ピエトロ・グァルネリモデルのヴァイオリンの音が出ました

こんにちはガリッポです。

ヴァイオリン業界では一番優れたヴァイオリンがストラディバリ、グァルネリ・デルジェスということに決められています。特に近代ではストラディバリが最高のヴァイオリンと考えられ、それを基にしたストラディバリモデルのヴァイオリンが作られました。「近代のヴァイオリン製作＝ストラドモデルのヴァイオリン製作」と言ってもいいくらいです。このためストラドモデルは珍しいものではなく、現在の普通のヴァイオリンのことだと考えれば良いでしょう。
ストラドモデルばかりが作られるとさすがに飽きるのかガルネリモデルも作られました。寸法表はストラドモデルを作るために定められました。グァルネリ・デルジェスはその寸法とはかけ離れていることが多くあります。そのため全くオリジナルの通りに作るのではなく形をデルジェスっぽくした近代式の楽器がガルネリモデルというわけです。尖った長いf字孔などは典型的です。実際のデルジェスのでそのようなf字孔の時期はとても限られています。
最近は実物大の写真が掲載されたポスターや本などが出版されるようになったため、デルジェスの型をそのまま起こしたものが多くなっています。この場合はストラドモデルよりも小型なのが特徴です。

これでほとんどを占めることになります。実際にはストラディバリに似ても似つかないものも多くありますが何か別のモデルにしようとしたというよりは単に品質が悪くてそう見えないというだけです。

それ以外には、フランスではマジーニとアマティモデルが作られました。マジーニも全くオリジナルのマジーニとは違うものでマジーニ風にしたものです。アマティは多くありません。

このように職人も常識としてストラディバリとデルジェスが特に優れたものだと教わります。私たちはストラドモデルの作り方から派生した作り方しか知りませんから他のものは作れないわけです。現在ではデルジェスモデルが多くなっています。何故かと言うとストラディバリのほうが腕が良くないと作れないからです。腕に自信が無いとデルジェスに逃げるわけです。「私は見た目は興味が無い、大事なのは音だ！」とお客さんに説明すれば言葉では納得させられるわけです。

このような状況ですから、少しでも音が良い楽器を作りたい職人ならストラディバリやデルジェス以外のモデルの楽器を作る勇気はありません。もしかしたら音が悪くなるかもしれないからです。

これに対して私はストラディバリやデルジェスのモデルがずば抜けて優れているのかには疑問を持ちます。ここで言うモデルにはいろいろな意味がありますが、ハンドメイドの高級品でも一般的には輪郭の形だけをストラディバリやデルジェスの形にしてそれ以外は現代風の構造に作られている楽器がほとんどです。

私は多くの経験から輪郭の形はさほど重要ではなく、現代風の作風であればどのモデルでも現代風の音になると考えています。ストラディバリモデルだろうがガルネリモデルだろうが、それ以外の作風が同じなら同じような音になるというわけです。
また自分でデザインしたモデルでも極端におかしなものでなければ問題ないと思います。

こう考えるとモデルなんて何でも良いということになります。
私はそう思います。
他人から評価されたいなら教科書通りのストラドモデルを綺麗に作れば腕が良い職人と多くの職人から認められるでしょう。自分のこだわりで作ったモデルに他人は興味を示さないでしょう。

このようにストラディバリやガルネリモデルで作られたモダン楽器にはとても音の良いものがあります。このためこれらが良くないものであるということはできません。しかし他にも同様に良いものがあるかもしれません。私もストラディバリやデルジェスに次ぐ「第3のモデル」を模索してきました。
私はニコラ・アマティ、ベネチアのピエトロ・グァルネリ、ジュゼッペ・グァルネリ・フィリウスアンドレア、アレッサンドロ・ガリアーノ、マントヴァのピエトロ・グァルネリなどいろいろなストラドやデルジェス以外のモデルのヴァイオリンを作ってきました。これらの経験から何となく自分の中で音がイメージできるようになってくると自分が作りたいヴァイオリンの構造のイメージに近いものとしてマントヴァのピエトロ・グァルネリを選びました。2016年に製造するととても印象的で魅力的なものになりました。私個人としては過去に作ったものの中でも一番好きなものです。ストラディバリのコピーもとても良くて捨てがたいですが、より濃い味のものはピエトロ・グァルネリのものです。

