ようこそ、ひでちぇろブログへ。

 

今回は老子と音楽についてです。

 

この記事を書く前改めて老子の書いた道徳経を読み直しました。

しかし、スケールがあまりに大きくて、

ちょっと記事にするのをためらいました。

すべてについて書くと本が書けてしまいそうなボリュームでしたので。

 

老子の道徳経は、全部で81章までありますが、

その中から今回は、

第1章と第4章に限定してみました。

 

 

まずは、第1章。

原文、訳文は専門書に譲るとして、

要約すると、

「表面に道は無い。道は奥深い所から生まれる」

ということです。

ここで「道」とは、

宇宙や自然の根本原理で表に現れないものとしておきます。

 

教えとして捉えて言い方を変えると、

「表面にとらわれるな、深いところを見よ」

「物事の本質を観察する目を持て」

という風になるかと思われます。

 

ここで音楽の演奏に結びつけてみます。

 

まず、

音楽の「深いところ」とか「本質」

って一体何でしょう?

 

と頭で考えてしまうと、

そこで思考が止まってしまいます。

 

なぜならそれは音楽の大切な部分は

「道」の様に言葉にできないからからかもしれません。

 

「道」の反対の意味である

「名」は言葉や概念で言い表せる事柄ですが、

これは言葉で探求できる領域です。

 

しかし「道」はそれとは対極にあり、

言葉で表せない、奥深いところにあるものです。

 

「音楽」も同じく、

言葉で表せず、心の奥深いところにあるものを表現できます。

 

 そう考えると、「道」と「音楽」は、

親和性が高いと感じられます。

 

そして「音楽」も、

感情を表現するだけでなくて、

「道」と同じく

物事の本質に近いところにあるものなのかもしれません。

 

 

そして、第4章。

要約すると、

「道は空っぽであるが、

その働きは無尽であり、

満ちることが無い。

底なしの深淵のように深く、

それは万物の根源であるらしい。」

となります。

 

「道」は空っぽだが、

尽きることのない万物の源ということです。

 

「道」と親和性の高い「音楽」。

もしかしたら、「音楽」によって、

とくに「演奏」によって、

尽きることのない万物の源と繋がれるのかもしれません。

というか、実際に繋がれている様に感じます。

 

「音楽」の「演奏」中に感じる、深い感動と、

老子の「道」は同じ世界を表しているかもしれませんね。

 

なにか、ロマンを感じます。

 

老子の道徳経の世界、

今回は2章分だけでしたが、

また別の機会に書いてみたいと思います。

 

それでは。

 

ようこそ、ひでちぇろブログへ。

 

今日は、音楽と仏教の話です。

 

仏教というと、例えば家は浄土真宗でとか、

お葬式にお坊さんが来てとか、

観光で寺に行くとか。

あとは、座禅を組んで修行していたりとか。

イメージはそんな感じですよね。

 

しかし、

仏教は元はインドのものなので、

日本の現状になるまでに、

尾ひれが付きすぎて

オリジナルのニュアンスが変わってしまっている感じもします。

(僧職の方に怒られそうですが)

 

20代の頃に

インドにあるブッダガヤーに行って、

ブッダが悟りを開いた菩提樹の下に行ったことがありますが、

雰囲気だけで言えば、

日本の仏教とはまったく別世界でした。

大地は荒涼としているし、

人も厳しい条件でなんとか生き抜いている感じでした。

こういう環境でのあの教えなんだなと思いました。

 

 

というわけで、

仏教について考えるには、

日本で受け取る雑音部分は無視して、

実際のブッダが言ったことに紐づいている、

教えの根幹部分に目を向けるのが良いと思われます。

 

まず、

「四諦」(苦諦、集諦、滅諦、道諦)。

 

カジュアルに言い換えると、

 

現状が辛いのは執着してるから。

気づいてそれをコントロールして、

ちゃん生きれば幸せになるよ。

っていう「成長法則」の話ですね。

 

あとは、

「自灯明、法灯明」。

 

自らを指針にして、真理に従って生きよう、

っていう「在り方」のお話ですね。

 

ここでの法=真理というのは、

三法印と思われます。

諸行無常:物事は常に変化する。物事に絶対はない。

諸法無我:すべての現象は繋がり合って存在している。

涅槃寂静:煩悩で満たされないことを理解すれば安らぎの境地に行ける。

の三つです。

 

