弦楽器のアクセサリーについて

こんにちはガリッポです。

前回はオーディオのアクセサリーパーツについてお話をしました。同じようなことが楽器の世界でも考えられるわけです。ポピュラー音楽のジャンルであれば全く同じことが言えます。楽器や録音に使うケーブルがあるからです。

オーディオマニアというような人は世界中にいてとても熱心です。日本ではブームになったころがあるようですが、私の世代では絶頂期を知りません。それが完全に衰退したかといえば、インターネットで各自の試みや意見が交換されるようになったり、売っているお店が少なかったものが通販によって買えるようになってむしろじわじわと人気が出ているようです。また携帯音楽プレーヤーからヘッドフォンがブームとなりそれをきっかけに入門者も増えた事でしょう。昨今のステイホームも追い風になっていて品薄になっている製品が多くあるくらいです。

これに比べると弦楽器の世界はずっとマイナーなままです。個人レベルでもヴァイオリンの製造は始めることができるので小さな規模の事業者が多く大手電機メーカーのような研究体制は持っていません。
大量生産を含めても中小企業がほとんどで有名なメーカーもありません。ヤマハやGEWAのような大手楽器メーカーもありますが、弦楽器の世界では会社は大きいほど低く見られるのも事実です。職人が重んじられる世界ということです。

一方で職人の私からすると、職人の手作りだから自分の作っているものは良い楽器だと偉そうにしていると成長がありません。

そんな中でもアクセサリーパーツは未熟な分野です。手作りでパーツを作ることができても、消耗部品では値段が高すぎます。やはり機械を使って大量に生産する必要があります。私もバロックヴァイオリン用のテールピースを量産工場のために設計をしたことがあります。
でもバロックヴァイオリンの中で音が良くなるというものではなく、そもそもバロックヴァイオリン用のテールピースが量産されていないので何かしら必要だから作ったまでです。

私はいくつも異なる試作品を作って音を聴き比べて設計を完成させていったのではなくて、わずかに残っているオリジナルのテールピースの写真などから具体的な形を起こしただけです。もちろん実際にバロックヴァイオリンで使用して機能性は保証できます。それすらヨーロッパの製品というのは怪しいものです。こちらに来てすぐ野菜の皮をむくためのピーラーを買いました。しかし全く切れませんでした。工場で製品を作っている人やそれを販売すると決めた人は一度もそれを試したことが無いのでしょうか？そんなレベルです。
それに比べれば私が設計したものはちゃんと弦を留めて演奏で不具合なく使えるレベルのものです。しかし、音を良くするために設計を何度も変更したりはしていません。

モダン楽器用のテールピースでも同じようなものです。昔から決まった形がいくつかあって、それぞれ黒檀、ツゲ、ローズウッドの3色がありました。音を吟味した製品というよりは単に伝統に従って作ってあるだけです。それがヴァイオリン、ビオラ、チェロ、コントラバス、さらにミリ単位でサイズ違いがあり、3/4,1/2,1/4,1/8,1/16とサイズ違いも作らなくてはいけません。製品を揃えるだけで大変です。小さい方はほとんどアジャスター付きのプラスチック製です。かつては金属でした。

私は異なる素材でテールピースを作ったこともあり、ブログでも紹介しています。
今はローズウッドの取引が難しくなり、それに代わる代替の素材が検討されています。各社バラバラのものを使っていて統一されていません。
例えばタマリンドというマメ科の木材などは硬度や密度が高く、しっかりとした音で音色に暖かみもあると思います。そのようなものが業界として統一されれば自分で作る必要はありません。やはり大量生産された方が使いやすいです。手作りなら値段も高いですが、私は朝から晩までその仕事ばかりをすることになるでしょう。やはり専門メーカーがあるわけです。

新しい形状のあご当て

同じようなことはあご当てにも言えます。
音が良くなるように吟味して作ってあるというようなものではありません。そもそもあご当てはあごに挟んで楽器を安定させるためのものです。それが一番大事な機能で安定した楽器からしっかりした音が出るというものです。

あご当てはうちではGEWA(ゲバ)のものをスタンダードとして使っています。昔から多くの種類の形状の物あり、演奏者が好みに応じて選べばいいというものです。品質はものすごく高くはありませんが、他のものよりはましというものです。値段は25～30ユーロ（3000円～3500円）位のものです。GEWAはドイツのメーカーでケースなどは有名ですがあご当てはドイツ製ではありません。中国かインドかそんなところです。

一番一般的なのは「ガルネリ」というもので普通ヴァイオリンを買うとついているものです。もちろんグァルネリ・デルジェスが設計したものではありません。当時はあご当てはありませんでしたから。特定のメーカーのものではなく、メーカーによって微妙に違います。
それで何の不満もなく弾いている人は多いと思います。

ただ現代の木工機械の性能が上がっていてもっと3次元で凝った立体造形ができます。昔からある標準的な形には改良の余地があります。

GEWAなら「カントゥーシャ」というモデルがあってうちでは多くの人がフィットするのでよく使っています。写真でもほとんどこれがついていると思います。

これがそうです。ガルネリよりは少し真ん中寄りについています。あごの骨にフィットしやすい形状になっています。とはいえあごの骨には個人差があるので全員に合うというわけにはいきません。

これと似たようなデザインのものがオットー・テンペルからも発売されました。GEWAのまねとは言いません。オットー・テンペルモデルと書いてあります。とても高価なものです。

さらにユニークなものがあります。コンラッド・ゲッツというマルクノイキルヒェンのメーカーです。

形自体はさっきの2社のドイツのメーカーと似ています。この製品では「超軽量」を謳っています。値段は定価が29ユーロとなっています。GEWAと変わりませんが見た感じの品質は良さそうです。

私は「軽いから音が良い」ということに根拠があるのかわかりません。しかし一般に弦楽器業界では基本的な知識としてそう信じられています。実際に試した人がいるのでしょうか？

それでも製品として薄く加工する方が精巧であるとはいえると思います。高度な技術で美しく作られているということです。この時点でクオリティが値段と比べれば高い製品だということは言えます。

ただしGEWAのガルネリと比べると明らかに小さいです。あごの骨が当たる部分は限られているのでそれ以外の場所は必要ないと言えばそうなのでしょう。

実際に試してみないと何とも言えません。人によっては合う人もいるかもしれません。各社が新しいモデルを作っていることは注目に値すると思います。製造機械が進歩しているので付属部品の安価な製品に品質の良いものが出てくることを期待しています。

手ごろな価格で上質なものは常に求められています。そのようなメーカーが現れるとすぐに人気になってしまい商品が手に入らなくなってしまいます。
いつも手に入るのは、中国製のひどい物か無駄に高い物のどちらかしかありません。良質な中級品を私は求めています。

もう一つは昔からある古典的なモデルしか売れないということもあります。テンペルの新しいオットー・テンペルモデルも注目度は高くありません。マイナーなゲッツともなれば鳴かず飛ばずです。
私が期待しているのは音ではなくあごにフィットする形状と見た目の綺麗さです。多くのメーカーの古典的なモデルは教科書通り決まった形に作っているだけであごへフィットはあまり考えていません。
この製品に期待したのは効果があるかないかに関わらず「超軽量」という謳い文句を付けることで有名ではないモデルでも店頭に並べる理由になるのではないかということです。

惜しい部分もあるメーカーです。有名ブランドでないために贅沢に製造コストをかけることもできないし、仕上がりや材質もひどい物よりはましという程度です。

それが日本に入ってくると「高級ドイツ製」となり値段が何倍にもなるでしょう。

ピラストロからパーペチュアルのビオラ弦が登場

詳しくはメーカーのHPを見てください。
https://www.pirastro.com/public_pirastro/pages/en/Perpetual-00010/
チェロ用から登場しました。個人的には嫌いな音ではありません。引き締まって角の立った力強い音で、暖かみのある暗い音色です。それでいて金属的な嫌な音は抑えています。一方で値段が異常に高いことは不満点です。

次にヴァイオリン用が出ました。これは手放しに歓迎できるものではありません。チェロと同じように強い音ではあると思います。しかし耳障りで無理やり音を強くしているような印象を受けます。好き嫌いは分かれて高級弦ならこれと取りあえず薦められるものではないでしょう。

ビオラならチェロに近いので面白いかなと思っていたところに製品が出ました。

特徴はC線がスチールだということです。ビオラはナイロン弦が一般的です。ヴァイオリンのE線と同じでA線はスチールなのが普通です。それだけでなく一番低いC線もスチールになっています。さらに巻いてある金属はタングステンでチェロの低音用の弦に使われているものです。
ビオラは低音が弱かったり、甘い音のものが多いのでスチールのC線で力づくで鳴らすということでしょうか。

ピラストロくらいになれば試作品をいくつも作って多くの音楽家にサンプルを試してもらって製品化までこぎつけているはずです。

ただしスチール弦の場合ちょっとペグを動かすだけで調弦が大きく変化してしまうのでアジャスターを付けるのが普通です。こうなるとA線とC線にアジャスターが必要になります。

また弾いているときにでもC線とG線で急に弓に伝わる感触や音が変わってしまうかもしれません。当然ピラストロもそんなことは分かっていて商品化したので配慮はしているはずですが。

製品としては変化球的なものです。個人的にはシンプルなものでいい結果が得られる方がよりベターだと思います。

まだ手元に届いていませんのでわかりませんけども速報です。

アクセサリーに求められるもの

私は音を調整できる手段が増えることは歓迎します。イメージする音に近づけることができれば好きな音で演奏ができるからです。

しかしユーザーが求めるために商業上「音が良くなる」アクセサリーが求められるでしょう。特に日本人はこのようなことに熱心です。音が良くなると称して高価なフィッティングパーツを薦められたという話を聞きます。

「音が良くなる」と言って商品を売ることは「儲かります」と言ってリスクのある金融商品を売るのと同じことです。ヨーロッパでは責任をあいまいにするためにそこまで言わないと思います。ゲッツのあご当てでも「超軽量」と書いてありますが、音が良くなるとは書いていません。軽量というのは重さを測れば分かることですが、音が良いかどうかは主観によって変わってしまうからです。

私は自分の楽器の不満点を解決するということが重要だと思います。音が鋭くて困っている人には柔らかい音に変化するもの、音にパンチが無いという人には鋭い音に変化する全く別のものが必要で、誰にとっても「音が良くなる」ということは現実的ではないと考えるからです。

したがってメーカーはあらゆる方向性の音の製品を用意して、ユーザーが自分の問題解決に合うものを選べるべきです。

現実にそのようなことは実現していません。ユーザーが理解していないからです。

こちらはヴァイオリンのテールガットです。もともとはガットが使われていたのでその名前ですが、現代ではそれ以外の素材もあります。

左からプラスチック、カーボンやケブラー、スチールです。
音はプラスチックが一番柔らかく、カーボン系のほうがダイレクトで力強く、スチールが金属的な音だと思います。

カーボンのほうが音が良いというのではなく、場合によってはプラスチックのほうが甘い音になるので良いというわけです。
スチールは力強さが最も期待できますが細くてナットに食い込んでいくのであまり使いたくはありません。私はチェロの弦でテールガットが作れないかと思っています。スピルコアなら力強くラーセンなら柔らかいと音の違いまで作れるでしょう。
しかしばらけないように留める方法が分かりません。弦の力は強いのでしっかり留めないと演奏中に外れしまう恐れがあります。

先日もっと太いものを使っているのを見かけました。これは何だろうかと思ったらチタン製のものではないかと思います。チタンは「軽量」を謳い文句にします。
私はそんなことはどうでもいいです。金属特有の鋭い音が出るようなものが使えれば、楽器によっては目が覚めるような音に変わるのではないかと期待が持てます。
チタン製のものは中国メーカーのものでちゃんと試奏して作っているのか疑問があります。しかしながら一つの選択肢として試してみたいと思います。

とはいえ、アクセサリーによる効果はわずかなものであり、楽器本体がそもそも持っている音が圧倒的に重要で、しっかり弾きこなすほうがはるかに重要でしょう。10メートル以上離れたときの音の違いが聞いている人にわかるかも疑問です。

それでも自分が好きな音で演奏ができれば気分も違うでしょう。
ユーザーの希望がビジネスを成立させるのです。

オーディオでヴァイオリンの音を再現する？

こんにちはガリッポです。

休暇は終えて仕事を始めました。
変わった出来事もないのでこの前の続きです。

ステイホームで家で過ごすことも多くなり音楽鑑賞も趣味として盛んになっていると思います。そうでなくても、一流の音楽家の演奏を聴いたり、滅多に演奏されない曲を聴いたりするのには自宅で録音物を聴くことになります。

音楽家でも自分で録音や編集などをする人なら音響機材の重要性を認識していると思いますが、特にアコースティックの世界では無頓着な人も多いでしょう。
一方でオーディオマニアの人はクレイジーな世界のようにも思えます。普段から弦楽器の音をよく聞いているヴァイオリン職人として音楽をまともに聞けるように取り組んでいます。

ヴァイオリンの音と同じ音をオーディオから出そうとすれば、手持ちのオーディオと同じ音のヴァイオリンを作ればいいわけです。皆さんはそういうわけにはいかないでしょう。本末転倒です。

スピーカーはソナス・ファベールのエレクタ・アマトールⅡという90年代終わりのものです。オーディオに詳しい人ならなるほどというチョイスでしょう。
このメーカーの設立者のフランコ・セルブリンという人がとても弦楽器にこだわりを持っていてユニークなスピーカー作って有名になったイタリアのメーカーです。
見た目がまず、ウォルナットの天然の木材でできています。普通スピーカーというとパーティクルボードやＭＤＦにプリントの木目を張り付けてあります。前面には革が貼ってあり家電製品というよりは工芸品のようです。

工芸品のような木の暖かさ、イタリア人の音楽に対する考え方、とりわけヴァイオリンにこだわりのあるメーカーということで有名になったものです。今でも中古品はかなり高い値段がついている高級ブランドでもあります。

実際に音について言えばイメージと近いものがあります。未来のハイテク製品だとか、正確な計測器具というよりは暖かみのある音で音楽を聴かせるというものです。
音楽のノリがよく楽しく聞こえるので、本当のコンサートに行くと眠くなるくらいです。

というわけで当時若気の至りで勢いにまかせて買ってしまったのですが今でも愛用品です。今ならもうこんなものは買えないでしょう。

ヴァイオリンという楽器の音を出すのに特にこだわって作られた製品ということが言えます。弦楽器は弓と弦をこすることによって複雑な音が出ます、これがリコーダーのような木管楽器ならもっと単純ですし、ピアノでもチェンバロに比べると澄んだ音がするように進化しています。それに対してヴァイオリンは複雑な音を持っています。シンセサイザーでも再現が難しいものです。

たいていのスピーカーではヴァイオリンの音はなんとなくあやふやに聞こえるだけですが、これは弦楽器が生み出すいろいろな音を細部までとらえようと意識して作られていると思います。単に高音質なだけでは澄んだ綺麗な音はしますが、味のある枯れた音が出ません。

それでもいくつか問題点があります。
まず細かく描きすぎているという点です。実際にホールで聞けば楽器の音などというのはそんなにはっきり鮮明に聞こえません。それに対して高級オーディオは鮮明であるほど音が良いと考えられているようです。
モノラルだったものがスピーカーを左右2つ使うことでステレオ再生というものができるようになりました。1960年頃から普及してきました。これによって舞台があたかも存在するかのように聞こえます。これを英語ではサウンドステージといいます。

このスピーカーでは音が細かすぎるためにサウンドステージがミニチュアのように聞こえます。オーディオマニアはオーケストラの楽器の音源が一つ一つ分かるくらい鮮明なのを高音質と考えるでしょうが実際はそんなふうには聞こえません。もっとごちゃごちゃになってほしいわけです。

ヴァイオリンは優れた名器ほど音がホールに豊かに広がるので音がどこから聞こえてくるのか音源がはっきりしなくなります。安い楽器は楽器のところで音が鳴っているように聞こえるので音源が特定しやすいのです。つまりオーディオマニアが良い音だという音は、安いヴァイオリンの音なのです。

もう一つは金属的な音がするのが問題です。
かつては私はほとんどバロック音楽しか聴かない古楽ファンでした。古楽の録音ではたいてい弦楽器の音はカチャカチャとした金属的な音になっています。自分でバロックヴァイオリンを作ってもそんな音ではないようですが、広い場所ではモダン楽器のような音の豊かさが無いのでそのように聞こえるのかもしれません。

このため金属的な音であることはバロック音楽の録音とは一致していました。有名なレーベルではハルモニアムンディなどはそうですね。だから特に気になりませんでした。

しかし最近はモダン楽器も聞きたいと思うようになって問題となったわけです。

見た目の木材の暖かみとは裏腹にこのスピーカーは結構金属的な冷たい音がします。これはドイツや北欧のメーカーにも多い印象があります。実はこのスピーカーも自分で作っているのは箱だけでスピーカーの部品自体は北欧のメーカーのものです。

暖かみのあるキャビネットの音とスピーカーユニットの冷たい音が同時に同居しているというちぐはぐなものです。これを一つにしたいです。

このため全体としては、鮮明すぎる音をあいまいにしてぼかしたいというわけです。普通オーディオマニアはそういうことは考えないでしょう。鮮明なほど音が良いと考えるのが普通だからです。

音をぼやかせると、眠くなるような音になってしまうので音楽的な表現は失ってはいけません。

また小型スピーカーなのでスケール豊かな低音は出にくいものです。小型とはいってもウーファーの直径は18㎝と現代では特別小さい方ではありませんが、大きなスピーカーのようなゆったりとした音は難しいです。
それもポイントです。

DAコンバーターからはじまった

前回DAコンバーターの話をしました。PCの音を良くしたいという理由からでした。パソコンなども買い替えるとちょっと音が良くなったりしたものでした。ヘッドフォン出力から出しても新しいものを買ったら音が良くなっていたようです。
それに比べるとミュージカルフィデリティのDAコンバーターは激変といえます。

