こんにちはガリッポです。
量産品も品質が様々です。
先日メーカーの営業マンがヴァイオリンを持ってきてうちの店でもその中から一つ購入しました。5本持ってきて値段の高い方から安い方まで５万円から10万円くらいのものです。師匠は「どれが良い？」と私に聞いてくるので、わたしが「これが一番きれいだ」と選ぶと師匠はそれを購入しました。弟子に選んでもらうという師匠です。私は汚いアンティーク塗装が大嫌いなので一番「普通」のものを選びました。値段は真ん中で7万円くらいです。と言っても弦も張っていないようなもので魂柱、駒などはうちでやります。どうせ工場で仕上げたものではまともに演奏できるものではないからです。音も分からないので見た目で選びました。
でもとても安いもので中国製でしょう。それにしてはきれいに作られていてネックにも問題が無く、指板は削り直してペグも調整することができました。ほんとうに安いやつは指板やネックが初めから薄すぎてペグも細くて調整ができないのです。そういう意味ではヴァイオリン職人の店に卸すための楽器です。これが総合楽器店になると誰も弦楽器のことが分からないのでそのまま売られています。
日本の場合には弦楽器の人口が少ないので各地に弦楽器専門店がありません。総合楽器店では職人はいませんから調整はできません。商社などが中国から買い上げて調整してから売るというのもあります。
板の厚みを測っても私が作るような厚さで何一つ問題になることはありません。これがドイツ製なら伝統があって厚めの板のものが作られ明るい音になってしまいます。私だけでは無くて勉強すれば誰でも名器の板の厚さは分かるのです。工場の機械の性能は良くなっているので中国でも作れます。ニスはアクリルでしょうが柔らかいものです。当然配合によって柔らかいものができます。
この楽器は板も薄く、ニスも柔らかい、アーチを含めどこをとっても悪いところはありません。音はよく出るでしょう。それで買ったのです。音は多少のキャラクターはあるでしょうから、たくさんの選択肢の一つとして店頭に置くことになります。値段は20万円程度です。他にはストラディバリウスとラベルが貼ってあるような古い量産品などもあります。品質はずっと悪いですが古い分鳴りは良くなっています。
下手なハンドメイドより音はいいんじゃないかと思います。7万円でヴァイオリンなんて私には作れませんよ。
今回はスクロール（うずまき）の話です。
ヴァイオリン族の楽器のほとんどにはスクロールと言ってうずまきが付いています。それ自体は様々な建築や工芸品の装飾として当時は当たり前のものでした。現在建築ではあまりついていません。それはコストがかかるからというのも理由の一つでしょう。
現在では省略されています。
権力者が自分の力を誇示するためにお城や宮殿を飾ったり、神の偉大さを表現するために神殿や教会を飾ったりしたかもしれません。純粋に職人が趣向を凝らして美しいものを作ろうという意図もあったかもしれません。
ネックとペグボックスは演奏上とても重要なものです。ペグボックスは弦を巻いて収納し、ペグを使って調弦するのですから弦の力にも耐えなくてはいけません。それに比べるとスクロールはあまり必要がありません。ヴァイオリンなどでは調弦するときに持ったりします。そのため古い楽器なら摩耗して角が丸くなっています。
オカルトな人達は「天才職人は音を考えてスクロールの彫り方を変えたに違いない」と考えるかもしれませんが、それは無理です。音響物理学の教授に測定してもらうと楽器のあらゆる部分は振動していることが分かります。スクロールもそうです。しかしどのように作ったら音がどうかかわるかは予想が付きません。
古い楽器ではスクロールが別のものに変えられていることがよくあります。理由としては
①ひどい損傷を受けたので新しいものに変えた
②別の楽器に見せかけるために変えた
この二つが主な理由でしょう。
ペグボックスはひびが入りやすいところです。ペグが緩んでしまうとギューギュー押し付けていきます。そうなると割れてしまいます。今ではペグは鉛筆削りのような専用の工具で加工できますが昔はそのようなものは無く具合の悪かったものも多かったはずです。今でも使用するごとにペグは摩耗していき止りにくくなってきます。定期的に削り直しが必要です。