ここで、

音楽との関連性について考えてみます。

 

まず、「四諦」。

 

苦しい→執着に気づいてコントロール→幸せ

というのを、

いろんなスケール感に当てはめて曲を当てはめて理解できます。

 

・小節内のリズム

・1フレーズ内の盛り上がりと落ち着き

・和声の進行での緊張と弛緩

・一曲内での曲の発展(ソナタ形式など)

・一曲ごとの作曲家の成長

・バロック→古典→ロマン派→近代→現代の様な

 クラシック音楽界の発展

 

という風に

いろいろなものに当てはめられます。

(少々強引ですが)

 

(音楽の中に緊張と弛緩があれば、

そこに四諦が隠れているかもしれません。)

 

それから、

演奏家の「在り方」としては、

「自灯明、法灯明」ですね。

 

自分の中に真理があるので、

それに従えばいいよっていうことですね。

究極的には。

ただ、自分が本気で納得するまでって、

相当厳しいハードルではあります。

 

ところで今日、

NHKの番組の録画で、

河野文昭、林裕、藤森亮一、上村昇、上森祥平

という、

超ダンディなおじさんだけで構成された

チェロアンサンブルを

聴きました。

 

全員のチェロが極上の美しい音色でしたが、

それだけでなく、

「成長法則」(四諦)

「在り方」(自灯明、法灯明)

を自分の人生と音楽を通して極めた

大人たちの演奏だと思いました。

 

仏教の教えを生かした見本として、

「自灯明」の参考にしたいと思います。

 

 

それでは。

自分にとってなにが気持ちいいのかっていうのを、

もっと突き詰めたいですね~。

人を幸福にできるのは、その後かもしれません。

ようそこ、ひでちぇろブログへ。

 

今回は、

「トランスパーソナル心理学」と音楽についてです。

 

分野としてあまり知られていない名前ですが、

 

ロジャーズやマズローの人間性心理学の次に出てきたもので、

マズローと

チェコ生まれのスタニスラフ・グロフという心理学者が提唱し始めたものです。

 

 

理論的には、

個人の心を超えた、集合的無意識とか、神とかの領域を想定していて、

そういう領域まで含めて、自分の心に統合していこうとする試みです。

 

ある意味、宗教の修行に近いです。

 

 

トランスパーソナル心理学におけるセラピーは、

クライアントを変性意識状態に導いて、

今まで自分が切り捨てていた側面を統合していくというものです。

 

例えば、

長らく国際トランスパーソナル心理学会の会長を務めた、

グロフの開発した、

ホロトロピックセラピーの場合、

 

当初はLSDを投与していましたが、

法的に禁止されたこともあり、

音楽と呼吸を使います。

 

クライアントに楽な姿勢を取らせ、

過呼吸な状態と強いリズムの音楽で自我の守りを弱めて

変性意識状態を作り出し、

心の傷や癒されていない深い部分を

表に出します。

そしてそれが自然に収束した後で、

傷の部分が自我に統合されて癒されるという訳です。

 

ここで作り出される変性意識にも段階があって、

 

審美的領域:軽いイメージの世界

 

自伝的無意識の領域:個人の抑圧された過去の感情

 

出生前後の領域:出生前後のトラウマ体験

 

トランスパーソナルな領域:輪廻転生、未来、神との合一等の体験

 

 

という風に、

特にトランスパーソナルな領域を否定せずに、

積極的に治療に用いています。

 

 

ここで音楽の話ですが、

 

こういう、トランスパーソナルな心の領域を体験すると

癒しや治癒が起こるというのは、

音楽の世界にもあるのではないでしょうか。

 

例えば、

ベートーベンの運命。

4楽章は神との合一レベルの光り輝く体験に遭遇できます。

 

マーラーの交響曲第9番

出生前後とは対極の死の淵までを体験できます。

 

ブルックナーの交響曲全般、

自然を通した神を感じることが出来ます。

 

他にもいろいろあるかと思いますが、

 

音楽のすごいところは、何百、何千の人が、

同時にトランスパーソナルな体験を共有できるところです。

 

よく、

この指揮者のここがこうだったとか、

オケが、ホールが等々いろいろな評論を見かけますが、

 

