これはなかなかいいアルバムです。
David Bowie の10年ぶりのニューアルバム、"The Next Day"

The Next Day/Sony

¥1,936
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曲にもバリエーションがあって、それぞれの完成度も高い。
わかりやすくてキャッチーな曲も多いし。
良くできたアルバムだと思います。


この曲(1曲目の The Next Day )が、


この Beauty And The Beast に似てると思うのは自分だけでしょうか。



曲自体はなかなか良いものが多かったのに、自分とトニーでベーシックパートを演奏したがために、バッキングの緊張感がなく薄味になった、2002年リリースの Heathen 。
このデキが不満で、買わなかった次のアルバム(タイトルもわからん)。

改めてディスコグラフィを眺めて、始めて気がつきました。
なんと買ってないアルバムが2枚もあることに。
収録曲に聴き覚えがない曲がたくさんあるアルバムがあることに。
それだけTin Machine 以後のボウイには、呆れて興味を失ってた自分がいたということですね。

それに比べればこのアルバム The Next Day は遥かに良いし、楽しめます。

"David Bowie" のアルバムであると思わなければ。

このアルバム全編を通して、一種の「ゆるさ」を感じます。
その「ゆるさ」をボウイのアルバムで最初に感じたのは、ベルリン3部作の Lodger 。
特にその前の2作、 Low、Heroes での緊張感は、それまでのボウイにもなかったほど印象的だったにもかかわらず、Lodger では緩んでしまった。

Lodger 以降、駄作と言われたボウイのアルバムには、この「ゆるさ」が通底音になっています。
並みのロックミュージシャンには当たり前のこの「ゆるさ」がボウイには似合わない。

傑作と言われた過去のボウイのアルバムには、必ずどの曲にもカタチを変えて存在する独特の緊張感があった。
そしてボーカルを中心として醸し出す色気。
屈折したポップ感覚。
ヒリヒリとした存在感。
彼にしか創り出しえないロックの在り方。

そういったロックを創りだしていたのが、"David Bowie" 。
「ゆるさ」とは同居ができないはずの存在。

そして、"David Bowie" が産み出すアルバムにはテーマ性が存在していた。
始めから意図していたわけでなくても、できあがったアルバムからは否応なく立ちあがるボウイらしさ。
鋭い感性と知性と視線が見つめた先にあるもの。

アルバムコンセプトともちょっと違った、その時の自分が置かれた環境や時代性に響いたものとして立ちあがり、歌詞からしか読み取れないようなものでもなく、音の在り方や曲の成り立ち方から立ち上ってくるようなテーマ性。

そのテーマ性は、ボウイのアルバムに強い磁力を発生させてくれていました。
言うまでもなく、ベルリン3部作においてそのテーマ性はピークを迎えていた訳ですが。

このアルバムからは "David Bowie" のロックの在り方も、テーマ性も感じることができません。

ここにあるものは、「皆に微笑むサービス精神豊かなロック」です。
逆説的に、それが今回のテーマ性であると言えばとても悲しいけれど。

今回のアルバムは、聴き手の拠り所がどこにあろうと、彼らが自分の音楽に何を求めていようと、皆を満足させてやるという意気込みに溢れています。
過去の駄作に比べると、たしかにデキのいい曲が多い。
昔からの大ファンであろうと、普通のロックファンであろうと、ポップミュージック好きであろうと、話題の音楽に飛びつくだけの人たちであろうと、いいアルバムだと言わせてやろうと。

まるでグラミー賞でも狙いかねない勢いです。
広く認められ売れるロック。
聴きやすくノリも良く、コンパクトでバリエーション豊かな曲たちがラインアップしている。
リリース前からの話題性も充分。
ジャケットデザインや、さりげなく忍び込ましたFive Years のドラムフレーズなどは、往年のファン向けのサービスか。

しかし、これが "David Bowie" のアルバムである必然性はありません。
広く受け入れられ、皆に楽しんでもらえるロックを演ること。
ここにあるのは聴きやすくわかり易いロックナンバーのオンパレード。
ボーカルが誰であっても変わらないでしょう、きっと。

ボウイはアルバムを出してくれるだけで嬉しいと思っている人もいるだろうけど、彼は自分にとってただのロックスターではないし、陳腐なアイドルでもない。
元気な姿を見られれば、ニューアルバムを聴くだけで満足なんて、とてもできない。

Lodger のジャケットには鼻も顔面も曲がって、倒れ込んだボウイがいました。
ここ数作のジャケットもボウイの顔がまともには描かれていません。
この最新作のジャケットでは、顔を白窓とタイトルで隠して(消去して)います。
ジャケットにも、"David Bowie" がいない。
「ゆるい」アルバムに、共通の傾向です。

その昔、"David Bowie" に僕らは煽られ、期待というバルーンを大きく膨らませていました。
この20年、そのバルーンはしぼみ続けています。

今回のアルバムは愛聴盤になるでしょう。
それでもバルーンは膨らむことはないのが悲しいですね。

2010年にデビューアルバムを発表、フジロックで来日も果たし隠れベストアクトとなり、高評価を得ることができた、 Local Natives

そのデビューアルバム Gorilla Manor は素晴らしく、トライバルなリズムとハーモニーを多用したボーカルの組み合わせにうなるギターとベースが乗るという、繊細さとアグレッシブさの対比が印象的な、一度聴いたら忘れることのできない独特のサウンドスケープを創っていました。

