こんにちはガリッポです。
今年は会社の内装工事もあってあっという間に年末です。
趣味も兼ねて箱を作っていましたが作った甲斐がありました。
アーチや板の厚さ出す作業で多くのノミを使います。作業台の上がノミだらけでごちゃごちゃになって探さなくてはいけなくなります。普段は引き出しの中に入れてある箱を台の上に持ってくればずいぶん整理されるものです。
さて、勤め先で見習いの職人の面倒を見ることになったことは紹介しました。実技だけでなく様々な知識も学ばなくてはいけません。
「イタリアの代表的な流派は？」と師匠に聞かれたら答えなくてはいけません。
「ブレシア、クレモナ、ミラノ、ナポリ・・・」と答えますが、代表的な流派が抜けています。
わかりますか？
ベネツィアです。
次に「ベネツィアの作者は？」と師匠が聞くと答えられません。「チェロが有名な作者と言えば…？」とヒントを出しても答えられません。
モンタニアーナですね。他には「クレモナから来た作者は？」とヒントを出してもわかりません。「ピエトロがつく」と言ってもわかりません。
「クレモナの有名なファミリーだ」と言っても「アマティ？」、「ストラディバリ？」…はずれです。グァルネリです。
正解を言うとピエトロ・グァルネリなんてい人がいるのかと初めて知ったようです。ピエトロ・グァルネリは二人いると教えると驚いていました。
ベネツィアの流派と言えばドイツ出身のマーティン・カイザー、ダビッド・テヒラーあたりから始まって、チロル出身のマテオ・ゴフリラーも重要です。
ドメニコ・モンタニアーナ、サント・セラフィンあたりが中心メンバーです。クレモナからはピエトロⅡ・グァルネリです。ボローニャのトノーニやフランス人のデコネもいます。
いろいろな地域から職人がやってきて作風がミックスしているのがベネツィア派の面白いところです。師匠から学ぶだけでなくアマティやシュタイナーをまねて作ることもありました。
ゴフリラーのヴァイオリンは不思議と四角っぽくて形がストラディバリと似てるような感じもします。時期からするとストラディバリが独自のスタイルを確立するよりも前なので偶然の一致でしょうか？
モンタニアーナもゴフリラーに似ています。教わったのでしょう。そのためかつてはモンタニアーナはストラディバリの弟子だとこじつけられていました。アーチの感じはゴフリラー以上にシュタイナーに似ています。
セラフィンは丸みを帯びたイメージが強いです。そのためアマティにも似ていてかつてはクレモナ出身だと言われていました。しかしよく見るとアマティの流派とは少し違っていてベネツィアの流派であることが分かります。
私はそんなふうに作風でイメージして覚えていますが、見習の職人は名前を覚える事すらままならない状況です。イメージもなく名前だけ覚えるのは難しいと思いますけども、作風を見てわかるかと言えばもっと難しいでしょう。
学校の歴史のテストのように人物名を答えるというわけですから知識としては薄っぺらいものです。
まずは自分のヴァイオリンを作ることで楽器を見る目を養わないことにはどうにもなりません。
見習の職人とのやりとりを通して、私などは一般の人とも知識が違い過ぎることを思い知ります。当たり前のようにブログで書いてしまっていることも反省しなくてはいけません。
フランスの流派は？南ドイツの流派は？となるともっともっと多くの知識が必要です。私も知らないことばかりです。私は「ヴァイオリンクイズ王」になろうと思っているわけではなくて、楽器を見て興味があるものに付いて調べているうちに詳しくなっていくのです。いろいろなことはうろ覚えで正確ではありません。
もうひとつ面白いのは「イタリアの代表的な流派は？」という問いがあれば、それは暗黙にオールド時代の産地の話をしています。我々のところではイタリアのモダン楽器はあまり興味が無いです。トリノならロッカとかプレッセンダ、ファニョッラなどは日本人にはおなじみでしょうが、それらについて学ぶ優先順位はずっと後です。
ヴァイオリン職人でも古い作者に全く興味が無い人は多くいます。
どんな分野でも古い時代のことに興味がある人は少ないでしょう。