そのほか先端なので事故などで損傷を受けることもあります。虫に食われて穴が開いて弱くなってしまうこともあります。チェロやバスになるとネックが折れてしまう事故も多くなります。
もともとのスクロールを残して修理をするよりもスクロールごと新しいネックを付けたほうが安く上がります。古い楽器の修理なら他のガラクタから取ってくることもあったでしょう。
量産楽器ではペグボックスが割れたり、ネックが折れたら修理代のほうが楽器より高くなってしまいます。その時点で寿命を迎えることになります。
何度か新しいネックを取り付ける修理をしたことがあります。一番大変なのはニスですが、私は得意とするところです。
単に使用できるというのであれば壊れたのだから部品を交換すればいいのですが、ハンドメイドの高級品であれば出来るだけオリジナルのうずまきを残すことが求められます。ネック部分は消耗品と考えて良いですが、ペグボックスは穴が大きくなりすぎれば埋めて穴をあけ直します。割れても新しい木材を張り付けて補強します。それでもだめなときは渦巻きのところ以外をすべて新しくします。
なぜかと言えば、
作者のオリジナリティを重要視するからです。
もし出所がよくわからない楽器があった時に、ヘッド部分を見ると作者や流派の特徴があるので手がかりになるのです。それを逆手にとってヘッド部分だけ「本物」にしたコンポジットという偽物を作ることも有り得ます。
修理不能となった古い楽器から渦巻きだけとって新しく作った胴体に取り付ければだいぶ雰囲気が出ます。
ドイツのオールド楽器で近代風のスクロールが付いていることもよくあります。理由は修理の手抜きかもしれませんし、イタリアの楽器に見せかけるためかもしれません。特に南ドイツのスクロールは独特なものがあります。そうかと思えば、ナポリでは南ドイツ出身の職人が働いていたのでガリアーノ派の楽器には南ドイツ風のスクロールが付いているものがあります。最初はニセモノかと思いました。ドイツからイタリアに行った職人は何人もいます。
なぜこんなことをするかといえばそれで値段や注目度ががらりと変わるからです。と言っても楽器を売買する業者の間での話であって、業者が重要視するのはいつもお金の話です。音の関係性はわかりません。財産として考えると重要な話です。
職人と作家
産業革命以降工業製品は工場で大量に作られるようになりました。それも最近は外国で作られるようになり目にする機会は減っていきます。
こんな資料も見ました。1960年頃に日本の農村に機織り工場ができて女性たちがそこに勤めるようになりました。農家では養蚕して雪の季節などには自分で布を織っていたりしたものでした。農家の女性たちは工場に勤めることを何か「都会的な素敵なもの」と考えている様子でした。バブルのころには３Kなどと言って工場労働が嫌われ、今では「普通のOL 」と言ったりします。そんなに昔から普通だったわけではありません。そうやって身近なところから物を作る感覚が失われていったと思います。
今では職人は伝説に聞く仙人のようなイメージを持っている人も多いかもしれません。
日本の伝統産業では後継者不足で途絶えていくものが多くあります。桶を作る職人の様子をうかがうと、足に板を挟んでカンナでササッと削ってすばやく桶を作ってしまいます。西洋なら台に固定して加工しますが、手だけでなく足までも使うのが日本の職人です。水が漏れないように作らなくては使い物になりません。それを家宝としたり床の間に飾ったりすることはありませんが、すさまじい速さで作るのは達人です。職人とはそういうものです。
今では桶を使って生活している人が少ないでしょう。何でもプラスチックです。昔はそれしかないわけですから生活必需品だったのです。プラスチックのほうが安いからなのですが、木の桶でも工場で量産したほうが安いです。職人に後継者がいないのは当然の話です。
