Haircut 100 - Pelican West

Haircut100の1982年のデビューアルバム。
80年代のUKのニューウェイヴとネオアコブームを代表する名盤。
ケント州で結成されたニック･ヘイワードを中心とするアイドル的人気グループで、70年代のパンクブームの嵐が過ぎた後に生まれたファンカ･ラティーノというニューウェイブの流れをくむバンドである。(ファンカ・ラティーノはニューウェーブの中でもラテンの影響の強いポップサウンドのことを指す。)
サウンド的には前面に押し出したクリアなギターカッティングと要所要所で効果的に使用されているラテンパーカッションが印象的。このコンプレッサーを軽くかけたギターカッティングの音色は今ではほとんど使われなくなり、時代を感じさせるサウンドとなったが、彼らのリズミカルでキラキラとした曲調はこの全体のリズムをグイグイ引っ張るギターカッティングによって作られている。
そしてアルバム全体のテーマは“Favourite Shirts(Boy Meets Girls)”などの曲名からも連想されるとおり、どの曲も“爽やかな夏”である。アイドルのイメージの強かった彼らではあるが、ニック･ヘイワードの書く曲をはじめ、無駄を省いたタイトなアレンジ・演奏とアルバムとしての完成度も高く、今聴いてもこの清涼感漂う爽やかさと音楽的なレベルは決して褪せてはいない。
結局この後Haircut 100は中心人物であったニック・ハイワードが脱退し、彼らの人気は二年ともたずに解散してしまっている。このデビュー盤“Pelican West”はメロディーメーカーであるニック・ヘイワードがこの時代に青春期であったからこそ成しえたサウンドといえるだろう。
このアルバムは、日本ではフリッパーズギターが彼らの“Favourite Shirts(Boy Meets Girls)”をカバーして注目され、いまだにネオアコ少年たちのバイブルとなっている。
ちなみにこのアルバムの中の曲は“Favourite Shirts”を“好き好きシャーツ”“Lemon Firebrigade”を“レモン消防隊”“Marine Boy”を“海洋少年”などと、そのままなのだが痛々しい邦題がつけられていて、これもまた時代を感じさせてくれる。

Sly & The Family Stone - There's A Riot Going On

Sly & The Family Stoneの1971年のアルバム。邦題は“暴動”。
前作の“Stand”から2年半ぶりにリリースされたアルバムで、スライそしてブラックミュージックの歴史の中でも大きな転機となった作品。
暴動というタイトルからは“Stand”後にWoodstockに出演したりと大きく高揚したスライがさらに過激に盛り上がったかのように思ってしまうが、この作品の大きなテーマは“挫折”である。
“Stand”で60年代ブラックミュージックのスター、カウンターカルチャーの象徴的スターとなんたスライではあるが、ここにはその確信に満ちたスライの姿はもうなく、残っているのは挫折感のみ。
サウンド的にも“Thank you”でラリー･グラハムの史上初のチョッパーベースをフューチャーしていたが、このアルバムから大胆にリズムボックスを導入。リズムボックス導入自体はその後のファンクからHipHopへ使用されたり、80年代エレクトロビートの先駆けとも言える歴史的事件ではあるが、このアルバムでは陰鬱とした雰囲気の源となっている。
“Stand”以前は大所帯バンドのイメージが強かったが、このアルバムはほとんどスライひとりで作っており、その結果、当時かなり麻薬中毒だったスライの健康状態・精神状態がストレートに表現された音楽になっている。“Family Affair”などのヒット曲も生まれているが、このポリリズムを聴いているとひたすら暗い気分にさせられる。
ジャケットには大胆にアメリカの星状旗が使われているが、このスライの挫折感そのものが、60年代の反動で夢の崩れ去ったこの時代のアメリカの挫折でもあることを表している。
このスライのサウンドは、JBが作った“Funk”という音楽スタイルの表現方法、サウンドを大きく拡大させた。プリンスの密室型ファンクやエレクトリック時代のマイルス･デイビスに大きな影響を与えている。スライがこれ以降、サウンドど共にひたすら下降線を辿ったのに対して、マイルスはこのサウンドを自分のものとし、次々にファンキーなパワーを増幅させていった。サウンド的には非常に類似点があるが、このアプローチの差は両者のサウンドに明白に表れている。
このSly & The Family Stoneのメンバーは、現在はスライとラリーグラハム抜きで“Family Stone”としてレコーディングを行っているらしいが、もしスライが加わるようなことになれば、彼がこの時代にどんなサウンドを聴かせてくれるのか興味深いところ。これまで何度も復帰の噂がああったが無理だったので、今回も実現することはなさそうだが、どこかで期待してしまうのである。