これをCDプレーヤーとつないでも金属的な音は和らぎました。それでもまだ金属的すぎます。

そこでスピーカーケーブルを交換しました。
ミュージカルフィデリティがイギリスのメーカーで感心したということもありますが、他によく知っているのはタンノイというスピーカーメーカーです。これもイギリスのメーカーで名門中の名門です。
タンノイには昔の家具調ステレオみたいなシリーズと、現代的なものがあります。私がコンサートホールの音を最もうまく再現していると思うのは現代のタンノイだと思います。音楽的な表現も優れています。オーケストラでもビブラートが鮮明に聞こえるし、フォルテシモではド迫力です。
私がクラシックファンに薦めるならモダンタンノイです。

オーディオケーブルのメーカーにもイギリスのQEDというメーカーがあります。

QEDのスピーカーケーブル

理系的な知識を持つ人がオーディオマニアの世界をクレイジーだと思う典型が「ケーブル」です。電線で音が変わるわけないだろうというものです。こちらでは原住民の神秘的な呪術に例えられ「迷信」として批判されています。

弦楽器の弦とも似ています。こだわる人はものすごくこだわるし、気にしない人は全く気にかけません。日本ならヴァイオリンを買えばドミナントが張ってあるでしょう。お店としては安い弦なので費用が掛からなくて済みます。オーディオ機器では「赤白ケーブル」というものが付属していることが多いです。

QEDのPrpfile 79 Strandというものを買いました。これは1メートル2ポンドほどのもので300円位のものです。それ以前には日本から持って行った日本製の10倍以上の値段のものを使っていました。アクロテックというメーカーのもので今はアクロリンクに会社が変わっています。

このようなものは外国製品はとても割高になります。日本で安い日本製の物がヨーロッパではものすごく高い値段になっていたりします。ヨーロッパにいるならヨーロッパのものを買った方が安いです。

繋ぎ変えて聞いてみると、金属的な音がだいぶ減って高音も柔らかくなりました。値段は10分の一ですが音が悪くなったという印象はありません。
もともと残響の響きは多かったのですが、QEDでは広いホールに響き渡るという感じなりました。低音は引き締まっていたのが豊かになりました。全体的に音は柔らかくおおらかな鳴り方になったので狙った方向に変化したと思います。

つまり音は変わる関わらないかで言えば変わるということが言えます。しかし値段が高いほど音が良いかについてはよくわかりません。
同じQEDの上級モデルになればもっと良くなるかもしれませんが、不満を解消するということにピッタリ合っているかはわかりません。

この安価なケーブルはコンサートホールで録音されたものは響き渡るのですが、スタジオで録音されたようなものならエコーが増えるようなことはありませんし、ポップスのように人工的に加工されたエコーならそのように聞こえます。
低音が多く入っている録音なら豊かな低音に聞こえるし、低音が少ない録音なら低音は控えめになります。

テレビなどの音声でも出演者の声が汚ければより汚く聞こえます。したがって音源の音がそのまま出ているだけのようです。これが以前つけていたような高級ケーブルならあらゆる音が美化される効果があったかもしれません。

高級ケーブルは理屈の上では伝送中に音（電流）が劣化するのをいろいろな手法で防いでいると説明されています。でも実感としてはフィルターのように耳障りな荒っぽい音を除いたり、高音質に聞こえるような癖を与えているように思います。

2ポンドのこのケーブルでは音源の音質が良ければ全く不満はなく、録音の音質やデジタル音源の圧縮が悪ければそのまま悪い音で出るということでしょう。

ともかくCDの録音が良ければ狙った通りの改善が見られたと思います。

QEDのデジタルケーブル

これでもかなりいい結果が得られましたが、さらに欲を出してCDプレーヤーとDAコンバーターの間のデジタルケーブルもQEDのものにしてみました。

はじめに付けていたのはドイツのインアクースティックというメーカーの2000円位のものでした。かつてはモニターPCという名前で日本でも売られていました。現在ではパソコンのモニターと混同してネットの検索結果では出てこないのがブランド名を変えた理由でしょうか。

QED Performance Digital Coaxial Audio Cableというものです。PerformanceはProfileよりも上級シリーズで5000円以上するものです。これがデジタルケーブルでは一番安いものです。

理屈上はデジタルケーブルなどは音は変わらないはずです。たまたま3000円位で新品同様の中古品が売りに出されていたので気軽に買ってしまいました。

そんなに変わらないだろうと思ったら大間違いでした。

インアクースティックのものに比べて高音は柔らかくなって希望通りでした。しかし望んだ変化以上に全体的に音が変わってしまいました。スピーカーケーブルでもそうだったのですが、音が空間に響き渡るのがもっと強くなりました。ワンワンと響いて風呂場の様な音になってしまいました。

バランスとしては高音のほうが地味で低音が豊かに伸びています。暖かみのある暗い音になりました。
響きが多すぎるのですが、それは細かなニュアンスまで再現しているわけで録音がはまればコンサートホールのような響きになるはずですが、録音が悪ければワンワンした音になるだけです。

演奏のニュアンスも変わったように感じられます。オーケストラなら指揮者が変わったようです。勢いの良い演奏をしていた人が繊細なタッチに変わりました。デジタルケーブルで演奏のニュアンスまで変わるのですから驚きです。

全体としてはQEDのほうが良いのかもしれませんがワンワンとしてしまうバランスに問題があります。

スピーカーの位置の調整

ケーブルにはエージングが必要だという意見があります。エージングというのは電気を長時間流していくと音がよくなるということです。弦楽器なら弾き込んでいくと音がよくなるのはよく知っていますが電線でもそうなるというのは理屈が分かりません。

はじめに付けたインアクースティックのデジタルケーブルは金属的な音が強くCDプレーヤーを何日もずっと鳴らしっぱなしにしていたら音が少し柔らかくなったような気はします。このまま何か月も使い続ければもう少し柔らかくなるのかもしれません。QEDのほうが柔らかいのですが音がワンワンとしてしまいます。インアクースティックに戻したほうがいいかもしれません。

それに対して他に音を変える方法があります。スピーカーの位置を変えることです。スピーカーの位置はわずかでも動かせば音が変わります。弦楽器の中につっかえ棒として入っている魂柱に似ています。

上下左右3次元で右と左があるので位置は無限です。場所が変わるとすべて音が変わるというのですからどこにしていいかわからないものです。

まず床からの距離はスピーカースタンドを使用しているのでそれで固定としましょう。実は高さを変えることができるものですが面倒なのでいじらないようにしましょう。

左右の間隔を変えてみました。
間隔を広げると空間がクリアーになり広がったようです。狭めると音の広がりがなくなってごちゃごちゃになりワンワンした音がまとまって厚みが出るようです。私の希望はごちゃごちゃにしたかったので前よりも狭めることにしました。

後ろの壁からの距離については壁に近い方が高音が金属的で鋭いようで、離していく方が柔らかくなるようです。同時に空間の響きも豊かになります。ますます風呂場状態になっていきます。あまり壁から離すと部屋も狭くなりますし鋭さと天秤にかけて適当な位置を探しました。

前よりも壁から離した結果音が柔らかくなり、響きも広がったのでさらに間隔を狭めました。

これでバランスが良くなったのでとりあえず音楽は聞けるようになったでしょう。少なくともエージングよりもスピーカーを動かすほうが音の変化は大きいものです。

QEDのデジタルケーブルに換えた直後はワンワンしたようなものだったのが結構カチッとした音になっています。

弦楽器の音を再現？

後はオーディオの事を忘れて音楽を聴けば良いだけです。

コンサートホールの音になったかといえば無理があります。しかし好きな音で音楽が聴けるようなったことは間違いありません。暖かみのある音で豊かに響き渡りクラシックらしい荘厳な響きが楽しめます。小型スピーカー特有のミニチュアサウンドステージは中型スピーカーくらいの感じにはなったでしょう。音楽のニュアンスも伝わってきます。楽譜のリズムを外したようなアドリブもはっきり聞こえます。

協奏曲でヴァイオリンのソロはかなり良い線を行っていると思います。難しいのはオーケストラパートです。
ソロならこの前私が作ったピエトロ・グァルネリ型のヴァイオリンの様な音になりました。

ずっと気にしてきた金属的な音も、モダン楽器にはそんな音のものもあるので間違っているとは言えません。でもオーケストラ全体が金属的な音がするのはおかしいです。
一方チェロではほとんどの人がスチール弦を使っているので金属的な音のほうが良いです。ヴァイオリンの音を柔らかく調整するとチェロでは弱くなりすぎます。

ピアノ伴奏のヴァイオリンソナタではさすがに本当のヴァイオリンの音と同じかというと難しい所があります。録音のマイクが近すぎたりするのかもしませんが音がはっきりしすぎます。子供用の1/2くらいのヴァイオリンのような感じがします。もっと自然に大らかに鳴らなくてはいけません。

更にRCAケーブルもアクロテックからQEDに換えようかとアイデアもあります。さらに風呂場のようになる危険性もあります。
それでも無理ならアンプの交換になりますが、高価になるので手が出ません。

音の変化の難しさ

オーディオでも楽器の調整でも音の変化を感じるのは難しいことです。

私が疑うのは、その変化が相対的なものか絶対的なものかということです。

前と比べて変化した違いにだけ注目していると大きく変わったような気がします。しかし全体として見れば変わったのはわずかのことかもしれません。

このような調整やエージングによって音が柔らかくなったと思って休暇を終えて久々に会社に行って会社のステレオの音を聞くととても柔らかく聞こえました。こんなに柔らかい音だったのかと思いました。
音が柔らかくなったと思っていたのは単に耳が慣れたからかもしれません。

理屈上は基準としてもう一つオーディオシステムが必要です。そちらは常にいじらないでおくべきです。何かをやったら聴き比べるべきです。

楽器でも音を調整する前に、もう一つ別の楽器と弾き比べをしておいて、調整後のものとまた弾き比べるとどうでしょうか？

魂柱を動かして調整したときは同じ楽器の「ビフォーアフター」を比べたのですごく変わったように感じたのが、別の楽器と比べるとやはり元の楽器の音であることに変わりがなかったということに気づくでしょう。

音の調整には懐疑的な見方も必要だと思います。

デジタル時代の音楽鑑賞…USB-DACを購入

こんにちはガリッポです。

ヨーロッパでヴァイオリン職人の仕事をしていますので、いつもはヴィオリンなど弦楽器の話をしていますが、今回はお休みをいただいているので関係ない話をしましょう。

大学生だったころはお小遣いの多くをCDの購入に使っていました。職人として就職してからは初めは給料が安くて生活していくだけで精一杯でしたし、小さな都市なので品ぞろえの良いお店のもありません。
ラジオから流れて来る音楽を聴くだけで積極的には聞いていませんでした。

去年はコロナの影響で家で仕事をする時期もありました。家では自分の好きな音楽をかけることもできます。そんなわけで興味が戻ってきました。

どんな音楽を聴こうかというのは今なお模索中であります。

今では携帯音楽プレーヤーやスマホやタブレット、PCを使って音楽を聴くことも多くなっているようです。いろいろなサービスがあって今でも十分に理解していません。同様に訳が分からなくて音楽から遠ざかっている人がいるとすれば残念です。

その前にハードウエアとして音質をよくするためのアイテムがあるのです。USB-DACというものです。知っている人は良いですが、私は全く知りませんでした。

DACというのはDAコンバーターの略で昔からあります。CDのようなデジタル信号をアナログ信号に変換してスピーカーから音を出すためのものです。しかしDAコンバーターを買うということはありませんでした。CDプレーヤーを買えば内蔵されているからです。それどころかスマホやPCにも内蔵されています。

DAコンバーターとCDを回転させてレーザーで信号を読み取る装置が別々になっているのはものすごく高価なものに限られていたので縁のないものだというイメージでした。

これに対してUSB-DACはUSB端子で入力が可能だというものです。デジタルのIT機器からDAコンバーターに接続できるというものです。
なぜ必要かと言えば、IT機器に内蔵されているDAコンバーターは安上がりのもので音質が期待できないからなのだそうです。

最近はヘッドフォンがブームで数万円のヘッドフォンともなれば音質が良すぎてデジタル音源特有の嫌な音が聞こえてしまいます。そこでヘッドフォンの端子につなぐのではなくUSB-DACに接続します。ヘッドフォン用の製品はボリュームがついていてヘッドフォンアンプが内蔵されています。

私の場合にはヘッドフォンは使わないのでボリュームもヘッドフォンアンプも必要ありません。

USB-DACは中国メーカーのものなら1万円程度で、高級オーディオメーカーなら10万円や20万円は当たり前です。5万円位でも安い割には音が良いみたいな世界ですからビックリです。

中国メーカーも進歩は著しいのでしょうが、また買い直すのも嫌なので割高でもオーディオメーカーとして歴史のあるメーカーのものを買おうと考えました。

私が選んだのはミュージカルフィデリティというイギリスのオーディオメーカーのものです。ヨーロッパで買えるもので一番安いのはオーストリアのPRO－JECTというメーカーのものですが、音については全く情報がありません。次いでケンブリッジオーディオというイギリスのメーカーのものです。ネットでの評判は分かれているようです。

ミュージカルフィデリティのものは3万円位です。せっかく買うなら手持ちのCDプレーヤーの音もよくできるものの方が良いと思いこれにしました。一般の人にして見れば買う必要のないものに3万円、オーディオマニアからすれば一番安いクラスの製品です。

ミュージカルフィデリティのV90-DACというものでボリュームもヘッドフォンの端子も何もついていないものです。日本では販売していないようです。

ミュージカルフィデリティは一般的なオーディオメーカーとは違い音楽の魅力を再現することをモットーとしたメーカーです。これも言葉ではよくわからないものです。
一般的にオーディオ製品というのは家庭用のものと業務用のものがあります。家庭用でコンパクトなものは家電店で売っていて、高級なものはオーディオ専門店などでオーディオマニアのために売られています。
業務用のものには楽器店で売っているような音楽家向けの製品があります。
おそらく「音楽」というのは業務用のような考え方なのではないかと思います。

クラシックの場合には生の音なのでいわゆる音響機材というのは必要ありません。それが現代のポップミュージックでは必須のものです。そこにミュージシャンによってはとてもこだわりを持っている人もいます。ちょうどヴァイオリンで音が良いか悪いか気にするようなことです。
学園祭などで学生バンドの演奏を聴いた後でプロのバンドの演奏を聞けば楽器や機材のレベルが全然違うのが分かります。
オーディオマニアではないのですが、こだわりのある世界です。

実際にミュージカルフィデリティのDACをPCとアンプの間に接続して試してみるとまずまろやかな音に変わりました。デジタル音源特有の嫌な高音が和らぎました。デジタルは低音はクリアーで優れているのですが、高音に難があります。波長が短くなると粗さが出てしまうからです。さらにネットで扱われる音源はデータの量を減らすために圧縮がかけられているのでソースによっては聞くに堪えないものです。これがアナログであればAMラジオのように音が悪くてもそんなに嫌な音ではありません。

それについては人工的にアナログ信号を再現して補うのがこのようなDACの性能です。

さらにメーカーの特徴である音楽性については躍動感が増しました。

例えばドラムの演奏では全身を使って叩いているドラマーの動きが伝わって来るようです。
ちょっとレトロな音色でもあり、特に合っているのは60～70年代くらいのロック音楽でしょうか。最新のデジタル技術で真空管のギターアンプやアナログレコードのようなそういう音を再現することを目指しているのだと思います。まさに私の趣味で、昔のものが持っている魅力をいかに現代に通用するレベルにするかということです。それも過剰すぎずに作られているのが見事です。勉強になります。

クラシック音楽でもメリハリの効いた表現になっています。イギリスやフランスのバロック音楽で太鼓を使っているとドン！ドン！と中世やトルコなどの音楽のようでクラシック音楽ではないかのようです。
オーケストラでも指揮者の意図が伝わってくるように感じられます。フォルテシモではド迫力です。聞いていて楽しくなるのはこのメーカーならではなのでしょう。

このミュージカルフィデリティのDACはACアダプターが付属しています。上級モデルでは電力を供給する電源の部分が内蔵されています。それ以外は同じようなものらしいので差は電源だけということになります。
実はこのDACに使えるメーカー純正のグレードアップ用のアダプターがあります。それを1万円くらいで購入しました。これにすると低音が深くしっかりしたように思います。ネットで買ったので予想以上にサイズが大きくてびっくりしました。本体とあまり大きさが変わらないです。写真で本体の横に写っている黒いものです。

これでPCを使って音楽を聴けるようになったかというのが問題です。たしかにデジタル音源のマイナス点は解消されました。一方でCDプレーヤーからデジタル出力でこのDACに接続するとさらに音が良いのです。
PCから出力した場合も音は綺麗ではあるのですが、薄っぺらい感じがします。CDのほうが音に立体感があり生々しくスケールが大きく感じます。

私の気持ちとしてはネットでいろいろな音楽を試しに聞いてみて、気に入ったものをCDで買ってCDプレーヤーで再生するという方向に流れてきています。

iPodのブームのころにも全く無関心だったのでハードディスクなどに音楽データをコレクションするという習慣もありません。結局またCDを聞くという結論に至りそうです。

ネットではものすごくたくさんの音楽が配信されているとなるとどれを聞いて良いかわかりませんし、もっと他に良いものがあるかもしれないとザッピングをしてしまいます。CDなら途中でいじらないので音楽に集中できるように思います。

私は、なにも進歩がありません。
最新のDAコンバーターで15年以上前のCDプレーヤーがグレードアップされただけです。知らない音楽を学ぶのとBGMとしてはネットの音楽も使えそうです。

グレードアップ電源アダプター、ケーブル類なども入れると5万円くらいの出費です。それで20年前のオーディオ機器を今風にアップデートして買い替える必要はありませんから無駄遣いとも言えないでしょう。

