Parliament - Osmium

1970年リリースのパーラメントのデビュー盤、P-Funk集団の実質的なデビューアルバムでもある。
1970年のブラックミュージックシーンはSly & The Family Stoneの全盛期であり、もともとコーラスグループだったパーラメントを率いるジョージ･クリントンはそんなスライのサウンドを知りながら、自身のコンセプトを固めていった。当然クリントンもスライの影響は多分に受けているがこの作品の持つポップでありながらも混沌とした底なしの不気味なパワーは既にスライを上回っているように思える。
まだ後年に確立されるドクターファンケンシュタインの“ファンクは地球を救う”といった壮大な宇宙構想は出来てはいないが、バラエティに富んだ各曲の曲調やユニークさはすべての音楽を取り入れてオリジナルのファンクを作っていこうとする精神を感じさせる。
ファンカデリックのようなサイケデリックロックあり、ヨーデル風の奇妙なゴスペルあり、カントリー風、クラシック風と非常にユニークでバラエティに富んだ構成となっており、クリントンの変態的な音楽ポリシーは既にこの時点にも表れている。モータウンの体制に反発して離反したHolland-Dozier-Hollandの設立したInvictusレコードからリリースされたというのも興味深い。ブラックミュージックに留まらず積極的にロックやポップなレコードもリリースされていたノーザンソウル系のレーベルではあるが、それでも当時のInvistusのカタログの中ではパーラメントはかなり異色な存在として目立っている。
演奏はオリジナルパーラメントのボーカルを中心に、初期ファンカデリックが参加。次第にクールなファンクサウンドが確立され、パーラメント名義の作品ではあまり聴くことができなくなるエディ･ヘイゼル、バーニー･ウォーレルの火を噴くような演奏も目立つ。同じInvictus所属の白人女性シンガー、ルースコープランドも参加している。(彼女のアルバムにはファンカデリックが全面的に参加している)
結局インヴィクタスでリリースされたパーラメントのアルバムはこの1枚のみ。その後契約したカサブランカでリリースされた1974年の“Up From The Downstoroke”ではぐっと成長してタイトになったファンクを聴かせてくれる。このInvictusでのデビューアルバムはその後アメーバ的に広がるP-Funkの音楽ポリシーの原点となった作品である

Tom Waits - Heart Of Saturday Night

Tom Waitsの1974年の２ndアルバム。
邦題は“土曜日の夜”でというタイトルで初期の彼の代表作ともいえる作品。前作のデビューアルバムからイーグルスやイアン･マシューズ等も取り上げた“All '55”がヒットしているが、彼の短編小説家と酔っ払いとミュージシャンを融合させたキャラクターの確立や独自の音楽世界を作った彼の人気はこのアルバムで決定付けられたといえるだろう。
アルバムのテーマはLAの夜で、彼のロマンティシズムとダンディズムが各曲に表れている。サウンド的には50年代のノスタルジックなジャズをベースに独特なしわがれた歌声が特徴的。
また彼の特徴のひとつでもある詩も印象的で、短編小説家としての彼の詩作の中でもベストといえるであろう“Diamonds on My Windshield”など彼の初期の傑作が収められている。この曲の４ビートをバックにひたすら淡々と語るような朗誦ともいえるクールなスタイルはHipHopといった音楽が浸透した現在でも色褪せてはいない。
どの詩も退廃的で刹那的でありながらも、センチメンタルな内容で、荒っぽい声や外見と相反する、彼の内面にある孤独感が歌われている。
この後のトム･ウェイツは、次第に過激になっていき、そのキャラクター以上にどぎついサウンドを作るようになる。この作品はそんな彼のメロディーメーカー、サウンドメイカーとしての良質な部分がうまく結実した傑作。ぜひまたこの路線でのアルバムを作ってくれないかと期待させてしまう内容である。

Jean-Luc Godard - Nouvelle Vague

Jean-Luc Godardの1990年の映画“Nouvelle Vague”のサウンドトラック。
ただし普通のサウンドトラックのようにBGMのトラックをひとつひとつ別々の曲として収録したものではなく、映画中に登場する音楽、騒音、会話などすべての“音”を収録したもの。
セリフもおそらく映画どおりに入っていて、フランス語は解読できないが、映画の音のみをそのまま収録しただけと思われる。
映画はヌーヴェル・ヴァーグの巨匠と広く認知されているゴダール自身が自らそれを皮肉ってそのままタイトルにしている。1990年の作品で大物のアラン・ドロンを起用して作られた作品。
このサントラ盤はストーリーではなく映像や音楽主体の映画だからこそ成しえた企画で、何度見ても飽きない、何度見てもよく理解できないゴダール映画ならではの企画といえる。また音源がECM系の音源だからできたアルバムでもある。
ただし、元々が地味で暗い感じの映画なので、音だけ聴くという作業は少々無理もある。60年代のゴダール映画にあった原色中心のカラフルな質感はあまりないが、ゴダール映画ならではのミュージック･コンクリート(生活音や効果音まで取り入れた具体音楽)といえる。ヨーロピアンなサウンド、フランス語のイントネーションはミュージック・コンクリートとの相性が良い。
ただ、CD2枚組ですべて聴くにはかなりの覚悟が必要、よほどのECMファン、ゴダールファン以外は手を出すべきアルバムではないかもしれない。

