若さ溢れるパワフルな演奏を堪能

 

2月8日（日）、前の晩からの雪の中、サントリーホールに出掛けた。着いたころには雨に変わっていた。従妹は日暮里から、母は品川からなので近くてうらやましい。横浜の人間にとって多摩川を越えるのは小さなトリップなのである。

 

何年かぶりのサントリーホール。

 

 

席は2階のR翼前方。初めて座った席だった。

 

 

演奏は元気いっぱい、金管も増し増しでまるで吹奏楽のよう。オトナの《幻想》というわけにはいかないが、若者らしくロックな音楽になっていた。素晴らしい！

 

従妹の息子クンは、《幻想》の聴きどころ（難所？）もラクラクとクリアー。心の中で拍手。トゥッティは、どの曲も前へ前へとドライブしている。一体感が良い。

 

若いっていいなあ。オレも若い頃はこんな演奏が大好きだったなあ。

 

従妹の息子クンは、高校時代に東大オケの大阪公演を聴いて、「僕もこのオケで吹きたい！」と一念発起して東大を目指したのだそう。今回、我が息子がこの音楽会に同行しなかったことを悔やむばかりである。

 

元気が出る演奏をどうもありがとう。鎌倉紅谷のクルミッコを差し入れた。息子クンから「美味しくいただいた」との報をいただいた。

 

来年度の新体制ではトップで吹くだろうから、さらに期待が高まる。7月の神奈川公演はミューザ川崎だそうである。なんだ、庭じゃないか。

 

いまから次の音楽会が愉しみ！

トゥガン・ソヒエフ　すごすぎる

NHK-FM「N響演奏会」

「N響・第2056回定期公演」

初回放送日：2026年2月7日

解説：舩木篤也（音楽評論家）

案内：金子奈緒

 

プロコフィエフ：

交響曲第5番変ロ長調作品100 ほか
トゥガン・ソヒエフ 指揮

NHK交響楽団
（2026.1.29，サントリーホール）

 

 

凄い演奏だった。プロコフィエフの第5番は、第2楽章と終楽章のスピード感が好きなのだが、オーケストラのリズムもまったくモタついたり息切れしたりすることもなく、ゾゾゾっと鳥肌が立つ演奏だった。

 

これ、生で聴きたかったなあと切に思った。

 

オーディオ的にいうと、「自分好み」のスピーカーで聴くと、感動がひとしおになる。サントリーホールの響きも、オンエアからしっかりと感じ取ることができた。サスペンド・シンバルのシャーンという綺麗な金属音が本当に生々しい。

 

ありがとうよ、DIATONE。

 

サントリーホールといえば、明日（2月8日）、昼に東大オケの演奏会がある。久々にサントリーホールに出掛けるつもりだ。従妹の長男が乗っているので、いまから楽しみにしている。

レコードも聴いてタイムマシーン

前の記事：

 

adieu ／ adieu 1

（2019，ソニー）

 

adieuのレコードを3枚買った。「新譜で買うならadieu」と前から決めていた。

 

令和の音楽をレコードで買うのは初めてだ。

 

adieu ／ adieu 2

（2021，ソニー）

 

80年代のレコードと違ってライナー（歌詞カード）がペラッペラの紙で出来ているとか、シングル扱いだから収録曲数が少ないとか、その割に値段が高いとか、些末な不満はあるけれども、音質が良いので満足である。曲数が少ないので、かえって溝の振幅を大きくできたから良いのだと思う。レヴェルも高くなっている。

 

adieu ／ adieu 3

（2022，ソニー）

 

中身の「音楽」は、『adieu 3』がもっとも気に入った。メインのドラマーは、上原俊亮。優しいフィーリングと、スネアのシズル感が心地よい。

 

https://www.n-3.co.jp/artist/%E4%B8%8A%E5%8E%9F%E4%BF%8A%E4%BA%AE/


因みに、3枚のレコードすべてにクレジットがあるのは、裕木レオン。

 