まずは、トランスパーソナルな領域まで含めた

心の深い部分を

同時に体験できることが、

もっとも重要かつすごいところなのではないか、

そして、そこをもっと議論すべきではないか

と思います。

 

そして、

それを積極的に作り出すことのできる

演奏者の側に立てるのは、

幸せだと思います。

 

また、今自分が、

心のどういう領域を聴き手の方々と共有しようと

しているのかということについて

自覚的でありつつ、

演奏していく様にしていけたらと思います。

 

それでは。

どうも、ひでチェロです。


先ほど、
フレディ・マーキュリー
の半生を描いた映画、
ボヘミアンラプソディーを見てきました。

まだ見られていない方の為に、
ストーリーについては書きませんが、

やはり見に行ってよかったです。

作中で、
フレディは回りの人間に対して
表面では破天荒な態度を
とるのですが、

こと音楽については
そのポジティブなパワーを
常に信じていていて、

そして、力強く音楽を生み出していく姿が
よく描かれていました。

自分も
その音楽のパワーを信じて行動する姿を見て、

力というか、
なにか心が温まるものをもらえました。


やっぱり、
音楽っていいですね!

それでは。




こんにちは、ひでちぇろブログへようこそ!

 

今日は

カール・ロジャーズの人間性心理学と

音楽についてです。

 

まず、

ロジャーズの「人間性心理学」について書いていきます。

 

 

時代をさかのぼって、

出来たばかりの初期の心理学は、

人間を動物と同じように考え、

実験データで理論を作っていきました。

 

これが、第1勢力の「行動主義」です。

 

次に、

心の深いところに抑圧された、

ネガティブな部分に注目して

心の病を改善しようとしたのが、

 

第2勢力の「精神分析」です。

 

そして、

ロジャーズが提唱した、

人が有機体として成長しようとする存在であることに着目して

心の病や不適応な状況を改善しようとしたのが、

 

第3勢力の「人間性心理学」です。

 

欲求の5段階説で有名なマズローも

ここに含まれます。

 

 

ロジャーズの発見が最も偉大だったところは、

 

「理解されれば成長していく」

 

ことを示したことです。

 

そして、

受容、共感、自己一致

のカウンセリング3条件なども提唱した、

現在のカウンセリングの創始者と言えます。

 

 

この、ロジャーズの考え方を

音楽に生かそうとするとどうなるか、

考えてみます。

 

人を癒して成功へ導くための

テクニック面を直接真似るのは意味ないと

考えられます。

 

人には、

有機体としての成長しようとする欲求があることを

信じる態度そのものに、

すべての分野で見習うべき価値がああります。

 

 

先生と生徒

指揮者とオーケストラ

奏者同士

作曲家と奏者

演奏者と聴き手

 

等音楽の中では

色々な関係が有りますが、

 

相手は成長しようしている存在である

または、相手はよりよい音楽を作ろう、

体験しようとしている存在である。

 

という風に

先にこちらが信じて行動すれば、

周りも変わるし、

それによって自分も変われると考えます。

 

 

指揮者も団員もすべてこの態度が

出来ているオーケストラかあったら

きっといい音楽が作れるでしょう。

 

私個人の体験なのですが、

数年前に乗った、アマチュアでは結構上手い人がたくさんいるオケで、

あの有名なコバケンさんが

わが祖国のモルダウを一曲だけ本番で振ってくれるという機会がありました。

 

どんな厳しい人かとビビッていたんですが、

 

いざ本番では、

その場ごとに主役になるすべてのパートに、

満面の笑顔でキューを出し、

出番が終わるごとに良かったよというサインを

これも笑顔で出していました。

 

演奏の場面ごとに主役になる奏者が

温かい気持ちで信じてもらえる感覚を初めて味わいました。

 

これぞまさに、

「人間性心理学」的な態度が音楽の現場で見られた

良い例かと思います。

 

しかし、凡人にとっての問題は、

常にこちら側から相手を肯定して、

力を与えてあげられる存在でありつづけるのが

難しいことでしょうか。

 

結局、

自分から積極的かつ継続的に

人間性心理学的態度を取り続けて、

自分を鍛えていくのが良いのかもしれません。

 

 

自分は今は長崎で難しいですが、

関東に戻れたら、

「相手の成長を信じ合うチェロパート」を作りたいですね。

 

 

それでは。

 

 

 

こんにちは、ひでちぇろです。

(2018年2月18日記事の再掲です)

 

今日は和声的音律(純正律)です。

これが演奏上は一番難しいです。

 

純正律は皆さんご存知でしょうか?