Cecilio & Kapono - Night Music

Cecilio & Kaponoの1977年の３枚目のアルバム。
このCecilio & Kaponoはセシリオ・ロドリゲスとヘンリー・カポノ・カアイフーによるハワイのデュオ・グループ。
日本では70年代後半からの第二次サーフィンブームと合わせてサーファーを中心にヒットしたアルバムである。
ハワイアンミュージックとして認知されているグループではあるが、実はこのアルバムはLAで録音されており、ストリングスアレンジをあのA&Mサウンドの巨匠ニック・デカロが担当している。
そのため当時のLAのAORテイストが強く、随所にニック・デカロによるFree Soul的なアレンジが光る。その都会的なAORの雰囲気とふたりのハワイならではのフォーキーな要素がマッチし、彼らならではのグル－ヴィ－＆メロウなサウンドとなっている。
オリジナル曲に混じってBoz Scaggsの大ヒット曲“We're All Alone”のカバーも収録されており、まさしくハワイアンAORの真骨頂といえる。
バックのメンバーは当時のLAの一流ミュージシャンたちで、SaxのTom Scottも参加している。
アルバムジャケットにも出ているとおり二人ともむさくるしいヒゲの大男で、そんな風貌からは想像つかない爽やかなハーモニーとサウンドとの対比が面白い。
全体のコンセプトはタイトルが通り“Night Music”。昼間の海でサーフィンをするための音楽というよりは、夕暮れの海沿いでアロハシャツを着て涼しい風に吹かれながら聞く音楽のようだ。

George Clinton - Live At Montreux 2004

George Clinton率いるP-Funkの最新ライブ盤。
同時発売でDVDもリリースされているが、今日現在店頭で入手できるのはまだCDだけのようだ。正式名義はParliament Funkadelicの連名となっている。
この音源はタイトルにあるとおり、2004年モントルージャズフェスでのライブであるが、ライナーには例によってバンドメンバーの詳しい記載は一切なし。
詳しいメンバーはDVDのほうを見ないと音だけではなんとも判断つかない部分が多いが、わかる範囲で予想される主要なメンバーは以下のとおり。(間違ってたらごめんなさい)
George Clinton (Vo&Dr. Funkenstein) DeWayne“Blackbyrd”McKnight (guitar&Band Master) Michael Hampton(guitar) Billy“Bass”Nelson(bass) Frankie“Kash”Waddy (drums) Ricardo“Rico”Lewis (drums) Bernie Worrell (keyboards) Sativa (rapper) Lili (violin)他。
前回のCD-R３枚組のライブ同様、オリジナルFunkadelicのバーニーの変態キーボードプレイを全編に渡ってフューチャー。数年前まで金銭的な問題でクリントンともめてBootsyのバンドで活動していたが、ドラムのFrankie“Kash”Waddyとともにいつのまにか本家のほうに戻っているようだ。そしてオリジナルファンカのベーシストであるビリーベース、バンマスのブラックバード、Kidファンカデリックのマイケルハンプトンも健在。
曲目は全部で13曲収録となっているが、いつものP-Funk特有のアメーバ的な変則アレンジなので、曲自体は大きく分けると“Bop Gun”“Flash Light”“(Not Just) Knee Deep”“Up For The Downstoroke”“Atomic Dog”の5曲。それ以外の曲はすべてこれらの曲中に挿入されており、他にもクレジットはないが歌われている曲が多い。
サウンド的にはJazzフェスという環境のせいか、どの曲も比較的テンポは抑え目で、重くファンク度が強い。女性シンガーのコーラスも強力で、各個人のソロも冗長的にはならず充実している。
構成的には全盛期のDrファンケンシュタインの物語風の構成ではないが、“Knee Deep”のスキャットやブラックバードのギターソロ、エンディングの“Disco To Go”のキメなど随所で全盛期の美味しいプレイが忠実に再現している。特に“Bop Gun”における故Glenn Goinsのゴスペル的でディープなボーカルの再現は特筆に価する出来栄えである。(Gary Shiderではなさそうだが誰なのだろう・・・)
今までP-Funk本家の映像(DVD)というとオフィシャルには1976年のアースツアーしか出ていない。これはぜひともメンバーひとりひとりのプレイを確認しながら映像で見たい作品である。
そして2004年のグラミーでのクリントン、ブーツィー、バーニーとEW&Fという夢の共演の記憶も新しいところではあるが、バーニーも戻ったところで、ぜひ近いうちにBootsys Rubber Bandとの3回目のアースツアーを実現してもらいたいものである。