私の場合には単に輪郭の形をオールド楽器から移すのではなく、アーチの膨らみや板の厚さも含め作風自体を近づけようとします。このため単に輪郭の形ではなく、構造自体に特徴があるわけです。

ピエトロ・グァルネリで最もわかりやすい特徴はぷっくりと膨らんだ高いアーチです。ストラディバリやデルジェスはかなりアーチの高さにはばらつきがあり、高いものも平らなものもいろいろあります。単に高いアーチの楽器を作りたいだけならストラディバリやデルジェスのそのような作品を選んでコピーすれば良いのです。
それに対してピエトロ・グァルネリは一貫して高いアーチのものを作っていたようです。特徴としてはよりはっきりしています。

言われてきた高いアーチの音？

現在では高いアーチの楽器を作る人はとても少ないです。それは19世紀にモダン楽器が確立すると平らなアーチのほうが優れているという考えが広まったからです。弦楽器業界特有なのが、実際に試したのではなくて平らなアーチのほうが音が良いという「考え」が広まったことです。
でも弦楽器業界だけが変わっているのではなくて人間の社会では普通のことなのでしょう。

その考えではアーチは平らなほど音量があるというものです。実際に平らなアーチで作られたモダン楽器には音量に優れたものがあり間違ってはいません。しかし逆に高いアーチにすると音が小さくなるということは同じ時期に作られた楽器が無いのでわかりません。

もっとひどい説は、アマティは高いアーチの楽器を作っていて美しい音色をしている。ストラディバリは音量を求めてフラットなアーチを発明した。さらにデルジェスは音量を求めてフラットなアーチを作った。このため、ストラディバリはその中間で美しい音色と音量を兼ね備えた理想的なものだというものです。

これがひどいというのは、事実とは全く違うことです。アマティはそんなに高いアーチのものをあまり作っていません。アーチの高さにはばらつきがあり、ストラディバリが生まれる前にすでにフラットなアーチのものを作っています。

ストラディバリでフラットなものをコピーとして作ろうと思って候補を探してもあまり多くありません。ほとんどのものは高めのアーチのものです。
デルジェスについてはいろいろな高さのアーチがあり、最晩年でも高いアーチのものがあります。これはストラディバリでもそうです。

ストラディバリの最も若いころのヴァイオリンはとても高いアーチになっています。それに比べればその後のものは低めのアーチになっていますが、それでも現在の標準よりはずっと高いものが多いです。その若いころのストラディバリよりもニコラ・アマティのほうがアーチが平らです。

このような理屈は、ストラディバリが最高のヴァイオリンであるという結論からこじつけて作り出されたような話です。日本人はこういう話は特に好きです。

モダン楽器の普及

当ブログではモダン楽器の成立の歴史について語ってきました。弦楽器について考えるうえであまりにも重要な出来事だからです。現在の楽器製作や考え方、知識など常識のすべてのルーツだからです。現在我々が知っている知識はすべてモダン以降の知識なのです。

にもかかわらずほとんどの人は知らないでしょうし、他では耳にする機会のない話です。

ストラディバリの良さを認識したドイツやオーストリア、フランスの職人たちはそれまでのオールドのスタイルを捨てて作風をガラッと変えました。中でもフランスの職人たちはストラディバリを研究し特徴を誇張したり、改良やモディファイを加えてモダンヴァイオリンを完成させました。これがヨーロッパ中で評判となりとても優れていると考えられオールド時代から製法が伝わっていた流派はすべて作風をがらりと変える時期があります。ドイツでもイタリアでもイギリスでも同様です。オールドから楽器を作っていた地域ではすべてそうです。オールドのスタイルは時代遅れの劣ったものだと考えられていたのでしょう。