 

これは、

主要な三和音である、

 

・ド、ミ、ソ(名称:トニック)

・ファ、ラ、ド(名称:サブドミナント)

・ソ、シ、レ(名称:ドミナント)

 

が最もきれいに響く様に構成された音律です。

これらはすべて長三和音を、

周波数の比率が、4:5:6となるようにしたものが、

純正律です。

 

ピタゴラス音律では、この和音は汚くなりますし、

平均律はこれに多少近いものの、

ぴったりではないので、「純正」ではありません。

 

ハ長調(C Dur)での純正律での、

平均律との音程の違いを以下に書いていみます。

(数字の単位は半音を100としてセントです)

 

C              0

D             +4

E              -14

F              -2

G             +2

A              -16

H             -12

C              0

 

という感じです。

 

和音の真ん中の音にあたる、

ミ、ラ、シが低いのが特徴です。

 

また、平均律と同じ音をCとしましたが、

オーケストラではAの音でチューニングするので、

Aが0となり、他はすべて+16する必要があります。

 

この音律で弾く難しさは、

全音に大全音と小全音、

半音に小半音と大半音があり、

音階の音の広さが不均一なことです。

 

また、同じCの音であっても、

調が変わるごとに音の高さが異なります。

 

開放弦の音程が正解ということも少ないです。

 

ですので、弦楽器で実際に弾くときには、

各調で、ミ、ラ、シを低めにする

くらいでしか対応できないと思います。

 

ただ、理屈を知っていると、

音程を合わせる時に対応しやすいですし、

 

逆にある調の時にどの音がミ、ラ、シか、

あらかじめ把握しておくことが大切かと思います。

 

和音がきれいに響く純正律ですが、

アマチュア音楽家のなかでは、

純正律信仰みないな感じの人もいます。

 

しかし、それぞれの音律には、

得意不得意があるので、

どれがいいというのではなく、

選択の問題だと思います。

 

また、弦楽器は旋律重視のピタゴラス音律で

弾きやすい様にできているので、

それをデフォルトにして、

和音の時は音程を変えて周りに合わせるというのが、

自然ではないかと思います。

 

また、そこでどのような音程を選択するのかが、

演奏者の個性かなと思います。

 

初級者のかたは、

まずは、ピタゴラス音階から入るのが

よいのではないかと思います。

 

それでは。

こんにちは、ひでちぇろです。

(2018年2月16日記事の再掲です)

 

今日は旋律的音律(ピタゴラス音律)での弾き方です。

 

最初に調弦ですが

まず、Aを442Hzや440Hzに合わせます(普段の周波数で)。

それから、各弦を完全5度に合わせます。

(うなりが発生しない様に合わせます)

 

それぞれの音の取り方ですが、

近くの開放弦等を使って取ります。

 

第一ポジションのC dur(ハ長調)で弾いた場合の、

音程の確認の仕方を以下に書きます。

 

C(C線):開放弦

D(C線):G線と共鳴

E(C線):D線→G線のAと共鳴

F(C線):D線のFと同じ音程

G(G線):開放弦

A(G線):D線と共鳴

H(G線):A線→D線のEと共鳴

C(G線):C線と共鳴

D(D線):開放弦

E(D線):A線と共鳴

F(D線):C線→G線のCと共鳴

G(D線):G線と共鳴

A(A線):開放弦

H(A線):G線のHと共鳴

C(A線):G線→D線のGと共鳴

D(A線):D線

 

という感じで、すべての音を確認していきます。

また、チューナを使う場合には、

以下の数字(単位はセント)分だけ、

ズレる様に測りながら弾くと、

ピタゴラス音律になります。

 

(↑5度上がる)

Dis          +12

Gis          +10

Cis           +8

Fis           +6

H             +4

E              +2

A              0(オーケストラやピアノと合わせる)

D             -2

G             -4

C              -6

F              -8

B              -10

Es            -12

As            -14

Des         -16

(↓5度下がる)