「職人」という場合には桶のような産業がほとんどだったはずです。作業を何度も繰り返すとにかく早い仕事が求められます。しかしこの作業は機械に取って代わられたので今でも残っている職人は昔なら例外的な人なのでしょう。このため我々は「普通の職人」というのを知らないのです。
様々な分野で今でも残っている職人は名人としてコレクションの対象となるものや、特注で特殊なものを作る人か、センスで素敵なものを作る人かそんなイメージを持っているかもしれません。
かつてはスーツなどは洋品店で採寸して作っていました。これも職人です。アメリカで大恐慌後の1940年頃にはダボダボのスーツを着ている人が目立つようになります。今では外国のブランド名が付いたものを多少直してもらう程度です。外国人の体形では体に合わないので日本の会社が作ったものに外国のブランド名の使用料を払ったものです。今では中国から東とインドから西で体形が分かれているようです。綿製品ならヨーロッパで売っている服と同じものをインドの人が着ています。
産業革命でインドとイギリスの関係は学びますが、それには続きがあって今では製造やファッションの流行までインドが最先端です。
昔はそうではなくて近所の洋品店で職人が服を作ってくれたのです。今ではこんなのはぜいたくすぎると考えられます。その一方で高価なブランドの「量産品」が都会の一等地で店を構えています。その値段なら職人を店内に雇えるんじゃないかと私などは思ってしまいます。
そういうわけで基本的に職人というのは衰退の歴史そのものものです。ヨーロッパでは弦楽器職人もその一つです。
職人を知らないということが弦楽器を大きく勘違いする要因です。弦楽器とは桶が複雑になったようなものなのです。
一流の職人とは
もし桶を作るなら最低限の手間でできるようにします。それが一流の職人です。
弦楽器もそのような面があります。作業工程はとても長く作るのに莫大な時間がかかります。今私が作ってるヴァイオリンですが3月から作り初めて5月の終わりでようやくニスを塗る前までこぎつけたところです。途中は他の仕事やお店の改装もあったのですが2か月はかかっています。うちは週休二日で週38時間労働ですからそれ以上はできません。
こんなことしていたら年間に何個作れるでしょうか？勤め先では特殊な凝ったものを小数生産しています。もっと単純なものを作るのが一般的です。それでも10もヴァイオリンは作れないでしょう。ガエタノ・ガッダなどはひと月に一つ作っていたそうで、仕事はかなり雑です。細かいことは考えずにどんどん作業をこなしていたはずです。入念に音を調整しながら作ったはずがありません。
ヨーロッパで人気があるのなら東京の店に並ぶほどの数は無いはずです。東京の店に常にあるということはその作者は日本ばかりで販売されていると考えて良いでしょう。これが楽器店の言う「世界的な評価の高い楽器」です。おそらく日本の楽器商は世界一で彼らが選んだので世界一の楽器なのでしょう。日本のユーザーは日本人の職人は全く信用しないのに、楽器店の営業マンのことを世界一の目利きと信じていることでしょう。このあたりも職人の感覚が身近から失われている現象です。
うちで売れている楽器なんて「世界一の日本人」には不十分で満足できないのでしょう。
話がそれましたが、弦楽器製造の現場では桶を作るように作業をさっさとこなしていくことが求められます。
陶芸であればコレクターがいて作業時間にくらべて高価な値段で取引されています。たくさんのものを作って気に入らないものは壊してしまいます。それと同様ならヴァイオリンも10個作って9個は壊してしまい、一つだけを数千万円で売ることになります。コントラバスなら数億円です。
それができないのはコレクターの数が少ないということが言えます。弦楽器を買う人は基本的に弦楽器を弾く人だけです。そのため「自分独自の表現」みたいなものを編み出す余裕なんてないのです。
特に日本ではバブル以降イタリアの楽器が高値で売られるようになったそうです。今300万円以上する作者も80年代には100万円もしなかったそうです。その値段なら私も良い楽器だなと思います。その時点なら「イタリアの楽器が良い」という意見に賛成します。
