たまにしか書かないけど日記。~クラシック音楽コンサート鑑賞記 in 関西~

クラシック音楽のコンサート鑑賞記です。関西が多いと思います。
また、好きな音楽や、日々の諸々などを、思いついたときだけ書きます。

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 平成29年度特別展 国宝公開

火焔型土器と西の縄文

Flame Pots ―Jomonesque Japan2017―

 

【会期】

2017年9月9日 - 2017年10月22日

 

【会場】

京都大学総合博物館

 

 

 

 

 

京都大学総合博物館の特別展を観に行った。

縄文時代の「火焔型土器」、あの燃えるように華やかな文様を持った土器の展示会である。

歴史の教科書にも載っていた、ごわごわした土器、あれである。

国宝や文化財級の土器がずらりと並んでおり、おそらく贅沢な展示なのだろう(詳しくないのでよく分からないが)。

これらは祭事用に用いられたというわけではなく、実用的に煮炊きなどに使われたとのこと(なんと当時の「おこげ」が今も微量ながら残存しているらしい!)。

あまりにも凝った装飾が邪魔になって、何とも食べにくそうである。

 

 

この「火焔型土器」、縄文時代を代表する著名な土器だが、実は主な生産地が新潟周辺に限られており、他の地域、特に西日本ではもっと平板な土器が作られていたとのこと。

西日本の土器も展示されてあったが、ほとんど破片でしか残っていないようで、確かに言われてみると「薄っぺらい」土器だった。

地域によってこれほど違うとは。

当時の新潟には、独自の文化が発達していたのかもしれない。

きっと、火焔型土器のようなヘンな形の土器を作ってみようという独創的な人が、あのあたりにはいたのだろう。

 

 

5000年も前の土器を見ていると、不思議な気分になる。

たった200年前でも今とは全く違った生活だったのに、5000年も前だなんて。

気の遠くなるような年月だが、「おこげ」を食べるあたり、今の私たちと何ら変わりがない。

もしかしたら、「歌」や「音楽」もあったのかもしれない。

1万年も続いた縄文時代、きっと平和で良い時代だったのだろう、そんなことを考えた。

 

 

アンケート用紙に回答したら、立派な図録が無料でもらえた。

別に土器がそれほど好きというわけではないし、こういう図録はかさばると言えばかさばるのだが、それでも何となく嬉しい。

京都国立博物館でもうすぐ開催される「国宝展」(よく知らないが41年ぶりとのこと)、こちらも楽しみである。

 

 


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「W.A.モーツァルト」

― episode 5 - Wien 1787-88 ―

 

【日時】
2017年9月20日(水) 開演 20:00 (開場 19:30)

 

【会場】
カフェ・モンタージュ (京都)

 

【演奏】
ヴァイオリン:上里はな子
ピアノ:松本和将

 

【プログラム】
モーツァルト:

ヴァイオリン・ソナタ 第39番 ハ長調 K.404
ロンド イ短調 K.511
ヴァイオリン・ソナタ 第42番 イ長調 K.526
ヴァイオリン・ソナタ 第43番 ヘ長調 K.547

 

 

 

 

 

昨日に引き続き、カフェ・モンタージュでの、上里はな子&松本和将によるモーツァルトの主要ヴァイオリン・ソナタ全曲シリーズ。

今回が最終回で、モーツァルトの晩年のヴァイオリン・ソナタ(およびピアノ・ソロによるロンド)が演奏された。

 

 

私の好きな第42番は、カフェ・モンタージュのマスターによると、モーツァルトの室内楽全般でも、最高傑作に数えられることもある曲とのこと。

個人的に好きな曲ではあったが、そこまで評価が高いとは知らなかった。

今回改めて聴いてみても、やはり素晴らしい曲である。

ちょうど今のような秋の季節に吹く風のように、爽やかで透明な哀しみを湛えた曲である。

 

 

第39番や43番は普段ほとんど聴くことのない曲だが、これらもシンプルながらモーツァルトらしい魅力にあふれている。

ピアノにより奏されるメロディは、まるでオペラで歌われるアリアのように美しい。

そのメロディに寄り添うように奏されるヴァイオリンは、アリアに華を添える木管のオブリガートさながらである。

 