このため私たちはオールドの作者のラベルがついていても、一瞬見ただけでオールド楽器と間違えることはありません。

現在でも見事なアンティーク塗装なのに作風が完全に近現代風の楽器があります。これを見てもオールド楽器と間違えることはありません。

ニスがオールド楽器のようでもなぜオールド楽器と違うとわかるかと言えば、アーチが全く違うからです。

どう違うかはアーチが高いか低いかという話ではありません。造形感覚が違うとでも言いましょうか？
この前はウィーンの流派のことをお話ししましたが、初期のモダン楽器はオールド楽器の製法を使ってモダン楽器を作っていました。初めはオールド楽器を作る方法を習った人が、キャリアの途中でモダン楽器に作風を変えたのです。このためオールド楽器の名残があります。
これに対してそれより後の世代では、初めからモダン楽器の製法を学びました。世代を重ねるごとにフラットなアーチの楽器を作るのに適した製法が収斂して進化していきました。その中でも上等な製品と安物、腕の良い職人と下手な職人が分かれていきます。モダン楽器の中で腕の良い職人の上等な物、きれいな物という基準が進化していくのです。どんどんオールド楽器とは異なるものになって行きます。

より具体的に言えば、オールドの時代にはとても立体的なアーチを作っていました。それを作るには立体的な造形感覚が必要です。それに対してモダン楽器では表面にデコボコが無くなめらかに仕上がっているものが美しいとされます。モダンの基準でオールド楽器を見ると素朴でいびつなものに見えます。当時はそれが時代遅れの古臭いものだったわけです。
近現代では立体の形を作るというよりも、表面を滑らかに仕上げるということが重視されます。

このためパッと見た瞬間にすぐに違うとわかるのです。

今話しているような内容は本当にレベルの高い話です。楽器店の営業マンばかりではなく、職人の間でも理解している人が少ないことです。今ではだれも高いアーチの作り方は知らないのです。私も手探りで最初のころのものを見れば「あちゃ～」という感じがします。でも意外とそんな感じのオールド楽器もあったりするものです。

現代の主流派の職人ならオールド楽器を見ても、自分の楽器との違いから目をそらしているのかもしれません。現代に巨匠と言われているような人も含まれます。

室内学用の楽器

ストラディバリやデルジェス以外のオールド楽器は「室内楽用」と言われることがあります。ストラディバリやデルジェスはソリストに使われるものだということですが、モダン楽器もソリスト用の楽器を目指してつくられたものです。

当時時代遅れと考えられていたのはこのような室内楽用と言われるようなオールド楽器です。美しい音色はあるのだけども、音量に欠けているもののことです。
特徴としては・・・アーチが高いということになります。

一方で楽器の売買の世界ではストラディバリやデルジェスに関係が近いほど値段が高いと考えればおおよそ間違っていないでしょう。例えばストラディバリと同じイタリアの楽器であれば値段が高くなるというとても雑な分類です。
さらに「イタリアのオールド楽器」となるとストラディバリにかなり関係が近くなりますから今なら数千万円は当たり前の世界です。それがクレモナとなれば値段はさらに高くなり、親族や師弟ならさらに値段が高くなるというわけです。

この時矛盾するのは高いアーチの楽器も高価な値段になることです。
職人の間ではフラットなアーチが優れていて高いアーチはダメだと信じられているのに、売買では高いアーチの楽器も高価な値段になっています。例えばモンタニアーナなら高いアーチでも1億円を超えます。ストラディバリやデルジェスの高いアーチの楽器も同様です。これらは名器として一流の演奏家に使われています。

実際に弾いたり音を聞いたことがあれば高いアーチの楽器に素晴らしい音がするものがあることを経験できます。職人たちが信じて来た理屈と矛盾するのです。

しかしほとんどの職人はこのことについて何の違和感も感じないらしく高いアーチのオールド楽器を見て「すばらしい！」と絶賛しておきながらいざ自分が楽器を作る段階になると全く別の理屈で楽器を作り始めるのです。

我々の間ではオールド楽器と現代の楽器製作は別の種目の競技のように考えられています。水泳と陸上のように全く別のものだととらえられていて真っ向から競い合う事さえしません。ほとんどの職人は一般人と同じようにお金の方に興味があるので「高い楽器＝素晴らしい」という反応を示します。