私なんかとは違って桶職人のようにてきぱきと仕事をこなしてそれでスタンダードな水準の製品を作っているのですから一流の職人です。イタリアの彼らが一流であることを認めます。日本の職人がセッティングなどを詰めていけば良いでしょう。
まあ弦楽器職人というのはこういうものだということを分かって欲しいです。
日本の職人
私のところでは教育は日本のような「学歴」という考え方ではなく、「職業訓練」という考え方です。専門教育を受けることで効率よく職業能力を身に付けるのです。ヴァイオリン工房はどの町にも何軒もありますがそれでも珍しい職業で訪れた人はよく「職業訓練に何年かかるんですか？」と聞いてきます。それに対して学校で学べば「3年半で卒業資格が取れます」と答えます。職業教育を受け学校を卒業したのでプロと名乗れます。日本の職人なら教えないで盗めというのですからとても効率が良く合理的です。代々続いている老舗でもその家のやり方だけでは時代から取り残されていきます。学校に行って学ぶことは視野を広げる効果があります。また独学では到達できないものですからインチキ業者を世に出さない効果があります。
しかし実際には学校を卒業したくらいでは何も仕事は出来ず使い物にはなりません。弦楽器職人の職種は大きな会社や工場のように役職や工程に細分化されていないので一人前になるには長い時間が必要です。ただ西洋人というのはこのように効率よく職業人となり、余暇を遊んで楽しむ人生を送っているのです。
それに対して日本人の精神性として「道を究める」という考え方があります。仏教や武道でもそうかもしれません、「生涯修行」というものです。もちろん西洋でも訓練を積むことは「勤勉さ」として称賛されます。様々な分野で活躍してきた西洋人も多いです。音楽家ももちろんそうで、上手い子は楽器を見るとよく弾きこんでいるのが分かります。練習量がすごいのです。
日本人の精神は目的を効率よく達成するためのものではないでしょう。大会で勝つためだけに武道に取り組むわけではありません。修業自体に意味があります。
私も日本で生まれ育ってヴァイオリン職人を目指したときにスタートの時点で持っていたはずです。特に意志もなく何となく大学に入ってしまい就職するにもはっきりしたものがありませんでした。「学歴」に欲もなく一生懸命受験勉強したわけでもなくまあまあの難関大学に受かってしまいました。両親はとても喜んだのですが、私は浪人しなくて済むことにホッとしたのを覚えています。
周りの学生が受験のストレスから解放されて遊びほうけているのに対して、私は大学の勉強もおもしろかったし、そんな中ストラディバリなどのオールドの名器のことを知りました。どうやってそんな名器を作ったということにとても興味がありました。今でも変わってませんね。それが難しいのは外国の人で、時代も違うので自分たちの考え方では理解できないのではないかと考えていました。文化人類学の本も読んだものです。
いざヴァイオリン製作の修行を始めるとそんなことは吹っ飛んでしまって目の前の作業だけで精一杯です。とても楽しくて何か月も一日も休まずにやっていました。少しでも良いものが作りたいという一心でやっていました。今から見るとちまちました仕事の仕方でいかにも日本の職人です。
私もすっかり日本の職人として始めたのですが、ヨーロッパに渡ることになります。私の中では日本人の職人の精神とヴァイオリンそのものを作った西洋人の精神との葛藤です。この葛藤は今でも続いていて、私のブログでも「かもしれない」という言い方が多い所以でもあります。自分が良かれと思ってやっていることも素晴らしい楽器を作ってきたヨーロッパの職人の考えに反しているかもしれないのです。いつでも「これでいいの？」と思っていますから、あまり断言しにくいのです。
カルチャーショック
私もすっかり西洋の考え方に慣れてしまっているので、日本の方からすれば「失礼な奴だ」と思うこともあるかもしれません。