Marianne Faithfull - Blazing Away

Marianne Faithfullの1990年のライブ盤。
マリアンヌ・ファイスフルは1960年代に当時のローリング・ストーンズのマネージャーからスカウトされ、アイドル歌手としてデビュー。ストーンズのツアーに同行し、彼らと公私に渡って関係を深めていく。ストーンズから“As Tears Go By”といった名曲をもらいヒットさせているが、ブライアン、キース、ミックと関係を持ち最後にはミックの子供を妊娠しデビュー前に結婚した夫とは離婚、ドラッグ中毒と身も心もボロボロになってしまい引退。
その後1979年に“Broken English”で奇跡のカムバックを果たすが、そこにはアイドルだった頃の無垢な面影はなかった。アイドル的イメージに反した、煙草やドラッグによってつぶれた衝撃的なハスキーボイスで歌われる毒のある歌に60年代からのファンは誰もが驚きショックを受けた。
このライブは復帰後約10年目の作品で、アイドル当時のヒット曲から復帰後の作品まで、彼女の波乱万丈のキャリアを総括する内容。名曲“As Tears Go By”やストーンズの“Sister Morphine”、そしてジョン･レノンの“Working Class Hero(労働者階級の英雄)”のカバーが特に印象的。ライブのラストは復帰作の“Broken English”で締めくくられる。
このライブ盤はストーンズに人生を狂わされたと言える彼女の辿った人生の重み、そんな人生を反映させた退廃的な歌の表現力の凄まじさに圧倒される。今やナイトの爵位を与えられたミックやストーンズの面々は今の彼女の歌をどんな気持ちで聴いているのだろうか。ちなみにバックバンドはドクタージョンやThe Bandのガース・ハドソンが参加。渋い演奏で彼女の歌を引き立てている。
彼女はその後も定期的にアルバムを発表。現在もストーンズ同様にまだまだ現役として活躍中である。

Billy Joel - Stranger

Billy Joelの1977年の名盤。
ビリー･ジョエルはいまさら言うまでもなくアメリカを代表するシンガーソングライターで、1973年にピアノの弾き語りというシンプルなスタイルで“Piano Man”をヒットさせ、その後の活躍は周知のとおり、今や国民的歌手と呼べる存在となっている。
とにかく良い曲を書くメロディーメーカーとしてのイメージが強いアーティストであり、あまり知られていないが、この頃はメッセージ性の強い曲も書いている。ただし、決して同時期のブルース･スプリングスティーンのような拳を上げて叫ぶといった熱いイメージは抱かれず、割と肩の力を抜いて作った曲に彼の良さは表れていて、どうしてもそういった面のみが評価されてしまうのが彼の特徴でもある。
このアルバムはフィル・ラモーンをプロデューサーに迎え、当時のNYの一流のジャズ･フュージョン系ミュージシャンと録音。ニューヨークでイタリア移民として生まれ育った彼のセンスが随所に光っている。
本作はそんなビリーの曲の持つ上質でアーバンなポップ感覚とダイナミックなロックっぽさが最良のかたちで融合されたアルバムといえるだろう。“Piano Man”以降ヒットを飛ばしていく中で試行錯誤し続けた彼の方向性が定まってきた時期で、一番脂の乗っていた頃の大傑作である。
この中から“Stranger”がグラミーを受賞し、多くの曲が今やポップスのスタンダードナンバーとなっている。

Arto Lindsay - Salt

Arto Lindsayの2004年のアルバム。
アート･リンゼイはポストパンクでありノーウェーブシーンの中心的バンドであった“DNA”のギタリストとしてキャリアをスタート。John Zoneなどとも親交があり、当時のNYのアンダーグラウンドシーンを象徴するアーティストであった。DNA解散後はブラジル風なポップスサウンドを聴かせる“Ambitious Lovers”を結成。その後90年に入ってソロ活動をスタートさせている。
ソロ活動では、3歳から17歳まで育ったというブラジル音楽をベースにパンク、エレクトロニカ、ジャズといったNYならではの多様な音楽を独自のハイセンスかつハイブリッドな感性で融合させている。
このアルバムもブラジル音楽の影響をベースにしながらも、エレクトロニックなビートをクールに操り、独特な音世界を作り上げている。どちらかというとアバンギャルドな要素よりも、オーガナイズされたラウンジサウンドに近い極めて上品なサウンドで、素朴でストレートな彼の歌声が印象的。それぞれの曲のメロディーの完成度も高く、エレクトロニックなダンスビートに浮遊する歌メロが非常に心地よい。
ペドロ・サー、ダヴィ・モラエス、ヴァーノン・リードといった違ったジャンルからのゲストが参加、また今年2005年に発売された日本盤はコーネリアスとマシュー・ハーバートが参加した２曲が追加収録。どのアーティストの参加曲でも彼の音楽の持つ懐の大きさが証明されている。(日本盤は“Salt plus two”というタイトルでオリジナルと同じデザインの黄色のジャケットでリリース)
このアルバムは彼の音に対するこだわりや美意識とポップミュージックにおける大衆性が見事に交差したアルバムとなっている。

