オールドが楽器は個性的なのに対して現代の楽器が似通っているということは多くの方が感じていることだと思います。そのようなご意見も頂きました。考えていました。
まずは日々の出来事から。
おととしの年末から去年の年始にかけてバロックチェロを仕上げました。
https://ameblo.jp/idealtone/entry-12344510156.html?frm=theme
メンテナンスのために戻ってきました。
一年と数か月ですが、バロックチェロを専門に勉強する音大生ということもあってよく弾いているようです。
エンドピンを使わずに弾くのでできたての頃はまだニスが柔らかくてズボンの跡がついてしまいましたが、今ではだいぶニスはしっかりしてきました。揮発性の溶剤が抜けるのに時間がかかるのです。オイルニスは亜麻仁油などの油が酸化して固まる性質がありますが、同時に塗りやすくするためにテレピン油などの溶剤を入れます。メンテナンス性を考えて油性のニスを混ぜたりしたせいもあって溶剤が蒸発するのに時間がかかっています。
アルコールニスでもちゃんと硬くなるには何年もかかります。
それも音にも影響があるかもしれません。
アルコールニスの場合にはニスの成分の多くがアルコールなので蒸発してしまうと厚みが薄くなります。ペタッとした独特の感じになります。オイルニスでもそうですが、濃い色のニスで厚みが薄いとちょっと擦れると色が薄くなってしまいます。ある程度厚みを持たせないとダメです。塗り重ねるのに時間がかかるのです。
テレピン油はアルコールよりも蒸発に時間がかかり、亜麻仁油より固まるのに時間がかかるでしょう。
モダン楽器でよくあるのは厚みのあるオイルニスに亀裂が入ってるものです。中はまだ乾いていなくて表面が縮むのでちり緬じわとか英語ならワニの皮膚に例えます。100年経ってもまだ柔らかいニスがあって困ったものです。特にドイツでは量産品に硬いラッカー、高級品には柔らかいオイルニスが塗られました。オイルニスが上等だとかオイルニスが柔らかいというイメージはこの頃のドイツの楽器製作の知識も元になっています。
それに比べたらだいぶしっかりしてきたのでほっとしています。
新作楽器の場合は出来て1年くらいはケースなどの跡が付くのは当たり前で、1年経ってからメンテナンスをするのでちょうどいいです。この時ニスの厚みが薄すぎると表面を研磨した時に色が薄くなってしまうのです。
量産品はそういうわけにはいかないのでもっと早く固まる丈夫な人工樹脂のニスを使います。
それにしてもエンドピンなしで弾くのは最近は珍しくバロックチェロでは特別丈夫なニスにしたほうがよさそうです。ケースによってもニスに跡が付きやすいものがあり、チェロの重さがケースのクッションの部分に集中すると跡がついてしまいます。しかし今回は表面のものなので磨けばすぐにツルツルにできました。最初はべとつきもあったのでしょうか、身体が触れる部分は汚れもついていました。ごく初期の時期についたものでしょう。軽いアンティーク塗装にしているので特に問題にはなりませんが。
過去記事を見てもらえればできたときの画像がありますが、とても量産品がベースとは思えないクオリティのものです。音響的にもバロックチェロの先生が大絶賛のようです。先生も存じ上げていますが、ドイツのオールドチェロにガット弦を張ったものを使っています。オールドで上等なバロックチェロなんてのは入手するのはとても難しくてモダンでは使えないようなものをバロックとして使うというのがせいぜいです。先生のチェロもやや小型で状態も悪く「表板を開けたら最後」という感じがします。修理を始めたらいつ終わるかわからないようなものです。
バロックだからと言ってモダンと全く別のものということは無くて、モダンにして良いものをバロックとして使うのが最高だと思います。そういう意味では学生がバロックチェロを勉強するには良いものだと先生も考えているようです。予算からすると戦前の量産品を改造するのも手段としては考えられました。しかし戦前の量産品では荒々しい音のものが多く、そのようなものではガット弦の鼻にかかったような音が強く出てしまうでしょう。「ビオラダガンバみたいな」というやつです。たくさんある量産メーカーの中から、もともときれいな音のするものを選んで改造しているのでコストパフォーマンスには優れていると思います。
このバロックチェロは思い切ってかなり板を薄くしました。
一つはガット弦はスチール弦に比べるとはるかに力が弱いので大丈夫だろうということです。