うちの会社には歴代何人か日本人がいていずれも腕の良い職人です。そのため私も推薦してもらうと即座に受け入れてくれました。「日本人はとても腕が良い」というイメージを持っているようですが、たまたまそういう日本人が日本を代表して行っただけであってそうでもない職人もたくさんいます。80年代には日本企業も世界で存在感を放っていて日本製品を喜んで買っていた世代です。楽器店を営んでいた先代の親方などはハイエースに乗っていてあとで売りに出したら買った時より高く売れたなんて言っています。ヤマハの電子オルガンなども学校単位で納入してとても羽振りの良い時代があったそうです。
それで日本人の職人がやってきて抜群の腕の良さを披露したわけですから日本人の職人に対する信頼は絶対的なものです。
特に日本の職人は刃物を研ぐということに異常にこだわりを持っています。刃物の切れ味を生涯にわたって追求していくのが木工職人の道です。もっと言えば日本刀や包丁でもそうです。
それに引き換え西洋の今の職人は刃物もろくに研げない人が多いのです。
逆に言えば西洋人は刃物は必要十分で良いと考えています。これは私が学んだことです。極限まで切れ味を追求することはもちろん忘れてはいませんが、より実用的な研ぎ方を追求しています。極限までは先を鋭くしようとするともろくなってしまうのです。それに耐えられる刃物が必要となります。そうやって日本では刃物が異常に発達してきたのでした。しかし日本でも高級な刃物を作る鍛冶屋は後継者がいなくなっています。
今では日本の包丁が世界中の料理人の憧れになって活路を見出しています。それとて究極な研ぎの技を持って初めて意味を成すのであって、チャラチャラした料理人が日本の包丁を買ったからといって何かが変わるわけではありません。繊細な刃物を雑に使って刃こぼれを起こして眠りにつくのがオチです。
仕事に対してもそうです。他の職人は仕事が終わるとすぐに遊びに行ってしまいます。私は今でもそうですが仕事に集中していると疲れてしまって遊ぶ余裕もありません。仕事中に遊びのことを考える余裕もなく、すぐに遊びに行く準備ができていません。
仕事は仕事、遊びは遊びというのが西洋の人たちです。修業するためにヨーロッパまで渡ったのに、師匠や先輩がこの調子です。このような失望は日本の楽器店でヨーロッパで作られた楽器を買う人にとっても同じことです。彼らは仕事が終わってまで楽器のことを考えているような人ではなく、仕事をさっさと片付けて遊びに行きたいと思いながら仕事をしている人かもしれません。日本人に比べると人生において「仕事」に対する重みがはるかに軽いのです。
まあ日本人でも楽器店に勤めてる職人はそんな人が多いそうです。
師匠が日本の職人について先人の日本人から学んだのは「弟子は人間ではない」というものです。これは日本の職人の師弟関係を西洋人に分かるように説明したものでそれだけ師匠は絶対で弟子に自由などは無いということです。これは日本人の異常性として語られる話です。
こっちでは新人でももっともらしい理屈を言えば上が納得します。「○○なのでこうします」と説明すれば師匠の教えと違う方法でも「じゃあ、それでやってみろ」ということになります。大抵はうまく行きませんが結果さえ合格すればうちでは問題ありません。私もミスして怒られたことはありません。職人の仕事はとても難しくミスはつきもので弟子も師匠もミスばかりなのです。
ミスしたらやり直せば何とかなります。それを見越して初めは給料が安いのです。やり直せる範囲のミスに抑えなくてはいけません。取り返しがつかなくなる事態は絶対に避けなくてはいけません。そのため「安全な距離」を常に保ち、シミュレーションを何度も繰り返します。安全な距離とは決められた寸法よりも大きめに切断し徐々に削りながら合わせていく方法です。シュミレーションは接着剤を付けずに組み合わせてみて隙間が無いかチェックすることです。接着はすぐに固まり始めるので速さが必要で位置がずれてしまうとおしまいです。安全策を取りすぎれば時間がかかりすぎてしまい、怠ればやり直しで時間がかかってしまいます。そのため精度を甘くすれば劇的に作業時間を短縮できるのです。
