうか?

 

演奏で考えても、

 

例えばあるメロディをどう歌うか、

どういうストーリー性を持たせるか、

 

等の創造的な部分は、

 

言葉と同じで、

どこかからやって来ています。

 

自分の心の中で生まれている様で、

自分が創りだしたものではない感じです。

 

言葉や音楽が来る感じを

ネットの世界で例えると、

 

添付ファイル付きのメールが来て、

その中に言葉とか表現につながるような画像データが入っています。

そういうメールを受信します(右脳で)。

 

その画像データは

色々役に立ちそうだけれど、

理路整然としていません。

 

そこで受け取った人間が、

他の人に分かる様に、

言葉とか、音楽とかに

翻訳します(ここが左脳)。

 

という様な作業を

頭の中で瞬時にやっているのかなと

思います。

 

創造的な情報は右脳が受け取って、

左脳が加工している。

 

これは、良く言われていることだと思います。

 

しかし、

添付ファイルの中身の情報は、

どこで作られているのでしょうか。

 

意識より広大な個人的無意識、集合的無意識の領域か、

一つの宇宙である神の領域でしょうか。

 

やはり、そういうものを想定せざるを得ないと思います。

 

 

別の例えですが、

 

いつも喉かわいているのが意識。

 

かわいそうなので、

言われなくても水を汲みにいくのが個人的無意識。

 

神様(宇宙)の泉は家のすぐ近くにあります。

神様はいつもきれいな水で泉を満たしてくれています。

涸れることはありません。

 

無意識は、しょっちょう水を汲んで持ってきてくれますが、

意識は不注意でたまにしかしか気づけません。

 

水は、少しの間だけしか飲めず、

ちょっと目を離すとすぐ蒸発してしまいます。

水は、来た時にすぐ気づいた時だけ飲めます。

 

まずは水が来たことに気づくことが大事なのです。

 

そして、現実界の努力としては、

コップは自分で作らなければなりません。

 

最初は小さいコップしか作れないけれど、

鍛錬を積むと、

だんだん大きいコップ(器)が作れます。

 

一生を通じてコップの器を大きくしていくのが、

音楽の修行で、

 

神様の泉から水が来たら、

感謝していただき、

そのおいしさを周りのみんなに伝えていく。

 

というイメージなど、いかがでしょうか。

 

言葉も音楽も、

自分より上の方から来た情報を

翻訳していく作業だっていうイメージがあると、

 

創造するのに役に立つと思います。

 

皆さんなら、

どんなイメージを持たれるでしょうか?

 

それでは。

 

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神の設計とか、

のっけからスピリチュアルですみません。

 

神智学ルドルフ・シュタイナーさんの

著書から抜粋すると、

 

「楽器は、すべて霊的世界から取って来たものです。」

 

だそうです。

 

また、

 

「外的な自然は人間に、音楽のための相関物を与えないので、

人間は楽器を必要とするのです」

 

とも言っています。

 

彼曰く、

オーケストラで使われる楽器は、

皆、神が設計して霊的な世界にあったものを

人間がこの世で現実のものにしたということの様です。

 

たしかに、

バイオリンの曲線美とか、

ホルンなんかの曲げられた管の機能美とか、

単なる管というだけでない美しくフルートとか、

まさに神がかったハープとか、

トライアングルなんて、なんであの形?でも自然な感じ、

 

みたいに、

どれも個性があって洗練されていて

しかも楽器どうしが調和しています。

 

まさに、

神様が意図したと思って見ると、

そう思えます。

 

そして、

管楽器によってメロディを頭で体験し、

弦楽器によってハーモニーを胸で体験し、

打楽器によってリズムを四肢で体験します。

 

とも言っています。

 

もちろん役割はこういう風に単純ではありませんが、

それぞれ個性や得意分野ちがって、

協調しあい補い合って、

何でも表現できる器となります。

 

つまり、オーケストラという器自体が

神様の設計なのでしょう。

 

日本にはプロのオーケストラが36個、

アマチュアのオーケストラが1000個くらいあります。

プロアマ合わせて1000個ちょっとの神様の器がある訳です。

 

そのなかの器の一つで、

次に参加する演奏会は11月11日で目前ですが、

参加できる一回目ごとの演奏会を大切にしていきたいです。

 

それでは。

 

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今日は、心理学とクラシック音楽について考えます。

 