私がコピーを作って同業者に見せてもオリジナルの作者についてちんぷんかんぷんで的外れの感想をくれたりします。
演奏者も一般の人は同様でしょう。モンタニアーナと言っても「？」という感じなのが普通です。聞いたことのない名前なら聞き取ることすらできません。
そのほか日本人ならヨーロッパの国名がわからないというのもあり得る話です。
「ヨーロッパの国の名前を挙げよ」という問いがあったとき「フランス、イギリス、パリ、ローマ…」などと答える人もいるでしょう。
以前もコレクターの人がたくさんのヴァイオリンを持ってきて価値を見てくれということありました。すべて安価な量産楽器で、中には中国製の弓とケースがついて２万円くらいのものもありました。好きで集めている人でもちんぷんかんぷんです。
楽器製作の修行をしないと目ができないので全く見えないのです。
一般の人はそれが普通なので、ブログで書いているようなことも次元が違いすぎて伝わらないのかもしれません。
初心者に教えるのが難しいアーチの作り方
その中でも特に難しいのはアーチです。
アーチを作っていく作業は本当に感覚だけが頼りです。初心者は全く形が見えないのでどうしていいかわかりません。圧倒的に差がある部分です。
教え方も難しいものです。
こうやって彫っていくんだよとやって見せたりするのですが、いきなりど真ん中に深い穴をあけてしまって台無しにしてしまう人もいます。「真ん中が高くなる形をイメージしたらそんなことはあり得ない」と師匠はあきれるのですが、最初はそんなもんです。
最初のヴァイオリンのアーチはほとんど師匠が手伝うというか、代わりに作るようなものです。出来上がっても師匠がやったのですから何もわかっていません。
いくら教えてもらっても自分一人で作るのは不可能です。
お正月と言えば日本では年賀状がありますね。
今はパソコンで作る人も多いかもしれませんが、昔は版画などもやっていました。彫刻刀で版を彫るわけですがとんでもなく危なっかしい人もいます。できる人は子供のころから彫刻刀の持ち方や構え方ができています。普通はそういう全く向いていない人はヴァイオリン作りをしようとは思いませんが何を勘違いしたかたまにそういう人もいます。本人は自分が危なっかしい持ち方なのを分かっていないのでそうやってるわけですが。
そんな人でも知識さえ暗記すれば専門家のふりをできるわけですから、世の中はそんなもんです。
初心者は慣れてないので見てるほうが怖いです。
よく日本で職人は教えないで盗めなどと言いますが、考えられないです。勝手にやらせてたら危なくてしょうがないです。
初心者は全く分からないので怖いです。削りすぎないように注意すると周辺だけが低くなった台地状になりやすいです。アーチで寸法を指定できるのは真ん中の一番高い所と周辺の厚みだけだからです。
そうすると私なんかは「攻めて切れてないなあ」と思います。このような楽器は素人の職人のものや昔の特に安い量産品にも見られます。音楽学校の広告の写真でモデルが弾いてる楽器がこれだったりすると「あちゃ～」と思いますが、撮影した人たちも、先生たちもわからないのでしょう。
そこまでひどくありませんが一人前の職人の楽器でも攻め切れていないものはよくあって、師匠がそうなら弟子にとってはそれが「正しいアーチ」になるわけです。造形センスがあればそれがおかしいと気づくはずです。
このようなものはイタリアのモダン楽器にもあり１千万円くらいしたりします。１００万円もしない他の国の並みの職人と才能は変わりません。
アマティ型のビオラです
今作っているアマティ型のビオラで見ていきます。
荒削りの最初の段階では何も測ったりもせずに感覚だけで形を作ります。頭の中は何も考えておらず作業をこなしているだけです。
言葉で考えるようなことと違って立体をイメージしています。言葉とは違う場所の脳を使っているので考えていないようになるのでしょう。本当に何も考えていなければ真ん中に穴をあけてしまいます。おそらく脳はフル稼働してるのです。
だから教えようがないのです。
こういうやり方を教わったりすると多いのは削りすぎてしまう人です。アーチは三角に尖ってしまいます。家の屋根を作っているようになってしまいます。
