「ミオ・アモーレ」

　今日は、平原綾香さんの「ミオ・アモーレ」「moldau」が発売されたので、感想を書いておこうと思う。
　今回のシングルは、9/2発売のアルバム「My classics！」の収録曲が先行カットされた形。
　「ミオ・アモーレ」はサルバトーレ・カルディッロの「カタリカタリ」という曲と、プッチーニのトゥーランドット「誰も寝てはならぬ」の、あの有名なメロディーを合わせて一曲にしたもの。荒川静香さんの感動的な演技を思い出すひとも多いに違いない。
　カップリングの「moldau」は言わずと知れた、スメタナの、今では「vltava」と呼ばれることが多くなった名曲。たぶん知らないひとはほとんどいないのじゃないかな。
　ふたつの曲はとてもいいコントラストを見せていて、それぞれ、お日さまsideとお月さまsideという印象を、僕は受けたよ。
　想像でしかないけれど、彼女ご本人も、太陽と月を強く意識されたのではないかと感じている。動と静、陽と陰…
　「ミオ・アモーレ」が燦々と降り注ぐ太陽の光なら、「moldau」は青々とした月の光。
　「ミオ・アモーレ」のダイナミックなバラードアレンジには、輝かしい音色の、しかしヘヴィーなギターの音色も入っていたりして、清涼感があって、カラッとした暑さの夏を思わせるような音になっている。カースケ氏のためにためたドラムも好きだ。
　丘の上から街を見下ろすような、開放感のある仕上がりで、明るい気持ちにさせてくれる。
　「moldau」は、原曲では大河の描写になっている。あの印象的な導入部の、いかにも水源といった感じから、草原の中を流れ、最後は巨大な河口にたどり着くところまで、聴くたびにまるで旅をしたような気になる曲だよね。
　あーや版では、ピアノのみの伴奏で、ずっと小さくて静かな流れを思わせる。
　原曲が水の流れの描写であるならば、あーや版は、”水と光”という印象を受けた。川の流れの水面で、きらきらと淡く反射する光というのかな。多彩なテンションがちりばめられているのも、その印象を深めているんだろうな。
　川を見ていると、濁流は別としても、流れているのがわかるのは、実は光が踊っているからだったりするでしょう？
　僕が、あーや版「moldau」に月を感じたのは、反射光という連想なのかもしれない。太陽と月の違いは、光源と反射光の違いでもあるからね。光源であることと、それを映す鏡であることは、実はお互いに無くてはならないセットだということも、あるのかもしれない。
　そういえば、二曲は歌詞も、描かれている世界はちょうど合わせ鏡のようだもの。
　あーやの歌唱は多彩で、いつも謎解きのような面白さを提供してくれるのだけど、今回「ミオ・アモーレ」を聴いていて、気づいたことがある。
　いつも「このひとの歌はなんでこんなに耳に心地よくて滑らかに聴こえるんだろう？」と思っていた。もちろん声質のこともあるんだろう。
　それに加えて。
　音楽のリズムが、円運動の連続にたとえられることがある。音楽の速度は四分音符＝幾つという形で表わされるけれど、もちろん厳密には一定ではない。あるサイクルで遅くなったり速くなったりを繰り返す。
　たぶん、音程や強弱にも同じような円のサイクルがあって、彼女の歌は、その円運動に逆らわずに沿っているなぁと思ったのだった。
　以前、知り合いの歌の先生の歌を録音していてわかったことだが、上手に聴こえる歌というのは、音程がかならずしも常にジャストということではない。むしろ、外れるべきところは外れていないと気持ちが悪いということを知って、びっくりしたのだが、じゃあ、外れていいところってどこなんだというのは、謎だった。
　でも、今日「ミオ・アモーレ」を聴いていて、音程も速度や強弱とリンクしていると気づいた。考えてみれば、いや、考えるまでもなく、そりゃそうだよな。音程も速度も強弱も、別にばらばらに存在してるわけじゃなくて、それが渾然となってひとつの音楽なわけだから。
　それが、彼女の歌が、あんなにも自然に心に入ってくる理由のひとつなと思ったのだった。