 

演奏も、やはり素晴らしいものだった。

特に、松本和将のピアノが実に生き生きとしていて、アーティキュレーションが明瞭、かつ落ち着きのある音色で、モーツァルトを心ゆくまで堪能できた(「ロンド」については、私がこれまで聴き慣れていたよりもだいぶあっさりとした味付けで、やや面食らったけれど)。

上里はな子のヴァイオリンも、良かった。

上記の第42番についても、私の好きな

 

●フリデリケ・スタークロフ(Vn) & ホセ・ガヤルド(Pf) 2011年2月18-20日セッション盤(NMLApple Music

 

の涼やかな演奏とはまた違った、少しずっしりしたところのある演奏で、それはそれで大いに楽しめた。

 

 

さて、モーツァルトのシリーズはこれで終わったわけだが、次の企画としては、ベートーヴェンのヴァイオリン・ソナタ全曲シリーズを画策中とのことであった。

これは楽しみ!

特に、彼ら2人のペアによる、「クロイツェル」ソナタの演奏をぜひ聴いてみたい。

聴きごたえがありそうである。

 

 


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「W.A.モーツァルト」
― episode 1 - Mannheim ―

 

【日時】
2017年9月19日(火) 開演 20:00 (開場 19:30)

 

【会場】
カフェ・モンタージュ (京都)

 

【演奏】
ヴァイオリン:上里はな子
ピアノ:松本和将

 

【プログラム】
モーツァルト:
ヴァイオリン・ソナタ 第26番 変ホ長調 K.302
ヴァイオリン・ソナタ 第27番 ハ長調 K.303
ピアノ・ソナタ 第7番 ハ長調 K.309

ヴァイオリン・ソナタ 第29番 イ長調 K.305

 

 

 

 

 

久々に、カフェ・モンタージュのコンサートを聴きに行った。
上里はな子&松本和将による、モーツァルトのヴァイオリン・ソナタのシリーズの、第4弾。
全5回のシリーズで、スターウォーズではないけれど、「エピソード2」から始まり、4まではもう終了していて、今回は最初に戻って「エピソード1」だった。
明日の「エピソード5」で、このシリーズは終わりを迎えることになる。

 

 

今回の「エピソード1」では、モーツァルトがマンハイムを訪れていたときに書かれた作品が演奏された。

モーツァルトが、「ヴァイオリン・オブリガート付きピアノ・ソナタ」から脱却し、ヴァイオリンがもっと独立して活躍するような、れっきとした「ヴァイオリンとピアノのためのソナタ」の書法を確立しだした頃の作品である。

いずれの曲も、シンプルながら多彩な魅力に満ちている。

 

 

演奏の出来は、これまでどおり素晴らしいもの。

松本和将は、薄めのペダルによる明瞭で滑らかなタッチが、聴いていて心地良い。

ただ、いかにもモーツァルト的な軽やかな音というよりは、若干ベートーヴェン風というか、少し重みが感じられるのが彼らしい。

上里はな子も、いつもどおりドイツ的な重厚さのある演奏で、当初はモーツァルトにはやや合わないような気もしたが、シリーズとして何度も聴いているとだいぶ慣れてきて、演奏の良さを味わえるようになった。

 

 

明日は、ついに私の好きな第42番が聴ける。

カフェ・モンタージュのマスターも、本日の終演後のスピーチで、この第42番のことを「ヴァイオリン・ソナタの最高傑作」と言っていた(古今のヴァイオリン・ソナタの、という意味だろうか、確かにそう言っても過言ではないかもしれない)。

楽しみである。

 

 


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世界最高の写真家集団マグナム・フォト創立70周年
パリ・マグナム写真展

 