趣味というのは物を考えるヒントになるものです。
弦楽器の世界は市場規模が小さく、伝統産業で近代的な考え方が理解されていません。師匠がそうだと言ったらそれを信じるだけでした。

オーディオ機器は現代の工業製品で弦楽器のような謎に包まれた世界ではなく事細かに理論化されています。もし理論の通りに行くのなら、理想通りに作られ高性能になればなるほどどのメーカーのものも同じ音になるはずです。しかし実際には全くその逆で高価なものになるほど音がバラバラになっていきます。高価なオーディオだから音が良いということではなく「なんじゃこりゃ？」という音になりえるということです。カタログに書いてある能書きは無視して実際に聞いてみるしかありません。

一度高級店や大型電気店でいろいろなスピーカーの音を聞かせてもらうと良いでしょう。あまりにも音が違うのに驚きます。
「これが一番売れています」と紹介されたものを聞くと「何だこの音？」というようなこともしばしばです。それが難しさです。

私は生の弦楽器の音を普段から聴いていますから、一般のオーディオマニアとは耳が全然違うのでしょう。つまり人によって好む音や、聞こえ方が全然違うのです。メーカーは「自分たちの理想の音」を作り上げて勝負します。販売する人はそれぞれのメーカーの特色を理解してユーザーの好みに合うものを知らせるのが仕事なはずです。実際には月の売り上げ目標のほうが大事なのかもしれませんが…。

このような多様性は趣味やモノづくりの面白さでもあります。

これに対して弦楽器製作は画一的なものでした。
我々のヴァイオリン職人の世界では「巨匠＝音が良い」しかないのです。良い音のヴァイオリンが欲しけれ値段の高い有名な作者のものを買えば良いという単純な考え方でした。職人は有名な職人の弟子になることが目標でした。

音は「良い」「悪い」という一つの尺度で測れるものではありません。
店頭で楽器の弾き比べをしているお客さんに話を聞けばみな「難しい」と言います。試奏して10本のヴァイオリンを1位から10位まで順番に並べれば良いでしょう。
そういうことはできません。音は何とも言葉では言い表せないけども、確かに違うというものです。それに順位なんて決められないのです。

順位なんて決められないのに値段に反映させることなんてできません。少なくともうちのお店では、音で値段を決めてはいません。

音には趣味趣向があり、多様な音があるということをまず知らなくてはいけません。実際にミュージカルフィデリティでは音楽の躍動感を再現する、真空管やアナログレコードのような音を最新のデジタル技術で再現するというはっきりとした意図を持っています。違う考え方のメーカーとは音が違うのは当然です。

それと同じようなことは弦楽器の世界では聞きません。
作者が私はこういう音を目指していますとは聞かないです。こういう音を目指して作られたものだとして売られているのも聞きません。「〇〇だから音が良い」と理屈は言いますが具体的にどんな音を目指しているのかというのが無いのです。その結果の音について冷静に評価をしていないので理屈が本当かどうかもわかりません。

多くのユーザーは「音が大きい」ということを優れた楽器と考えるでしょう。何の断りも無ければそのことになります。となれば耳障りでも何でも良いのです。
しかし私が目指しているのはそれとは違います。「オールド楽器の様な音」というのをはっきりと目標にしています。オールド楽器の様な音が良いのか現代の楽器のような音のほうが良いのかは個人の自由だと思います。
「有名な作者だから音が良いに決まっている」と売られている現代のものからオールド楽器の様な音が出ないのです。

それは良いか悪いかではなく「違う」ということです。
違いについて考えることをしてこなかったのが弦楽器の業界です。

楽器製作ではどこをどう変えると音がどう変わるかという教育は受けません。お手本通りに正確に加工できるか問うだけです。そのお手本は偉い師匠のそのまた師匠の誰かが言っていたものです。

発想を変えることが必要です。

もしオーディオに興味がある方がたまたまこのページを訪れて下さったなら、「原音」である楽器がどんな風に作られているか知るのも良いでしょう。

オーディオでヴァイオリンの音を再現するという事にも次回挑戦します。

2021年、新年あけましておめでとうございます

2021年、新年あけましておめでとうございます。

今年もまだまだ先が見えません。
ワクチンの接種が始まっていますが、大多数に行きわたるまでには時間がかかります。
我慢比べに勝つのは人類かウィルスかどっちでしょうか？

プロの音楽家の方々はとても苦しい状態が続くかと思います。
全体としては家で過ごす時間が多くなり音楽への関心は高まっているようです。

私自身もその一人です。
家で過ごす時間が増えて、結局何をするようになったかと言えば音楽を聴くということでしょうか。
仕事で力を使い過ぎているので自分で楽器を演奏するほどの気力はありませんが、せめて音楽を聴くことはこだわりを持って行きたいです。

ハイテクには疎い職人なので、デジタル時代の音楽環境の整備に四苦八苦しているところです。

ともかく、皆さんもお体には十分気を付けて音楽を楽しんでください。

2021年元旦

マルクノイキルヒェンの楽器製作

こんにちはガリッポです。

今年も仕事納めです。
2020年は変な年でしたね。

私はあまり生活は変わりませんでした。ずっと仕事ばかりです。ただ免疫力を損なわない為にも仕事はセーブし家で過ごす時間が増えました。
気が付いてみると何の趣味もなく仕事一筋でした。
一年も暇な時間を過ごせば自然と好きなものは見つかって来るでしょう。それでも何となく疲れた一年でした。休暇をいただいて休めたいと思います。

ホプフのヴァイオリン

代表的なヴァイオリンのモデルと言えば、ストラディバリ、デルジェス、シュタイナー、アマティ、マジーニなどです。
全くこれらとは違う独特なモデルがあります。

前回も触れましたが東ドイツのクリンゲンタールのホプフモデルです。

裏板のボタンの下にHOPFと刻まれています。焼き印というよりは彫ったような感じもします。

形は独特で他のドイツのオールド楽器とは全く違います。シュタイナーモデルではありません。f字孔も尖って大きなものです。

ニスも南ドイツのような真っ黒のものではなく黄金色をしているものが多いです。

スクロールはひびが入って状態が悪いですが、シュタイナー型のものとは全く違いますし、近代のものとも違います。

この楽器にはラベルがついておらずはっきりした年代は分かりません。ニセモノか本物かで言えば、わざわざホプフモデルのニセモノを作ることは無いでしょう。間違いなくホプフ派のものです。形が独特なのですぐにわかります。同じ時に3本も修理などで手元にあって比べて見ても同じ形です。

アーチはオールドのドイツの楽器にしてはそれほど高くないものですが、近代のものとは全く違うので本物のオールドヴァイオリンだとわかります。年代は1700年代の後半に多く作られたようなのでそのあたりでしょう。

ホプフモデルはホプフ本人が作ったものだけでなく地場産業として他の業者も作っていたようです。したがってHOPFはクリンゲンタールのブランドのようなものだそうです。しかし形は統一されていてそっくりです。
ホプフはマルクノイキルヒェン出身の一族ですぐ近くの街に工場を作ったくらいの感じです。マルクノイキルヒェンのローレンツという家族の1700年頃の楽器にも似たような形のものがあり裏板の同じところにLORENZと刻まれています。マルクノイキルヒェンでは1600年代からシュタイナー型とは違うフラットなアーチのものを作っています。ストラディバリがフラットなアーチを発明したというのは無理があります。

ホプフは20世紀まで続いて大量生産品が作られていました。戦後まであると思います。しかし近代の量産品は形がホプフ型であるだけでそれ以外はストラドモデルの近代的な量産品と変わりません。今ではホプフ型も無くなってしまいました。

オールドのマルクノイキルヒェンのネックは斜めに取り付けてあり、モダン楽器とあまり変わりません。そのためバロック時代のオリジナルのネックをそのままモダン仕様として使い続けているものがあります。

ネックの構造としては最も先進的なものだったと考えられます。

この楽器は状態も悪く修理も感心しません。値段は相場の本にも記載されていません。

これは作者のラベルがついておらず裏板にHOPFと刻まれているだけでは、作った人が様々で、近代の量産品まで含まれてしまうため値段がはっきりしない為です。

一般的にマルクノイキルヒェンのヴァイオリンの相場が2,000～10,000ユーロくらいです。これは新しい物や古いもの関係なくヴァイオリンというものの値段です。つまり産地名やメーカー名によるプレミアが無いので品質がそのまま値段になるということです。

これがオールドであることは明らかで1700年代の終わりごろのもので高価な方でしょう。近代の量産品ならずっと安くなります。しかし状態が悪いので最高額は難しいでしょう。

ホプフのヴァイオリンが邪険にできないのは、前回私が説明した条件を備えているからです。実際この楽器も弾いてみるとオールド楽器らしい音がちゃんとするのです。
一般的なモダン楽器に比べると柔らかくて高音も柔らかいものです。
枯れたような渋い味のある音で高いアーチの窮屈さも無いです。

音だけで言えば2流～3流のイタリアのオールドヴァイオリンに近いものがあると思います。値段は1万ユーロ（120～130万円）もしないわけですが、頭数が多く入手できる可能性も高いものです。

値段からしたらびっくりするほどの音のものです。愛用している地元では有名なヴァイオリン教師もいます。100万円程度でこの楽器なら新作を持っている周りとは全く違うレベルの楽器になります。オールド楽器の音がするのですから。

他とは全く違う個性的なモデルで何かのモノマネではないオリジナリティあふれるものです。過小評価されている典型と言えるでしょう。ユーザーにとってはお買い得です。ただし、近代の量産品はただの量産品です。古いものでは修理にお金がかかることも忘れてはいけません。

チェロの修理

他にはチェロの修理もやっていました。

これはW.H.ハミッヒの1888年にライプツィヒで作られたものです。モダンチェロらしく綺麗に作られています。

右上のところがニスが剥げている軽いアンティーク塗装できれいに作られたものです。

作者について詳しく見て見るとヴィルヘルム・ヘルマン・ハミッヒは1838年に生まれ1925年に亡くなっています。
マルクノイキルヒェン出身でベルリンのカール・グリムの下で修行しています。
マルクノイキルヒェン系の作者では最も評価が高く、ヴァイオリンの相場は2万ユーロになっています。
ライプツィヒに自分の工房を構え楽器の製造を行いベルリンにも支店を持ったそうです。
音楽の盛んな都市で活躍したということで値段もドイツの作者ではかなり高くなっています。
チェロは普通倍といわれていますが、フランスのものでも2.5倍くらいすることは普通です。そうなると5万ユーロくらいの値段になってもおかしくありません。600万円くらいですからかなり高いです。
ハミッヒが特別なのはチェロをかなり多く作っていることです。別にびっくりするほどのチェロというわけではありませんがコンスタントに上等なチェロを作り続ければ歴史に名前を残すことになります。

今回の修理の依頼はこれです。ネックにひびが入っています。

チェロではよくあることです。

指板を外してみるとネジが入っていました。ネックが折れたのは最近ではなくすでに木ネジで修理がされていたものでした。それも耐えられなくなり傷が開いていたのです。

安価な楽器やコントラバスではちゃんとした修理をするとあまりにも高額になってしまうのでこのような修理をするしかないこともあります。しかし600万円もするチェロでこの修理はいただけません。
問題はネジと木材の強度が違うため、ネジを支点としてぐらついてきてしまう事です。木材がつぶれてしまいます。
こうなるとネックが抜けはしないけどもヒビが徐々に大きくなり調弦が不安定になってしまったり、音が弱ったりします。

これを名の知れた鑑定士のところで買ったのだそうです。ネックが折れていることは知らされておらず、今回初めて発覚したものです。もしネックが折れているのなら修理代は差し引いて値段を付けなくてはいけません。権威のある鑑定士でも所詮は商人でこの程度なのが弦楽器業界です。

これはネックを新しくする継ネックという修理が必要です。お金はちゃんと支払われるのできちんと修理することができました。
このような綺麗に作られた楽器に正当な修理を施すことはややこしいことは何もありません。ただただ作業の量が多いだけです。
粗悪品では何もかもが滅茶苦茶で修理は難しいです。

ノコギリでペグボックスの壁を切ります。

チェロは弦の力が強いので引っ張りに強い構造にします。

新しいネックを差し込みます。

このような作業を自動的にできる機械があれば多くのチェロを救えますが、残念ながらとても慎重な手作業が必要となります。
接着面も完璧に合わせるのは難しいものですが、それ以外の作業量も膨大です。
ネックがヘッド部分に対して斜めになったりしないように気を付けるのがシビアです。

ネックの加工もとても手間のかかる仕事です。

ニスもオリジナルの様に再現しなくてはいけません。これは私なら簡単にやってしまいますが。

こちらはもっと難しいです。この程度になっていれば継ネックの跡も目立たないものです。

ハミッヒのチェロ

チェロでこれだけの品質ならとてもきれいに見えます。コーナーは師匠のグリムの影響があり角は丸く独特な形になっています。

ニスはマルクノイキルヒェン特有のラッカーではありません。においが違います。分厚いオイルニスでしょう。当初は柔らかったのかもしれませんが今ではしっかりしたものです。

マイスタークオリティのチェロと言えるだけのスクロールです。

横板のコーナー部分の合わせ目を見ると大量生産品と似ています。これはおそらく外枠式で作られたものです。製法自体は大量生産と同じような方法で高い品質で作られたものです。
ストップが長いのもマルクノイキルヒェンの特徴で41㎝あります（現在の標準は40cm）。

チェロで有名になるくらいの数を作った作者なら大量に作るための手法が用いられています。マルクノイキルヒェンの出身であり親族も多く弦楽器の製造に従事していたので、ライプツィヒやベルリンに店を構えていても工場はマルクノイキルヒェンにあったということでしょう。パリとミルクールの関係に似ています。

現在でもこのようなことで大量にチェロを作れば相当売れてチェロの作者として有名になれるでしょう。

日本には腕の良いまじめな職人がたくさんいるのでうまく組織すればこれ以上のチェロの工場も作れるかもしれません。

このチェロで私が気になる点は裏板がかなり厚いことです。600万円もする有名な作者のチェロでもこの程度です。

ちょっと珍しい弦のコンビネーションになっていることに気づいたでしょうか？

修理前についていたものですがC線だけがトマスティクのスピルコアで他がラーセンになっています。普通はGとCの2本をスピルコアにします。スピルコアは古い世代のスチール弦で金属的な強い音がします。ラーセンは柔らかい音が特徴です。C線だけスピルコアなのが珍しいです。

裏板が厚いせいだと思いますが、低音が弱いのです。はじいてみるとG線くらいから鳴り始めるよくあるタイプのチェロです。C線が弱いと感じたのでしょう。

それでも1888年のチェロで古い分だけ音にも深みがあり、鳴り方も強くなっています。学生やプロのオケ奏者がこぞって欲しがるレベルのものです。これで裏板がもっと薄ければ文句ないのですが、チェロというのはこの程度のものでも600万円もするのです。それだけ良質なものは作られた量が少ないのです。

今回の修理によって駒の高さもずっと高くなりました。力強さも増したでしょう。音が変わったなら別の弦も考えると良いでしょう。

今年はこれで終わりでしばらくお休みになるかもしれません。私は休暇を取って自宅に待機します。楽器以外のことを考えて過ごしたいと思います。

技術面からピエトロ・グァルネリ型のヴァイオリンについて考える②

こんにちはガリッポです。

高いアーチの楽器の特徴について考えてきましたが、それ以前にヴァイオリンとして必要な条件は何なのでしょうか？値段が高いとか作者が有名だとかどこの国の人だとかそのような技術とは関係のない点を考えても意味が無いことは明らかです。

私の考える良いヴァイオリンとは

前回は窮屈さについてお話ししました。
ソリスト用の楽器には、窮屈な構造だけでなく柔軟性の不足もスケールの大きな演奏の妨げとなると思います。板が厚すぎるということです。
アーチの構造が窮屈でさらに板が厚ければ条件としては最悪です。
周辺に削り残しが多いのも妨げとなると思います。

板の厚みについては裏板の魂柱の付近は厚くなくてはいけません。最低3mmは無いと変形して魂柱のところがボコッと出てきてしまいます。音の面でも強い音が出なくなってしまうと思います。3.5mmもあればとても強い音の楽器はいくらでもあります。
表板も魂柱のところは魂柱によって傷つくので耐用年数を考えると薄すぎないほうが良いと思います。特にチェロの場合には弦の張力が強いので駒の付近は厚めになっている必要があります。

どうしても厚くなければいけない部分は決まっていてそれ以外はごっそり薄くしてもかまわないということです。

まさにこのように作られているのが19世紀のフランスのモダンヴァイオリンでソリスト用の楽器として優れたものです。私もコピーを作ったことがありますが、広いホールでの遠鳴りに優れたものでした。

優れた演奏者はどんな楽器を弾いても力強い音を出します。その時にアーチが窮屈になっていたり、板が厚すぎれば演奏の邪魔をすることになると思います。

ヴァイオリンの場合には幅の広いモデルでアーチが平らで板が薄ければ問題ありません。というのはヴァイオリンは小さな楽器なので剛性が高くなりがちです。剛性が不足するということはあまり考えなくても良いのです。これがチェロやバスになると剛性が高すぎても低すぎてもダメという難しいものになります。一方子供用の楽器では弦の張りが弱いだけでなく剛性が高すぎるためスケールの小さな楽器になってしまいます。小さな楽器ほど丁寧に作るべきなのですが、コストを考えると短い期間しか使用しない小さな楽器では難しいです。

一方で初級者～中級者では何を弾いても力強い音が出るということは難しいでしょう。そんなことはあり得ませんが、楽器が勝手に鳴ってくれるようなものが求められます。50年以上経った楽器では音が強くなっていますし、長年弾き込まれた楽器では音が出やすくなっています。プロのオーケストラ奏者も長時間の演奏では楽だと感じるかもしれません。