心理学といっても、本当に色々ありますが、

一番分かりやすいのが実験系の心理学でしょうか。

外部から観察でき、

数値化できるところだけから理論を作る心理学です。

 

これに関しては、

人を動物レベルに扱って出した理論とも思えますので、

精神のより高い部分をお扱う

クラシック音楽との関係を考えても、

あまり成果は得られないのではないかと思います。

 

一番文脈が近いのが、臨床心理学ではないでしょうか。

 

精神科医であった、フロイト、ユング、アドラー

に始まり、

 

カウンセリングの始祖的存在のロジャーズとか、

 

日本人では河合隼雄さんを筆頭にした臨床心理の

専門家の方々等がいらっしゃいます。

 

これらの中でも特に、

 

ユングと河合隼雄さん、

ユングの心理学系列の理論は、

クラシック音楽と親和性が高いと思います。

 

また、これより後の時代に、

超常体験も理論に含めた

トランスパーソナル心理学が流行りますが、

広い目で見れば同じ系列と考えたいと思います。

 

ユング心理学の影響を受けた系譜の思想は、

人間の心を考える上で領域が広大です。

 

集合的無意識で、人類全体の心を一つとしてみなすところまで、

心理学で考慮しています。

 

拡大解釈すると、地球、太陽系、銀河系とか

宇宙とかも集合的無意識の範囲になるかもしれませんが、

 

とにかく、

つながった大きな一つの心を想定したのが慧眼です。

 

ここから、

宗教と近代医学派生の心理学が、

同じ事を語りだしたのです。

 

ユングの心理学では、

ペルソナ(外に見せている自分)

→個人の意識

→個人的無意識

→集合的無意識

という風に範囲広がります。

 

 

そして、この無意識領域を

夢の分析などを通じで探っていき、

原因を突き止めて心の病を治していきます。

 

クラシック音楽では、

病こそ治しませんが、

 

クラシック音楽発展の歴史は

心の範囲を拡げる歴史でもあったろうと思います。

 

バッハ、モーツァルトで一度は天国に到達したが

飽き足らず、

 

集合的無意識の領域をどんどん開拓して、

現代音楽まで来たのでしょう。

 

また、ユングの心理学では、

 

個性化と自己(セルフ)という概念があり、

 

人生の経験を通じて自分(自己=セルフ)を発見していく過程を

個性化と読んでいます。

 

個性化は成長というより、

より深みを知っていく感じですね。

 

クラシック音楽及びそれ以外の音楽も

その中にストーリーとしての、

個性化が含まれています。

 

音楽はそもそも成長、個性化する性質が有って、

平和や喜びがずっと続くことを好みません。

 

ある程度平和が続くと、

そこに苦しみが生じ、

その後に変容があり、一段成長して、

また違った喜びが得られるというストーリーが基本です。

 

たとえば、クラシック音楽での基本中の基本である

ソナタ形式というのは、

 

・第一主題、第二主題(提示部):外面と内面が幸福な状態

・展開部:苦難や冒険

・第一主題、転調した第二主題(再現部):外面は幸福。内面は一段成長して幸福

 

となっています。

 

まるで、

ユングの心理学にある個性化を一つの型にしたような

構成になっています。

 

というわけで、

少々まとまりずらかったですが、

 

音楽の中にも心理学の中にも個性化が有り、

相似な部分が多いです。

 

お互いもっと深いところで相補える可能性が

まだまだあると思います。

 

私も、

もっと探求していきたいと思います。

 

それでは。

 

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今日は、教育と音楽について考えてみます。


まず、
教育の目的ってなんなんだろう?

ということで、
文科省の定める教育基本法を
見てみました。

すると、
第一条がいきなり目的でした。

第1条(教育の目的) 教育は、人格の完成をめざし、平和的な国家及び社会の形成者として、真理と正義を愛し、個人の価値をたつとび、勤労と責任を重んじ、自主的精神に充ちた心身ともに健康な国民の育成を期して行われなければならない。
って、