<出品作家/34名>
ロバート・キャパ、アンリ・カルティエ=ブレッソン、デビッド・シーモア、フィリップ・ハルスマン、ハーバート・リスト、エリオット・アーウィット、バート・グリン、エリック・レッシング、インゲ・モラス、マルク・リプー、ウェイン・ミラー、ルネ・ブリ、ブルース・デビッドソン、ニコラ・ティコミロフ、セルヒオ・ラレイン、ブルーノ・バルベイ、レオナード・フリード、ジョセフ・クーデルカ、リチャード・カルバー、ギィ・ル=ケレック、レイモン・ドゥパルドン、マルティーヌ・フランク、アバス、ハリー・グリエール、パトリック・ザックマン、マーティン・パー、ゲオルギィ・ピンカソフ、アレックス・マヨーリ、クリストファー・アンダーソン、ジェローム・セッシーニ、リチャード・カルバー、アレッサンドラ・サンギネッティ、パオロ・ペレグリン、トーマス・ドボルザック


【会期】

2017年7月1日(土)~ 9月18日(月・祝)

 

【会場】

京都文化博物館 4階展示室

 
第一部 マグナム・ビフォア・マグナム 1932—1944
第二部 復興の時代 1945—1959
第三部 スウィンギング・シックスティーズ 1960—1969
第四部 多様化の時代へ 1970—1989
第五部 解体の時代 1990—2014

 

 

 

※関連行事  
「近代京都へのまなざし-写真にみる都の姿-」

 

【会期】

2017年7月1日(土)~9月18日(月・祝)

 

【会場】

京都文化博物館 3階展示室

 

 

 

 

 

京都文化博物館の写真展が今日までだったので、観に行った。

写真家集団「マグナム」による写真の展覧会である。

20世紀初頭から今世紀にかけての、パリの一コマ一コマが映し出されていて、興味深かった。

特に、1944年8月25日、ナチス・ドイツからのパリ解放その日の写真がいくつかあり、写った人々の笑顔が印象的だった。

 

別展で、京都の古写真展もあった。

今とは全く違った四条河原町や祇園の風景を見ることができた。

太秦の映画村の古写真もあった。

リュミエール兄弟によるシネマトグラフが日本で初めてスクリーン上映されたのは、京都であるらしい。

「映画の街」京都、ということもあってか、日本を代表する女優、山田五十鈴の生誕百年を記念して映画上映もされていた。

「或る夜の殿様」という映画で、公開当時(1946年)大ヒットしたらしい。

明治時代の身分制を題材にしたコメディ映画で、筋はシンプルだがテンポが良く、なかなか面白かった。

ちなみに、山田五十鈴は、明るくて情に厚い旅館の女中「おみつ」の役だった。

 

私は、古写真がちょっと好きなので、図録でも買ってみようかと思ったが、パリ・マグナム写真展の図録は値段が高く、京都の古写真の図録は写真が思ったより小さめに掲載されていたため、今回は買うのをあきらめた。

パリでも京都でもどこでも、風景(あるいは人物)写真を19世紀半ばから年代順に掲載した写真集など、ないものだろうか。

 

 


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第21回 京都の秋 音楽祭 開会記念コンサート

 

【日時】

2017年9月17日(日) 開演 14:00

 

【会場】

京都コンサートホール 大ホール 

 

【演奏】
指揮:広上淳一(京都市交響楽団常任指揮者兼ミュージック・アドヴァイザー)

ピアノ:ルーカス・ゲニューシャス

管弦楽:京都市交響楽団

 

【プログラム】

すぎやまこういち:序奏MIYAKO
ショパン:ピアノ協奏曲第2番 ヘ短調 op.21
ラフマニノフ:交響曲第2番 ホ短調 op.27

 

※アンコール(ソリスト)

デジャトニコフ:Echos from the Theatre より V. Chase Rondo

 

 

 

 

 

京都の秋 音楽祭の開会記念コンサートを聴きに行った。

去年も聴いたが(そのときの記事はこちら)、もうそれから一年経ってしまった。

時が経つのは本当に速いものである。

 

 

オーケストラは、いつもどおり京都市交響楽団。

今回の指揮は、広上淳一。

最初のプログラムのすぎやまこういちは、昨年と全く同じ曲である(昨年は初演だった)。

まぁ穏当な曲といったところ。

 