しかし私はそうは思いません。ヴァイオリン製作という同じ競技です。オールド楽器を素晴らしいと思うなら自分もそのようなものを作れなければいけないと考えるのです。

高いアーチの楽器について

私は高いアーチの楽器がどんな音がするかについてはいろいろと経験を積んできましたが、高い方が個性的な音になるということは言えると思います。

つまりこういう音になるというのではなくて作者の特徴が強く出るのではないかと思います。オールドの時代には高いアーチの作り方を身に付けていました。その作り方や目の感覚を応用して低いアーチの楽器を作ってもやはりアーチの特徴は残っていて「その人の音」はするのです。だからアーチの高さがバラバラでもちゃんとその人の音がするのでしょう。ストラディバリでも高いアーチのものだけが音が悪くて使われていないということはありません。
デルジェスが力強い音がするなら高いアーチのものでも力強い音がするでしょう。アーチの高さによって音の強さが変わっているわけではないと思います。

高いアーチでも素晴らしい音がするものがあります。しかし一方で本当に室内楽用としか言えないようなものもあります。個性がより強くなるのが高いアーチの楽器の特徴だとすれば個体差も大きくなるということです。じゃあどんなタイプの高いアーチが良いのかの研究が必要になります。

それについて今回は2度同じモデルで同様の結果が得られたので答えが確信に近づきました。

ものによっては音量があり、ものによっては音量が無いのが高いアーチだということです。しかしよく考えてみればフラットな楽器でも同じようです。ということはアーチの高さと音量は直接関係ないという発見となりました。

これはとても新しい発見だと思います。どの本にも書いてないことです。本を書くような人は過去の本を読んだだけで自分で高いアーチの楽器を作っていないからです。

現代のモダンヴァイオリンのフィッティングも高いアーチの楽器には合っていません。私もネックなどをどのようにいれたら良いのか手探りでやってきました。それもだいぶ分かってきたことが今回の結果につながっていると思います。現代の職人は高いアーチの楽器の作り方を知らないし、慣れていないので、もし試しに作っても同様の結果になるとは限りません。たった一つのサンプルでもちゃんと音量が出るということはアーチは低いほど音量があり、高いほど音量が無いという常識は間違っていることが言えると思います。

私はストラディバリのコピーも捨てがたいと思っています。ストラディバリのコピーを作るととても柔らかくて美しい音がします。この点では最高です。
他の職人が作るストラディバリモデルの楽器とは全く違う音です。

ただ多くの演奏者はそれよりも強い音を求めます。それについては今回の楽器のほうが近づいたと言えるでしょう。

ストラディバリのコピーも何十年かしてくれば力強さも増して来てそれこそ最高の楽器になるでしょう。今回のものはそれを待たなくてもできた瞬間から歯車がかみ合っているような感じがします。駒や魂柱、弦の選定などセッティングもごく普通にしただけでうまく機能しました。当たり前の仕事でちゃんといい音が出るのが良い楽器だと思います。最新技術のものでなくオブリガートでちゃんと良い音が出るのです。オブリガートのキャラクターは私の楽器のキャラクターと被っています。同じキャラクターの弦をかぶせて使う方が個性や魅力が発揮できると思います。当たり前ですが弦選びよりも楽器選びのほうが重要なのです。

もちろん好みによっては違う弦を試しても良いでしょう。メタリックな音のパーペチュアルで無理やり強い音を出す必要性は感じません。
ガット弦が好きな人はそれでもいいかもしれません。

弦楽器は自転車のようなものでエンジンのような動力はついていません。だから楽器がひとりでに鳴り出すということはありません。しかしエネルギーが無駄なく音に変わっていれば優れた楽器になるということです。

鋭い音や柔らかい音のなどは好みの問題だと言ってきましたが、楽器の各部の要素がうまくかみ合うと奇跡的な音になることもあると思います。

それを見つけるには理屈ではなくいろいろなものを作ってみる必要があるでしょう。そちらの方が科学的とさえ言えます。

なぜかわからないけども作者によって音の特徴があります。
アーチはその人が造形感覚で作るものです。人によって音が違う原因になったとしてもおかしくありません。
私の場合にはどのアーチの高さでも柔らかい音になります。アーチが高いくらいのほうが強度のバランスが良いのかもしれません。人によっては違うのかもしれません。

ピエトロ・グァルネリのモデルは第3のモデルどころか第1のモデルになりそうです。ただモデルに限らずここ数年音に強さが出てきているのでストラディバリのモデルも次に作ったらまた覆るかもしれません。