ものすごく仰々しいんですが、

私なり超ザックリ
ざっくりまとめると、

教養があり、
真面目で健康な人に
育てようってところでしょうか。

そのために行うのが、
教育のようです。

ここで、音楽が
この第一条の文言にそのまま役立つことを考えると、

日本人の歌や、
クラシック音楽をたしなみつつ、
教科書的知識があれば、
音楽の教養があってオッケーってことになりそうです。

しかし、
教育についてもう少し根本的に考えると、

第一条の目的以前に
もっと根本的なことは、

自分を幸せにできて、
それによって人も幸せにできるという、
幸せに関すること。

人生の目的に関わることが、
本当に大事なことでは?
私なんかは思ってしまいます。

実際、

教養、真面目、
身体の健康はそろっていても、
でも毎日がつらくて不幸、
なんていう人の方が多い気がします。

結局最後の、
心身の「心」の健康がだめな人多いです。
当然私も含めて。

そこで、
娯楽や芸術の出番となります。

中でも、
音楽は一番心の深いところにダイレクトに届きます。
音楽のなかでも特にクラシックは、心の深いところに届く力が強いです。

より広い、高い、深い観点で
言葉にできない幸福感とは何かを、
クラシック音楽は教えてくれます。

本当の幸福とか、
人生の目的を感覚で捉えることのできる音楽。

教育での音楽の活躍領分は
まだまだ広げられそうだと思います。

それでは。
この記事はまさに、
くらちゃんさんの真骨頂です!

自分を幸せにして、
初めて与えることができるんですよね!!

この考えが持てるようになってから、
すごく楽になりました。

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「ブランド」について、

どう思われますか?

 

実用性が無くて高いとか、

見栄を張っているだけとか、

というネガティブなイメージをお持ちの方も、

いらっしゃるかと思います。

 

私が感じる「ブランド」とは、

ストーリーとか、

歴史とか、

そういうストーリー性に価値を持たせたもの

だと思います。

 

そして、

そのストーリー性で人を幸福にしたり、

満足させるのが、

「ブランド」だと思われます。

 

私自身の「ブランド」との

つきあいでいうと、

一番大きいのが車です。

 

車は現在、

ミニクーパーに乗っています。

 

小さい実用車ながら

開発当初には、

他のスポーツカーを抑えて

ラリーで優勝したりした、

小さくてしかも走行性能を兼ね備えた車でした。

 

その後ロングセラーとなり、

BMW傘下となった後も、

愛嬌のある普遍的デザインは

そのままに

さらに現代でも通用する車となって、

今では輸入中古車人気No.1です。

 

乗って見ると、運転感覚がクイックで

ゴーカートのような操作性で、

ゴーカートフィーリングと言われています。

 

エンジン音も加速で回転数が上がるときに、

いい感じで「フオーン」と音がして、

いかにもエンジンという音が心地よいです。

 

実際7年乗りましたが、

飽きがきません。

 

また、ミニクーパーすれ違うと

同じミニのコミュニティの人とだなと感じて

親近感が湧きます。

 

という感じで、

そのストーリー性で幸せを感じさせてくれるのが

「ブランド」だと思います。

 

クラシック音楽の場合はどうでしょうか?

例えばオーケストラの場合、

 

作曲者のブランド

指揮者のブランド

オーケストラのブランド

ホールのブランドと、

 

指揮者個人以外は長年の伝統を含めた

ブランドをもつものばかりで、

これらの複合で、

トータルのブランド(ゲシュタルト)が形成されているものと思います。

 

そしてそのブランドに集まる人たちで

コミュニティが形成されています。

 

確かにブランドはすごいんですが、

将来性というか、

このままいくと少しずつ衰退していくのでは?

との危惧もあります。

 

たとえば現代音楽。

たしかにすごいです。

トゥーランガリラ交響曲とか弾きましたが、

理解してくれる人の数が少ないというか、

すごくマニアックです。

 

元々クラシックが好きな人のなかでも、

熟練のリスナーにしか理解されないと思われます。

 

クラシック音楽の

ブランドの価値をどうやって皆さんに届けるか?

 

アマチュアとしても真剣に考えたい課題です。

 

対して、

分かりやすさで言えば、

ロック、ポップス系の音楽でしょうか。

 

歌があって、バンドがいて、

文字の歌詞があって、

4分の4拍子でほとんど4小節フレーズのもの。

 

分かりやすさでは絶対かないませんね。

 

しかし、

分かりやすさではない部分、

 

心の表面の自我だけでなく、

魂に直接語り掛ける力の強い、

(もちろんポップスも魂に届くと思いますが)

強度よりも深度がある音楽である、

クラシックの役割はまだまだこれからも大きいと思います。

 

少し話が逸れましたが、

 

クラシックというブランドを

世の中で、

世界の中で、

もっと育てて行きたいというモチベーションを

アマチュアながら持ち続けたいと思います。

 

そして、今まだ経験していない人に

クラシックのすごさ、深さを分かってもらいたいです。

 