それに対して「削りすぎるな」と注意すると残し過ぎて周りだけが低くなる台地状になってしまうのです。後でボコボコを滑らかにすることも考えて少しだけふっくらさせておくのがコツです。残し過ぎると攻め切れてないアーチになってしまいます。
最初の段階ほど大雑把な形が見やすく工程が仕上げに行くほど見えなくなっていきます。最初にしっかり形を作っていないと最後まで影響してしまうのです。
オールドの時代には胴体ができてからパフリングを入れていましたが、作業のやりやすさを考えると先に入れてしまいます。
徐々により正確に形を作っていきます。正確に形を作るには時間がかかるわけですが、ノミで削る作業はどちらかというと削りすぎてあっという間に無くなってしまうものなので夢中になっているうちに気づくと出来上がっているものです。
クレモナ派のオールド楽器でアーチの高さがバラバラなのは寸法のようなものを考えていないからでしょう。形を作っていてできた高さが完成の高さということです。
特定の楽器のコピーや完成の寸法が決まっていてこのようなフリーハンドの作業をするのはとても難しいです。
ストラディバリやデルジェズは晩年まで高いアーチの楽器を作っています。私たちが知識として学んだ「音量を増すためにフラットなアーチを採用した」などというのはでたらめです。気まぐれです。
このように真横に溝を掘っていく方法は、ジュゼッペ・フィオリーニなどイタリアの作者が広めた方法で、昔本当にこうやっていたかはわかりません。フランスの楽器でもこうだったかもしれません。
オールドの作風には地域差があるのでドイツでは全く違ったのではないかと思います。
少なくとも凹面のカーブは横方向にノミで彫っていくのが最も自然です。それは間違い無いと思います。
これをカンナで仕上げるのがフィオリーニ流です。フィオリーニの楽器を見ればノミの勢いが残っています。それで量産品を高品質にしただけと違うことが分かるのです。
しかしそれはオールド楽器の雰囲気とは違うようです。
私は、さらにもっと浅いカーブのノミでチョコとチョコと彫っていきます。
一般的な木彫であればきっとこうするだろうと考えてのことです。なんとなくオールド楽器にあるような柔らかい雰囲気が出てくると思うのです。
これで表面をならしたら完成です。
人によって個人差も大きいでしょう。
古い時代には家具でも何でも装飾が施され、立体的な曲面のものを作っていたので、彫刻家が弦楽器を作ったらどうするだろうと考えるのです。
今の職人よりもはるかに器用に彫刻ノミを使いこなしていた可能性はあります。年賀状の版画ではノミで彫るのは怖いのでコンピュータで編集するようになりました。ノミで彫るのを嫌がる人が多いのです。
同様に不慣れな人は失敗を恐れてカンナを多用することでしょう。それが現代の木工職人です。日本は浮世絵などの歴史があり小中学校でも版画をやったと思います。西洋の人は全く木彫をやったことが無い人がヴァイオリン職人になっています。こちらでは糸鋸を使って工作をするのが子供がする定番です。
一方ノミの使い方を身に着けた人なら、完成まで彫っていくのは楽しいし自然なことだと思います。
板の厚みもスクロールもノミで彫っていくのは弦楽器製作の基本だと思います。それを嫌がるのが現代の職人です。年賀状と同じで機械でできたらと考えた結果が量産楽器です。量産楽器とハンドメイドの楽器との根本的な違いはノミで作っているかということです。機械には回転式の刃がついていて削っていきます。ノミは使いません。
年賀状でも版画だと味がありますね。
それは素人の素朴な味であって江戸時代の版画は職人の腕前が全く違います。現代の人はかないません。本を一冊分文字まで全部彫っていたのですからとんでもないです。もちろん左右は反対です。
今もそんな時代なら私のような人は仕事に困ることはありません。
表面を仕上げてしまうと立体感は全然わからなくなります。
デコボコが無くなる綺麗さはあります。近現代の楽器製作で重視される綺麗さです。
アマティと同じようなカーブや立体にしようと思えば相当気を使います。ノミで彫るということは手元が狂えば穴が開いて一巻の終わりだということです。