Emilie Simon - La Marche De L'empereur (皇帝ペンギン)

Emilie Simonの最新アルバムで、映画“皇帝ペンギン”のサウンドトラック。
彼女は前作でフランスのエレクトロ・フレンチ・シャンソン・ポップの新鋭としてデビューしたSinger Song Writer。作曲からサウンドメイキングまでこなす才女である。
もともと、クラシックと現代音楽を勉強していたというだけあって、フランス本国でのエレクトロニクスとサウンド・エンジニアリングの評価も非常に高い。
デビュー･アルバムの“Emilie Simon”ではフランス版グラミー賞ともいえるヴィクトワール・ド・ラ・ミュジークにおいて、“ベスト・エレクトロ・テクノミュージックアルバム賞”を受賞している。
映画自体は淡々と皇帝ペンギンの生態を追うドキュメンタリーでありながらも、リアルな映像に引き込まれてしまうほど完成度も高い。
そしてこの映画をただの学術的なドキュメントから映画というエンターテイメントにしているのは、彼女のサウンドによるところが大きい。全編に渡って彼女のプロモーションビデオのような映画とも思えるほどである。
実は彼女はこのサントラの依頼が来る前に自分のオリジナルアルバムとして氷をテーマにした曲を作ってあったそうで、映画と自己のサウンドのテーマが偶然にも一致し快諾したそうである。
個人的には前回のアルバムはテントウ虫のジャケットが気持ち悪く、サウンドも難解でいまいち好きになれなかったが、今回のアルバムはサントラなのでジャケットもサウンドも非常にわかりやすくて楽しめた。
サントラとしては彼女の作品の他に、BjorkやBrian Enoらとの仕事でも知られるMarkus Davisの効果音も収録されている。

Sigur Ros - ( )

Sigur Rosの2002年の３枚目のアルバム。
タイトルは記号で“( )”と書かれているが、これは無題という意味らしい。
シガーロスはアイスランド出身の4人組のバンド。これまでに数回のメンバーチェンジを繰り返し、現在の編成に至っている。
このアルバムにタイトルもなく、曲名もないというかなり特殊なアルバム。しかも歌詞はホープランド語という彼ら自身が作り出した言葉で、当然彼ら以外は歌詞の意味を理解できない。
サウンド的には同郷のビョークやU2などへのオマージュあり、マイ・ブラッディ・ヴァレンタインのようなノイジーなギターサウンドあり、70年代プログレッシブ・ロックのような予想外の展開ありと、バリエーション豊かなサウンドを聴かせているが、このアルバムの全体像は他のどんな音楽とも似つかない。
このアルバムには約8分の曲が8曲収録されており、すべてが今までに聴いたことがないような彼らの音に対するユニークなアイデアがつまっている。
これだけ書くと凄く偏屈で難解な音楽に思われるが、実際は彼らの音楽はロックに限定されることなくあらゆる音楽ファンへアピールすることができるわかりやすさと、大衆的であるというポップミュージックに不可欠な要素も持ち合わせている。あらゆる音楽的な理屈やジャンルといったカテゴリーを抜け出した極めてプリミティブな音楽で、人間の持つ原子的な感情にストレートに響いてくる。
どこからともなくメロディーが自然に発生し、ドラマチックに盛り上がっていくこのアルバムの美しさ、人の心を揺さぶるパワーはごくありふれているはずのものでもあり、彼ら固有のサウンドでもあるのである。
個人的にはぜひライブを見てみたいアーティスト(バンド)のひとつである。