自分もその年の年間ベストアルバムの1枚に選びましたが、今でも時々思い出しては聴いているという自分の中のスタンダードアルバムの1枚に。

しばらく音沙汰がない時期もあり、ベース担当のメンバーが抜けたりで、次のアルバムリリースが不安な期間もあったけれど、無事にセカンドアルバムをリリースしてくれました。

"Hummingbird"

ハミングバード/ホステス

¥2,490
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プロデュースは、Nationals のアーロン・デスナー。
これも期待するなというのが無理な要素。
彼がファーストで創り上げたサウンドスケープをどうブラシアップしてくれるのか。

全体的にはやや落ち着いたサウンドに。
彼ら自身が言っていることだけれど、コーラスとトライバルなリズムセクションは抑え目で必要最小限にしたということ。
結果、音空間に余裕がでて、一音一音の響きがとても印象的になった。

ファーストにあえて難を付けるとしたら、コーラスがややくどいかなということがあったので、自分的には良い変化。
そして勢いでたたみ掛け、単調になりがちだったサウンドにも奥行き感が出た。

表面的にはそんな変化だけど。
アルバム全体のトーンは大きく変わりました。

軽やかに、切なげに。
遠くを臨みながら、まるで空を飛んでいるようなサウンドスケープ。
重力に切り離され、広大な空を漂う。

空を見上げる時、なんとなく寂しげで切ない気持になります。
たとえ青空であろうと、そこからは何か切なさを感じてしまいます。
空が大きければ大きいほど。
空が広ければ広いほど。
思いが遠くに漂い、いつまでも戻ってこないような。

聴いていると、そんな想いにだんだんと浸っていくアルバムです。

アルバムの前半から中盤は、陽光に溢れた空を。
後半では、日が傾き寂しさが漂い始めた空を。
物思いに沈みながら漂っていく。

陽気なイメージだったファーストに比べると、儚げで切ないイメージすら感じるアルバムです。

Local Native 節の王道。


このアルバムの代表的なトーン。


アルバム後半の2曲。




日本盤にはエキストラトラックが4曲付いていて、この4曲中前半の3曲も素晴らしい。
このアルバムは、後半に行けば行くほど切なさが増してくるなあ、と思っていたら、実はこのエキストラトラックの影響も大きかったのです。
彼らの新境地と言えるでしょう。



むしろ、ここまでが正式なアルバムとして制作されていたら、また違った印象となったのではと思うのですが。
陽気なヤンキーには向かない構成かもしれないけれど。

いやあ、素晴らしいアルバムがまた1枚増えました。
聴きまくりです。

昨年と一昨年、良いアルバムにはたくさん出会えましたが、大豊作とはちょっと言い難かった状況でした。
大豊作と言えたのは、2010年ですね。

2010年はアルバムのベスト10を選んだ年でしたが、セレクションは本当に迷いました。
なにしろ Arcade Fire と Vampire Weekend があり、彼らがベスト1を強烈に競い、あとの8枠を優れたアルバムたちがさらに激しく争うという、布陣の豪華なこと。

そこで大健闘をして見事ベスト10入りしたミュージシャン。

Local NativesVillagers

ともに、今年に入って次なるアルバムをリリースしてくれました。
メンバーが抜けたり、前作のツアーでギターの弾き語りに嫌気がさしたりと、ともに音楽性に大きな変化が見られます。

Local Natives の "Hummingbird" 。
Hummingbird/French Kiss

¥1,264
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Villagers の "Awayland" 。
Awayland/Domino Rec

¥2,629
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しかし、その変化も自分たちの優れた音楽性の中で見事に消化している感じ。

レビューは改めてする予定ですが、現在のヘビロテアルバムです。


このブログ始めてからミュージシャン別では最多の20記事を誇る David Bowie
それだけ彼への思い入れが強烈だということですが、それでも今までレビューをしていなかったのが代表作 "The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars" いわゆるジギー・スターダストですね 。

Rise & Fall of Ziggy Stardust: 40th Anniversary/Virgin Records Us

¥1,889
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前述「狂気」と同様に、ガキのころこのアルバムを死ぬほど聴きました。
レコード時代、このアルバムの日本語タイトルが、「屈折する星屑の上昇と下降、そして火星から来た蜘蛛の群」という、身も蓋もない直訳でした。
ある種、相当な苦労がしのばれる翻訳だけど、歌詞の内容見れば Rise And Fall が上昇と下降じゃなくて、栄枯盛衰的なものだとわかるはずなんですが。


改めて聴いてみた印象。
ボウイ最大の魅力は、いかがわしさであり、色気であり、重さや軽さ、硬さや柔らかさの絶妙なバランス感にあふれた先鋭的なロックにあると思っているんですが、ジギースターダストまではまた発展途上という印象が強いですね。

