大野眞嗣　ピアノと共に、音楽と共に -130ページ目

大野眞嗣　ピアノと共に、音楽と共に -130ページ目

ホームピグアメブロ

芸能人ブログ人気ブログ

前ページ
次ページ

03Jan
- 3.音楽を味わうということ
  上手く弾いているのに、何か物足りない。私自身、生徒たちの演奏を聴いたあとに、私の心に何も残らないといった経験が多々あります。その原因は一律ではなく、様々なことから起因していると推察されます。しかしながら、底流には、ひとつの要因があると感じられることが多々あります。概略的にいえば、それは、演奏者自身が、その作曲家や作品に対して感じていないことであり、また、自分の演奏している、現実に出しているピアノの響きを聴いていないことなのだと思います。つまり、音楽を味わっていないのです。食事を例にとるなら、美味い料理を美味いと感じず食べるようなものではないでしょうか。グルメを気取って、名産地から材料を取り寄せること、一流と言われる料理人の料理であることで、ありがたく感じること、もしくは、テーブルマナーに気をとられ、味わうことができないということと似ているのではないかと思います。人間本来の味覚を忘れてしまっている状態といえます。音楽を味わうということが、演奏するという行為の中で、重要なことのひとつだと思います。例えば、ショパンを代表として大多数の作曲家の作品の大部分には、作曲家自身の心の叫びが音符になって書き表されていると思いますので、演奏者自身が、それを汲み取って、作曲家の心の叫びを演奏に投影させることが必要です。さらに、主観的に味わうということに、客観性を加えることによって、味わいがいっそう深まります。ハイドンやリストの作品の一部は、舞台演劇の性格が強いように感じます。その場合、演奏者はそれぞれの登場人物のキャラクターを感じつつ、舞台監督や演出家といった、客観的な立場の感覚も大きな比重を占めることになるのではないでしょうか。クリックお願いします！にほんブログ村
- 2.日本のピアノ教育について―主流とされるタッチに対して
  なぜ日本では、音の立ち上がりをしっかりさせ、はっきりとした太い音が良いとされているのでしょうか？まず、専門的に勉強しようとなると、多くの教師は、生徒に指の弱さを指摘し、ハノン教則本やチェルニー教則本を使用して、指の強化、独立性などを目的に教育がなされます。これは、短い期間で、速く、粒のそろった、しっかりとした音の演奏のためには効果的であると認めます。ただ、このような音は、美しい伸びのある響き、言い換えるならば音色が伴っていないのが現実です。このような音で奏する演奏は、表情が乏しく、表現は強弱のみやテンポの変化に頼るだけのものにしかならないのです。なぜ、ピアノを弾くときの発想の中に、音色の観点がないのでしょうか？確かにイメージを考えることはありますが、現実の音として表現する教育がなされていないのではないでしょうか。その理由の１つに、日本の住宅環境と気候が関係していると思います。高い湿度と狭い空間に問題があります。例えば、極端ですが、じゅうたんを敷いた和室にグランドピアノを置いて、しかも指の強化のために、ピアノの本体の蓋は開けずに、楽譜台をピアノの上に載せ練習するといった方がいるほどです。これでは、たとえ響きを聴こうとしても、音の立ち上がりしか聴こえてこないのです。大切なことは、その部屋の空間に広がってゆく音の響き（音の伸び）の部分を生み出し、意識して耳を使うことです。ヨーロッパで生まれたピアノという楽器で、ヨーロッパで作られた作品を弾くということなのですから、そこには、そのような環境を念頭において練習することが大切に思います。あと、元来日本人の多くは、何事に対してもきちんとする、ということが美徳となっていると思います。その意識が災いしてか、きちんと鍵盤の底まで弾く、きちんとしっかり鳴らす、というようなことが正しい奏法だと信じていると思います。確かに、そう弾くことによって、すっきりとする感覚を覚えるはずです。しかし、この感覚が演奏するという意味において、また、芸術を作るという意味において、本当に正しいことでしょうか。これでは、ピアノを弾くということが、まるで何かの作業に等しいのではないでしょうか。私自身のレッスンで、もし生徒がそのように弾いている場合、「弾きすぎ」という言葉で指摘します。大抵は、長年の訓練によって身に付いてしまっているため、無意識のうちにそうなっていますが、鍵盤の底を長い時間、押さえ込みすぎているのです。この「弾きすぎ」を回避するということは、楽に弾くという意味の合理的な奏法にもつながるのです。きちんと弾くという感覚ではなく、さりとて、でたらめというのでもなく、頭と耳の訓練にたっぷりと時間をかけて、タッチそのものだけでなく、演奏行為全体の本質を感覚で知るべきです。クリックお願いします！にほんブログ村
- 1.ホールにおいての響き
  近年、日本においても、東京を中心に新しく本格的なクラシック専門のホールがたくさん作られています。そのような場所で、私が実際に演奏したり、コンサートで聴いて感じるのは、まるでヨーロッパのコンサート・ホールを思わせるような残響時間が比較的長いホールが増えてきたことです。これは日本の気象条件、そして木造の家でピアノを練習する空間とはまったく異なっています。このことは、実は大変大きな問題であるということに気づくべきなのではないでしょうか。なぜならば、奏者は、通常、日本の狭い家屋で練習することによって、その音響に耳が慣れてしまっているはずで、それをそのまま、残響時間の長いホールで実践していいわけはないからです。私が思うに、日本においての一般的なタッチで、音の立ち上がりを聴きながら奏している奏者が、残響時間の長いホールで弾くのを聴いていると、まず、音の混乱、音の洪水のような現象を耳にします。