次回はさらに技術的にこの楽器のことを考えていきたいと思います。

コロナの下で作ってきたヴァイオリンも完成

こんにちはガリッポです。

たまにはくだらない話もしましょう。
どうも日本ではペヤングの焼きそばにものすごい大盛があるらしいということを聞きつけて無性に食べたくなりました。
ペヤングはこちらでは売っていなくて、日清のインスタントの袋入りの物はあるのでそれを6袋買ってきました。
しかし、いざ作る段階になると急に怖気づいて2袋分にしました。
多めのお湯でキャベツとともに茹でて湯切りするというカップ焼きそば的な作り方にしました。

結果的にはそれで正解でかなり満腹でした。
でも粉末のソースがくどすぎたので、次は麺を２袋分に対してソースを一袋分にしたらちょうど良かったです。

薄味に慣れているのでしょうか？
普段焼きそばは中国の乾麺で作ります。
アルデンテで茹でるとベチャベチャにならなくてまずまずのものができますが、日本のソースは貴重品でちょっとしか入れないからかもしれません。
焼きそばはこちらでも街角でテイクアウトで売っています。東南アジア系の人がやっていることが多いですが、出身国によってなのか味が多少違います。麺自体は私が買っているのと同じ乾麺を使っているようです。
今は難しいですが、ヨーロッパに旅行したときは焼きそばは日本風でありませんがそんなにはずれが無く食べられると思います。

前回は明るい音のの話をしましたが、この前もチェロを弾く方が調整に来ていました。問題は解決したようですが、自分のチェロとは別に暖かみのある音のものが欲しいと言って店にあるものを試奏していました。
うちで一番暗い音のものはイギリスのモダンチェロで、それを試しに弾くとかなり気に入ったようでした。
私が大掛かりな修理をしたのでそれが低音がとても強いバランスのものだとよく知っています。
値段を言うと黙ってしまったので、ザクセンの量産チェロを私が改造して低音が出るようにしたものを薦めると、あまり自分のものと変わらないとのことでした。
それでも暗い方ですが十分ではなかったようです。

暗い音の方が珍しいのです。

一方でこちらでは上級者ほど古い楽器を使っている人が多いです。
こんな事がありました。
ビオラは古い楽器が少なくサイズの合ったものとなると非常に難しいです。
演奏者自体も少ないのでカルテットに誘われると自分だけ新しい楽器で色も明るいオレンジ色なら音色も明るいものです。それで一人だけ浮いてしまったそうです。今は私が作ったビオラを使っています。

オーケストラでも同様でしょう。名門オケほどみな古い楽器を持っています。
ドイツのオーケストラなどはピッチが445Hzなどと高いから明るい音がするなんて机上の空論を言う人がいますが、持っている楽器が古い物ばかりで音色は日本のオケよりずっと暗いと弦メーカーも各国のオーケストラの音色をそのように分析しています。
バロック楽団みたいに418Hzとかならまだしも音色の明るさは楽器の板が持っている音響特性によって決まっています。

逆に日本ならイタリアの新作やモダン楽器ばかりでオールド楽器が浮いてしまうでしょう。いやこの場合は浮くというよりも沈んでしまうのかもしれません。

ピエトロ・グァルネリ型のヴァイオリン

3～4月にコロナでロックダウンとなり暇ができたのでヴァイオリンを作ってきました。本来ならいつも作っておくべきです。少し余裕ができたという程度です。

マントバのピエトロ・グァルネリのモデルです。

ニスはこのような感じになりました。

いつもながら私独特のものです。今回はアンティーク塗装にしてありますが、古い楽器と見間違えるようにするのではなくオールド楽器の作風を研究した21世紀の楽器として作っています。
深い研究によって普通の新作楽器とはかなり違うものに仕上がっています。作者オリジナルとして作られている現代の楽器よりもはるかに個性的なのです。オールド楽器を研究して精通している考古学者のような作者という個性です。