そういうモチベーションも含めて、

アマチュアとしてこれからも演奏活動を続けたいと思います。

 

それでは。

 

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日本人チェリストの中でも、

好きで応援しているのが、

山本裕康さんです。

 

神奈川フィルの首席で、

京都市交響楽団の客演首席、

サイトウキネンのチェロメンバーで、

室内楽や、チェロソロのコンサート活動もされている、

まさに引っ張りだこのチェリストです。

 

 

始めてお会いしたのは、

10年くらい前に

某大学OBオケのチェロパートの指導で

来ていただいた時です。

 

見ていただいたのは、

ブラームスの交響曲第4番でした。

 

確か、服装は、

スポーツシューズにデニムと、

カジュアルか格好で、

黄色いチェロケース持ってこられました。

 

普段はオーラは消されている感じでした。

 

そして、チェロを出しておもむろに構えると、

解放弦とスケールでウオーミングアップを始められました。

 

この時の雰囲気が忘れられないのですが、

まさに、単なるウォーミングアップにおいても

プロ特有のピリピリした

緊張感が感じられました。

 

さて、レッスンに入ってからは、

最初は言葉が少なめでしたが、

お手本の音の鮮やかさが際立っていました。

 

そして、質問や話もだんだん盛り上がって来た時に、

ブラームス4冒頭のすごく弾きづらいところ

の弾き方を教えてもらいました。

 

その解決方法も、

音のカッコよさも、

一生忘れないと思います。

 

そのあとに、

2楽章のチェロのメロディを

チェロパート全員と一緒に弾いてもらいました。

 

山本裕康さんのメロディの作り方がすごかったです。

入り方はニュートラルな感じで、

どんどん緩急や大小の振幅が大きくなって発展して

色んな物語を通過したあとに、

最後にびたっ!とニュートラルな

元のテンポに戻りました。

 

これがプロの首席の音楽作りなんだ!

というのが、体感で分かりました。

 

多人数を導いて弾いてもらうことで、

凄さが身体で分かりました。

 

その後、何年間かして、

山本裕康さんの出る演奏会や、

神奈川フィルの演奏会に出かける様になり。

 

今まで、ファンの状態が続いてます。

 

CDは、

2枚出されていて、

バッハの無伴奏と「情景」という名前のアルバムです。

 

「情景」はピアニストの奥様が伴奏をされており、

ゆったりしたメロディ主体で

深く癒されます。

 

バッハも

奇をてらったものでなく、

大人のバッハという感じで、

自分の目標にしている演奏です。

 

今は長崎にいるので、

ほぼ演奏会は聴きにいけませんが、

関東に戻って、

最終的には、レッスンに付くのが今の夢です。

 

以上です。

それでは。

 

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皆さんは、

自分が何歳まで楽器を弾くと
想定されてますか?

現時点で
私はだいたい90歳くらいまでを
目指しています。

これからは人生100年時代とも
言われてますし、
100歳まで生きる場合の
健康寿命を想定して90歳としました。

90歳を越えてCDを出された
チェロ奏者の
青木十良(あおきじゅうろう)さんは、

96歳まで楽器を弾き、
99歳まで生きられました。

この青木さんは、
寿命や長く演奏活動をされたという意味で、
よいお手本かと思います。

好きな音楽を続けたからこそ、
長く健康で活動を続けられたのだと
思います。

私はは15歳でチェロを初めて、
36年たちますが、
90歳だとあと39年も活動を続けられます!

あと39年だと
折り返し地点にも来ていません。

ということは、
まだまだこれから色々できますね!

例えば、
60歳くらいから
70歳、80歳、90歳と、
10年生き延びるごとに
演奏会を開いても
楽しいかもしれません。

さらに運良く生き延びたら、
100歳でチェロのコンサートとかやって、
ギネスにのれるかも。

健康面では、
今、ジムに通って
筋トレと有酸素運動を続けてますが、
あと30年くらい続けるつもりで、
やってもいいかもしれません。

また、
音楽との向き合い方についてですが、
51年生きてみて、
記憶力や
新しい譜面を弾けるようになる能力は
低下しているものの、

視点は高く、
深くなっている感じがします。

今はそれがおもしろく、
どんどん先を見てみたい感じもあります。

90歳まで
どれだけ自分の視点を高められるか、
そして技術を維持できるか。

楽しみながらトライしたいと思います(^o^)

それでは。