出来上がった時に、かつてうちの会社で作ったバロックチェロと比べると明らかに暗い音になっていました。低音は圧倒的にボリュームが豊かでした。これは板の厚さ以外ではどうにもなりません。以前作ったものは現代の教科書通りのものです。バロック音楽ではメインの楽器としてだけではなく低音楽器としての役割も重要です。私が聴衆の立場で聞くならそんなチェロが良いです。
1年経っても特に表板やネックに変形や狂いは無く強度には問題はなさそうです。弦にはピラストロ社のコルダというガット弦を張っています。これは大手メーカーのものでマニアックなものではありません。もっとこだわっている人がいますが、チェロの素性が良いことのほうが重要でしょう。今回のメンテナンスで新しいものに変えました。
駒には本当のバロック駒を付けました。
モダン駒に比べるととても硬いもので、ガット弦の荒々しさがダイレクトに発生します。場合によってはモダン駒に近いものや、モダン駒の見た目のデザインだけバロック風にしたものなどに交換が必要かもしれないと思っていましたが、その必要もなさそうです。
駒はやや低くなっていました。1ｍｍ未満なので演奏に不具合は言っていませんでした。
駒が低くなるということは表板が沈むのに対して、ネックは引っ張られて下がっていないということです。
ネックも指板も厚くて丈夫で下がってきにくいのかなと思います。ということはネックが下がってくる現象はいろいろなところが少しずつ曲がってきているのかなと思います。
現代のスチール弦ならテールピースのアジャスターばかり使いますが、バロックなら調弦が狂いやすいガット弦なのでペグを使って頻繁に調弦が必要です。そのため材質には黒檀を選びました。これも特に問題はなさそうです。
1年目の点検を終えて楽器も演奏者も成長していくことでしょう。
良い仕事をしたなと思います。
ｆ字孔はこだわった部分です。これのおかげで量産品とは全く違う印象を受けます。
板の厚みの重要性
チェロなどはハンドメイドであっても200万円程度ならとても雑に作られていることが多いです。先日もそんなチェロが修理に来ていましたが、私の量産品をベースにしたものの方がずっときれいで板の厚さも微妙なところまで詰めています。一方でドイツのミッテンバルトで1980年頃に作られたチェロを持ってきた人がいます。自分は管楽器を吹く人で売りたいと考えているようでした。30万円くらいで売ろうと考えているようでしたが、それは安すぎるとお知らせしました。もちろん量産チェロです。しかし見た目もきれいでクオリティもまずまずのものです。今なら中国製よりは上のランクとして100万円を超えてもおかしくありません。板の厚みを測ってみるとほどほどのもので厚すぎるものではありませんでした。ドイツの量産チェロとしては珍しいものです。ネックは下がっているので修理は必要ですが、面白いかもしれません。それくらいの古さで真っ当に作ってあればかなり鳴る可能性はあります。弦楽器、特にチェロは名人とか巨匠とかである必要はありません。どこのだれが作ったものに音の良いものがあるかは全く分かりません。
他にミルクールのチェロもありました。1900年前後のものでしょう。ラベルにはフランスの作者の名前がついていましたがクオリティが低いので量産品だとすぐにわかります。その作者の工場製か関係ない工場のものかですが、ラベルの周辺には濡れた後があり、貼り替えたような形跡があるので怪しいですね。工場製の大量生産品なので値段を品質で査定すればどこの工場でも良いでしょう。
これは開けると中はかなり悲惨な姿をさらしそうです。中はとても汚い仕事になっているでしょう。
これらのチェロの中ではドイツ製のものが一番可能性があるかなと思います。
近代以降のもので外より中がきれいに作ってあるということはまあ無いので外が汚いチェロは中はほんとにひどいです。中というのは品質や音響面で重要な部分です。外がきれいであることは最低条件で戦後のものなら板の厚みもがそこそこなら可能性はあると思います。
大事なのは「そこそこ」ということであって何かの理屈に基づいている必要はありません。
それでも音には個性があり、それを気に入った人にとってのみ良い音の楽器となります。
厚みの問題があるとき、音を変えるには板を薄くするしかありません。他の方法ではどうにもなりません。
薄いものを厚くすることも難しいです。高価なアクセサリー類に凝っても表面的なものです。
だから作るときが肝心です。