 

 

 

レコードはタイムマシーンだ。令和の新譜を聴いていてもその思いは変わらない。

 

 

今晩、映画『惑星ラブソング』（2025）を観た。

 

 

時間を操り、遡れるのなら、あの1945年8月6日以前の世界に戻してほしい、という悲痛な叫びが心に残る。

 

映画を見ていてハッとした。

 

僕が1990年代のオーディオを使い、1998年式のクルマに乗る理由を、他者から説明されたと思った。

 

妻と出会ったのも、結婚したのも1990年代だった。

 

スネアの音だけで、僕はタイムトリップできる。「この音だよね」…と、DIATONE DS-700Zは語りかけてくる。

 

 

 

 

 

 

アマチュアの活動について考えた

 

仕事帰りに車で相模原市にある某ホールに行ってきた。職場の同僚がコンマスを務めるアマチュア・オケの定期演奏会である。

 

年に2回の定演をやっている団体だが、これまでは夏の回にしか行ったことがなかった。

 

 

演目はモーツァルトの交響曲第40番と、ベートーヴェンの交響曲第2番だった。

 

常任の指揮者を置いていないオケのようで、毎回違う人を呼んでいる。今回は、フェドセーエフの代行をしたN響研究員の「あの人」だった。たしか、別のアマオケのコンサートでも聴いたことがあるので、私にとっては今回で3回目である。

 

オケは相変わらずで、ほのぼのとしている。こういう一回きりのオファーに応えるプロの指揮者というのは、本当に大変なんだろうなと推察する。自分の思うままの音楽を造れないばかりか、オケの技量を見定めて、「果たしてどの程度まで仕上げればいいの？」という迷いが始終消えないんじゃないかと思う。

 

かといって、場数を踏み（キャリアを磨き）、自身の顔を売ることも拒んではいられまい。

 

ほんとうに、お気の毒様である。

 

つくづく自分がプロじゃなくてよかった。（なれないけど）

 

アマチュアの愉しみということをいつも考えさせられる。しかし、今日聴いた団体の活動のスタンスは、絶対に僕には合わないなと思った。

 

上手く言えないが、どうせやるなら「プロと見紛う」ほどの音楽を造りたい。「やっぱアマチュアだよね」とは絶対に言われたくないんだよな…。

 

これって欲張りなのかな…。

 

大学の時に組んでいたバンドのギタリスト君の言葉を僕は絶対に忘れることができない。O君は、こう言った。

 

「アマチュアでも、プロみたいだねって言われたいじゃん！」

 

ほんとそれ。

 

それから、プロのオーケストラ・プレイヤーには正規の「定年」があるが、アマチュアにはない。だから、どう見ても体幹の衰えた御仁が、ご老体に鞭打って弾いていらっしゃる。今日も痛々しかった。

 

特に管楽器はそれが顕著だと思う。弦楽器も多かれ少なかれ同様なのであろうが、我らが「打楽器」は、あまり体幹には左右されない特殊性があると思う（腕や肩が上がらなくなったらダメだけれど）。

 

古いアマオケには、おじいちゃんの「首席」がいて、それが生きがいになっている方々だから、絶対に若いやつに席を譲らない。お上手ならそれでも良いのだけれど…。

 

これはアマチュア・オケの高齢化問題である。

 

で、決めた。

 

僕はドラムや打楽器を、ほかの人が不快に思うようにしか演奏できなくなったら、（どんなに自分がやりたくても）その時点で「引退」しようと思う。

 

そんなことを考えさせられた演奏会だった。

 

それはともかく、同僚氏、今日はお疲れ様でした！

アイドル第2弾　松本伊代さん　

イタリア製のDAC（north star design Model 192 DAC）で、昭和のアイドルを聴くシリーズ第2弾。この文言だけで歌謡曲がちょっぴり高級感を纏ったような響きを感じる。