 

また、チューナーでこの数値±2セントくらいになるように、

チェロを弾くたびに練習していき、

 

練習の時にそれを再現できる手やひじの角度を

覚えるように意識すると、

 

半年から1年くらいで、

マスターできるかと思います。

(全音がすべて広いので、手には厳しめです)

 

自分の中にピタゴラス音律という物差しが出来ると、

そこを起点にして違う音律にも対応できる様になります。

 

明日は、和声的音律(純正律)です。

 

それでは。

こんにちは、ひでちぇろです。

(2018年2月15日記事の再掲です)

 

今日は旋律的音律です。

正式にはピタゴラス音律と呼ばれています。

 

まず、ピタゴラス音律は

どのように作られているのか。

説明します。

 

Cの音からスタートして、

周波数が2:3で完全に共鳴する5度ずつズラした音を、

上と下に並べ、オクターブに収まらないものは、

8度(オクターブ)ずつ上げ下げして作られています。

 

5度ずつズラと、以下のような並びになります。

(端の方の音は省略しています)

 

(↑5度上げる方向)

Cis

Fis

H

E

A

D

G

C←スタート地点

F

B

Es

As

Des

Ges

Ces

(↓5度下げる方向)

 

こういう風に5度ずつ作ってできた音階が

ピタゴラス音律です。

 

ピタゴラス音律で作った音階の音程は、

平均律と比較すると、

どの調でも以下の様にズレます。

(数字の単位は平均律の半音の幅を100としたセントです)

ド             0

レ             +4

ミ             +8

ファ        -2

ソ             +2

ラ             +6

シ             +10

ド             0

 

特徴としては、

ミ、ラ、シが高いことと、

全音はすべて平均律より広く、

半音はすべて平均律より狭いことです。

 

ピタゴラス音律で音階が上昇していくと、

全音の幅が広くて緊張感が高まっていき、

そのあと半音への幅が狭くて落ち着くということを繰り返す為、

音階の特徴が強調されて明瞭となり、

旋律がきれいに聞こえるという訳です。

 

弦楽器の開放弦は5度で調弦される為、

すべてピタゴラス音律です。

他の音もすべてピタゴラス音律で弾くと、

開放弦と共鳴しやすい為、

楽器単体としてはきれいに響きます。

 

明日は、

旋律的音律(ピタゴラス音律)での弾き方です。

 

それでは。

こんにちは、ひでちぇろブログです。

 

今回は、

 

どうして、心理学と宗教なのかというテーマです。

(なぜこのテーマかというテーマですね。。。)

 

今サラリーマンの私は、

夢があって、このブログを書いています。

 

一言で言うと、

 

「アマチュア音楽家の天国」

 

を作りたいということです。

 

言葉だけだと分かりづらいのですが、

現在インターネットでのビジネスのやり方を学んでいます。

 

これは、やる仕事が財産として蓄積していくので、

地道に続けると利益が生まれ、

時間が生まれるものです。

 

ここで生まれた時間を使って、

音楽を自由にできる様にまず自分がなるのが

第一目標です。

 

そのあと、

それを周りの方々に伝えて

同じことをできる人を増やします。

 

すると、

 

時間を自由に使って、音楽ができ、

音楽でお金を稼ぐ必要のない、

真の愛好家(=本来のアマチュアの意味)

集団をを作ることができます。

 

そのためには、

自分がインターネットビジネスで稼げる

ことが一つ。

 

もう一つは、

音楽をプロと異なる、

プロには無い視点でとらえることです。

 

自分にはそれが、たまたま宗教と心理学でした。

 

20代のころあまりに人生がつらすぎて、

とりあえず明日死なないで済むために勉強した、

 

心理学と宗教。

 

これが、音楽の理解に非常に役に立ちました。

 

音楽の道に進んでいたら分からなかった世界です。

外を知るアマチュアの強味を生かす訳です。

 

 

音楽活動に存在意義と独自性を持たせるために

音楽とそれ以外の分野を結びつけることに

意味があると考えており、

それをブログで発信しているわけです。

 

そういうことで、

あと何回かは同様のテーマで記事を書いていきます。

 

今後の記事も、

読んでいただいた方の気づきになれば幸いです。

 

それでは。

 

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