大いに悩むところは付属品の選択です。
どちらもドイツのオットー・テンペルのペグです。
二つの違いは見ての通り材質で、上はツゲ、下は黒檀です。
値段はツゲは黒檀のリングがついているのでその分高くなります。シンプルな物ならツゲも黒檀も値段はほとんど変わりません。黒檀は希少になって来ているのでいずれ値段は黒檀のほうが高くなるでしょう。
最近はローズウッドは入手が難しくなりました。代替の材料が模索されている段階でこれというのが業界で定まっていません。このためあご当てを好きな形のものを選んだりできない可能性があり、今回は見送りです。ローズウッド自体は柔らかく冴えない音のように思います。

本当に好みの問題としか言いようがありません。

スターヴァイオリニストが使っているストラディバリやデルジェスにはツゲのものが使われていることが多いでしょう。
そういう事で言えばオールドの名器では定番はツゲです。
そんなこともあって楽器を良く見せたいときにはツゲを使うことが多いでしょう。新作楽器でも自作のものにツゲを付ける職人は多いと思います。オレンジの明るい色の楽器にツゲは浮いて見えますが、アンティーク塗装が自然に古くできていればツゲもしっくりきます。
楽器を良く見せたいという発想は商人のものです。

それに対して職人は大概黒檀のほうが優れていると言うでしょう。ツゲも硬さのある材質ですが、黒檀のほうがさらに硬く密度が高いので材質としてしっかり感があります。
黒檀という材料はもちろん高級木材で耐久性にも優れペグやテールピースの材料としては最適なものです。その結果あまりも多くの楽器で使用されているために見慣れてしまっているのです。
それで明るい茶色のツゲのほうが高級っぽく見えるのです。

しかしさっきも言ったように新作楽器にツゲを付ける職人も多いし、何なら中国製の安い楽器にもツゲがつけられているものもたくさんあります。
安い楽器を立派に見せようといういやらしい部分が出ています。

特に私がツゲに問題を感じるのは、日本の方に使ってもらっているヴァイオリンでは1年後にメンテナンスをしたら、ツゲのペグが曲がってしまいうまく回転しなくなっていました。ほんのわずかですから削りなおせばまた問題なく使えます。ほんのわずかでも回転軸がゆがむとうまく回転しなくなります。
もう一つは音の面です。
ペグはあまり関係ないですが、テールピースは音に影響があるでしょう。ツゲのものは明るくて軽い音がします。ちょっと頼りない音です。本当のオールド楽器でそれ以上に濃いしっかりした音のものなら問題ありませんが新作では少しでも不利になるのは避けたいものです。
更に機能面です。
ツゲのペグは摩擦抵抗が大きいのかカクカクとした動きになりやすいです。
たいてい新品の時は硬くなってしまい動き始めはカクッとします。
それも慣れてしまえば使えないことは無いわけで問題なく使っている人もいくらでもいます。

悩むところですが、職人としてどちらを薦めるかと聞かれれば黒檀でしょう。
形はヒルハートモデルというものでツゲのものと同じですが真っ黒なのです。シックでこれはこれで格好良いと思いませんか？

オールドの名器でもコレクションになっているようなものは無頓着で適当なものがついていることが多いです。ストラディバリくらいになるとツゲのものに交換してありますが、アマティやピエトロ・グァルネリくらいだと適当だったりします。私のイメージも必ずツゲという感じでもありません。楽器商によって売りに出されているものはツゲに交換してありますが…。

そういう意味でも黒檀のほうが玄人好みという感じがします。

むずかしく考えずにせっかくオールド風に作っているのだから「オールドの名器＝ツゲ」とシンプルに考えるほうが良いかもしれません。

私はどちらでも良いと言うと師匠の「黒檀！」の一声で決定しました。

黒檀のテールピースが付くとこんな感じです。
元々ピエトロ・グァルネリというだけでもかなりマニアックです。私にとっては超有名ですが、普通の人はグァルネリが5人いることも知らないし、マニアでもどれがどのグァルネリなのか見分けがつかないでしょう。
黒檀のほうがよりマニアックな感じがします。

ペグは調弦してみると黒檀で正解だったようです。新しい楽器のペグは軸が細いので回転に対して巻き取る速度が遅く音の上がり下がりがとてもゆっくりです。黒檀では微妙な調弦がさらにやりやすいです。