ジギー・スターダストというペルソナを見つけ、こっちの方向で責めてみたらどうかなと、恐る恐るリリースしてみたら当たってしまいました、という感じなんではないでしょうか。
むしろいかがわしさと妖しさという面だけであれば、2枚前の The Man Who Sold The World の方が魅力的。
その反動が出たのか、アコースティックに振れた Hunky Dory 。
そしてペルソナを創るジギーまでは、彼の試行錯誤時代だと捉えました。

彼の魅力が十分に発揮され始めたのはアラディンセインからだと思っています。

というわけで、ジギースターダストは若さのエネルギーにはあふれているけど、色気といかがわしさがまだ足りない。
聴けば聴くほど新たな魅力が沁み出てくるような深さが物足りないかな。
非常にわかりやすく、メッセージも明確な優れたアルバムであることは確かなんですが、それ以降のボウイの世界観の広がりとその魅力で比較すれば、ということですが。

このアルバムで一番好きな曲、Lady Stardust 。
意外かもしれませんが、ボウイのボーカリストとしての魅力が一番出てると思います。
聴き込んだからこそ選べる曲かもしれません。
自分にとって学生時代にロックにハマったアルバムの1枚として燦然と輝くこのアルバム。

Pink Floyd "The Dark Side Of The Moon"

Dark Side of the Moon/Capitol

¥1,848
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あのころは情熱だけでむさぼるように聴いていました。
曲や構成を客観視して聴くなんてことはまったくできませんでしたね~

それこそ飽きるほど聴いてきて、実際にけっこう飽きてしまったため、久しく聴いていませんでした。
USインディも含め、今のロックを幅広く聴いている耳に、このアルバムがどう響くのか。
今だったら、もう少し客観的に聴くことができるはず。

そういえば、まだこのアルバムのレビューをしてませんでした。

実はPink Floydというグループ、アルバムごとに作風が大きく変化し、同じ方向性を持つアルバムというものがほとんど存在しません。
唯一、実質的に Roger Waters のソロプロジェクトに近くなった、The Wall と最終作 The Final Cut が同一路線と言えるだけ。

それだけ一作ごとに新たなサウンドプロジェクトを立ち上げるかのように、変身を繰り返すのが彼らの醍醐味。

そして「狂気 "The Dark Side Of The Moon"」も例外ではなく、その前作である Meddle と、次作 Wish You Were Here とは、かなり違ったサウンドスケープを持ちます。

改めて聴いて、最初に思ったのが、彼らのアルバムの中ではかなり直接的なサウンドだなということ。
ひとつひとつの音も、音のレイヤーの組み合わせ方も。
その後のアルバムも音の隙間をうまく利用するストレートな方向性が強まるので、ある種のターニングポイントにはなったのでしょう。

初めて社会性に目を向けたテーマの歌詞だけでなく、音のトリートメントも、それまでがシンフォニックで混然一体化したサウンドスケープであったとしたら、ひとつひとつの音像をくっきりとさせたサウンドスケープです。
イメージとしては、暗い空間にリアルに浮かび上がる音像。

そして Pink Floyd とは。
特段テクニックがあるわけでもない4人の普通のミュージシャンが、印象的なフレーズを、印象的な音で、印象的な構成の中で聴かせることに、最大の魅力があります。

いわばどれだけ印象的な「つかみ」を創れるか。
彼らは、曲の中に何か所も、そしてそうした曲をアルバムの中に何曲も創ることができた。

その中でも特に優れているのが、曲と曲のブリッジですね。
これがアルバムを1枚通したコンセプトアルバムと言わせる最大の要因であり、彼らのサウンドクリエイターとしての本領であると実感。

狂気に話を戻すと、このアルバムの核は、後半最後の Brain Damage ~ Eclipse 。
特に Brain Damage のイントロは、ロック史上最強の「つかみ」といっても過言ではありません。
アルバムコンセプトとその中心にある曲のテーマを音で表現しきったこの「つかみ」イントロ。
イントロだけでなくそこをモチーフにした曲全体のサウンドスケープも素晴らしい。

これ以外にも、 Time や Money などでのギルモアのギターソロや、時計のベルやレジスターの音をリズムにつかったりのサウンドコラージュも、ある種の強烈な「つかみ」です。





このアルバムは何度もリマスターされ、リリースされたアルバムのバージョンは数えきれないほどです。

しかしリマスターを聴いてみても、アラン・パーソンズがプロデュースし当時としては画期的に音が良いアルバムと言われていましたが、実はそれほどでもないのが意外。

彼らのサウンドが非常にアナログ指向で、デジタル的解像度が求められる音楽ではないことが最大要因ではありますが、リマスターの時にもそういったサウンドコンセプトを生かしながら作業したからなんでしょうね。

そして、その優れた「つかみ」がこれでもかと存在すること自体が、自分をこのアルバムに飽きさせた理由のような気もします。

憶えやすく印象的なものほど、おそらく飽きるのも早く、一度飽きたらもう目を向ける気がしなくなる、ということなのかもしれません。