一方でキャパシティが大きすぎる楽器は弾きこなせないということもあります。試奏だけで楽器を選ぶなら結果的には剛性が高いヴァイオリンのほうが音が出やすい、出しやすいということは十分に考えられます。
量産楽器に慣れていればそれに近い楽器のほうが弾きやすいのは当然です。

量産楽器はたいてい剛性が高いです。持っただけで「硬いなあ」という感じがします。隅っこまでちゃんと加工していないこともありますし、厚すぎる板や部材を木工用ボンドでガチガチに接着してあります。ニスは硬いラッカーやアクリルをスプレーで分厚く塗っています。扱いに慣れていない子供や初心者、職人が常駐しない総合楽器店などで扱うには繊細な商品ではいけません。魂柱をきっちり入れるとカチカチになってしまってどうしようもないです。グラグラだと結果としては柔軟性が生まれて音がましになることがあります。でも本当に良い楽器なら魂柱はきっちりと入れたほうが最大の能力を発揮できるでしょう。

人数としては上級者のほうが少ないわけですから、「売れるヴァイオリン」というのは剛性が高い楽器かもしれません。日本の場合には演奏者人口も少なくお店を維持するためには「売れるヴァイオリン」を揃える必要があるでしょう。何らかの能書きがつかなければ話になりません。「いかに売れるか」ということにものすごく企業努力をした結果が、こちらとはまったく違うタイプの楽器が出回っている所以でしょう。
ヨーロッパの場合はそんなに企業努力はせずに少ない労力で働くことで利益を上げようという考え方です。お客様は神様ではないので消費者が必死になって良いものを探さなくてはいけません。業者の言う事などは信用せずとにかく多くの楽器を試奏して音の良いものを探すのです。

私が良いヴァイオリンだと考えるのは売れるヴァイオリンとは違います。説明してきたような条件を満たしているものです。作者がどこの国の人だとか、名人だとか巨匠だとか値段とかは関係ありません。
でも全く売れないこともありません。良さが分かる人のために用意すれば良いのです。

もし言葉で言うなら「柔軟性」が大事だということですが、こんなことは聞いたことは無いでしょう。オールド楽器の修理で表板を開けて持ってみるとふにゃふにゃになっています。これも新しい木材よりも柔軟性が高いのです。小型のモデルや窮屈な構造、高いアーチでもこの柔軟性によってカバーできる部分はかなりあると思います。現実に小型のオールドヴァイオリンでも、新作の現代の楽器に比べて遜色がないかそれ以上のキャパシティの大きさを持っています。それは値段が違うので当然と言えば当然ですが、現代の職人が「作ってはダメ」と考えているオールドのスタイルでも現代の楽器には負けません。ドイツのオールド楽器なら値段でも高すぎる値段で売られている新作の楽器よりも安いものがあります。
このようなオールド楽器が競合するのは19世紀のモダン楽器です。これは意見が分かれると思います。

新作楽器でも条件を満たしていれば決して悪くないことは私が実際に楽器を作って証明しています。

柔軟性や剛性という言葉を意識に置くだけでもこれまで言われてきたこととは全く違う見方ができるようになるでしょう。弦楽器というのはある種のバネのようなものとイメージすると良いかもしれません。
バネの仕組みは各部が相互に作用しとても複雑で単純には語れないものです。仕組みを頭で考えるよりも「結果がすべて」だと考えたほうが良いでしょう。その方が職人にとっては厳しいと言えます。理屈を口で言うだけで名工だと認められるなら簡単です。

薄い板の音の特徴

もちろん薄ければ薄いほど良いとか厚ければ厚いほど良いということはありません。「適度」が求められます。

私が言っているのは、薄い方が今の説明のように楽器として柔軟性が増すということと、低い音が出やすくなるということです。逆に中音域は減衰することでしょう。中音域の倍音が減るので暗い音になるのです。板が薄くなると中音域の振動を吸収してしまうというわけです。

うちの会社で同僚がずっとビオラの修理をしていました。ドイツのオールドのビオラで38㎝台のとても小型のものです。修理が終わって弾いてみると一番低いC線の音がものすごくボリュームがありました、高音もビオラ特有の鼻にかかった音もなく柔らかい音のものです。板はオールドらしくビックリするほど薄いもので表板が大きく変形し、裏板も魂柱のところに割れができるほどのものでした。修理は大変でしたが報われたものです。
見た目も真っ黒なら音も暗い音です。
低音の出方は楽器のサイズよりも板の厚さのほうが重要なのです。
女性のヴァイオリン奏者などがビオラも弾くなどという場合には良いものでしょう。オールドで希望のサイズのビオラ自体がまれで、現代の小型のビオラで充実した低音のものは珍しいです。アーチは高いため反応は良いです。値段は大した名のある楽器でもないので100万円もしないくらいでしょうが、100万円あったからと言っていつでも買えるものではないでしょう。弦楽器市場の相場というのはおかしなものです。

このビオラの場合には低音の魅力はありますが低音だけが極端に強いのでちょっと板が薄すぎるかもしれません。「薄いから鳴る」とかそういうレベルではなく副作用も出てくるのです。

しかしわれわれの弦楽器の業界でそのような工学的な考えは聞いたことがありません。工学では強度を高めると重くなる、軽くすると強度が低くなるというような相反する関係が出てきます。弦楽器の業界では何かをすると音が良いとか音が悪くなるとかばかりで音がどのように変化するか具体性のない考えしか聞きません。

だからそのような教えを聞くと「試したこと無いんだな」とすぐにわかります。
でも弦楽器職人は工学的な発想を持っていないのが普通なのでしょう。音楽家と技術者は頭の仕組みが違うのでしょう。
かと言ってかえって理系の人の方が怪しいケースも多いです。思い込みが激しくて理論が飛躍しやすいです。お医者さんが患者を診察するようにまず知ることから初めて対処法を考えなくてはいけません。基本的なことを知りもしないのに訳の分からない理論に飛びついてしまいます。

今回のピエトロ・グァルネリ型のヴァイオリンでも板の厚みはとても薄い物でした。高いアーチに柔軟性を与えるのに板の厚みが重要です。さらに低音の出方も味のあるオールド楽器の様な音色には重要です。板目板に比べると柔軟性が不足します。手加減してはいけません。組み合わせも大事です。

板の厚みは演奏者には音の出やすさの感触として感じることもあるかもしれません。よくf字孔のところを見て「これは薄い楽器だから」みたいな言い方をする人がいます。f字孔のところだけでは板の厚さは分かりません。ちゃんと測らないと思い込みを深めるだけです。

音の鋭さ

オールド楽器では柔らかい音のものが多く、モダン楽器では鋭い音のものが多いということを言ってきました。しかしこれについて理由は分かりません。
こう言うとフラットなアーチは音が鋭くて、高いアーチでは音が柔らかいと思うかもしれません。私が異なる高さのアーチで作った場合にそのような傾向はみられませんでした。高いアーチのほうが鋭いこともありました。

古くなると音が柔らかくなるのではないかとも考えられます。これはある程度はありそうです。ただしモダン楽器の中で19世紀初めのものと後半のものでそのような傾向ははっきりわかりません。古いモダン楽器でもとても鋭い音のものがよくあります。
しかし最も鋭い音がするのは100～150年くらい経った楽器のように思います。それからは柔らかくなっていくのかもしれません。

不快な鋭い音がする原因もよくわかりませんが、人間の耳が敏感な音域の倍音が特に強く出ているということでしょうか。危険を感じたり知らせたりする場合の音と似ていて本能的に脳が反応するからなのでしょう。
板の厚さとの間に法則性もありません。

安価な楽器に多いことは経験上知っています。
特に鋭い音のものは戦前のドイツのものや19世紀終わりのミルクールの量産品にあります。でもすべてがそうというわけでもありません。

雑に作られたものや、ガサツな職人の楽器には鋭い音のするイメージがあります。

実際にバスバーの付け方では心当たりがあります。
量産品で耳障りなもののバスバーを私が交換すると穏やかな音になります。

それでもバスバーだけが原因とは言えないでしょう。
楽器そのもののキャラクターは変わらないからです。

そもそも鋭い音の楽器自体が多くて、仕事の粗い職人のほうが多いからそう感じるのかもしれません。ともかく粗い仕事の職人の鋭い音の楽器はたくさんあります。

丁寧な仕事でも鋭い音の楽器はあります。
なんとなく我が強い職人のイメージはあります。カリスマ性のあるような人はそんな感じです。

実際のところは分かりません。

私はストラディバリのコピーを作ると特に柔らかい音になります。他の職人の作るストラディバリモデルのヴァイオリンは全くそうでないものがたくさんあります。

ストラディバリのアーチは資料は豊富で、最近はMRIのような機械で撮影した断面写真や動画もあります。ストラディバリの構造は音の柔らかさと関係があるかもしれません。ただし私は現代風に作っていたころから鋭い音のものは作ったことが無いです。板の厚みやアーチの高さとも関係ありません。
アマティやストラディバリの様なアーチの構造が音の柔らかさを生み出している可能性はあります。

鋭く耳障りと否定的に感じるか、輝かしく力強いと肯定的に感じるか個人差もありますし、同じ音でもそれほど鋭く感じない人もいるでしょう。

元来日本人は繊細で鋭い音には敏感だと思います。日本の人が鋭いと言っているのはそれほど鋭くないのにと思うケースがありました。
新作楽器で鋭いと言っても100年くらい経った楽器の寒気がするほど耳障りな音の楽器に比べたらかわいいものです。黒板をひっかくような音です。

鋭い音のほうが強い音として売れるので業者はそのような楽器ばかり集めることもあるでしょう。こうなると繊細な人には希望の楽器が無いということになります。

耳障りでないというのとものすごく柔らかいというのも違います。
特に高音がものすごく柔らかいのはオールド楽器でないとまず無いです。高価なイタリアのものだけとは限りません。以前東ドイツのザクセンの流派のオールド楽器でクリンゲンタールのものを紹介したことがあります。これはとても柔らかい高音で10本以上モダン楽器や新作楽器を弾き比べてもまったく次元の違う柔らかさでした。クリンゲンタールのホプフという家族や流派のものはものすごくたくさん作られ見るとすぐにそれとわかります。値段はたいてい20～120万円などというよくわからない相場になっています。普通ヴァイオリンはそれくらいの値段なので相場の意味がありません。すべてがそのような高音とは限りませんが新作では全く無い音というのもあります。

私の楽器は新作の平均ではずっと柔らかい方でしょう。

両極端を知るとどれくらいなのか分かるようになるのですが。

高いアーチの楽器の音

高いアーチの楽器の音についてはこの前も触れましたが、先ほどのビオラも高いアーチのものでした。低音がボリューム豊かであることはお話ししましたが、それ以外の音は細いものです。音の質自体は柔らかく耳障りな鋭い音ではありませんが、太く豊かな音ではありません。このほうが典型的な高いアーチの音でしょう。

私の印象ですが、響きが豊かで太い音ならはっきりしない音になり、細く集中した音ならはっきりと強く感じます。圧力の概念に似ています。バッグの取っ手なら細いと手に食い込んで重く感じます。
高いアーチの楽器を弾いた時に音が強いと感じるのがこれに似ています。

板自体の特性としてみるとアーチが高い方が強度が高くてタッピングするとすぐに振動が収まります。フラットなものはポーンといつまでも振動します。時間軸で言えば反応が早いのは高いアーチの方です。

フラットなアーチでは持って曲げることができますが、高いアーチの楽器はすぐにどこかが割れそうになります。そのような柔軟性は無いです。
実際の演奏ではそこまで大きく楽器が変形することは無いのですが、弾くときに高いアーチのほうが融通が利かず弓のコントロールはシビアになって、フラットなほうが乱暴な弾き方でも音が潰れない幅があるように思います。これは上級者の人に聞くと「全然問題ない」と意見が帰って来るのでむしろそうでない人にとって重要かもしれません。

フラットな楽器特有の弾き方や高いアーチ特有の弾き方というのはあると思います。ただし、十分な腕前であればどちらでも弾けるということでしょう。高いアーチの楽器の中でも神経質なものと融通が利くものがあると思います。

この規則に従えばフラットな楽器のほうがにぶい音になるようではありますが、それについては鋭い音色でカバーできます。ただし高音についてはどうして耳障りになります。

これも楽器よりも演奏者の個人差のほうが大きいと思います。どんな楽器を弾いても柔らかい音を出す人がいます。この場合はモダン楽器でとても柔らかくて美しい高音を奏でてるので何の文句もありません。上級者でもモダン楽器を使いこなしていれば聞いていて何も文句を言うことはありません。見事な演奏に酔いしれるだけです。

だから絶対にモダン楽器では柔らかい音は出ないということではありません。ただし楽器の傾向として鋭い音のものが多いということは感じています。E線が鋭くて困っているという相談や調整はよくあります。

柔軟性という点ではモダン楽器のほうが優れた構造と言えるでしょう。
ただオールド楽器ではミラクルがあります。
カチッとした強い音のモダン楽器ではある所で限界に達してしまうのです。それが柔らかい音のオールド楽器ではそれを乗り越えていくようです。「柔よく剛を制す」という言葉ありますがまさにそんな感じです。

最終的には力のある演奏者が柔らかい音の楽器を弾いた時に最高のパフォーマンスが得られるように思います。

後は弾いている本人がどう感じるかとなると、ちょっとピリッと刺激的な音のほうが手ごたえがあるということもあるでしょうし、高いアーチなら柔らかい音でも手ごたえがあるかもしれません。後はケースバイケースでしょう。

ピエトロ・グァルネリモデルのヴァイオリンを写真で

裏板からです。高いアーチの楽器はこすれてニスがはがれやすいので周辺の溝にしかオリジナルのニスが残っていないことがあります。そこには汚れもついていて元のニスの色は分からなくなっています。
はがれた部分には修理の人がニスを塗るわけですが、今回はオレンジ色のニスを全体に塗ったような様子を再現しています。

ぷくっと膨らんだアーチが特徴です。

全体としてはこのような感じです。

古びた感じになっていると思いますが、わざとらしくならないように苦労したものです。

スクロールも古びた感じが出ていると思います。
ノミの刃の跡も残っているのがグァルネリ家にはよくあります。

深い所に汚れがたまっている様子です。

黒檀のペグを付けています。

総括

幅の広いモデルにフラットなアーチで板が薄ければ剛性は最も低くなるでしょう。しかし十分な柔軟性が確保できればアーチにキャラクターを付けることで音にもキャラクターを与えることができると思います。
アーチも高い方がフラットな物より強度があるはずです。しかしそれよりも板の厚さによる柔軟性のほうが大きいようです。アーチを高くしても素材としてはふにゃふにゃなのは変わらないからです。一方で強度のおかげで音の反応は敏感になると思います。デメリットとしては融通が利かず上級者向きになるということです。

普通イメージするのは高いアーチの楽器はバロックや古典派の音楽、フラットな楽器ではロマン派や現代の音楽をイメージします。音楽の進化と同時に楽器も進化させてきたからです。
絶対に逆の音楽が弾けないということは無いでしょうが、チェンバロとピアノのように目指している方向性というのは一般的にはあると思います。

今回のものはバロックヴァイオリンに改造してもバロックヴァイオリンのスペシャリストが興味を持ちそうなものですが、モダン仕様でも十分楽しめると思います。それだけでなくロマン派の音楽でも堂々とした演奏ができるオールマイティーな楽器だと思います。

弓にもそのようなタイプがありますし、演奏者を見ていてもタイプがあります。
フラットな楽器を見事に弾きこなす人もいますがフラットな楽器は豊富にあるのに対して、このようなタイプの楽器は手に入れることさえ難しいです。

アーチが高いか平らか以前にヴァイオリンとして満たすべき条件があり、そこにアーチの高さが変わることで性格が違ってくるというその程度だと私は思います。

技術面からピエトロ・グァルネリ型のヴァイオリンについて考える①

こんにちはガリッポです。

今年の年末年始はヨーロッパで新型コロナウィルスの感染者がとても多いので日本に帰ることは控えます。

私自身が感染しておらず、飛行機や交通機関も空席だらけで何ら危険性が無いとしても、皆がそのように考えると感染が広まってしまうのが新型コロナのややこしい所です。

当初は外国から感染が伝ったので国境の封鎖などの処置が行われました。3月の第一波では国境近くや観光地、空港周辺など外国と接点の多い場所で感染が多く、地方では比較少ないなど、地域差がとても大きかったです。

しかしヨーロッパの人たちは6月ころに感染が少なくなると、7～8月には喜んでバカンス旅行に出かけました。この時「国内なら大丈夫」というよくわからない考えで国内旅行やEU内の旅行を盛んに行ったあと9～10月には感染の急増が起きました。現在ではクリスマスを前に経済にとって最悪となるロックダウンが避けられない状況になっています。

この第2波ではあらゆる地域に偏りなく感染が広がりました。全国的に感染が広がったので死者の数も第一波を上回っています。

よく考えてみれば当たり前のことで、最初の段階は外国との接点が入り口となるわけですが、すでにウィルスが国内に入っているなら国内で移動すればウィルスを国内のすみずみまで行きわたらせることになります。「国内だから大丈夫」というのは間違った考えだったと思います。考えはいろいろあるでしょうが私は専門家ではないので状況から推測しているだけです。

でも人間というのはそんなもので、3～4月に悲惨な事態を迎えたのに7～8月になるともう忘れて旅行に出かけました。そして9～10月に感染が爆発するという事態を予測できませんでした。

数か月もすれば過去のことは忘れてしまうし、すぐ先の未来のことも予測できません。
人間がそういうものだと今回の一件ではっきりわかりました。
また国や政治がどうというよりも、一人一人の行動が感染症では重要だということもわかりました。