Cat Stevens - Teaser And The Firecat

Cat Stevensの1971年の名作“Teaser And The Firecat”
1970年代に入って表れた優秀なSinger Song Writerのひとりで、アメリカンソフトロックの殿堂であるA&Mレコードからリリース。
一般的な知名度はやや低いものの、当時のCarole King、Joni Mitchell、James Taylorらと並ぶ人気があった人である。
このアルバムは彼の代表作ともなった作品で、あのイギリスのThe Yardbirdsのベーシストだったポール･サミュエル･スミスがプロデュース。
アルバムの中では、ピアノの美しい響きが印象的な“Morning Has Broken”や月夜に聴く名曲“Moonshadow”は大ヒットを記録。彼の名前を知らなくても、誰でもどこかで聴いたことがあるであろう歴史的な名曲となった。
この時代のSinger Song Writerというと時代的な背景もありメッセージ性や独特の世界観を表した詩作などが注目されがちだが、彼はメロディーや全体のシンプルなアレンジなどあくまでサウンド的な部分の拘りが強い。ロマンティックで特徴的な歌詞もそういったサウンドから自然に生まれたものといえる。この全体に漂う肩の力の抜けた温かみのあるアコースティック歌声とサウンドは彼特有のものである。
またレゲエやギリシャ風のアレンジがされているのも独特のリズム感覚の大きな一因である。
その後は作曲家としての活動がメインになり、近年はもう彼の噂を聞くことはなくなってしまった。だが、彼の優しく繊細な歌声と素朴なアコースティックサウンドのつまったこのアルバムは、今でも色褪せることなく、多くの人に愛される不朽の名作となっている。

Spank Happy - Vendome,la Sick Kaiseki

Spank Happyの現在一番新しい2003年リリースのアルバム。
このSpank Happyは菊地成孔と岩澤瞳の2人組のユニット。
菊池成孔は最近“南米のエリザベステイラー”をリリースし、ソロ活動も充実してきたが、他にもデートコース・ペンタゴン・ロイヤル・ガーデンや東京ザヴィヌルバッハ、そしてこのSpank Happyと多岐に渡る音楽活動を行い、アンダーグラウンドの最先端を走っている。
このSpank Happyはポップなハウスサウンドをベースに岩澤瞳とともに菊池自身が歌っているという異色のデュオ編成。
80年代のYMOやNew Orderを彷彿させるクールなエレクトロニック・ポップの上を岩澤のウイスパーボイスと菊池のChet Bakerを思わせるユニセックスなボーカルがのるというスタイルで、インテリジェントかつエロティック、デカダンかつキュート、機械的なアッパーなビートでありながら倦怠感があると相反する要素が同居するサウンドとなっている。
菊池は自分のJazzミュージシャンとしての限界や自分の音楽をJazzと呼ぶことの胡散臭さについては非常に自覚的であり、あえてハウスミュージックといった80年代のレトロで時代遅れのサウンドを造っているこのユニットで、そんな自身のポップ性をクールに自己批評しているように思える。
このアルバムはそんな菊池による緻密に計算された刹那的な部分とハウスミュージックの本質である楽天的なポップ感覚が見事に融合している。
東京大学での講義やラシオ出演をこなし文筆家でもある彼は、Jazzミュージシャンにしては存在がポップすぎる。だからストレートにJazzをやるよりも、こういうポップなサウンドのほうがより自然な気もする。
現在はソロ活動中心で、このユニットとしての活動は行われていないが、ぜひこのSpank Happyも再開してもらいたいところである。