 

中1の時、水谷豊の次によく聴いていたアイドルが、松本伊代。当時は「伊代ちゃん」だが、令和の現在も活躍されていることを考えると「伊代さん」って呼ぶ方がしっくりくる。

 

 

『サムシング I・Y・O』（1982年発売）のLPをデジタルで取り込んでFLAC化したものを聴く。

 

《バージニア・ラプソディ》《或る夜の出来事》《プールサイドで待つわ》など、懐かしい曲ばかり。シングルの《ラブ・ミー・テンダー》も入っていて、どの曲もいままで聴いたことのないような透明感をもって再生された。

 

バックのオケがいい。管弦楽器が巧みにフィーチャーされていて、ドラムやパーカッションの動きもよく聴ける。トライアングルとかコンガとかが、伊代さんの音楽に上手く抑揚をつけていて、巧みなアレンジだと思う。アレンジャーは鷺巣詩郎である。

 

こういうところが昭和の歌謡曲の良さであって、現代のアイドル・ソングと一線を画す部分である。

 

伊代さんは、現在もこのアルバムの曲をライヴで歌っているようだ。

 

 

驚異的ではないか。オリジナル・キーである。しかも、声質も歌い方も、あまり変わらないのに、確実に歌が上手くなっている。自分が中1の時に好きだったアイドルが、いまもライヴで歌っていて、しかもまったく衰えていないどころか、巧くなっているなんて…。

 

こういうのを聴くと、自分もがんばらないと！　と思う。

 

 

でも、当時高校生だった伊代さんの、「かわいい歌唱法」も魅力的ではある。

 

 

 

 

 

 

水谷豊　なにをやっても水谷さん

前の記事：

 

ショルティの音楽を聴いて水谷豊を想った。なかなかの「センス」だと思う。

 

さて、今日は休日。予告通りに水谷豊を聴こう。

 

自らの推しのアイドルの歌声を、ラウドスピーカーを中心とした2chステレオで堪能するのって、ほんとうに愉しい趣味だと思う。他のブロガーさんの記事を見ていて、自分ももっとアイドルを聴こうと思った次第。

 

僕の最初の「アイドル」は水谷さんだ。

 

とっても久しぶりに、《TIME CAPSULE》（2008）を聴いた。

 

 

セルフカバーのアルバムである。1970年代後半～1980年代前半にかけてのご自身の名曲を歌い直している。

 

中には、当時のオケの音源をそのまま使って吹き込みなおした楽曲もあるので、僕みたいな昔からのファンにはたまらない内容となっていた。

 

それでももうすでに18年前のアルバムかあ…。光陰矢の如しである。

 

《普通のラブソング》は、ニューアレンジ。作詞：松本隆、作曲：筒美京平のヒットメーカーコンビによる曲で、水谷さん主演の『あんちゃん』（NTV系）のエンディング主題歌だった。中学の時は、暗い歌詞だな…ぐらいの感想だったが、いま聴くと共感と感動で胸がいっぱいになってしまう。

 

 

このEPは、1982年、藤が丘駅前の「レコード専科じゅん」で注文して購入。届くまでに1か月ぐらい待った。当時のレコード発注は、ほんとうに大変でイライラさせられた。店頭にないレコードを頼むのって、なんであんなに大儀だったのだろう。ストリーミング主体の現代にしたら、良い思い出ではあるのだけれど…。

 

水谷さんは何をやっても水谷さんだ。自ずと「水谷豊ワールド」に連れていかれてしまう。歌は「訴（うった）える」に通底している。水谷さんには、おそらく「歌」と「台詞」の区別は感じていないはずだ。実際、「台詞」が挿入される楽曲も多かった。

 

つまり、台詞のように歌う、ということを徹底していたのだと思う。

 