数か月もすれば過去のことは忘れてしまうのに何百年も前のことなどは興味が無いのは当然ですね。
毎日何百年も前のことばかり考えて生きているのは私くらいでしょう。

ピエトロ・グァルネリモデルのヴァイオリンを作って分かった事

現代ではめったに作られることのないような変わったヴァイオリンを作ってみましたが、音響面ではとても印象的なものになりました。

私個人の楽器作りのこだわりのレベルなのか、客観的な知識として語れることなのか難しい所ではあります。
客観的に語るにはわからないことが多すぎます。
それを研究することを職業にしているわけではなく、作ったものは製品として売らなくては収入にならずやっていけません。

客観的な知識として語るのは難しいです。私が言えることは、「音の規則性は分からないので弾いてみるしかない」という事だけです。
あらかじめ何らかの特徴でふるい分けすることができないのです。

私は「オールド楽器の様な音を目指している職人」というはっきりとした個性を楽器の外見でも表現して分かりやすいように努めています。もしオールド楽器の様な音の楽器が欲しいなら真っ先に試してみると良いでしょう。
しかし一般的にはそのような特徴のある音を主張していることはあまりありません。見た目は全然違うのにオールド楽器の様な音の楽器もあるかもしれません。

また、オールド楽器の様な音が絶対に正しいということはありません。現代の楽器の音のほうが好きならそれでもいいです。

そういうわけで私個人のこだわりの部分を語っていくことが多くなるかもしれません。

板目板と柾目板

今回は同じモデルのものを2016年にも作りました。その時とはっきり違うのは裏板の木目の向きです。
前回は板目板（いためいた）と呼ばれるもので、今回は柾目板（まさめいた）を用いました。板目板と柾目板が分からない人は調べてください。木工の基本的な知識で木目の向きが90°違います。

野球のバットでは持つときに向きが決まっています。バットにはメーカーのマークがついていてそれを目安にしているそうです。柾目板の方向でボールにぶつけるとよく飛ぶのに対して板目板の向きでは飛ばないそうです。
それくらい強度に違いのあるものです。

木工をやっていれば材木をどの向きで取るかということが基本中の基本です。

ヴァイオリンでは多くの場合は柾目板が使われます。板目板の方が珍しいものです。うちの見習の職人も初めて作るヴァイオリンには練習のために柾目板で作らせましたし、次の楽器もその次の楽器も柾目板です。板目板を使うのは特別な時だけです。

作業していれば分かることですが、板目板の裏板を薄く加工していくとふにゃふにゃになります。とても柔らかいものです。柾目板とは強度が全然違います。

こちらが2016年に作った板目の一枚板のものです。

こちらが柾目板を2枚真ん中で張り合わせた今回のものです。

音の違いは前回のほうが暗くて柔らかい音でした。去年のデルジェスのコピーも板目板で作りました。これもとても暗い音でした。それはお客さんが暗い音のものを希望されたので、もし柾目板で作って明るい音になってしまってはまずいので板目板のものを薦めたのです。
結果その通り暗い音になりました。

暗い音というのはこの前から説明していますが、低音がよく出るときの音色です。つまり材質として裏板の柔軟性が高い方が低い音が出やすくなるということです。
これは表板でも同様のことが言えます。表板は材料によって硬さが違います。柔らかい材料では暗く柔らかい音になります。特にチェロでは顕著です。
ただし表板の場合には見た目ではわからないので皆さんは楽器を選ぶ時には参考になりません。

それに対して手作業で削る作業をしていれば、硬い材料は本当に骨を折る作業になるので嫌でも分かります。柔らかいものもグニャグニャして不安定でやりにくさもあります。
コツコツ叩いてタッピングで音が分かるというよりは、手先に伝わる感覚として分かります。刃物が欠けたりもします。
これが職人の感覚です。

材料は柔らかいほど低音が出やすく音も柔らかくなる傾向があると思います。硬い材料では明るく強い音になります。
一長一短でどちらが良いということは言えません。

板目板の楽器についてはアマティはよく使っています。板目板の一枚ばかりでなく、左右で2枚を張り合わせた板目板もあります。
バーズアイメイプルと呼ばれるぶつぶつのついたものも板目板です。ヤコブ・シュタイナーが好んで使ったことでも有名です。
アマティやストラディバリも時々板目板を使っています。しかしいつもどちらかだけということはなく、自分の中でどちらが良いと決まりごとにはしていなかったようです。

ピエトロ・グァルネリもいろいろな板を使っていて、特に決まったようなものを好んだということはありません。父親のアンドレア・グァルネリは安い材料を使っていたのに対して上等なものを使っていました。ただ、木目の感じや木取りに関して決まりはなかったようです。

前回はモデルにした有名なピエトロ・グァエルネリが板目板だったのでそれとそっくりになるように作りました。今回は自由に木材を選んで私たちの好きなように作りました。

今回のもののほうが明るく力強い音になりました。表板もとても古いストックで高いアーチの楽器が作れる分厚い物でした。今ではそのようなものは楽器用の木材業者では見ないです。
前回は30年くらい前の普通に売っているようなもので、A～B級品くらいのものです。現代のS～A級のものは木目が均一で整い過ぎているのです。オールドの作者では雰囲気が出ないことがあります。ピエトロ・グァルネリもそうです。
そのような表板の違いも関係しているかもしれません。

しかし裏板の木取りがはっきりとした音の違いに現れていると思います。
他の現代の作者でも板目板のものは暗い音がしたケースもあります。普段は明るい音の楽器を作っている人でもバーズアイメイプルのものは暗めの音でした。
私は幾度も作っていてビオラも含めていつもとくに暗い音がします。

これは他が同じで木材だけが違うという場合に言えることです。板を薄くすれば柾目板でも同様の傾向になります。したがって柾目板でも暗い音の楽器は作れるのです。

更に柾目板と板目板の中間のものもあります。

ピエトロとデルジェス

前回はストラディバリとデルジェスに次ぐ第三のモデルを模索してピエトロ・グァルネリを選んだと書きました。しかし、実は輪郭の形だけで言えば、ピエトロ・グァルネリとデルジェスはほとんど変わりません。
見た目は丸みに神経を使って綺麗なバランスで見えるピトロに対して、少々がさつでいびつに見えるのがデルジェスです。しかし形自体はあまり変わりません。少なくとも音響上違いとなるほどの差はありません。

このためピエトロのモデルがデルジェスのモデルに対して音響的に不利であることはあり得ません。その意味では第三のモデルというよりはグァルネリモデルです。

もう一度グァルネリ家についておさらいしましょう。初代のアンドレアはアマティの弟子でアマティ型の楽器を作りました。ヴァイオリンは小型のアマティモデルで幅もとても狭いものです。仕事はアマティよりは荒く木材は安いものを使っていました。当時も値段が安かったのでしょう。アーチも特徴がありアマティとは多少違うものになっていました。
アンドレアの息子にはピエトロとジュゼッペがいました。このピエトロは今回モデルにしたものです。
とても腕がよくグァルネリ家では一番美しい楽器を作りました。クレモナでもアマティやストラディバリに次ぐ美しいものです。父親に変わってグァルネリ家でも中心的な存在だったでしょう。アンドレアの名前で楽器を作ったこともあったようです。
有名なアンドレア・グァルネリのビオラは胴体の形がピエトロのヴァイオリンに似ています。設計や製造はピエトロの手によるものかもしれません。

腕が買われてマントヴァの宮廷の楽器製作者になり、クレモナを去っていきました。弟のジュゼッペはピエトロの影響をとても強く受けていますが、独自の特徴もあります。スクロールなどはノミの刃のあとが残っていて仕上げないことが多く、父親のアンドレア譲りの粗めの仕事です。
ピエトロに比べるとバランス感覚がおかしいのか調和が取れていないモデルがあります。それも私にとっては面白いものです。

ジュゼッペの息子にはピエトロとジュゼッペがいました。また同じ名前なのでややこしいです。2番目のピエトロはグァルネリ家のスタイルで高いぷっくらと膨らんだアーチが特徴です。仕事も粗く美的センスも独特です。アマティやストラディバリに比べたらかなり怪しいです。
私から見れば本当に面白い楽器です。少なくともギリシア彫刻のような均整の取れた美意識は持っていなかったようです。率直に言えば美術のセンスが無いのです。

2番目のジュゼッペは一番有名な通称デルジェスと言われている人です。
この人に強い影響を与えたのは父親のジュゼッペ（通称フィリウスアンドレア）とフィリウスアンドレアの弟子のカルロ・ベルゴンツィでしょう。
ピエトロが確立したグァルネリ家のスタイルとストラディバリの下で修行したベルゴンツィのスタイルがミックスしたのがデルジェスの基本になったと思います。こんなことは本には書かれていません。私が楽器を見ていてそう思ったことです。
マジーニの真似をしてフラットなアーチを作ったとかよくわからないことが書いてあります。
これはデルジェスを革新的な天才にでっちあげるための物語のようです。

つまりグァルネリモデルはすでにおじさんのピエトロによって完成していたのです。そこにベルゴンツィの影響が加わって独自の楽器になったのでしょう。

ベルゴンツィも面白い職人で、ストラディバリの弟子と言われている人はたくさんいますが、作風から見て本当に似ているのはベルゴンツィくらいです。他の人達はちょっとでも似ていると何でもかんでもストラディバリの弟子にされてしまいました。そうすれば楽器が高く売れるからです。

ベルゴンツィは楽器によってはストラディバリにとても良く似たものがあります。しかしベルゴンツィは近代の職人のようにストラディバリを最高とは考えていなかったのでしょう。グァルネリ家で働くようになると作風が変わっていきます。独特なものを作るようになりデルジェスにも決定的な影響を与えることになります。
ベネツィアに行った兄のピエトロはベルゴンツィの影響は受けていないように見えます。したがってベルゴンツィは兄弟子であるだけでなく師匠のような存在でもあったでしょう。このためかピエトロとデルジェスの兄弟は作風が似ていません。

アマティの弦楽器づくりを学んだ初代アンドレアは、アマティに比べて品質が落ちてルーズなものを作って、ピエトロが独自の美意識を加えてグァルネリ家の基礎を作り、ベルゴンツィの影響を受けてデルジェスが独特な作風を作ったというのが私の予想です。

デルジェスが何もない所から何かを作り出したという天才に仕立て上げようという物語には疑問があります。

もう一つデルジェスで不思議な点は、仕事が粗く、細工の美しさには無頓着に見える一方でそうかと思うとそんなに不格好ではないとも思えてきます。

それが単なる粗悪品と違う所です。これはやはり基礎にピエトロ・グァルネリの教えがあるからでしょう。

またグァルネリ家の楽器はアマティが起源になっているのも特徴です。現代の楽器がストラディバリモデルを元にしているのとは違います。部分的にはアマティの特徴がかなり残っています。それがストラディバリとは違う部分に違う形で残っています。

私はこれまでアマティのモデルの楽器を一番多く作っています。アマティの基礎があった上でストラディバリやグァルネリ家の楽器をモデルにして作ると現代のものとは違ったものになるでしょう。

なぜなら近代や現代ではストラディバリはそれまでの楽器製作に比べて画期的な新発明をしたと勘違いしているからです。
ストラディバリが画期的であるならそれ以前のアマティは進化する前の物、原始的なものと考えられるからです。今の工業製品風に言えばストラディバリが「新製品」ならアマティは「従来のもの」というわけです。アマティの特徴はできるだけ排除すべきだと考えられるでしょう。

それに対して私はアマティとストラディバリ、グァルネリ家の楽器の差はわずかだと考えています。共通の基礎だとしてむしろとても重要だと考えています。

前回はそれ以外の作風が現代的なら輪郭の形がストラディバリでもデルジェスでも音は現代的になるという話をしました。

同じようにアマティ的な作風で、輪郭の形をストラディバリにすればストラディバリになるし、グァルネリ家のものにすればグァルネリになると考えています。
このためアマティ的な作風というのはクレモナ派のオールド楽器のようなものを作るためには一番大事なことだと考えています。

アマティの特徴を悪いことだと考える近現代の楽器製作とアマティのスタイルこそが重要だと考える私との違いです。

グァルネリ家の中ではピエトロが基礎になるでしょう。デルジェスは応用編だと思います。

スケールの大きな演奏を妨げる窮屈さ

高いアーチの楽器には室内楽的なものとソリスト用として通用するものがあるということをお話ししました。

それらがどう違うかについてはたびたび触れてきました。その時に「窮屈」という言葉を使ってきました。窮屈な構造になっているものはスケールの大きな演奏は難しくいわゆる室内楽的なものとなるというものです。

小型のモデルが絶対にそうだとは言えませんが、窮屈になりやすい条件ではあります。長さよりも横幅の方向で駒の来る中央が大きくくびれていてアーチが高ければとても窮屈になります。

モダン楽器では横幅を大きめにとる傾向があります。ストラディバリも当時の楽器の中では横幅の広い方で、デルジェスは小さい割にはミドルバウツだけは広めになっています。駒の来る中央が窮屈にならないのです。
幅が広いモデルでアーチの平らなモダンヴァイオリンが窮屈になることはないでしょう。
19世紀フランスのトップクラスの楽器ならソリスト用の楽器として優れています。

しかし近現代の楽器でも独学やアマチュアのような職人の作ったものには窮屈なものがあります。自分でフリーハンドでヴァイオリンの絵を描いてみてください。たいていは幅が狭くなってしまいます。見よう見まねでヴァイオリンを作ると幅が狭くなってしまう場合があります。モダンイタリアの楽器にはこのようなものが時々あります。
他に見たことがあるのはアメリカの作者のものにもありました。

いずれにしてもモダン楽器製作の教育を受けていないと近現代でも窮屈な楽器は作られます。
日本では宮本金八のヴァイオリンもそのような感じだと思います。私も実物を見たことがありますし音も試したことがあります。やはりスケールは小さいものでした。しかし先人として偉大であることには変わりありません。

私がよく知っているアントニアッジもそうですね。あれも引き締まった音で豊かには鳴りません。

それだったら単純にまっ平らなアーチのモダン楽器のほうが無難ではあります。
なんにもアーチの特徴が無いようなまっ平らな100年以上前のものを見ると「鳴りそうだ」という予感がします。実際に弾いてみるとよく鳴ります。こういうことを経験するとヴァイオリンなんて簡単に考えれば良いと気づかされます。

鋭い音の傾向が強いものが多いですが、ネックを入れ直したり、バスバーを交換したり万全の修理をすれば、ひどく耳障りというのは何とかなると思います。

私は真っ平らなアーチの楽器を否定しません。中間的な物よりもまっ平らかぷっくりと膨らんだものかどちらかのほうが面白いと思います。

私はアーチは平らでも高くても何でも良いということを言っています。高いのはダメだと考えられてきたのが間違っているという指摘です。

さて本題の室内楽的なオールド楽器の窮屈さについてですが、私のイメージの世界です。図を描いて説明しても誤解を招くだけでしょう。自分で作っていないと言葉では説明できない世界です。
ピエトロ・グァルネリは特に窮屈さとは正反対のゆったりとした構造になっていると思います。このためにピエトロを選んだのです。

他には同じマントヴァのトマソ・バレストリエリとかベネチアのドメニコ・モンタニアーナなども候補でした。
フランチェスコ・ルジェリも悪くありませんし、ベネチアのピエトロ・グァルネリも良いです。アレサンドロ・ガリアーノもよかったです。特に理想的なのはマントヴァ派のバレストリエリやピエトロ・グァルネリです。ピエトロ・グァルネリは見た目の美しさにも優れています。フィリウスアンドレアやベネチアのピエトロのように「ヘンテコ」な楽器は面白いのですが、その魅力はかなりマニアックでしょう。1億円以上するようなオールドの名器をヘンテコだと面白がっているのは私くらいでしょう。ヘンテコだという事すら普通の人にはわからないですから。
それよりも丸みが綺麗でバランスが取れているピエトロ・グァルネリのほうがまだわかりやすいのではないかと思います。
私自身の感性にもそちらの方が合っています。ヘンテコなものをわざとに作るのは自分の感覚とは違います。

今回は楽器が完成する前に購入希望者が現れました。それは見た目の美しさが決定打となったはずです。

本来ヘンテコな楽器は狙って作るのではなくて天然なのです。でもそこがオールド楽器の面白い所です。
モダン楽器の場合にはお手本としてのストラディバリモデルが決まっていて、完璧でないとその品質の落ちたものにしか見えないです。オールドの楽器を見ているともっと変わっていても大丈夫だということを教えてくれます。

今回のピエトロ・グァエルネリモデルのヴァイオリンなどは恐る恐るストラディバリモデルの近現代の楽器製作から足を一歩踏み出したくらいです。

それですぐに音について良い結果が得られるというのが面白いです。

音を作るアプローチ

私は一見すると音はそっちのけで楽器の見た目に異常にこだわっているように見えるかもしれません。
しかしどうやったら音にこだわることができるのでしょうか？

よくあるのが、表板や裏板の厚みを削りだす作業で、トントンと叩いて音を聞きながら作業をしている光景です。
他には何か数学的な方法で楽器の設計をしたり、木材に何かを塗りこんだりいろいろなアプローチがあります。

しかし楽器の基本的な作りが現代の常識の範囲の中でやっても限界があると思います。

現代では楽器の作り方が決まっていて誰が作っても同じような音のものができます。その中では個体差があり、ちょっと柔らかい音のものや鋭い音のものができます。この時鋭い音のものを「音量がある」などと言ったり「明るい音がする」などと言うのは小手先のことだと思います。

業者はどうせ大した違いは無いから、何かネームバリューになる要素は無いかとそればかり気にします。どんな楽器もそう悪くは無いので巨匠だのなんだのの肩書が付けば良い音に聞こえるというわけです。