新しい音？
前回は明るい音や暗い音の話をしましたが、ひどく悪い音とはどのようなものなのでしょうか？オールド楽器でも作りに問題があったり、状態が悪かったりすれば元気よく音が出ません。モダン楽器や新作を考慮に入れなければその中だけで選ぶことになります。
かつての量産品も同様です。19世紀の終わりころ、1880年位からドイツで大量生産が盛んになるとそのころから粗悪な量産品が多くあります。修理をすれば楽器の値段を超えてしまうため大掛かりな修理はされません。ハンドメイドのモダン楽器でも作られて100年位だとオーバーホールがされていないものが多くあります。
これらの健康状態が悪くにぶく元気のない音のものを「こもった音」とすれば、それに対して明るい音というのは優れていると言えます。それよりは良いというわけです。しかし暗い音で健康であれば音色に味があってさらに魅力的です。もちろん好みの問題でどんな音が好きかは自由です。修理で健康をよみがえらせるのは職人の重要な仕事です。
新作楽器の場合には古い楽器の音に代わって、それとは違う方向性の明るい音に新作ならではの良さを見出すというのも考えられます。「新しい音」というわけです。世の中の人たちの過半数は新しいものが好きですから過去の楽器の音を古臭いものとし、新しい音を進歩した優れたものだと考えます。モダン楽器も半世紀前は全く評価されていなかったものです。今でもフランスやイタリアの一部のものを除けば、新作楽器より安い値段しかついていません。専門家も価値に気付いておらず中古のガラクタのように無視されひっそりと眠っています。
名工とは？
そうやって受け入れられて来たのかもしれません。
職人の側からするとちょっと違います。加工技術の高さを競う合うことに集中した結果が「新作の音」になっていると感じます。自分達の間で腕の良さを競い合う競争に終始し、腕の良い職人が流派の中で勝者となり偉い職人として指導者になって行きました。弦楽器を作るのは修業が必要で決められた寸法の通りに正確に加工することは難しいものです。それがうまくできる人は職人の間で「あの人はすごい」と一目を置かれます。
実際には音のことなど何もわかっていなくても、その偉い職人が言うことは説得力が出ます。修業者や楽器店の人には「ありがたいお言葉」と聞こえるでしょう。弟子たちは偉い先生の言った教えを経典のように信仰するのです。
偉い職人にさらに重要な資質はカリスマ性でしょう。自信に満ちていて強い信念を持ち、説得力のある話し方をして、堂々たる態度をしています。不安など微塵も感じさせません。
こういう人たちが偉い職人になっていますが、実際には音について何もわかっていないかもしれません。それを弟子や一般の人に見ぬくのは難しいです。カリスマ性と迫力を持って目の前で言われてしまえば信じてしまうでしょう。
私は言っていることにおかしな点があるのでわかります。
例えば、「こうなっていると音が良い」「これではダメだ」というようなことを言います。しかしそのようなことは実際に音の良い楽器を調べてみると当てはまらないことがよくあります。また、「音が良い」という言い方も具体性にかけます。どんな音の性格になるのか全く言わないのです。それに対して私は「音は弾いてみないと分からない」と言います。人によっては好きな人もいるし嫌いな人もいると言います。分からないと正直に連呼するようでは弱気すぎてカリスマ性はありません。
一方で欠点を無くすことに終始する現代の作風は、自分の造形センスの無さを露呈しないで済みます。形を作り上げていった形跡を消すのが現代の作風です。オールドの時代にはセンスの無い職人はそれを隠そうともしてませんでした。
現代の楽器とオールド楽器とどちらが優れているかと問われたとき、次のように答える職人がいます。
「現代では正確な測定器具があり現代の職人は昔の人よりも腕がよく0.1ｍｍまで正確に加工できる、だから音が良い。」と言うのです。「ストラディバリは同じ時代の職人の中では最も正確に加工をしているので音が良い、しかしわれわれ現代の職人はさらに正確に加工しているのでストラディバリを超えている。」と言うのです。立派な風貌のカリスマ職人が専門家としてストラディバリを超えているのだと言われれば信じる人もいるでしょう。お金持ちの社交界でアピールすれば新作ヴァイオリンに500万円を付けても売れるかもしれません。その噂はストラディバリを超えている天才として広まることでしょう。