自分音楽史 第二回 小学校低学年１

　今でこそ、「ＮＯ　ＭＵＳＩＣ、ＮＯ　ＬＩＦＥ！」を自他ともに認める僕だけれど、小学校１、２年生の頃、音楽が大っきらいだった。正確に言うなら、音楽の授業が大っきらいだったのだ。
　どうして母が原因で音楽がきらいになったかを語るには、当時の学校の音楽について書いておかないと、話がつながらない。
　小学校にあがるまで、僕は家で親が聴いているレコードの音やテレビ・ラジオで聴く音楽以上のものに触れる機会なかった。
　小学校に上がった途端、音楽の授業というものに初めて触れたのだけれど、それは同時に、初めて楽器というものに触れる機会でもあった。
　今でもおぼえているんだけれどね、音楽の授業では、先生がオルガンかなんかの前にひとりずつ生徒を呼んで「Ⅰの和音を弾いてごらん」とか言うんだ。
　でもね。考えても見てください。鍵盤ってものを初めて見るんだよ。そもそも「ドレミファソラシド」なんていう言葉、はじめて聞いたんだから。先生が言っていること、１００パーセントちんぷんかんぷんなのですよ。鍵盤なんてさ、規則性を知ってるからそれを頼りに和音を探せるんであって、知らない子どもが見たら、アトランダムに並んでるって思うよ、そりゃ。
　また具合の悪いことに、学校以外でピアノやらオルガンやらを習っている子も相当数いて、そういう子たちは、なんの戸惑いもなく先生の言うことをクリアするんだな。先生は「○○ちゃんは出来てるのに、なんで君はできないの！」みたいな扱い。でも僕はあのたくさんある鍵盤の中から、いったいどうしてぱっと目指す鍵盤を探せるのか、さっぱりわからないまま、もう涙目。
　だけどさ。それって酷くないか？
　当時の子どもは、とにかく素直だったから(笑)「出来ないことは自分が悪い」って思ってたんだ。今だったら、問題にする親もいるんじゃないかなぁ。
　だからといって、別に当時も先生を恨んだりはしなかったし、不当な扱いを受けてると思ったわけじゃないけどね。今でこそ、「子どもが理解できない場合、教え方に問題があるかもしれない」というアプローチが常識になってきて、効果的な指導法も求められるようになってきたらしいけど、当時はけっこうそのへん、属人的でいい加減といえば言葉は悪いけど、それがふつうだったから。
　だけど、そのことが子どもの僕にとっては実は大問題だった。学校の音楽がきっかけで、母に大目玉をくらったことが原因になって、僕は音楽ぎらいになっちゃうんだな。

自分音楽史 第一回 幼児期

　せっかくスペースがあるから、自分の音楽史について、ちょっとづつ書いていこうかと思う。ときどきは、実際に作った作品なども披露しながら、いろいろと書いていこうかな。
　いちばん最初の、音楽の記憶ってなんだろう？　幼稚園で習った童謡？　テレビのヒーローもののテーマソング？　たぶん違う。そういうのも、もちろん好きだったけれど、それよりも前があるんだな。
　たぶん、僕のいちばん最初の音楽の記憶は、母が歌っていた歌の記憶だ。
　母はたぶん人並に歌が好きで、身内の僕が言うのもなんだけれど、それなりにいい声で音程も悪くなかった、と思う。
　その母が当時、いちばんよく歌っていたのは、「蘇州夜曲」という霧島昇さんと渡辺はま子さんがお歌いになった曲。僕は今でも、「銀座カンカン娘」や「一杯のコーヒーから」などの曲が大好きで、服部良一先生を尊敬してやまないのだが、そのルーツは母の歌にあるんだろうと思っている。
　今、心から敬愛してやまない平原綾香嬢のデビューシングル「ＪＵＰＩＴＥＲ」のカップリングが「蘇州夜曲」だというのは、ずっと後になって知ったのだが、ものすごくびっくりした。と、同時にとてもうれしかった。あの曲はなんというか、やっぱり音楽好きなひとは放っておけない曲だと思うんだ。
　メロディーがたとえようもなく美しくて、歌ってみると花が咲いたような気がする。絹の河が流れているような、そんな気持ちにさせてくれるんだ。
　他にも、「リンゴの唄」や「みかんの花咲く丘」など、母が歌っていたために自然に覚えてしまった歌は、僕の感受性に大きな影響を与えたと思う。
　だけど、それでメデタシメデタシ、じゃないんだな。
　僕は小学校低学年の頃、音楽が大っきらいだったのだ。その原因を作ったのも、やっぱり母だったのだった。