50～150年くらい経った楽器には大きな音が出るものはよくあります。フランスの一流のモダンヴァイオリンだけでなく、粗悪な大量生産品でもそうです。このことから何でもそれくらいすれば鳴るようになると考えたほうが良いでしょう。
特に鋭い音のものが多いことも、特別そのようなものを目指して作ったというよりは、100年くらいすると大抵は鋭い音になるということでしょう。

うちの勤め先で1994年に作られたヴァイオリンが戻ってきました。作られてずいぶんなるので明るくよく鳴ります。しかしすでに高音は鋭くなっています。音からすれば日本人がクレモナの巨匠がどうだと騒ぐような明るい音ですよ。

この前はペドラッツィーニがギャアアというやかましい音だと紹介しましたが、この一週間の間にもマルクノイキルヒェンの戦前の量産ヴァイオリンに同じような鋭い音のものがありました。
ペドラッツィーニとはちょっと違うのですが同じように鋭くやかましい音でした。
そんな音なら700万円も出さなくても30万円も出せばいくらでもあります。

ちょっと耳元で強い音が出るかどうかなんてのはその後の数百年を考えると大したアドバンテージではないと思います。むしろ耳障りな鋭い音になってしまうでしょう。

まだ日本にいたころNHKでクレモナのヴァイオリン製作コンクールを取材したことがありました。何人かのイタリア人の職人に密着して一喜一憂を取材したものでした。その時、日本人のプロのヴァイオリン奏者が同行しました。音を審査する現場にいて「耳障りな音」と首をかしげていたような記憶があります。当時西洋に強く憧れていた私はこの人は日本人特有の神経質な人でヨーロッパの人の好む音を分かっていないのではないかとムッとしました。

この方はどちらかわかりませんがピエトロ・グァルネリを使っていると紹介されていました。番組の流れの中で現代の新作楽器は音が鋭くてオールド楽器のような柔らかい音は出ないということは言われていませんでした。番組を見た人は世界一のヴァイオリンを決める大会だと思ったことでしょう。

今になるとそのプロのヴァイオリン奏者の言いたいことが分かります。あの時の表情を今でも覚えています。

根本的に違う音の楽器を作るには明らかに違うものを作らないとダメでしょう。
それは過去には存在しないような未来的な物でも良いかもしれません。

私は過去400年くらいの間にいろいろなものが作られたので自分で変わったものを考え出すよりもよほどぶっ飛んだものがあると思います。
それをはじめからこの職人は天才だとか取るに足らないとか評価を決めつけてしまうよりも、見たもの聴いたものをそのまま受け入れて職人の優劣の評価などは何もしないほうが良いと思います。音響的にユニークな特徴があればどんな音になるのか興味津々です。
実際に自分でも同じものを作ってみれば良いのです。

違うものを作るためには外見からしか入りようがないのです。
実際に外見を真似てみたところ、音もオールド楽器に似て来たのは面白いです。

他の方法でもオールド楽器に似た音は作り出せるかもしれません。しかし単純に同じものを作る方が無理はないでしょうね。
何かの偶然で近現代風の作風でもオールド楽器の様な音のものがあるかもしれません。近代の楽器は同じようなものがものすごくたくさんあるのでそういう可能性もあると思います。意図的に作るよりもありそうです。
だから弾いてみないとわからないと言っているのです。

楽器製作を通して私が学んだことは、シンプルな方法で目的が達成できるのが一番優れた方法だということです。古い楽器と同じものを作るというのはとてもシンプルな考え方ですし、無数のモダン楽器を片っ端から弾いてみるのもシンプルな考え方です。

今回は板目板と柾目板、ピエトロとデルジェスについて、窮屈さについてでした。あまりに多くのことでは一度に頭に入らないでしょうから今回はこれくらいにしておきます。

ピエトロ・グァルネリモデルのヴァイオリンの音が出ました

こんにちはガリッポです。

ヴァイオリン業界では一番優れたヴァイオリンがストラディバリ、グァルネリ・デルジェスということに決められています。特に近代ではストラディバリが最高のヴァイオリンと考えられ、それを基にしたストラディバリモデルのヴァイオリンが作られました。「近代のヴァイオリン製作＝ストラドモデルのヴァイオリン製作」と言ってもいいくらいです。このためストラドモデルは珍しいものではなく、現在の普通のヴァイオリンのことだと考えれば良いでしょう。
ストラドモデルばかりが作られるとさすがに飽きるのかガルネリモデルも作られました。寸法表はストラドモデルを作るために定められました。グァルネリ・デルジェスはその寸法とはかけ離れていることが多くあります。そのため全くオリジナルの通りに作るのではなく形をデルジェスっぽくした近代式の楽器がガルネリモデルというわけです。尖った長いf字孔などは典型的です。実際のデルジェスのでそのようなf字孔の時期はとても限られています。
最近は実物大の写真が掲載されたポスターや本などが出版されるようになったため、デルジェスの型をそのまま起こしたものが多くなっています。この場合はストラドモデルよりも小型なのが特徴です。

これでほとんどを占めることになります。実際にはストラディバリに似ても似つかないものも多くありますが何か別のモデルにしようとしたというよりは単に品質が悪くてそう見えないというだけです。

それ以外には、フランスではマジーニとアマティモデルが作られました。マジーニも全くオリジナルのマジーニとは違うものでマジーニ風にしたものです。アマティは多くありません。

このように職人も常識としてストラディバリとデルジェスが特に優れたものだと教わります。私たちはストラドモデルの作り方から派生した作り方しか知りませんから他のものは作れないわけです。現在ではデルジェスモデルが多くなっています。何故かと言うとストラディバリのほうが腕が良くないと作れないからです。腕に自信が無いとデルジェスに逃げるわけです。「私は見た目は興味が無い、大事なのは音だ！」とお客さんに説明すれば言葉では納得させられるわけです。

このような状況ですから、少しでも音が良い楽器を作りたい職人ならストラディバリやデルジェス以外のモデルの楽器を作る勇気はありません。もしかしたら音が悪くなるかもしれないからです。

これに対して私はストラディバリやデルジェスのモデルがずば抜けて優れているのかには疑問を持ちます。ここで言うモデルにはいろいろな意味がありますが、ハンドメイドの高級品でも一般的には輪郭の形だけをストラディバリやデルジェスの形にしてそれ以外は現代風の構造に作られている楽器がほとんどです。

私は多くの経験から輪郭の形はさほど重要ではなく、現代風の作風であればどのモデルでも現代風の音になると考えています。ストラディバリモデルだろうがガルネリモデルだろうが、それ以外の作風が同じなら同じような音になるというわけです。
また自分でデザインしたモデルでも極端におかしなものでなければ問題ないと思います。

こう考えるとモデルなんて何でも良いということになります。
私はそう思います。
他人から評価されたいなら教科書通りのストラドモデルを綺麗に作れば腕が良い職人と多くの職人から認められるでしょう。自分のこだわりで作ったモデルに他人は興味を示さないでしょう。

このようにストラディバリやガルネリモデルで作られたモダン楽器にはとても音の良いものがあります。このためこれらが良くないものであるということはできません。しかし他にも同様に良いものがあるかもしれません。私もストラディバリやデルジェスに次ぐ「第3のモデル」を模索してきました。
私はニコラ・アマティ、ベネチアのピエトロ・グァルネリ、ジュゼッペ・グァルネリ・フィリウスアンドレア、アレッサンドロ・ガリアーノ、マントヴァのピエトロ・グァルネリなどいろいろなストラドやデルジェス以外のモデルのヴァイオリンを作ってきました。これらの経験から何となく自分の中で音がイメージできるようになってくると自分が作りたいヴァイオリンの構造のイメージに近いものとしてマントヴァのピエトロ・グァルネリを選びました。2016年に製造するととても印象的で魅力的なものになりました。私個人としては過去に作ったものの中でも一番好きなものです。ストラディバリのコピーもとても良くて捨てがたいですが、より濃い味のものはピエトロ・グァルネリのものです。

私の場合には単に輪郭の形をオールド楽器から移すのではなく、アーチの膨らみや板の厚さも含め作風自体を近づけようとします。このため単に輪郭の形ではなく、構造自体に特徴があるわけです。

ピエトロ・グァルネリで最もわかりやすい特徴はぷっくりと膨らんだ高いアーチです。ストラディバリやデルジェスはかなりアーチの高さにはばらつきがあり、高いものも平らなものもいろいろあります。単に高いアーチの楽器を作りたいだけならストラディバリやデルジェスのそのような作品を選んでコピーすれば良いのです。
それに対してピエトロ・グァルネリは一貫して高いアーチのものを作っていたようです。特徴としてはよりはっきりしています。

言われてきた高いアーチの音？

現在では高いアーチの楽器を作る人はとても少ないです。それは19世紀にモダン楽器が確立すると平らなアーチのほうが優れているという考えが広まったからです。弦楽器業界特有なのが、実際に試したのではなくて平らなアーチのほうが音が良いという「考え」が広まったことです。
でも弦楽器業界だけが変わっているのではなくて人間の社会では普通のことなのでしょう。

その考えではアーチは平らなほど音量があるというものです。実際に平らなアーチで作られたモダン楽器には音量に優れたものがあり間違ってはいません。しかし逆に高いアーチにすると音が小さくなるということは同じ時期に作られた楽器が無いのでわかりません。

もっとひどい説は、アマティは高いアーチの楽器を作っていて美しい音色をしている。ストラディバリは音量を求めてフラットなアーチを発明した。さらにデルジェスは音量を求めてフラットなアーチを作った。このため、ストラディバリはその中間で美しい音色と音量を兼ね備えた理想的なものだというものです。

これがひどいというのは、事実とは全く違うことです。アマティはそんなに高いアーチのものをあまり作っていません。アーチの高さにはばらつきがあり、ストラディバリが生まれる前にすでにフラットなアーチのものを作っています。

ストラディバリでフラットなものをコピーとして作ろうと思って候補を探してもあまり多くありません。ほとんどのものは高めのアーチのものです。
デルジェスについてはいろいろな高さのアーチがあり、最晩年でも高いアーチのものがあります。これはストラディバリでもそうです。

ストラディバリの最も若いころのヴァイオリンはとても高いアーチになっています。それに比べればその後のものは低めのアーチになっていますが、それでも現在の標準よりはずっと高いものが多いです。その若いころのストラディバリよりもニコラ・アマティのほうがアーチが平らです。

このような理屈は、ストラディバリが最高のヴァイオリンであるという結論からこじつけて作り出されたような話です。日本人はこういう話は特に好きです。

モダン楽器の普及

当ブログではモダン楽器の成立の歴史について語ってきました。弦楽器について考えるうえであまりにも重要な出来事だからです。現在の楽器製作や考え方、知識など常識のすべてのルーツだからです。現在我々が知っている知識はすべてモダン以降の知識なのです。

にもかかわらずほとんどの人は知らないでしょうし、他では耳にする機会のない話です。

ストラディバリの良さを認識したドイツやオーストリア、フランスの職人たちはそれまでのオールドのスタイルを捨てて作風をガラッと変えました。中でもフランスの職人たちはストラディバリを研究し特徴を誇張したり、改良やモディファイを加えてモダンヴァイオリンを完成させました。これがヨーロッパ中で評判となりとても優れていると考えられオールド時代から製法が伝わっていた流派はすべて作風をがらりと変える時期があります。ドイツでもイタリアでもイギリスでも同様です。オールドから楽器を作っていた地域ではすべてそうです。オールドのスタイルは時代遅れの劣ったものだと考えられていたのでしょう。

このため私たちはオールドの作者のラベルがついていても、一瞬見ただけでオールド楽器と間違えることはありません。

現在でも見事なアンティーク塗装なのに作風が完全に近現代風の楽器があります。これを見てもオールド楽器と間違えることはありません。

ニスがオールド楽器のようでもなぜオールド楽器と違うとわかるかと言えば、アーチが全く違うからです。

どう違うかはアーチが高いか低いかという話ではありません。造形感覚が違うとでも言いましょうか？
この前はウィーンの流派のことをお話ししましたが、初期のモダン楽器はオールド楽器の製法を使ってモダン楽器を作っていました。初めはオールド楽器を作る方法を習った人が、キャリアの途中でモダン楽器に作風を変えたのです。このためオールド楽器の名残があります。
これに対してそれより後の世代では、初めからモダン楽器の製法を学びました。世代を重ねるごとにフラットなアーチの楽器を作るのに適した製法が収斂して進化していきました。その中でも上等な製品と安物、腕の良い職人と下手な職人が分かれていきます。モダン楽器の中で腕の良い職人の上等な物、きれいな物という基準が進化していくのです。どんどんオールド楽器とは異なるものになって行きます。

より具体的に言えば、オールドの時代にはとても立体的なアーチを作っていました。それを作るには立体的な造形感覚が必要です。それに対してモダン楽器では表面にデコボコが無くなめらかに仕上がっているものが美しいとされます。モダンの基準でオールド楽器を見ると素朴でいびつなものに見えます。当時はそれが時代遅れの古臭いものだったわけです。
近現代では立体の形を作るというよりも、表面を滑らかに仕上げるということが重視されます。

このためパッと見た瞬間にすぐに違うとわかるのです。

今話しているような内容は本当にレベルの高い話です。楽器店の営業マンばかりではなく、職人の間でも理解している人が少ないことです。今ではだれも高いアーチの作り方は知らないのです。私も手探りで最初のころのものを見れば「あちゃ～」という感じがします。でも意外とそんな感じのオールド楽器もあったりするものです。

現代の主流派の職人ならオールド楽器を見ても、自分の楽器との違いから目をそらしているのかもしれません。現代に巨匠と言われているような人も含まれます。

室内学用の楽器

ストラディバリやデルジェス以外のオールド楽器は「室内楽用」と言われることがあります。ストラディバリやデルジェスはソリストに使われるものだということですが、モダン楽器もソリスト用の楽器を目指してつくられたものです。

当時時代遅れと考えられていたのはこのような室内楽用と言われるようなオールド楽器です。美しい音色はあるのだけども、音量に欠けているもののことです。
特徴としては・・・アーチが高いということになります。

一方で楽器の売買の世界ではストラディバリやデルジェスに関係が近いほど値段が高いと考えればおおよそ間違っていないでしょう。例えばストラディバリと同じイタリアの楽器であれば値段が高くなるというとても雑な分類です。
さらに「イタリアのオールド楽器」となるとストラディバリにかなり関係が近くなりますから今なら数千万円は当たり前の世界です。それがクレモナとなれば値段はさらに高くなり、親族や師弟ならさらに値段が高くなるというわけです。

この時矛盾するのは高いアーチの楽器も高価な値段になることです。
職人の間ではフラットなアーチが優れていて高いアーチはダメだと信じられているのに、売買では高いアーチの楽器も高価な値段になっています。例えばモンタニアーナなら高いアーチでも1億円を超えます。ストラディバリやデルジェスの高いアーチの楽器も同様です。これらは名器として一流の演奏家に使われています。

実際に弾いたり音を聞いたことがあれば高いアーチの楽器に素晴らしい音がするものがあることを経験できます。職人たちが信じて来た理屈と矛盾するのです。

しかしほとんどの職人はこのことについて何の違和感も感じないらしく高いアーチのオールド楽器を見て「すばらしい！」と絶賛しておきながらいざ自分が楽器を作る段階になると全く別の理屈で楽器を作り始めるのです。

我々の間ではオールド楽器と現代の楽器製作は別の種目の競技のように考えられています。水泳と陸上のように全く別のものだととらえられていて真っ向から競い合う事さえしません。ほとんどの職人は一般人と同じようにお金の方に興味があるので「高い楽器＝素晴らしい」という反応を示します。

しかし私はそうは思いません。ヴァイオリン製作という同じ競技です。オールド楽器を素晴らしいと思うなら自分もそのようなものを作れなければいけないと考えるのです。

高いアーチの楽器について

私は高いアーチの楽器がどんな音がするかについてはいろいろと経験を積んできましたが、高い方が個性的な音になるということは言えると思います。

つまりこういう音になるというのではなくて作者の特徴が強く出るのではないかと思います。オールドの時代には高いアーチの作り方を身に付けていました。その作り方や目の感覚を応用して低いアーチの楽器を作ってもやはりアーチの特徴は残っていて「その人の音」はするのです。だからアーチの高さがバラバラでもちゃんとその人の音がするのでしょう。ストラディバリでも高いアーチのものだけが音が悪くて使われていないということはありません。
デルジェスが力強い音がするなら高いアーチのものでも力強い音がするでしょう。アーチの高さによって音の強さが変わっているわけではないと思います。

高いアーチでも素晴らしい音がするものがあります。しかし一方で本当に室内楽用としか言えないようなものもあります。個性がより強くなるのが高いアーチの楽器の特徴だとすれば個体差も大きくなるということです。じゃあどんなタイプの高いアーチが良いのかの研究が必要になります。

それについて今回は2度同じモデルで同様の結果が得られたので答えが確信に近づきました。

ものによっては音量があり、ものによっては音量が無いのが高いアーチだということです。しかしよく考えてみればフラットな楽器でも同じようです。ということはアーチの高さと音量は直接関係ないという発見となりました。

これはとても新しい発見だと思います。どの本にも書いてないことです。本を書くような人は過去の本を読んだだけで自分で高いアーチの楽器を作っていないからです。

現代のモダンヴァイオリンのフィッティングも高いアーチの楽器には合っていません。私もネックなどをどのようにいれたら良いのか手探りでやってきました。それもだいぶ分かってきたことが今回の結果につながっていると思います。現代の職人は高いアーチの楽器の作り方を知らないし、慣れていないので、もし試しに作っても同様の結果になるとは限りません。たった一つのサンプルでもちゃんと音量が出るということはアーチは低いほど音量があり、高いほど音量が無いという常識は間違っていることが言えると思います。

私はストラディバリのコピーも捨てがたいと思っています。ストラディバリのコピーを作るととても柔らかくて美しい音がします。この点では最高です。
他の職人が作るストラディバリモデルの楽器とは全く違う音です。