「正確＝腕の良い職人」はまあわかります。「正確＝音が良い」は飛躍しています。
正確→腕が良い→名工→音が良い
という理屈です。名工が作ったのだから音が良いに決まっているとみなが思い込んでいます。
しかし「名工→音が良い」には論理の飛躍があります。名工というのは人間の社会の間での上下関係です。地位の高い職人です。それに対して音は物理現象で、人間の間での権力関係にはしたがいません。偉い職人が作ったからと音波が気を使うことはありません。
一般の人は厳正な審査をする国際的なシステムがあってその結果音が良い作者が名工として認められて行くと思い込んでいるかもしれません。しかしそのようなシステムは存在せず、作ろうと思っても不可能です。音の良し悪しを一つの物差しで測ることはできません。あらゆるジャンルの歌手の中で一番を決めるようなものです。もし一番を決めても納得しない人が出てくるでしょう。
そうではなくて職人の中の力関係で偉い職人というのがいるのです。多くの職人がこれに対して不満に思っているのは、後の世代なら偉い職人と同等かそれ以上の腕前の職人がたくさんいることです。彼らは名前が知られていないので名工とはみなされません。偉い職人の中には腕前も大したことが無いのに巨匠とされていることがあって不満を持っている職人も多いはずです。有名な職人の息子などは生まれながらにして有名です。
なぜこのようなことになるかと言えば、人間の性（さが）というものですが、職人特有の視点もあると思います。
職人は材料の加工を担当する職種です。その中で優劣を競うということは加工の正確さを競うことになります。
優れた工作機械を評価するときに精密さを評価するのと同じです。
そのため正確に加工できる職人は職人の中では高いランクになります。
問題は「何に対して正確か？」という点です。
近現代の産業では設計を担当する人と加工を担当する人は別の職種になっています。
加工を担当する人が職人であり、優れた職人とは設計の通りに加工できる職人のことです。
いかに精密な工作機械でも設計はしません。与えられた設計の通りに精密に加工するだけです。
職人の頭の中から、弦楽器の設計についてはすっぽり抜け落ちています。
にもかかわらず正確に加工できれば優れた職人とされるのです。
職人には設計という概念が抜け落ちている
家を建てるなら建築士と大工さんがいます。
職人は大工さんの方で設計するのが建築士です。
弦楽器でも大工さんに当たるのが職人です。
そのため設計という概念が抜け落ちています。
職人がヴァイオリン製作学校で教育を受けるとき、学校で決められた設計に基づいていきなり楽器を作り始めます。これはとても難しいものでどこの学校でも過半数の人は半年もしないうちに辞めていきます。決められた通りに加工するだけで「ヴァイオリン職人になろう！！」と人生の決断をした人の半分以上が数か月以内に挫折するほど大変なので、設計なんてのは手も付けられません。
決められた通りに加工できれば優秀な生徒です。名工の元に弟子入りする機会を得るかもしれません。辞めずに職人として残った人はその時点で立派な才能を持った職人と根拠もなく自信過剰な職人なのです。
このように学校では設計の仕方を教わることはありません。
設計も何もできないのに優秀な職人とそうでない人の差ができます。
こういう人たちの中から学校で教える先生が出てきます。先生も設計の仕方は何もわかっていません。
日本では珍しい職業ですが、ヨーロッパでは普通の職業の一つです。
教育制度では他の職業と共通化しています。大工を教育するのと同じようなシステムになるはずです。
弦楽器は家とは違う物だからといって特別な教育システムは作られません。
また別の国では画家のようなアーティストのジャンルの一つとして教えているところもあります。
職人として教育を受けた我々からすると、プロと呼べるレベルの加工技能がありません。
オールドの時代には設計と加工が未分化だった
それに対してオールドの時代は設計と加工に職業が分化していませんでした。職人が設計をして自分で作っていました。画家でもかつては職人でした。ルネサンスの時代の画家について調べてみると当時は現代的な意味での芸術作品というものではなく、教会に奉納する絵などを描いたのです。日本で言えば、宮大工みたいなものです。徒弟は初め絵具を作るなど具体的な作業から教わるものです。親方がお客さんと相談して、描く絵柄や仕様を決めます。大ざっぱに絵を描くのは親方の仕事です。ラフなスケッチを描いたり型紙を作ってそれを元に助手として弟子が手伝ったりしました。その合間にも親方の右腕となってもらうため構図やデッサンの練習もさせたことでしょう。