しかも、客席には届かないステージの上だけで音が舞ってしまう状態です。それは、速いテンポや音量が大きいほど、増長されます。なぜならば、そのようなタッチで生み出された音は、音の伸びがなく、立ち上がりの音同士がぶつかり合ってしまうように感じられるのです。例えて言うならば、そのような音は固体の物体を想像させる硬い響きであり、そのような性質の音と音とは混じりあわないのです。それに対して、伸びのある音で弾くと、その１つ１つの音は、もはや固体ではなく、液体、もしくは気体を連想させるような響きになり、美しいハーモニー、調和が、空間いっぱいに広がってゆくのです。そのように弾くことによって、本当の意味で奏者の耳に、自身の音の響きが聴こえ、それを聴きつつ演奏ができるのです。また、そのような演奏がなされているときに、聴いている多くの方々が思い、口にする言葉があります。「この人は、よく耳を使っている。よく聴いている。」といった類の表現です。聴いている者に、このようなことを感じさせることのできる演奏は、往々にして、響きの豊かな、伸びのある音で弾かれたときなのです。クリックお願いします！にほんブログ村
- はじめにー日本のピアノ界における私の立ち位置
  私の友人であり、世界的ピアニスト、ディーナ・ヨッフェ氏とともに私自身、留学時代、ドミトリー・バシキーロフやタチアナ・ニコラーエワ両氏との出会いから、大きな影響を受け、それ以来ロシアの4大流派の中の１つ「ゴールデンヴァイザー流派」のピアニズムに傾倒し、研究を続けてまいりました。ちなみに4大流派というのは、「イグムノフ流派」「ニコライエフ流派」「ゴールデンヴァイザー流派」そして「ネイガウス流派」というもので、いわば日本でいうところの相撲部屋とでも申し上げれば容易に想像が出来ると思います。しかし、ここ数年来、世界中のピアニスト、国際コンクールで圧倒的に上位を占める「ネイガウス流派」の継承者であるディーナ・ヨッフェ氏と親交を深めていく中で、彼女自身から多くの影響を受けました。ディーナ・ヨッフェ氏とは、第10回ショパン国際ピアノ・コンクール第2位の実績を持ち、やはり「ネイガウス流派」直系のヴェラ・ゴルノスタエヴァ氏に師事、国際的に演奏活動を繰り広げ、同時に現在はアントン・ルービンシュタイン国際アカデミーの教授で教育活動も積極的にされております。現在、ディーナ・ヨッフェ氏は、私にとってかけがえのない友人でもあり、「ネイガウス流派」の指導法の恩師でもあります。彼女のおかげで、現在の私は、「ネイガウス流派」、「ネイガウススクール」のピアニズムを研究、教師として指導し、様々なことが理解できるようになりました。「ネイガウス流派」は、あのスビャトスラフ・リヒテルやエミール・ギレリスを育てた、偉大なる教師、ゲンリッヒ・ネイガウスに端を発する素晴らしいピアニズムの継承者たちが多く存在します。各流派に共通する「ロシア流派」の特徴は美しい音色と合理的な奏法の合致した一流のピアニズムです。中でもとりわけ、ゲンリッヒ・ネイガウスは、美しく多彩な音色で本物のレガートでもってピアノをいかに歌わせるかということを追求したそうです。はじめてディーナ・ヨッフェ氏が、我が家にマスタークラスのためいらっしゃったときの言葉を今でも忘れません。「あなたはバシキーロフに学んだから、ゴールデンヴァイザー流派ね！？私はネイガウス流派だけれでも、それでも構わない？」ヨッフェ氏に限らず、みな自身の流派というものにプライドを持っているものなのです。それでは、我が国日本のピアノ界を見てみますと、我が国なりに流派が存在していると思います。それは、「ドイツ・オーストリア流派」と「フランス流派」です。その2つの流派で占められているといってもよいでしょう。そのおかげで、実は現在の世界のピアニズムのスタンダードともいえる「ロシア流派」が、いまだに広まっていまっていません。このことは、我が国のピアノ界の現状のレヴェルを考えたときに、殆どの教育者たちに対して、意識の狭さを感じます。これはゆゆしき状況にあり、世界を見渡し、広い視野で、確固として存在する伝統に目を向けるべきです。その伝統が崩れず、大切に継承されているのがロシアのみと言っても過言ではありません。今現在、世界の主流となるピアニズムは、約100年前からロシアのピアニズムが中心になっていると思います。当時、多くの亡命ロシア人がアメリカに渡り、時を同じくして、スタインウェイという楽器が完成され、何千人も収容可能なホールで弾くことが一般的となり、その必要性もあって、楽器そのものの性能が上がり、その楽器を基に奏法も必要に応じて追及され確立されたのです。ただその礎となったのは、ロシアで確立されたピアニズムであり、それが大きくビジネスと結び付いたのがアメリカであり、ピアノの歴史上、黄金期を迎えました。一方、確かに、ドイツ・オーストリア流派、フランス流派というものは存在していましたが、今は残念ながら見る影もなくなってしまったと、世界的な評論家ハロルド・ショーンバーグも言っています。ですから、多くの偉大な作曲家を輩出してきた西ヨーロッパの存在は否定しませんが、歴史的事実から、ことピアノ音楽に関しては、その後のロシア、そしてアメリカが中心となって開花されたのです。以上のような見地から、日本のピアノ界に一石を投じるつもりで、ネイガウススクールのピアニズムを自分自身でも研究、極めて行きながら、教育という形で社会に貢献したいと日々思っております。私が帰国し、早いもので20年近くの月日が経ち、そろそろある程度の考えがまとまってきたことを実感しています。このブログをご覧になる方にとって、このようなピアニズムに興味を持つきっかけとなり、日本においても、より研究が盛んになることを願っています。にほんブログ村クリックお願いします！

前ページ
次ページ