ただ多くの演奏者はそれよりも強い音を求めます。それについては今回の楽器のほうが近づいたと言えるでしょう。

ストラディバリのコピーも何十年かしてくれば力強さも増して来てそれこそ最高の楽器になるでしょう。今回のものはそれを待たなくてもできた瞬間から歯車がかみ合っているような感じがします。駒や魂柱、弦の選定などセッティングもごく普通にしただけでうまく機能しました。当たり前の仕事でちゃんといい音が出るのが良い楽器だと思います。最新技術のものでなくオブリガートでちゃんと良い音が出るのです。オブリガートのキャラクターは私の楽器のキャラクターと被っています。同じキャラクターの弦をかぶせて使う方が個性や魅力が発揮できると思います。当たり前ですが弦選びよりも楽器選びのほうが重要なのです。

もちろん好みによっては違う弦を試しても良いでしょう。メタリックな音のパーペチュアルで無理やり強い音を出す必要性は感じません。
ガット弦が好きな人はそれでもいいかもしれません。

弦楽器は自転車のようなものでエンジンのような動力はついていません。だから楽器がひとりでに鳴り出すということはありません。しかしエネルギーが無駄なく音に変わっていれば優れた楽器になるということです。

鋭い音や柔らかい音のなどは好みの問題だと言ってきましたが、楽器の各部の要素がうまくかみ合うと奇跡的な音になることもあると思います。

それを見つけるには理屈ではなくいろいろなものを作ってみる必要があるでしょう。そちらの方が科学的とさえ言えます。

なぜかわからないけども作者によって音の特徴があります。
アーチはその人が造形感覚で作るものです。人によって音が違う原因になったとしてもおかしくありません。
私の場合にはどのアーチの高さでも柔らかい音になります。アーチが高いくらいのほうが強度のバランスが良いのかもしれません。人によっては違うのかもしれません。

ピエトロ・グァルネリのモデルは第3のモデルどころか第1のモデルになりそうです。ただモデルに限らずここ数年音に強さが出てきているのでストラディバリのモデルも次に作ったらまた覆るかもしれません。

次回はさらに技術的にこの楽器のことを考えていきたいと思います。

コロナの下で作ってきたヴァイオリンも完成

こんにちはガリッポです。

たまにはくだらない話もしましょう。
どうも日本ではペヤングの焼きそばにものすごい大盛があるらしいということを聞きつけて無性に食べたくなりました。
ペヤングはこちらでは売っていなくて、日清のインスタントの袋入りの物はあるのでそれを6袋買ってきました。
しかし、いざ作る段階になると急に怖気づいて2袋分にしました。
多めのお湯でキャベツとともに茹でて湯切りするというカップ焼きそば的な作り方にしました。

結果的にはそれで正解でかなり満腹でした。
でも粉末のソースがくどすぎたので、次は麺を２袋分に対してソースを一袋分にしたらちょうど良かったです。

薄味に慣れているのでしょうか？
普段焼きそばは中国の乾麺で作ります。
アルデンテで茹でるとベチャベチャにならなくてまずまずのものができますが、日本のソースは貴重品でちょっとしか入れないからかもしれません。
焼きそばはこちらでも街角でテイクアウトで売っています。東南アジア系の人がやっていることが多いですが、出身国によってなのか味が多少違います。麺自体は私が買っているのと同じ乾麺を使っているようです。
今は難しいですが、ヨーロッパに旅行したときは焼きそばは日本風でありませんがそんなにはずれが無く食べられると思います。

前回は明るい音のの話をしましたが、この前もチェロを弾く方が調整に来ていました。問題は解決したようですが、自分のチェロとは別に暖かみのある音のものが欲しいと言って店にあるものを試奏していました。
うちで一番暗い音のものはイギリスのモダンチェロで、それを試しに弾くとかなり気に入ったようでした。
私が大掛かりな修理をしたのでそれが低音がとても強いバランスのものだとよく知っています。
値段を言うと黙ってしまったので、ザクセンの量産チェロを私が改造して低音が出るようにしたものを薦めると、あまり自分のものと変わらないとのことでした。
それでも暗い方ですが十分ではなかったようです。

暗い音の方が珍しいのです。

一方でこちらでは上級者ほど古い楽器を使っている人が多いです。
こんな事がありました。
ビオラは古い楽器が少なくサイズの合ったものとなると非常に難しいです。
演奏者自体も少ないのでカルテットに誘われると自分だけ新しい楽器で色も明るいオレンジ色なら音色も明るいものです。それで一人だけ浮いてしまったそうです。今は私が作ったビオラを使っています。

オーケストラでも同様でしょう。名門オケほどみな古い楽器を持っています。
ドイツのオーケストラなどはピッチが445Hzなどと高いから明るい音がするなんて机上の空論を言う人がいますが、持っている楽器が古い物ばかりで音色は日本のオケよりずっと暗いと弦メーカーも各国のオーケストラの音色をそのように分析しています。
バロック楽団みたいに418Hzとかならまだしも音色の明るさは楽器の板が持っている音響特性によって決まっています。

逆に日本ならイタリアの新作やモダン楽器ばかりでオールド楽器が浮いてしまうでしょう。いやこの場合は浮くというよりも沈んでしまうのかもしれません。

ピエトロ・グァルネリ型のヴァイオリン

3～4月にコロナでロックダウンとなり暇ができたのでヴァイオリンを作ってきました。本来ならいつも作っておくべきです。少し余裕ができたという程度です。

マントバのピエトロ・グァルネリのモデルです。

ニスはこのような感じになりました。

いつもながら私独特のものです。今回はアンティーク塗装にしてありますが、古い楽器と見間違えるようにするのではなくオールド楽器の作風を研究した21世紀の楽器として作っています。
深い研究によって普通の新作楽器とはかなり違うものに仕上がっています。作者オリジナルとして作られている現代の楽器よりもはるかに個性的なのです。オールド楽器を研究して精通している考古学者のような作者という個性です。

大いに悩むところは付属品の選択です。
どちらもドイツのオットー・テンペルのペグです。
二つの違いは見ての通り材質で、上はツゲ、下は黒檀です。
値段はツゲは黒檀のリングがついているのでその分高くなります。シンプルな物ならツゲも黒檀も値段はほとんど変わりません。黒檀は希少になって来ているのでいずれ値段は黒檀のほうが高くなるでしょう。
最近はローズウッドは入手が難しくなりました。代替の材料が模索されている段階でこれというのが業界で定まっていません。このためあご当てを好きな形のものを選んだりできない可能性があり、今回は見送りです。ローズウッド自体は柔らかく冴えない音のように思います。

本当に好みの問題としか言いようがありません。

スターヴァイオリニストが使っているストラディバリやデルジェスにはツゲのものが使われていることが多いでしょう。
そういう事で言えばオールドの名器では定番はツゲです。
そんなこともあって楽器を良く見せたいときにはツゲを使うことが多いでしょう。新作楽器でも自作のものにツゲを付ける職人は多いと思います。オレンジの明るい色の楽器にツゲは浮いて見えますが、アンティーク塗装が自然に古くできていればツゲもしっくりきます。
楽器を良く見せたいという発想は商人のものです。

それに対して職人は大概黒檀のほうが優れていると言うでしょう。ツゲも硬さのある材質ですが、黒檀のほうがさらに硬く密度が高いので材質としてしっかり感があります。
黒檀という材料はもちろん高級木材で耐久性にも優れペグやテールピースの材料としては最適なものです。その結果あまりも多くの楽器で使用されているために見慣れてしまっているのです。
それで明るい茶色のツゲのほうが高級っぽく見えるのです。

しかしさっきも言ったように新作楽器にツゲを付ける職人も多いし、何なら中国製の安い楽器にもツゲがつけられているものもたくさんあります。
安い楽器を立派に見せようといういやらしい部分が出ています。

特に私がツゲに問題を感じるのは、日本の方に使ってもらっているヴァイオリンでは1年後にメンテナンスをしたら、ツゲのペグが曲がってしまいうまく回転しなくなっていました。ほんのわずかですから削りなおせばまた問題なく使えます。ほんのわずかでも回転軸がゆがむとうまく回転しなくなります。
もう一つは音の面です。
ペグはあまり関係ないですが、テールピースは音に影響があるでしょう。ツゲのものは明るくて軽い音がします。ちょっと頼りない音です。本当のオールド楽器でそれ以上に濃いしっかりした音のものなら問題ありませんが新作では少しでも不利になるのは避けたいものです。
更に機能面です。
ツゲのペグは摩擦抵抗が大きいのかカクカクとした動きになりやすいです。
たいてい新品の時は硬くなってしまい動き始めはカクッとします。
それも慣れてしまえば使えないことは無いわけで問題なく使っている人もいくらでもいます。

悩むところですが、職人としてどちらを薦めるかと聞かれれば黒檀でしょう。
形はヒルハートモデルというものでツゲのものと同じですが真っ黒なのです。シックでこれはこれで格好良いと思いませんか？

オールドの名器でもコレクションになっているようなものは無頓着で適当なものがついていることが多いです。ストラディバリくらいになるとツゲのものに交換してありますが、アマティやピエトロ・グァルネリくらいだと適当だったりします。私のイメージも必ずツゲという感じでもありません。楽器商によって売りに出されているものはツゲに交換してありますが…。

そういう意味でも黒檀のほうが玄人好みという感じがします。

むずかしく考えずにせっかくオールド風に作っているのだから「オールドの名器＝ツゲ」とシンプルに考えるほうが良いかもしれません。

私はどちらでも良いと言うと師匠の「黒檀！」の一声で決定しました。

黒檀のテールピースが付くとこんな感じです。
元々ピエトロ・グァルネリというだけでもかなりマニアックです。私にとっては超有名ですが、普通の人はグァルネリが5人いることも知らないし、マニアでもどれがどのグァルネリなのか見分けがつかないでしょう。
黒檀のほうがよりマニアックな感じがします。

ペグは調弦してみると黒檀で正解だったようです。新しい楽器のペグは軸が細いので回転に対して巻き取る速度が遅く音の上がり下がりがとてもゆっくりです。黒檀では微妙な調弦がさらにやりやすいです。

弦にはピラストロのオブリガートを選びました。うちでは最も人気の高級弦だからです。弦によって楽器の性能以上のものを出そうとするのは私は無理があると思います。
最新の製品は楽器や人によって当たり外れが大きいようです。
E線はピラストロのNo.1を付けています。一般には高音が鋭い音の楽器が多いので柔らかい音のNo.1がマッチする楽器が多いのです。私のヴァイオリンの場合には柔らかい音なのでもっと強い張力のE線でも大丈夫です。今後様子を見る必要があります。

弦は張ったばかりなのでもう少し落ち着いてから微調整が必要です。気になる音については次回です。

この楽器は現代の人が誰も作らないようなこんもりとすごく高いアーチなのが特徴です。

この前からヴァイオリン職人には音を作り分ける技術が無いという事を言ってきました。
それは具体的に、アーチの高さについて言えば、アーチは平らなほど音量があると教わります。音が小さな楽器などは誰も欲しがりませんから高いアーチの楽器は作ってはいけないと教わります。

このため誰も高いアーチの楽器を作りません。それで実際にどんな音がするかは誰も知らないというわけです。

ヴァイオリン職人はこんなレベルです。
どんな音になったかは次回報告します。

他の職業がどうなのかは知りません。
しかしまじめで常識のある人なら、作ってはいけないと教わったものは作らないでしょう。皆さんは自分の職業でやってはいけないと教わったことをやっていますか？

でもそれをやらないと、本当にどんな音になるかはわからないです。
師匠も先輩もイメージを言うだけでした。私はそのイメージは漠然として具体性が無く間違っている部分があることが分かりました。
私なら後輩にずっと確かなことを教えることができます。

職人は他の職業に比べても偉い師匠に0.1㎜単位で教わることで、自分は確かなことを知っているという安心感が得やすい職業です。素人が手探りで仕事をしている感じではないのです。もっと正解が分からない職業のほうが多いでしょう。
だからゆえに師匠の教えを経典にしがちなのです。
その師匠もまたその師匠に教わったことを信じているだけです。何世代も重ねると絶対的に正しいことのように思えてきます。

工房内では絶対的な存在の師匠も、お客さんの希望をかなえられないようでは工房内の王様というだけです。お客さんには「師匠が言っていたから」なんて言い訳は通用しません。

でもまったくの独学ではそのレベルにさえ到達できないでしょう。子供の描く絵が似ているように素人の発想は同じようなものなので似たようなものになります。
単に不真面目で師匠の言いつけを守らないずるい人の考えることもそっくりです。よくある手抜き楽器になるだけです。

ともかく楽器をイメージで語ったり、実際よりも良く見せたり、実力より良い音に見せかけたりはしません。商売人ではないからです。
本当に気に入った人に使ってほしいものです。

日本特有の明るい音神話

こんにちはガリッポです。

突然ですが目利きに挑戦しましょう。次のヴァイオリンはいくらくらいのものだと思いますか？

と言われるとドキッとするかもしれません。こんなものは考えれば考えるほどわからなくなるものです。
ウィットナーのテールピースがついているから安物の楽器だと思うかもしれませんが、ウィットナーのテールピースは実用的なので高価な楽器にもつけている人はいます。アジャスター付きでも木製のものよりもメカニックの精度が高いのです。

モダン時代のドイツのマイスターのような完璧さがありません。しかしハンドメイドならかえってその方が味があるというとり方もできます。逆にこんなもののほうが値段が高いんじゃないかと勘繰ってしまうかもしれません。実際イタリアの楽器ではそのようなものがたくさんあります。

では答えです。

写真だけでは難しいこともありますが、これは何の変哲もない東ドイツの量産品で安価なものです。それでも100年も前のもので古さもあり、そう悪くは見えません。

不思議なことにこの楽器はザクセンの大量生産品の中では雰囲気が良いのです。わざとらしいイミテーションもないし、ものすごく悪い木材を使っているわけでもありません。オールドの名器ではそれほど高級で無い木材を使っていることも多くあります。ニスの色合いも黄金色のような感じです。

しかしこれを弾けるようにするために魂柱を入れる作業をします。そのために中を覗くととんでもない粗悪品であることが分かります。バスバーを見ると別の木材を取り付けたものではなく、バスバーの部分だけを削り残したものです。
これは安価な楽器の中でも特に安価な楽器に見られるものです。この方法だと板の厚みを正確に加工するのが難しいので、とても雑に内側が加工されています。厚みはめちゃくちゃです。
正確な板の厚さに加工するならバスバーは厚みを加工してから後で取り付けたほうが簡単です。

いわゆる見た目は悪くないけど開けるとびっくりするほどひどい楽器です。

それで値段はいくらなの？となるとなかなか難しい所ではあります。最低ランクのものとは言え中国製ではなくドイツ製ですし、100年も前のものです。
こうなると10万円ならもっとひどい物がたくさんあります。
20万円以上ならちょっと高すぎるように思います。
15～20万円くらいでしょうか？
この楽器は板が厚いせいか故障もなくオーバーホールは5万円程度で済みました。
これで状態が悪ければさらに5万円10万円と修理代がかかります。すぐに価値がゼロになってしまいます。

弦を張って調弦してみるととても強い音がします。雰囲気としては前回のペドラッツィーニに似ています。
やかましいというタイプの音です。さっそく見つかりました。

弾いてみるとやはり音は強く感じられます。ヴァイオリンというのはどんなものでも50年～100年も経てば強い音がするものです。いかに高級品でも新品でこのような強い音は難しいです。むしろ高級品のほうがおとなしいくらいです。

仕事の雑さからすると音は悪くないという印象を受けます。音が大きく感じられるからです。ペドラッツィーニと似た鳴り方ですが、耳障りな鋭さもそれよりはマイルドです。こっちの方が音が良いという人もいるでしょう。

音だけで楽器を判断するとこのようなものを良い音だと考える人もいると思います。

ただ広いホールに持って行った時にどうかとなるとおそらく厳しいのではないかと思います。
弦楽器というのは自分の演奏を離れて聞くことができないので、自分が満足するというのであればこのような楽器が選ばれることはあるでしょう。

高価な楽器であれば広い場所で試奏して買うべきです。

私が作る楽器が優れているのはこの点です。
私は帰国したときに自作の楽器を持って帰って、読者の方のもとを訪れて試奏することをやってきました。広い部屋を確保するのは難しいのですが、バトミントンのコートくらいの体育館ではとても楽器の性能が分かりやすいです。バレーコートが2面もあるような体育館では弦楽器は無理です。
都心だとかえって小さな体育館があったりしました。
私のヴァイオリンを使っている人で本拠地の大ホールの一番後ろの席で他のメンバーに弾いてもらったら私の楽器はバッチリと聞こえたそうです。

このような鳴り方は名器の構造を研究すると分かることです。
しかし店頭では安い楽器にかなわないものです。職人も自ら演奏して自画自賛したとしても、他人が弾いた時の音を離れて聞かなければそのこだわりは客観的なものではなく、思い込みの範囲にとどまるものです。

工房内でも名器の「幽体離脱感」は分かります。音が楽器から抜け出てくる様子を幽体離脱に例えています。
私には遠鳴りする楽器は音源がどこから出ているのかわからないよう聞こえます。
遠鳴りしない楽器は胴体から音が聞こえます。このため遠くに離れると遠くで鳴っているように聞こえます。

遠鳴りする楽器は部屋全体で鳴っている感じがします。それでもものによっては空間全体に広がるものと、ドーンとまっすぐに届くものがあります。科学の実験で米村でんじろう先生の空気砲ってありますよね。あの感じです。
ヨーロッパに行って長いのによく知っていると思うかもしれませんが、有名になる前にNHK教育でやっていて見ていたのです。それが大学生のころです。
とはいえ音速なので空気砲のようなゆっくりしたものではありません。