マイナスのカーブはノミでないと出ないと思います。削りすぎずに台地にもならないというのはとても神経を使います。なんでこんなオーバークオリティのものを作っていたのか不思議でしょうがありません。
写真で写すのは難しい
アーチは実物を見てみないといけません。見ても同じものが作れなければ本当の意味では見えていません。あやふやなところがあるのです。
会社の照明が変わったので違う方法を試みてみました。
丸棒を並べて影を作りました。LEDの照明は直進性が強いのではっきりした影ができます。仕事をする上では物が真っ白に光ってしまい、影のところは真っ黒で陰影の階調が無いので立体感が見にくいものですがこのような使い方ができます。
斜めから見ているので低い角度のほうが断面に近いです。
アーチの高さは中をくりぬく前に一番高い所で測ると厚みが裏板で１８㎜弱、表板で１９㎜弱です。これは現代のビオラとしては高い方で、オリジナルのアマティよりも高いでしょう。しかしこれくらいの高さのヴァイオリンも作ったことがありますから、ずっと大きなビオラでは極端に高いということもありません。
高いアーチと薄い板の薄さの組み合わせで非常に枯れた味のある音になると思います。あまり高いと上級者向きのデリケートな楽器になるのでほどほどにしておきたいと思います。
ただビオラはサイズもあって幅もあるのでそこまで窮屈にならないでしょう。
分かりやすい特徴は赤や緑の縁で示したように周辺の溝になっている部分が大きな半径のカーブになっていることです。これがアマティ派の特徴だと思います。若いころのストラディバリも同様です。現代では意識してない職人も多くなんとなく出来上がっているものも少なくありません。
これはビオラなので特にゆったりしたカーブになっています。アンドレア・グァルネリでも同様です。ヴァイオリンになると小さくなるのでちょっとの差が大きなキャラクターの違いになります。
ストラディバリも晩年には緑の半径が小さくなります。私が見たカルロ・ベルコンツィではかなり小さかったです。現代の楽器でも同様です。そういう意味ではベルゴンツィは現代の楽器に似ていると言えます。
今年作ったデルジェズコピーのヴァイオリンでも意識したところです。これと同じように緑のところは大き目のラウンドにしました。
このようなものだと中央付近は窮屈な構造になります。端から端までこんもりとしたカーブにすればもう少しゆったりします。一方シュタイナーはまた違います。アマティとと同じように周辺に大きな溝があるのですが、台地状になっています。上が平らで急な斜面があり深い溝があることになります。現代の攻め切れていないものとは全然違いますが、これはさらに窮屈になります。それが細いモデルだったり、アーチがさらに高ければかなり窮屈になるでしょう。
私はこのように窮屈かどうかということを意識しています。
はっきりしたことはまだわかりませんが、窮屈さが板の自由さを抑え響きが抑えられることで音色に味が出るのではないかと考えています。何が何でも音量が第一と考えるなら良いことではありません。しかし多少音量を犠牲にすることで味わいのある音になるのではないかと思うのです。抑えすぎてしまうとあまりにも音が出ない楽器になってしまいます。
デルジェズのコピーではイメージ通りになりました。これがアーチのおかげなのかどうかは確証はありませんが。
中音域の響きが多ければ明るい音になるでしょう。どっちが音量があるかと言えば明るい音です。しかし、ビオラらしい味のある音と言えば暗い音でしょう。
オールドヴァイオリンでも窮屈すぎるものは豊かに響かないスケールの小さな楽器になっているものがあります。そういう意味では豊かに響く明るい音の楽器のほうが優れているというのは正しいでしょう。しかしそれはオールド楽器同士の話であって、そもそもオールド楽器は現代のもの比べてずっと暗い音がするものです。その中で暗すぎないものが優等生的な楽器と言えるでしょう。
したがって明るい音ほど良いということではないと思います。