 

次は、ルーカス・ゲニューシャスのピアノで、ショパンのピアノ協奏曲第2番。

この曲の録音では、以前の記事にも書いたけれども、私は

 

●ポリーニ/井上道義/シュトゥットガルト放送響 1973年頃のライヴ盤(CD

●小林愛実/プリマ・ヴィスタ弦楽四重奏団 2011年1月13日 第12回ショパンコンクール in Asiaライヴ盤(CD

 

あたりが好きである。

滴るような若々しいロマンティシズムに溢れたこれらの演奏に比べると、今回のゲニューシャスは冷静な演奏スタイルだった。

彼はどうやら、基本的に弱音を主体に演奏していくタイプのピアニストらしい。

デュナーミク(強弱)の差をあまり大きく取らず、クライマックスの箇所でも中程度の音量にとどめていた。

また、テンポを揺らすこともあまりせず、全体的に淡々とした、落ち着いた感じの演奏であった。

しかし、彼の弱音はきわめて繊細にコントロールされ、ごく控えめながら情感も込められており、決してつっけんどんな感じはしなかった。

音色も、やや地味ではあったが、美しかった(ちなみに、ピアノはスタインウェイ)。

少し神経質な印象もあったけれども、これはこれで好感の持てる良い演奏だと感じた。

アンコールでも、彼の繊細かつ軽快な指さばきが堪能できた。

 

 

メイン・プロは、ラフマニノフの交響曲第2番。

この曲の録音では、私は

 

●プレトニョフ指揮ロシア・ナショナル管 1993年11月セッション盤(NMLApple Music

 

が好きである。

近代的なスマートさと、ロシア的な情緒連綿たる面とがうまく融合した、名盤だと思う。

私が初めてこの曲を知ったのはこの盤によってだが、第1楽章や第3楽章の主題のとろけるような美しさ、また第1楽章展開部~再現部や終楽章での圧倒的な迫力が、当盤以上に効果的に表現された演奏を、私は他に知らない。

今回の広上淳一の演奏は、弦の音色などプレトニョフ盤ほどの美しさには達していなかったけれども、彼特有の雄弁な動き(腕でというよりも、身体全体で指揮している感じ)でもって、ラフマニノフ特有の濃厚な情緒を引き出していたのは、なかなかの手腕だと感じた。

全体に、やや重めのテンポでじっくりと進めていく演奏だった。

重いといっても、スヴェトラーノフのような分厚さ、ごつさがあるわけではないけれど、第1楽章の第1主題における大きなリタルダンド(減速)はスヴェトラーノフばりだったし、第2主題での思いのたけを込めるかのような盛り上げ方も、「ロシア的」と言っていいほどだった。

そして、第1楽章の展開部から再現部にかけてのクライマックスにおける大きな迫力や、第2楽章のトリオ(中間部)から主部へとなだれ込む箇所でのスリリングなアッチェレランド(加速)は、上記プレトニョフ盤にも匹敵するものだった。

終楽章では、プレトニョフ盤ほどの躍動感は聴かれず、ややぼてっとした印象となってしまったけれども、それでも十分な迫力があった。

 

 

それにしても、ラフマニノフの交響曲第2番、生で聴くのは初めてだったが、傑作であることを再認識させてくれる演奏だった。

どことなくチャイコフスキーの交響曲に似ている気がする。

第1楽章のメランコリックな主題や熱狂的な長調のフィナーレといった点では第4番と、美しい緩徐楽章やモチーフの循環形式的扱いといった点では第5番と共通している。

とはいえ、やっぱりチャイコフスキーの曲とはどこか違っていて、「ラフマニノフらしさ」が随所に感じられるのが良い。

なんだかんだ言っても華やかなチャイコフスキーに対し、ラフマニノフからは「暗いロマン」が感じられる。

ラフマニノフは、ピアノ曲だけではなく、交響曲の分野でも、チャイコフスキーからショスタコーヴィチへと橋渡しをする重要な作曲家だと改めて感じた。

 

 


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