ともかくミスはつきもので怒られるようなことではありません。ただし報告はしなくてはいけません。
こんなところで暮らしていて学んだことは「理屈なんてのはただの武器」だということです。理屈をそれっぽく言えば自分の希望を通すことができるのがヨーロッパという社会です。だからヨーロッパでは理屈屋ばかりなのです。それを日本人はまじめに信じてしまってはいけません。彼らが安易な理屈で納得するのはそれ以上探求するのが面倒だからでしょう。その人がやりたいと言っているのだからやらせておいて自分は遊びに行きたいのです。仕事に対してそんなに思い入れが無いから誰かが理屈を言うとその人に丸投げしてしまうのです。
そのため彼らは日ごろから討論が好きです。聞いている方は全く意味がないです。動物の子供がじゃれあうように、彼らは理屈の力比べを楽しんでいるのでしょう。
子供のころから練習を積んでいるので話を聞くと何とも立派なことを言います。テレビ番組で学生などに社会問題などのインタビューをすれば欧米の学生はとても立派なことを言い「日本の学生はダメだなあ」という印象受けます。でもその辺に転がっている理屈を言ってるだけなのです。世界を相手にビジネスをするにはこれに打ち勝たなくてはいけません。
ただし話の内容をまともに受けていはいけません。詭弁合戦をしているだけで口で立派なことを言う人が出世するのです。
それを経験すると日本では「偉い人の言うことが正しい」という事になっているように見えます。理屈を言えば内容のもっともらしさではなく「なんでお前みたいなやつが偉そうに言っているんだ」という意見が出ます。
偉人が言うことはもちろん素晴らしいのですが、どうやって「偉人」が選ばれているのかが謎です。
凡人が「あの人は天才」となぜ見分けられるのか不思議です。実際はみんなが知ってるという理由です。
いずれにしても楽器については弾いてみないと音は分からないものです。理屈も偉さも関係ありません。
そんな中、韓国人のヴァイオリン製作学校の留学生が実習に来たことがありました。ヨーロッパの学生とは全く態度が違って先輩に対して異常に気を使うのです。そういえば日本でもそうだったなと思い出します。そういうところでは日本人と韓国人は似ています。
もう欧米では上下関係で人を従わせるというのは無理でしょう。そのため工業製品でも品質を管理するのは難しいです。若い人が自主性を発揮するという良さはありますが、工場などで多くの工員を従わせるというのは難しいと思います。品質が良いものは少量生産で入手が困難です。
スクロールと作風
まず日本人としての思い込みを無くすことが重要だと説明してきました。
スクロールについて日本の楽器店に勤める先輩などは「作風がとても重要だ」と教わったそうです。スクロールには流派ごとに特徴があって「スタイル」が確立されていることが重要だというのです。
なるほどと思った人もいるかもしませんが、いかにも商人の発想です。楽器を見たときにスクロールで流派が見分けられれば便利です。さっきのガリアーノのようにイタリアの楽器にドイツのスクロールが付いていると混乱します。商人からすればそういうものはあって欲しくないのです。商人はイタリアの楽器の価値が高くドイツの楽器の価値が低いと考えているのでイタリアの楽器にドイツのスクロールがついていれば価値に傷がつくのです。
単に個性的というのなら、ドイツのオールド楽器のスクロールにはとても個性的なものがあります。それがお金の話になるとそれは「悪いもの」となります。イタリアの楽器なら個性的なものは「個性があって良い」となります。
職人から見ればどうでも良い話です。
私が職人として尊敬するのはそれとは違います。
見事に作られていれば腕の良い職人だし、雑に作られていれば低コストで作られたものだというだけです。
自分でスクロールを作ったことが無ければそれがどれだけ難しいものなのかわかりません。
実際にはスクロールを見てもどこの国なのかよくわからないものは結構あります。商人にとってはそういうものは商品価値が無いのです。彼らの間で商品価値が無いということはお買い得なのです。そういうお宝がたくさん眠っています。