アーチはオールド楽器のように癖があるほうが味のある音になりますが、癖が強すぎると室内楽的なスケールの小さな楽器になってしまうということです。イタリアのモダン楽器のアントニアッジ家のアマティモデルのヴァイオリンではオールド楽器を研究したということもあってかなり大げさになっていました。暗い音で抑えられ過ぎているようです。もうちょっと豊かに鳴るほうがベターかもしれません。イタリアの有名なモダン楽器でも作り方によっては暗い音になります。
ガッダ家（マリオ・ガッダ？）で作られたというニセモノのロメオ・アントニアッジは明るい音がしていました。板が厚いからです。
その辺が「さじ加減」というところでしょうか？
表板です。
なんとなくではなく、はっきりと意図をもって形が作れていると思います。
縦方向です。
特に重要なのはアーチが弧を描き中央から駒のところが高くなっていることです。弦の力で凹んでくるところです。アンドレア・グァルネリのビオラでは若干凹んでいます。しかしびっくりするような薄い表板の厚みの割にその程度で済んで３００年持っていますから十分な強度です。他のオールド楽器では陥没しているものもあります。
作っていた時に同僚が１５年前に作ったチェロのメンテナンスをしていました。職人でないとわからないくらいかもしれませんがやはり表板の中央が変形して凹み始めていました。厚みは現代の楽器として標準的なものです。かなりアーチの中央を平らに作っていたので変形しやすかったと言えます。
演奏者が気にするレベルではありませんが、職人としては気分の良いものではありません。このようなこともあって話し合っていました。
意識的に中央を高くしてあります。
裏板はそんなに神経質になることもありませんがやはりきれいな弧を描いていることがアマティやイタリアの楽器では基本です。ドイツの楽器なら台地状になっていることもあります。
アーチのキャラクター
イタリアのオールド楽器はドイツのものに比べると癖が少ないです。そのあたりがイタリアの楽器が優れている要因ではあると思います。しかしドイツの楽器もケースバイケースで物によってかなり違います。イタリアの楽器でもそうです。だから一つ一つの楽器を試してみないといけないと言っているのです。
見た目はイタリアの楽器のほうがプレーンで特徴が無いアーチに見えます。ドイツのもののほうがインパクトがあります。
近現代の楽器はもっとプレーンでもっと特徴が無いものが多いです。音にも作者の特徴が出るというよりは同じような音のものがたくさんあるということです。有名な作者の楽器と同じような物がほかにもたくさんあるのが近現代の楽器です。値段が５倍～１０倍違っても私たちは騙されません。同じ音なら安いもののほうが得です。上等な現代の楽器を作れる職人はたくさんいて有名になるのはそのうちのほんの氷山の一角にも満たないくらいです。
特徴があるほど良いというのではなくて、適度である必要があると思います。
先ほどの写真とは見え方が違うでしょう。このようなものでもミドルバウツのふちが大きくえぐれていて現代では珍しいものです。周辺に大きな溝があるのも特徴です。
ものすごく個性があるというわけではありませんが、はっきりと意図したように形が作ってあります。現代の職人でセンスの無さがバレたくなければ曖昧な感じになっています。
フラットなモダン楽器が鋭い音がすると決まってはいません。しかし１８００年代の初めのものでも鋭い音のものは多くあります。オールド楽器も鋭い音のものがあります。しかし、オールドの名器としてイメージするのは柔らかく美しい高音です。そして味のある低音。広いホールにも広がるスケールの大きさがあればソリスト用の楽器としても優れたものです。
私が作るものも柔らかい音になります。特にビオラでは鋭い傾向だと「鼻にかかった音」になってしまいます。
それがアーチによるものなのかはっきりはわかりませんが、結果として私がオールド楽器に求めるイメージに近くなっているのでこのように作っていくのが私のスタイルということでしょう。
アーチを削っている最中はノミの一削りで音がどう変わるかなんてわかりません。それこそ、「こんな感じ」と思いながらやるしかありません。