つまり設計は親方の仕事で、具体的なところは弟子が仕上げるのです。注文や工房の状況によって親方本人がどれくらいやるか、弟子がどれくらい請け負うかというのはさまざまでしょう。しかしいずれにしても設計の仕事が親方としての力量が問われるのです。
弦楽器製作でも同様のことが考えられます。
建築士に当たるのが親方で、大工に当たるのが弟子というわけです。
修業時代には親方の楽器製作を手伝いながら腕を身につけていってだんだん多くの部分を任されるようになったことでしょう。ストラディバリは二人の息子が共同制作者として楽器を作っていたようです。他の子供も何らかの手伝いをしていたのかもしれません。
弟子は独立後は自分で設計した楽器を作っていました。
師匠とそっくりの楽器を作る人もいれば、自己流に作る人もいました。
現代では設計の仕方は学校でも教わりません。「ストラディバリの○○年のモデル」から型を取ってきて手直しして作るのが一般的でしょう。今なら本やポスターが出版されていてコピーできます。モダン楽器の時代なら師匠から、型を受け継ぐごとはあったでしょう。その人のストラディバリモデルというのが代々受け継がれていくのです。
オールドの時代は師匠も別にこれが完璧とは思っていなかったでしょうから、師匠がアドリブでデザインするように弟子も独立すれば自分でデザインしたものです。近代以降は決まったものを作らなければいけないという風になっていますが、オールドの時代は思いつきでデザインしていました。
もちろん設計法について研究している人もいます。
コンパスなどを使って数学的に説明しようというものです。しかしこれは作図法であって音響的なものでも視覚的な美しさのものでもありません。アマティ家などが楽器編成が確立していない時期に、高音楽器から低音楽器まで音域の異なる楽器を設計するときに、拡大したり縮小したりすることは役に立ったことだと思います。しかし音の質を設計することはできませんし計算によって理想の形が作れるわけでもありません。フリーハンドでデザインされたようなオールド楽器もあります。
今の時代でも自分でデザインすることはできます。
しかしストラディバリのモデルがあまりにも基本形として身についてしまっているためその発想から出ることができません。またラインに歪みが無いように仕上げるのを腕の良さとして競い合っているため、ラインがきれいに見えるものを設計しがちです。形を作るというよりも加工が正確に見えるようなデザインにしてしまうのです。技能工としての優秀さをアピールするデザインとなってしまいます。
私もデザインしたことがありますが、アマティとストラディバリの間くらいのものでサイズは小型できれいなものは出来ましたが、個性的なものではありませんでした。
もっとヘンテコなデザインをする人もいます。独学のような人は基礎ができていませんから変わったものを作ったりします。それでも過去200年間に作られたどれかとは同じようなものになってしまいます。
中古のヴァイオリンがあった時、本で見て似ている有名な作者を見つけてラベルを偽造することができるものです。本で見たら似ていますから「本物じゃないか？」となるんです。
したがって見た目の個性などはあまり重要ではないのかもしれません。
音についてとなると話はまた違います。
変わった個性的なデザインでも楽器の作りが現代の一般的なものと変わらなければ音はそれほど変わりません。ストラディバリモデルでも、ガルネリモデルでも同じ作者が現代風に作ればどちらでも現代風の音になります。
チェロならモンタニアーナモデルが流行したり、ビオラではアンドレア・グァルネリモデルが流行したりしました。でも基本的な作風が現代風であることがほとんどです。
腕の良いと職人の間で誰からも認められる職人ほど現代風と言えるでしょう。
しかし私などはかなり変わった楽器を作ってオールド楽器の魅力を再現しようと試みているため、オールド楽器の魅力が分かっている人なら「そうそう、こういうのだよね」とわかってもらえます。ミラノのヴァイオリン製作学校の先生だった人にガリアーノのコピーを見せたらイタリア人らしくオーバーなリアクションで目を真ん丸にして驚いていました。分かる人にだけ分かるという感じでしょうか。
過去数百年の間にはかなり奇妙な弦楽器は作られました。