だから理屈なんてどうでも良いのです。
専門家っぽい人が「スクロールはスタイルが重要だ」とかウンチクを言っても聞き流しておけばいいのです。職人なら品質が高ければスタイルに関係なく上等なものだと考えます。
デルジェズのスクロール
オールド楽器のコピーを作るということは自分の発想をいかに捨てるかということでもあります。我の強く自分たちを世界の中心だと考えている現代の西洋人には難しいことです。そのためこの分野では日本人が高く評価されることがあります。
1730年代のデルジェズの特徴としてはスクロールは父親が作っていたということにあります。39年に父親が亡くなったとされていますが、その年の楽器でも父親のスクロールが付いています。スクロールだけ多めに作ってあったのかもしれません。40年くらいから作風が変わります。1720年代にいったん戻るような感じもするのでそれがデルジェズ本人のものかもしれません。45年に近づいていくほど荒くなっていきます。我々もイメージするデルジェズというとそういう荒っぽい個性的なスクロールのものです。一説には奥さんが作ったとかよくわからない説もあります。
少なくとも30年代のものは父親が作ったということは基本的な知識として知られています。どれがそうなのかは、私なら写真を見ただけでもすぐにわかります。なぜかというと独特な雰囲気があるのですが、アマティ的な感じがだいぶ残っているからです。アマティが繊細なタッチで仕事をしていたのに比べれば、歳をとっていたせいもあってそんなに繊細ではありません、しかし基礎としてのアマティが残っているのです。
そういう意味でも父親のフィリウスアンドレアは息子の楽器のためのデザインみたいなことは考えてもいなくて初めて習ったときのまま作っているだけです。フィリウスアンドレアのスクロールはノミの跡をきれいに仕上げていないことが多く、それも特徴です。アマティやストラディバリと違うところです。でも全部がそうというわけでもないのでこだわりがあってやってるというより面倒なので仕上げていなかったのでしょう。当時、クレモナのグァルネリ家の楽器は値段がアマティやストラディバリに比べて安かったと言われています。当時は大量生産もなかったので仕上げを省略して安い値段でやっていたのでしょう。
オールドの時代には安価な楽器は単に雑に作られました。それでも音が良いものもあります。これは今でもそうです、中国の楽器にも音が良いものがあるかもしれません。
私はアマティのコピーをたくさん作っています。独特の癖があって近代のような無味無臭な感じじゃないのです。私も自分でスクロールをデザインするとすればバランスも良くカーブもきれいな丸みになったものをデザインするでしょう。アマティのものはそれではできないのです。当時は比較する対象もなかったので「より欠点の少ない」完璧さを競争することもなかったのです。
その後大量に作られた粗悪品に比べれば整ったものですが、完璧さを競い合っている近代のものとも違うのです。近・現代のものがきれいすぎるというわけですが、そういうものは決して多くは無くそれらが上質な希少な楽器であることは間違いありません。
それが弟子のアンドレア・グァルネリになるとまた癖があるし、息子のフィリウスアンドレアになるとまた癖があるのです。グァルネリ家の楽器のコピーをいくつも作っているとパッとデルジェズの写真を見るとすぐに「これは父親のスクロール」だなとわかるのです。どんなに偉い専門家でも見て分からなければ何もわかっていません。もっと言うと同じものが作れなければ見えているとは言えないでしょう。
晩年のデルジェズは仕事が粗いので仕事が粗いのが本人で繊細なのが父親のうずまきと考えるのは間違っています。20年代のフィリウスアンドレアっぽくないうずまきは丁寧に作ってありますし、父親の晩年のものはかなり荒くなっています。でもなんとなく雰囲気があります。
アマティの教えもデルジェズの代になるとだいぶ失われてきているということです。100年も続かないのです。それだけ教えるのが難しいのが弦楽器の製造なのです。