Tristan Prettyman - twentythree

Tristan Prettymanのデビューアルバム。
女性版ジャック･ジョンソン、サーフミュージック初の女性アーティストとして注目されているシンガーソングライターである。
カリフォルニア生まれの今年23歳になる彼女は、12歳の頃からサーフィンをはじめ、15歳の頃からほぼ独学でギターを弾き始め音楽に目覚めたそうである。
そんな彼女の転機となったのがジャック･ジョンソンも在籍するサーファー兼映像製作集団のムーンジャイン･コンスピラシーとの出会いである。当時彼らが製作していた“Shelter”のサウンドトラックに参加し注目を集め、本格的に音楽活動を開始し、このデビューアルバムのリリースへと至っている。このアルバムはＧラブやサーフミュージックのアーティストたちが強力にバックアップ、恋人であるジェイソン･ムラーズとのデュエット曲“Shy That Way”も収録されている。
サウンドはジャック･ジョンソンらに代表されるナチュラルでオーガニックなアコースティックサウンド。スライドギターを含むバックバンドは非常にシンプルで、彼女の作った曲の良さ、歌声の魅力を100％響かせるアレンジがなされている。強力なバックアップがあるとはいえアルバム全体の完成度は非常に高い。
アルバムタイトルにあるとおり、彼女は23歳になったばかり。歌われている歌はすべて彼女自身のリアルな姿を映し出したものといえ、このアルバムにはピュアな等身大の23歳の女の子である彼女のすべてが凝縮されている。
ラストの“Simple as It Should Be”は、人生は喜びにあふれていて、最も組織化されていない方法で送られるべきだ、という彼女の信念が純粋に表現されていて興味深く印象的なナンバー。まさにサーファー、ミュージシャンである彼女のインディヴィデュアルな姿勢を貫きたいという素直な心情が歌われている。
メロディーの美しさ、ヴォーカルの優しさ、シンプルで温かいアレンジといった彼女の歌の清々しさは清涼剤のようで、聴いていて癒される。サウンド的にはサーフミュージックの特徴でもあるレイド･バックしたサウンドではあるが、懐古的ではなくクリエイティブでポジティブなパワーを感じさせる。今後、内面的な成長と合わせて、よりオーガニックでタフなサウンドを作るアーティストに成長していって欲しいと思う。

与世山澄子 - Interlude

沖縄のビリーホリデーと呼ばれる与世山澄子の最新アルバム。
与世山澄子は1940年生まれで今年で65歳というベテランのジャズシンガー。16歳でデビューし、1972年の沖縄の本土復帰まで米軍基地のクラブでフルオーケストラを率いて活躍していた。その後、本土復帰と同時にサックス奏者であった夫の我那覇文正氏とジャズスポット“インタリュード”をオープン。自ら店内で演奏しながら、本土への公演旅行を行い当時の評論家などから大きな評価を得て、沖縄だけでなく全国でも注目を浴びるようになる。
1983年(デビュー17年目)に初めてのアルバム“Intoroducing”をリリースし、1983年にはビリーホリデーのピアニストであったマル・ウォルドロンとも共演している。
今回のアルバムは1985年以来20年ぶりの４枚目のアルバムにあたる。アルバム名のとおりすべての曲が彼女のお店である“インターリュード”で録音されている。次世代アーティストともいえる、南博(p)、カ川大樹(b)、 菊地成孔(sax)、パードン木村(produce) 、ZAK(engineer) といった旬なアーティストやエンジニアたちが沖縄へ渡り彼女をサポートしながら作られたアルバムである。
収録曲はどれも彼女が長年歌い続けてきたであろうスタンダードが中心で、彼女の深くブルージーな歌唱は晩年のビリーホリデーを思い起こさせる。かつてアメリカであった沖縄で生まれ育ち、米軍基地でアメリカ人を相手に歌を唄ううことからキャリアをスタートさせた彼女の歌には、今の日本人にシンガーには到達することができない深みがある。バックのミュージシャン、エンジニアともに彼女の歌へ敬意を表し、シンプルに温かくサポートしているのも印象深い。
30年以上経営され続けたジャズ喫茶の店内で、1960年代の機材と05年最新機材を駆使し、ワンポイントマイクで録られたモノラル盤なのだが、モノラルとは思えないほど音が良い。店内の空気を録音するために、録音機材の搬入とセッティングだけで７時間を費やしたそうだ。
アルバムのリリースこそ２０年ぶりになってしまったが、彼女は現在も沖縄と東京を中心に定期的かつ精力的にライブを行っている。今回のアルバムは復帰作ではなく、あくまで今まで歌ってきた仕事の一部にあたる。
沖縄の本土復帰というまさに激動の時代を生きてきた彼女ではあるが、このアルバムからはどんなに時代が変わろうと、決して変わることがない彼女の歌に対する誠実さがひしひしと伝わってくる。