《何んて優しい時代》は、作詞も作曲も水谷さん本人で、しかも自分の主演ドラマ「事件記者チャボ！」のオープニング主題歌ときている。「全部自分でやってしまう」という昔ながらのタレントの正統的な系譜を感じる。

 

すばらしい。

 

いくらか良くなった最近の僕のオーディオで聴く水谷さんは、ちょっと高級路線だ。DACの影響が大きいような気がする。もちろん、ダイヤトーンのスピーカーの鮮烈さが活きているのは確かだが、すべての細部に上品さが備わっているのは、やはり、イタリアのノーススター・デザイン社（すでに倒産）のDACのお蔭のような気がする。

 

いま僕は、何を聴いていても愉しくてしょうがない。

 

 

 

 

 

 

 

 

バレンボイムとパリ管の海と牧神

ドビュッシー：

交響詩《海》

牧神の午後への前奏曲

交響組曲《春》

ダニエル・バレンボイム 指揮

パリ管弦楽団

（1978,1982,1977，グラモフォン）

 

 

昨日聴いたショルティよりも面白かった。

 

 

 

ふっくらしてやわらかい。そのままドイツ・グラモフォンの録音の特長だ。最後まで愉しめたレコードだったのだが、《海》の3曲目、エンディング近くのトランペットの「雄叫び」がカットされている。ここからのクライマックスを聴きたくて針を落とす向きが大半だと思われるのに…。

 

…ん？　「カットされている」とは？

 

この録音では、まったく吹いていない。小さくも聞こえない。ミスってるわけじゃない。

 

そういう楽譜もあるのだろうか。

 

僕が参照したスコアには「オプション」とも何とも書いていない。だよねー。あれがなかったら終わらないもんね、曲が。

 

↓これ

 

トランペットもコルネットもユニゾンで総動員ではないか。これを「カット」するとは、なにゆえに…。

 

何が起きていたのか、想像してみた。（愉快）

 

①バレンボイムが要らないと思った

　（楽譜改竄）

②Trp.チームが若造を試した

　（いたずら）

③パリ管のパート譜に「吹くな」と書いてあった

　（伝統）

④Trp.抜きで練習していたテイクが使われた

　（ここだけ切り張り）

 

①じゃないよなー。②③はどっちもありえるなー。④かなあ、やはり。

 

どこかで聞いたことがあるが、切り張りにはこういうミスがよくあったみたい。要はテープエディターのミスである。

 

それにしても最終チェックとかはしないのかね。

 

でも、こんなの枝葉末節でじゅうぶんに愉しい演奏だった。だから、いいやこれで、って出版したのかもしれない。

 

このレコードは西ドイツ製で、「シグネチャー・シリーズ」という名盤集の1枚のようだ。裏面にカラヤンとかジュリーニとかカルロス・クライバーとかに並んで小澤征爾の写真が載っている。国際市場向けの商品で小澤の写真があると、なんか誇らしい気持ちになったものだ。小澤に続く国際派がいない日本人の現状を少し寂しく思う。

 

 

カラヤンと小澤だけタートルネックなのも、なんかイイネ。

 

 

 

 

ショルティとシカゴ響のボレロ　

ドビュッシー：交響詩《海》

牧神の午後への前奏曲

ラヴェル：ボレロ

ゲオルグ・ショルティ 指揮

シカゴ交響楽団

（1976，ロンドン）

 

 

とにかく何を聴いてもショルティにはショルティの音楽というものがあって、そういう行き方に感心してしまう。

 

機能美、というのだろうか、これも一つの芸術の方向性であって、個性というのとはまた違う、何か途轍もないものを聴いてしまったような発見がある。

 

ロンドンの録音は、デュトワのレコードと傾向が一緒だ。ホールの響きがちょっと少ないかなという感じで、あとは全体の透明感だとか、明瞭さだとかは同一線上にある。

 

アメリカという国は、なんだかんだいって、やはり圧倒的だ。それは、オーケストラにおいても同様。きっと生音も大きいんだろうな…と想像させる。

 