多くのユーザーにとっては遠鳴りする必要もないです。ソリストとしての業務があるわけではないからです。
ただし弾く本人でも残響の方に意識を向ければさすがにわかるでしょう。気持ちよく音が響ていると感じられるはずです。

そうやって楽器の構造や品質で見ていくと、ペドラッツィーニの値段にビビって惑わされることは無いのです。むしろ値段が高い楽器ほど私は厳しい評価になります。本当に値段の価値があるか疑ってかかるからです。

しかし多くの人は「値段が高い＝音が良い」と信じているので先入観でそのように聞こえてしまいます。イタリアの楽器を買ってから思ったほどじゃなかったという意見を日本に帰るとよく聞きます。
やかましいうるさい音を『明るい音』という謎のワードで売ってきたのでした。

このような音の楽器はドイツ製の物にもたくさんあります。珍しい希少な物でも何でもありません。柔らかい音の方がずっと珍しいです。

「明るい音」の話はバカらしくてもう良いかと思うのですが、常に新しく読み始める読者の人もいるでしょう。弦楽器を購入しなくてはいけないとなって興味を持ち始める人もいるからです。
こんな話をするよりも上のレベルの話をしていきたいのです。

しかし初心者に優しくないといけません。業者というのはいつも同じ説明をしなくてはいけなくて、流れ作業のように雑になってしまう事が多くあります。
そのような説明は頭に入ってきません。
ホテルの受付で一通り説明を受けても何も理解していなかったりします。私がアホなだけかもしれませんが…。

たまに明るい音の話もしなくてはいけません。

良い音とは

私は日本で就労した経験がなくいきなり渡欧して就職しました。そのため日本の業界の常識を知る前にこちらの常識を知ることになりました。
このようなブログをやっているのも、日本の常識がいかにガラパゴスなものかを紹介するとともに、日本に帰って読者の方と接点を持って私が日本の常識を学ぶためでもあります。
したがって、日本の常識を知ると驚いています。このことを師匠や同僚に話せば驚かれます。「勘違いして伝わってしまったね」ということもあります。

その中でも最たるものが『明るい音』という謎のワードです。私は技術者なので音については客観的な記述が必要でそこに善悪の価値観を入れたくありません。

楽器の音はそれぞれみな違います。しかし何が良い音なのかはユーザーが自由に判断して良いと考えています。
これも私が西洋で学んだ考え方です。

演奏家は芸術家であり、演奏は自分の表現だからです。楽器の音を私は絵の具の色くらいに考えています。絵を描くときにどの色の絵の具が良いかは、どんな絵を描きたいかによって決まるでしょう。
顔料単体の性能で言えば、色が鮮やかなほど優れているという考えもできます。しかし自分のイメージにあっているかどうかが重要です。

純粋な芸術なら自分が良い音だと思うものが良い音で、人に聴かせて評価を受けるとなると、聞く人の好む音が良い音ということにもなります。

西洋の場合には自分を表現するということが重視されますので自分が良いと思うことが大事なのです。日本の場合には上級者に学ぶことが大事とされるかもしれません。未熟な自分が良いと判断せずもっと偉い人が良いと言うものを良いものだと学ぶ必要があると考えます。

この辺りは大きなギャップでしょう。

これについては、長年演奏を続けていく中で音に対する感覚も成長していくものだと思います。確かに素人が良い音だと思うものは上級者にとっては良い音ではないかもしれません。
しかし自分なりに良い音だと思うイメージを成長させて行けば良いのです。普通初めは初心者用の安価な楽器から初めて演奏技量とともに楽器を変えていきます。
何度も楽器選びの経験をしていく中で成長して行けば良いのです。本格的に演奏をやりたいなら50～100万円くらいのヴァイオリンなら粗悪品ではなくちゃんと作られた中古品がたくさんあります。弦楽器業界のおかしなところでドイツやチェコなどのモダン楽器は異常に値段が安いです。良さが知られていないからです。これを何十本も弾き比べて楽器を選べばその経験によってグンと成長することでしょう。

しかしそうやって最高のものを選んだはずでも、時ともに物足りなくなってくることもあります。逆に言えば、若いときにはわからなかった音の良さが分かるようになっていく可能性があるということです。

やはり自分で良い音が分かるようになって行かなくてはいけないのです。これも訓練です。自分が好きな音の楽器ならより楽しんで弾けると思いませんか？

これが運命のヴァイオリンです。

どんな音が良いかは自由に好きなものを選んでいいということです。

日本と西洋の音の感覚の違い

例えば日本の民謡や演歌とクラシックの声楽やオペラと歌唱法に違いがありますね。これは私が教えるような話ではありませんが、技術者として言うのは建物が違うということです。
西洋では石やレンガで建物が作られていて音が反響するのです。一方日本ではふすまや障子、畳など音を吸収する素材が多いです。
教会で歌を歌うならよく響くような歌い方が良しとなるでしょう。お寺でお経を読むならはっきり通るような発声が良いでしょう。オペラ歌手みたいなお坊さんはいません。

弦メーカーなどがヨーロッパ向けと日本向けで音の好みを分析するときこのような伝統も勉強しているはずです。ヨーロッパのメーカーであれば、「日本人は我々とは全く違う音楽の歴史があり、我々とは音の好みが全く違うかもしれない」と相対的に考えるのが知的な考え方です。つまり自分たちの価値観を押し付けるのではなく、現地の人たちの好みを知るべきなのです。このとき自分たちには理解できない音の好みがあるということを歴史から説明するとヨーロッパの人たちもそうかと思うわけです。
日本人はあまり意識していないことです。伝統的な音楽などはほとんど知らず生きて来たからです。

日本人が伝統的に良い音と考えてきたものが『明るい音』というものかもしれません。会話していてもハキハキと快活な声が明るい声です。ボソボソと何言っているかよくわからないようなのは暗い声です。

明るい音という時にこのような意味で使われることもあるでしょう。私が当ブログて使っているものとは違います。

昔は電話の音が悪かったのか、電話になるとご婦人方は声を変えて「明るい声」でしゃべっています。普通は高い声で話すので明るいということには音が高いということも混ざっています。クラシックの声楽のように声を響かせるのとは違うでしょう。オペラのセリフパート（レチタティーヴォ）のように電話で話していたらおかしいです。

音色としての明るい音、暗い音

このように日本語で明かるい音というのははっきりした通る音というイメージがあるかもしれません。暗い音というのはくぐもってモヤモヤしたはっきりしない音という意味になるかもしれません。「明るい音＝はっきりした音、暗い音＝こもった音」というわけです。特にこもった音というのは悪い音で楽器の音なら不満点になることです。とりわけ湿度の高い日本ではアコースティックの楽器では材料が水分を蓄えてこもった音になってしまうというのは和楽器の時代からあったのかもしれません。

このようなことは、私の勤める工房ではあまり聞かないです。お客さんと話をしていても、音がこもっていて不満だというのは聞きません。意識していないポイントなんでしょう。

似たような概念では「にぶい」というのはたまにあります。鈍いというのは反応が鈍いというわけですから、反応がよくなれば音の調整はうまくいったということになります。それは明るいとか暗いではなく、反応が敏感か鈍いかと表現すれば済みます。

これに対して明るいとか暗いというのは音色の話です。

弦楽器というのは音程を表す基音以外にも同時に様々な音が出ています。音程の周波数の2倍3倍・・・の倍音が弦の構造上発生します。これを整数次倍音と言います。音程の音とは関係ない音も出ていて非整数次倍音と言います。これらが合わさって音色になっています。

人間の耳は20～2万Hzくらい聞こえると言われています。高い方は年齢とともに聞こえなくなっていくというのも有名です。

この時にどの音域の音がどれくらい含まれているかによって明るさを感じます。
おおざっぱに言うと高音が勝っているバランスの楽器の音は明るい音と感じ、低音が勝っているバランスの音を暗い音だと言っています。

チェロは低音から中音を担当する楽器です。
特にC線の下からボリュームがあるものは少なく、はじいてみるとC線の途中から、つまりG線くらいから音が大きくなっていきます。これは低音があまり出ないチェロです。C線の下の方を弓で弾くと、中音域の倍音が多いので明るい音に聞こえます。
これがはじいてC線の一番下から出るチェロなら弓で弾くとずっと深々とした低音らしい低音になります。これが暗い音です。

普通は低音が出るもののほうがC線のボリュームがあります。
しかし低音が出ないものでも中音域の倍音が多く出るのでそれを音量とと感じることができます。深々とした音色の低音ではありませんがC線の音が弱いとは限りません。

一方DやA線では低音が出ないもののほうが音に厚みがあり響きが豊かに感じられます。明るい音です。
低音が下から出るものはDやA線の響きが少なく締まった音に聞こえます。暗い音です。

ヴァイオリンでも同じことです。ただしE線は規則性がよくわかりません。

ヤマハのNS-10mというスピーカー

レコーディングスタジオで使われて世界的に有名なヤマハのモニタースピーカーというものがあります。

（出典：ウィキペディア）
https://en.wikipedia.org/wiki/Yamaha_NS-10#:~:text=The%20NS-10M%20X%20is%20a%20%22Studio%22%20with%20magnetic,10M%20X%20with%20a%20different%20tweeter%20and%20grille.

NS-10Mというもので、スタジオの写真などを見た事があれば必ず写り込んでいる小型のスピーカーで、黒のキャビネットに白い振動版がついているものです。
スピーカーというものは大型のほうが低音が出やすいものです。これは楽器と同じです。
しかし大型になるとキャビネットの強度が不足したり、振動版の動きが鈍くなったりしてしまうという問題があります。

大型のほうが理想的なのですが、鈍い音にならないように作ると値段が高くなってしまいます。そこで1978年に若者にも買えるように小型に作られたスピーカーがヤマハのNS-10Mというもので、これがプロの音楽制作者に評判となり録音スタジオで使われるようになりました。

小型なので低音は控えめで特に高音が強い特性のものでした。このため高音を和らげるためにティッシュを張り付ける「ティッシュフィルター」が有名になるほどです。

これはまさに明るい音のスピーカーというわけです。

80年代ロック・ポップスなどの作品はこのスピーカーを使って音を調整して作られたものが多いのだそうです。80年代のポップスの音を作ったと言っても過言ではありません。
当時はテレビやラジカセなどを使って音楽を聴くことが多く、これらは圧倒的に低音が出にくい物でした。
NS-10Mはそれらに似ているということで音をチェックするのに最適だったというわけです。

80年代にはシンセサイザーのような電子音が新しいものとして格好いいものだと感じられていました。逆にアコースティックの楽器の音は古い臭いものと聞こえたでしょう。ギターにしてもコントラバスにしても大きな箱を持っているアコースティックの楽器は低音に厚みがあり暗い音になるわけです。

そのようにして世界中で使われたNS-10Mのシリーズも振動版の素材が入手できなくなると2001年に製造が打ち切られました。振動版は紙パルプでした。
昔のスピーカーは紙でできているのが普通で独特の音がありました。それが90年代には高分子系の素材、つまりゴムやプラスチックのようなものが使われるようになりました。
ちょうどガット弦がナイロン弦に変わったようなものです。
これによって低音の再生能力も音のクリアーさも改善され、MS-10Mも時代遅れになったというわけです。新しい世代のモニタースピーカーはその素材の通りゴムのようなボヨンボヨンとした音です。

90年代にはヒップホップ系のダンス音楽が主流になるとそのような音とぴったりで低音を強調した音楽が主流となります。今でもカーステレオの音量を大きくしている車があるとズンズンと低音のリズムが聞こえてきます。

今では驚くほど低音が出る小型のモニタースピーカーがあります。

このような意味では明るい音というのが80年代の音ということもできます。日本の歌謡曲も曲調も明るくなってきました。バブル時代の都会的な文化ともマッチしました。

そんな中、エリック・クラプトンがアコースティックの楽器で演奏した1992年の『アンプラグド』が大ヒットするとアコースティックの楽器の持つ暖かさに魅力を感じた人も少なくないでしょう。私もその一人です。この暖かい音というのがヨーロッパで言う所の「暗い音」なのです。
楽器だけでなく彼の歌声も暖かみのあるものです。

クラシック音楽はこのような音楽の流行とは関係ないはずです。80年代にイタリアの新作楽器が輸入されるようになったころの考え方はアップデートする必要があります。
高級ブランドの舶来品を有り難がるというのはバブル時代の考え方ですが、音についても見直しが必要です。

暗い音の魅力

私が目指しているのは木でできたアコースティックの楽器ならではの暖かみのある音の楽器で、個人的に好きだからということもあります。

弦メーカーのようにヨーロッパでも日本人は明るい音を好むと知られていますが、私自身はそうではありません。私が日本で習っていた先生も同様でした。

私が初めて作ったヴァイオリンも、就職してから工房の作り方で作ったものも明るい音でがっかりしました。
古い楽器を研究して作ったらすぐに暗い音のものができました。他の工房をいくつも訪ねて楽器を探していた人が、そのヴァイオリンを気に入って購入されました。その中にはヴァイオリン製作コンクールで優勝した作者もあったそうです。
しかし私が初めてオールド楽器の板の厚さを取り入れたものが最終的に選ばれました。
私の好みは変わったものではなく良さが分かる人はヨーロッパにはいるということです。

皆さんはどうでしょうか？

いずれにしても現代の楽器製作方法で作るとどこの国の人でも勝手に明るい音になってしまいます。
鋭い音の楽器のほうが柔らかい音の楽器よりも多くあります。
明るくて輝かしい音の楽器はありふれたもので珍しくも何ともありません。

西ドイツの量産楽器に比べてハンドメイドのイタリアの楽器が高級品として輸入されるようになりました。当時は50～100万円程度だったそうです。これがバブル以降高騰して300万円を超える値段となりました。
このような楽器を売るため楽器店の営業マンは「明るい音神話」を利用しています。
イタリアの新作楽器は50～100万円の元の値段なら見事なものです。この評価に尾ひれがついて300万円にもなるとモダン楽器を買った方が良いでしょう。

もちろんドイツにも高級品を作るマイスターがいますが、地元で販売するのみで輸出はしていません。日本にはわずかに東ドイツ、マルクノイキルヒェンのマイスターの楽器が輸入されただけですが、これは量産品の上級品くらいのもので、西ドイツのマイスターのレベルのものではありません。
今マイスターの名前で売られているのは機械を使って大量生産されたもので工場の経営者がマイスターの資格を持っているというだけです。
日本には本当のマイスタークオリティのドイツの楽器はほとんどないはずです。
日本人のマイスターのものならあると思います。明るい音の人が多いと思います。
戦前より前のものなら音も強くなっています。多くは1万ユーロ（約125万円）を超えません。輸入業者にうまみが無ければ輸入されません。このあたりが日本の弦楽器の層の薄さなんです。中高生でこれくらいの楽器を使っていたら、よほどいい楽器でないと買い替えの対象になりません。

明るく輝かしい音の楽器はありふれていますが、イタリアのオールド楽器の音はこれとは全く違います。
深く味のある暖かみのある音で高音は耳障りな音は無い柔らかいものです。私はイタリアのオールド楽器の大ファンです。

営業マンによって語られる明るい音神話とはこのようなものです。
「アルプスより北のヨーロッパは天気が悪い、イタリアは天気が良く空が晴れていて楽器の音もイタリアのものは晴れ晴れと明るいものだ」
これを検証してみましょう。

物理現象としての楽器の音と空の天気は関係がありません。
さっきも説明したように日本人は天気と音に伝統的に関係があると思っているのかもしれません。湿度によって音が変化する経験則です。木材もそうですし、鼓膜にも影響があるかもしえません。
しかし製造国は関係ありません。日本に持って行けば同じです。

天気と音が関係があるというのは空気が常に乾燥しているヨーロッパ人には理解できないでしょう。私のところでは乾燥がひどくなると割れなど原因になるため湿度が高いほうが楽器にとって良いと考えられています。

天気が良いとオイルニスの乾燥に適しているということは言えます。しかし音は関係ありません。ニスと音の関係はこれまでも説明していますが、よほど変なものでなければいいというものです。

天気が人々の精神に影響を与え趣味趣向が違うかもしれません。
これについても職人には音を自由に作り分ける技術が無いため、反映されないということを前回は説明しました。

イタリアの人が明るい音楽を好み、アルプス以北では暗い音楽が好まれるのかもしれません。これについてもおかしいのは、実際にそうだとしてクラシックの世界ではイタリア音楽はあまり高く評価されていません。むしろドイツなどの音楽のほうがよく演奏されます。ドイツの音楽にあっているのは暗い音の楽器では無いでしょうか？

イタリア音楽の大ファンで、ドイツのようなオーケストラの重厚な響きではなく、イタリア音楽の歌心が大好きだというのならまだわかります。歌では盛り上がりのピークは高音で高音が滑らかで美しいものが求められます。ヴァイオリンでもヴィオッティやパガニーニの曲にはそれが表れています。近現代の楽器の耳障りな鋭い音は決してきれいな歌声とは言えないでしょう。それに対して柔らかい高音のオールドのイタリアの楽器はイタリア音楽の大ファンには最高のものです。

しかし日本ではイタリア音楽は「軽い」とあしらわれてきました。
一方でドイツの作曲家でも重厚な作品ばかりを作っているわけではありません。

確かにドイツ人などは工業製品でも重厚さを求めます。「高級品＝重厚」です。
しかし弦楽器は板を厚く作ると低音が出にくくなり音としては重厚感が出ません。
重厚な音というのは厚い低音によって支えられた暗い音です。これを出すためには楽器は板が薄い軽量級のものでなくてはいけません。
重厚な音のするオールド楽器は持って見るととても軽いのに驚きます。板の厚みを測れば納得の薄さです。
ドイツ人が弦楽器も重厚に作ってしまうと明るい音になってしまいます。このためドイツ人が作る楽器が明るい音なのです。

とにかく明るい音神話は何もかもが滅茶苦茶です。
営業マンの語る言語は技術者には意味が分かりません。

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