Miles Davis - You're Under Arrest

友人の蜂助氏からマイルスの1985年のLive Under Thes Skyの映像をいただいた。
今は亡きBob Bergやジョンスコ(g),ダリル･ジョーンズ(b)らのいた頃のバンドで、最後にタモリのインタビューが収録されている。
ご存知のとおりトランペッターでもあるタモリは終始緊張し通し。この時期のマイルスに“My Funny Valentine”の話をするなどかなり的外れな質問をしているが、御大は機嫌良く、その場で書いた絵をプレゼントしていた。
このアルバムはちょうどその同時期の1985年にリリースされたアルバムで、この時代のマイルスの代表作。
このアルバムは前作までつきあいの長かったドラマーのアル・フォスターからビンスウィルバーンに交代した時期である。このアルバムでのそれぞれの参加曲は約半々づつと、これまでにも何度か訪れたマイルスバンドのサウンド変革の転機であることが二人のドラマーのサウンドの差に現れている。
個人的には復帰前の“Agharta”復帰後の“We Want Miles”の思い入れが強いため、アルフォスターの重く泥臭いビートは大好きなのだが、この時期のマイルスの方向性に明らかについていけていないのが明白である。ジョンスコも前作“Decoy”で見せた変態的なフレーズが強化され、その後に繋がるアウトフレーズはここで完成をみせている。
アルバムのハイライトとも言える“Time After Time”はシンディーローパーのヒット曲のカバー。マイケルジャクソンの“Human Nature”とともにこの時期のライブでは欠かせない曲であり、４ビート時代まで含めてマイルスのバラードとしての最高傑作でもある。
このアルバムは1曲目の“Jack Johnson”のリアレンジに始まり、マイルスがリリースした数多いアルバムの中で最もポップなアルバムと言える。
復帰後のマイルスについては70年代以前のような先見性は鈍り、時代の後追いになってしまっている感は否めない。だがマイルスは“売れるものが正しい(カッコいい)”というポップミュージックの真理をよく理解している人でもあり、このアルバムのポップ感はそんなマイルスが生涯貫いた“カッコ良さ”が最も如実に表れている。ロバート・アーヴィングのプロデュースもこれまでのギル・エバンスやテオ・マセロとのアプローチとは異質なものだが、このポップかつクールな演奏をうまくまとめている。
そしてなんと言っても“Time After Time”という極めてありがちなコード進行の曲でここまで泣かせてしまうマイルスのセンス、やはり常人ではないと言えるだろう。

Leela James - Change Is Gonna Come

Leela Jamesのデビューアルバム。
2005年の超大型新人としてHMV他で大々的にRecommendされている注目アーティスト。
サウンド的には昨今のMacy GrayやJill Scottらのようなネオ･クラシック系ソウルで、ボーカルスタイルもJos Stoneなんかと同じような実力のある正統派。
プロデューサーにはEric BenetやRootsなどを手がけたJames PoyserやRaphael Saadiqらソウル界のベテランプロデューサ他大物ぞろい。
そして彼らの期待と彼女の若いパワーがうまく融合し、デビューアルバムとしては他に例をみないほど良質な出来となっている。
アルバムタイトルもSam Cockのアルバム名から拝借するなど、話題性も十分でその期待どおりの内容である。
アメリカ本国でもNewYork Times誌が彼女を“Tina TurnerとBeth Ortonの間”と表現するほど評価が高く、深いソウルネスのあるボーカル、パワフルでメリハリのある歌唱力、あらゆるタイプのジャンルを歌いこなす表現力とソウルシンガーにとっては最高級の形容をされるにふさわしいボーカルである。
ただ、そのとおり新人とは思えないほどディープでブルージーでソウルフルな歌声ではあるが、そんなボーカル的魅力と比べるとサウンドはやや面白み・斬新さに欠けるような気がする。
次々と名実ともに兼ね揃った大型新人が登場してくるR&B界においては、サウンド的にも自分自身の独自のスタイルを作っていかなくてはならない。新人にそこまで求めるのは酷かもしれないが、歌唱力や声そのものの存在感や凄みと比較すると、このアルバムはサウンド面でのオリジナリティーが少し物足りない。
このデビューアルバムはそんな潜在的な能力まで期待させてくれる底なしの可能性に満ちている。
これからが楽しみなアーティストのひとりである。