当時のシカゴ響だから、まるで吹奏楽を聴いているようなバランスで、弦楽器がどこかにいってしまっている。でも、それがまた面白い。

 

極めつけはB面の《ボレロ》だ。ショルティのあの大振りの指揮が目に見えるようである（少し猫背で、カクカクした、あの動きです）。

 

テンポが速くて正確。スコアの小節線が見えるような音楽。ソロに「遊ばせ」たりはしない。インテンポ！　と指揮が叫んでる。

 

面白くはないや、ね。

 

でも、この「行き方」に感銘を受けたりする。全然ジャンルが違うが、僕は最近、水谷豊は凄いと思う。いや、昔から凄いとは思っていたが、その魅力を表現することはできなかった。それは、僕が水谷さんを「好きすぎる」からである訳だけれど、最近は、ちょっとわかった気がする。

 

すなわち、水谷さんは何をやっても水谷さんなのである。浅見光彦をやれば「水谷光彦」になっちゃうし、刑事になれば「水谷右京」になっちゃうのである。しかも、そこには誰も近づけない。

 

明日は、久々に豊さんのレコードを聴いてみよう。いま、そう決めた。

万能選手　何を聴いても愉しい

ヴォーン・ウィリアムズ：

管弦楽曲集

ネヴィル・マリナー 指揮

アカデミー室内管弦楽団

（1972-1980，デッカ）

 

 

思えばヴォーン・ウィリアムズが僕の出発点だった。久しぶりにこのCDを聴いてみよう。新しいオーディオ・セットにしてから、まだ聴いていないので、どのように聴こえるのか。

 

このCDでは、《「富める人とラザロ」の5つの異版》がもっとも好き。この曲から再生を始めた。

 

 

よくもまあ、こんな万能選手型のスピーカーを生み出したものだ、ダイヤトーンってやつは。

 

「本当に好みの音なんですよー」

 

もうそれしか言えないのである。明るくパーッと音が拡散されていく、スピーカーの位置で「鳴っている」感じがしない。さっき、「Hysteric Blue」を聴いていたのだが、歪んだギターも常時オープンのハイハットも、すべてが煌びやかで（憂いこそないけれども）ストレートに音楽が飛び込んでくる。

 

で、この弦楽中心のクラシックにソースを替えてみても、結果はどうだ。まったく違和感がなく、同じように感情に訴えてくる。

 

要は「好き」なのだな、この音が、僕は。（倒置法）

 

やっぱり、あれこれ変えるのも面白いけれど、気に入ったものは最後まで付き合うという「覚悟」がないといけないのかもしれない。それが、結局は自分のためなのだ。

 

スピーカーをDIATONE DS-700Zに戻して、愉しい音楽生活を送っている僕なのであった。

 

 

 

 

 

ボレロを余裕で演奏する人たち

ラヴェル：ボレロ

ドビュッシー：牧神の午後への前奏曲

交響詩《海》

ヘルベルト・フォン・カラヤン 指揮

ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団

（1966,1964，グラモフォン）

 

 

このレコードも素晴らしい！　もともとは別の曲の組み合わせで出ていたレコードを再編成したもののようだ。

 

家のレコード棚を探したら、オリジナルがあった。《ダフニスとクロエ》とセットになったレコードだった。

 

よって、この《ボレロ》の演奏をレコードで聴くのは初めてかもしれない。おそらくソロを吹くのは、コッホやツェラーなど、伝説のスターたちであろう。

 

80年代のカラヤン＆ベルリン・フィルの《ボレロ》も持っているが、この60年代の録音は響きが豊かで柔らかい。音楽もちょうどいいテンポ感で、ちょちょいのちょいと、何の苦労もなく（難なく）演奏しているような雰囲気が伝わってくる。要は余裕なんだな。

 

気持ちのよいレコードだった。