フィリウスアンドレアのスクロールが付いていることもあって私にとってはデルジェズもアマティ派の楽器だという印象を受けます。今回は板目板を使ったので形はデルジェズなのにアマティっぽい感じがします。私が前に見たニコロ・アマティも板目板でした。
現代風の作風なら形はデルジェズでも現代の楽器に見えます。外側の形はそんなに重要でないように思います。
業界で言われてきたのはデルジェズがフラットなアーチを考案してそれまでのアマティ流の楽器作りに技術革新を起こしたというものです。実際にアーチの高さを調べてみればこれがデタラメであることは分かります。一旦知識として広まると調べればわかるようなことも調べないのです。近代の楽器作りを正当化するための理屈です。
アマティのコピーで設計図の段階ではヘンテコな感じがするのですが出来上がってみると美しいと感じることがよくあります。オールド楽器というのは形はおかしいのに雰囲気があります。こういう経験は現代的な基準から外れても何とでもなるんだなという自信にはなります。面白い発見です。写真で見るとどうしても平面なので外側の形の完璧さに目が行きます。手に取ってみるとそれより多くのことが分かります。近現代的な意味できれいな楽器も、オールド楽器もパッと見ただけで違いが分かります。
自分でヘンテコなものをデザインするのは難しいですね。コピーならではの経験です。たとえば若いころ画家が森でスケッチを繰り返していたのが晩年に想像で描いた絵の基礎となるようなものです。フィリウスアンドレアなら、初めからアマティの流儀を学ぶことができましたが、今の我々がそれを学ぶにはコピーをやるしかありません。
そうやってるうちに自然と1600年代のアマティの基礎が私が学んだ現代の基礎に塗り替わって行くことと思います。特別に考えてそうするのではなくて普通に作っただけでオールド楽器のようなものができるようになるのが目標です。別に現代風のものより優れいてると言う気はありません。今ではそのようなものを作る人はまれなので数百年後には世の中から無くなってしまうでしょう。もったいないと思います。
実技は次回
日本人の考え方と西洋人の考え方には違うところがあります。我々がヨーロッパで作られた高価な楽器を買う時に、名工はこうあって欲しいという思いは裏切られることがあるでしょう。彼らは日本人ではないからです。
デルジェズという人は自分でスクロールすら作らなかったのですから、魂込めて楽器を作っていたというのとは違います。父親とともに家業を続けていただけです。自分の名工はこうあって欲しいという私欲は捨てないと一つ一つの楽器を理解することができません。
産業として弦楽器を製造しようと思えばとにかく短時間で作ることが求められます。販売する業者にとっては卸値が安いほど利益が高まるからです。
短時間できれいに見える楽器を作れることを一流の職人だと評価して来たことは間違ったことではないでしょう。
ただそれが日本のユーザーが高級品に求めるものなのでしょうか？
私が考えているのははるかに凝ったもので販売業者を通さずに販売することです。作れる本数も少ないので大量に販売する必要もありません。
私にとって幸運なのは現地のユーザーに接することができることです。
「日本の職人のほうが腕が良い」と結論付けてしまえば何も学ぶことはできません。それに対してこちらのユーザーは世間の評価なんて関係なく自分の感じた好き嫌いをはっきり言います。どんな師匠よりもはるかに厳しいです。
私が働くようになって初めの数年のころに師匠は、手元にあったヴァイオリンを見せて「これをどう思う？」と聞いてきました。私は「好みの問題です。」と答えました。それに対して師匠は「日本人は皆そう言う。そうじゃなくてお前はどう思うんだ？」と聞いてきました。世間的な評価ではなくて自分自身がどう思うかを聞きたかったのです。私は何も答えられませんでした。
今はだいぶ自分の考えが持てるようになってきました。そうやって作って気に入ってくれる人も出てきています。自分が心の底からいいなあと思うのと同じような楽器を求めている人がいるということがわかってきました。