頭にドクロが付いているものもあります。パンクファッションの人にはぴったりです。
ただそれらが「個性的」という理由で珍重されているということはありません。
職人の力比べの結果
職人が同じルールのものとで腕を競い合った結果が現代の楽器と言えるでしょう。ヴァイオリン製作コンクールの出展作品を見れば皆そっくりです。審査員も部分ごとに採点しなくてはいけません。仕事の正確さを競い合って作ったら「現代的な音」になったというわけです。
職人たちは仕事が正確であるほど音が良いと信じているため、正確に作られた楽器の音を良い音と考えるのです。しかし実際には不正確に作っても同じような指導の下で作ったのなら同じような音になるでしょう。師匠や弟子、同じ門下の職人の楽器を弾き比べれば職人としての評価と音が関係ないことがわかります。それは構造にはそれほどの差が無いからです。でも頭で信じているので現実を見ません。
現代の職人は決められた通りに正確に加工できることで評価されるのです。
「じゃあなんでそういう風に決めたんだ？」と、そこに疑問を持たなくてはいけません。でも多くの職人にそこまでは期待できません。
正確に加工できる職人は全体の中ではまともな方です。
正確に仕事をできない職人に仕事を頼むのはとてもリスクが高いです。ひどい修理が行われて見るも無残になっている楽器もあります。素人が見よう見まねで作ったような楽器を高額で買ってしまった人もいて、そういう人に限って自分を天才だと思っています。
実際には個性的な楽器も存在します。しかし個性的な楽器を作ったところで誰にも認められません。
それらは売り物にならずに倉庫に眠っていることでしょう。
安価な粗悪品にもかなり個性的なものがあります。
現代ではプロとして認められる厳しい基準があるためみな同じになってしまうのです。
オールドの時代はそれがずっと緩かったはずです。今でも基準を緩くして適当に作るようになれば個性的なものがたくさんできるでしょう。その結果粗悪品をつかまされる人がとても多くなります。それだけたくさん楽器が売れればの話です。
もとをたどれば19世紀のフランスにもっと厳しい基準があり、もっと同じものが作られていました。それに比べれば今は個性的なものも、ヘタクソな職人のものも自由に販売することができます。
上手い職人の楽器はそっくりで、ヘタクソな職人の楽器は個性的です。ただヘタクソな職人の作るものは共通点があって、どこかで見た粗悪品に似ています。粗悪品は楽器全体の中では数が多いのでヘタクソな職人の個性的な楽器を「珍しい」とはあまり感じません。音痴な歌手の歌い方がみな似ているようにです。
みな同じとはいえ、上手い職人の楽器のほうがはるかに数が少ないです。
グァルネリ・デルジェズをよく見ていて面白いのは、1720年代から1740年代まで自分の楽器を作っているわけですが、メチャクチャで個性的なのは1740年以降のものです。それまでスクロールは父親が作っていましたが、亡くなってから作風が変わります。30年代のデルジェズを見ていると全く別のものではなくやはりアマティ的な基礎があることが分かります。アマティやストラディバリなどの近所の職人たちの基礎の中で本人なりにがんばって作ったのでしょう。しかし集中力が続かずそこまでのクオリティには届きませんでした。晩年はひどいものです。それでも音は悪くなってはいません。加工の正確さと音の良し悪しは関係が無いからです。
現代では学力によって職業が分かれているのに対して、昔は家で職業が決まっていたのでいろいろな学力の人が同じ職業にいたのが違うなと思うのです。職業教育も分化しているため低学歴の職人の教育というのはマニュアル化されて歯車となってしまうのです。歯車の優秀さを競い合うことしかみえなくなってしまうでしょう。
西洋では自分の権利を主張しなくては身を守ることはできません。
現代の職人たちも自分たちがいかに優秀であるかアピールします。
しかし現実に起こっていることは、職人の作る楽器がユーザーの好みに合っておらず、古い楽器ばかりが求められるようになっているのです。
現代の職人たちの「新しい音」はすでに50年以上前のものです。もはや新しくはありません。後発国では「新しい音」がまだ通用するのでしょうか？
実際にはもっといろいろな考え方の職人がいます。例を示すことで職人の世界を具体的にイメージ出来るようになったと思います。これは職人に限らずどこの世界でもそうかもしれません。職人も普通の人間であり神様のように信仰の対象にするようなものではないのです。