Swingle Singers / MJQ - Place Vandome

Modern Jazz Quartet(MJQ)とSwingle Sistersの1966年の共演作。
Swingle Singersは“Double Six Of Paris”というコーラスグループにいたウォード･スウィングルとミシェル･ルグランの妹であるクリスチャンヌ･ルグランを中心に結成された男女混声４人のコーラスグループ。バッハなどのクラシックの名曲をJazz(４ビート)のアレンジでスキャットで再現しており、６０年代に“ダバダバ”というウキウキするようなスキャットで一世を風靡している。テクニック的にも高度なスキルを持っており、難しいコーラスでも涼しい顔をしてさらりとやってのけてしまうグループであった。
この作品はそういったSwingle Singersのクラシック路線にMJQのミルト･ジャクソンとジョン・ルイスのクラシック嗜好が乗じて実現した共演作。バンドの構成上、MJQがバックバンドでSwingle Singersのボーカルがのるというスタイルを想像しがちだが、ここでの主役はあくまでMJQであって、Swingle Singersのエスプリ感漂うコーラスワークをバックにミルト・ジャクソンがクールにヴァイブを演奏するというもの。
G線上のアリア他バッハの名曲がダバダバのコーラスの上をミルト・ジャクソンのヴァイブが情感たっぷりに歌い上げ、幸福感に満ちたサウンドとなっている。全体の収録時間は40分にも満たない短いアルバムであるが、清涼感たっぷりの極上のサウンドが聴ける。
MJQはこの他にもソニーロリンズ他一流のJazzマンをゲストに向かえたアルバムをいくつか録音している。だが基本的にこのMJQの４人のサウンドは非常に完成されたもので、ゲストが加わることによるインタープレイの応酬といったJazzの醍醐味が感じられる演奏は少ない。このアルバムはそんなMJQがSwingle Singersというグループをゲストに迎えうまくサウンドを融合させることに成功した快作である。

Van Halen - 炎の導火線

Van Halenの1983年の記念すべきデビューアルバム。
原題はバンド名そのままで“Van Halen”。このアルバムはどうしても“炎の導火線”の邦題のほうが印象が強いので初めて邦題をBlogのタイトルとした。
このアルバムは当時ハードロックの新人グループとしては異例の150万枚を売り上げたモンスターアルバムでもあり、その後90年半ば頃までもHR/HMの方向性を大きく位置づけた作品。
この1980年代の前半はもともと爆音の快感･疾走感によるカタルシスというハードロックに悪魔だとかファッション、難解なストーリー性などアーティスティックな付加価値が付くようになってきた時代。このVan Halenのデビュー盤はそういった余計な付加価値を一切排除してひたすらデジタルな快感のみを追求したいわばハードロックの原点回帰のような作品である。
Van Halenについてはその後、ボーカルの交代などがあり今のところサミーヘイガーの在籍期間が一番長い。技術的には申し分ないが、やはりVan Halenのボーカルというとこの頃のデビットリーロスの印象が強い。
エディヴァンヘイレンのギターに象徴される無機質で正確な機械的なサウンドに対して、このデイブの持つコミカルでアメリカンロックの能天気な部分のバランスが絶妙だったように思う。このデイブの豪快なボーカル、ステージパフォーマンスがなければこの作品もヒットしていなかったであろうし、その後の“Jump”での大ヒットもなかったような気がする。
エディヴァンヘイレンのギター奏法と合わせて、Van Halenのフォロワーたちは星の数ほど表れては消えていった。このアルバムは複雑化していこうとするHR/HMのシーンの中で、とにかくデカい音でガンガンやればいいというハードロックの醍醐味を再確認させてくれた作品。極めてシンプルで一見何も考えてないような単純明快な作品ではあるが、この後のシンセや打ち込みを使ったデジタルな音楽が主流となる80年代という時代の中で、HR/HMというひとつの音楽スタイルを大きく盛り上げるパワーを持っていた。
HR/HMといった狭い範囲だけでなく、ロック史上でも重要な作品と言える。