弦にはピラストロのオブリガートを選びました。うちでは最も人気の高級弦だからです。弦によって楽器の性能以上のものを出そうとするのは私は無理があると思います。
最新の製品は楽器や人によって当たり外れが大きいようです。
E線はピラストロのNo.1を付けています。一般には高音が鋭い音の楽器が多いので柔らかい音のNo.1がマッチする楽器が多いのです。私のヴァイオリンの場合には柔らかい音なのでもっと強い張力のE線でも大丈夫です。今後様子を見る必要があります。

弦は張ったばかりなのでもう少し落ち着いてから微調整が必要です。気になる音については次回です。

この楽器は現代の人が誰も作らないようなこんもりとすごく高いアーチなのが特徴です。

この前からヴァイオリン職人には音を作り分ける技術が無いという事を言ってきました。
それは具体的に、アーチの高さについて言えば、アーチは平らなほど音量があると教わります。音が小さな楽器などは誰も欲しがりませんから高いアーチの楽器は作ってはいけないと教わります。

このため誰も高いアーチの楽器を作りません。それで実際にどんな音がするかは誰も知らないというわけです。

ヴァイオリン職人はこんなレベルです。
どんな音になったかは次回報告します。

他の職業がどうなのかは知りません。
しかしまじめで常識のある人なら、作ってはいけないと教わったものは作らないでしょう。皆さんは自分の職業でやってはいけないと教わったことをやっていますか？

でもそれをやらないと、本当にどんな音になるかはわからないです。
師匠も先輩もイメージを言うだけでした。私はそのイメージは漠然として具体性が無く間違っている部分があることが分かりました。
私なら後輩にずっと確かなことを教えることができます。

職人は他の職業に比べても偉い師匠に0.1㎜単位で教わることで、自分は確かなことを知っているという安心感が得やすい職業です。素人が手探りで仕事をしている感じではないのです。もっと正解が分からない職業のほうが多いでしょう。
だからゆえに師匠の教えを経典にしがちなのです。
その師匠もまたその師匠に教わったことを信じているだけです。何世代も重ねると絶対的に正しいことのように思えてきます。

工房内では絶対的な存在の師匠も、お客さんの希望をかなえられないようでは工房内の王様というだけです。お客さんには「師匠が言っていたから」なんて言い訳は通用しません。

でもまったくの独学ではそのレベルにさえ到達できないでしょう。子供の描く絵が似ているように素人の発想は同じようなものなので似たようなものになります。
単に不真面目で師匠の言いつけを守らないずるい人の考えることもそっくりです。よくある手抜き楽器になるだけです。

ともかく楽器をイメージで語ったり、実際よりも良く見せたり、実力より良い音に見せかけたりはしません。商売人ではないからです。
本当に気に入った人に使ってほしいものです。

日本特有の明るい音神話

こんにちはガリッポです。

突然ですが目利きに挑戦しましょう。次のヴァイオリンはいくらくらいのものだと思いますか？

と言われるとドキッとするかもしれません。こんなものは考えれば考えるほどわからなくなるものです。
ウィットナーのテールピースがついているから安物の楽器だと思うかもしれませんが、ウィットナーのテールピースは実用的なので高価な楽器にもつけている人はいます。アジャスター付きでも木製のものよりもメカニックの精度が高いのです。

モダン時代のドイツのマイスターのような完璧さがありません。しかしハンドメイドならかえってその方が味があるというとり方もできます。逆にこんなもののほうが値段が高いんじゃないかと勘繰ってしまうかもしれません。実際イタリアの楽器ではそのようなものがたくさんあります。

では答えです。

写真だけでは難しいこともありますが、これは何の変哲もない東ドイツの量産品で安価なものです。それでも100年も前のもので古さもあり、そう悪くは見えません。

不思議なことにこの楽器はザクセンの大量生産品の中では雰囲気が良いのです。わざとらしいイミテーションもないし、ものすごく悪い木材を使っているわけでもありません。オールドの名器ではそれほど高級で無い木材を使っていることも多くあります。ニスの色合いも黄金色のような感じです。

しかしこれを弾けるようにするために魂柱を入れる作業をします。そのために中を覗くととんでもない粗悪品であることが分かります。バスバーを見ると別の木材を取り付けたものではなく、バスバーの部分だけを削り残したものです。
これは安価な楽器の中でも特に安価な楽器に見られるものです。この方法だと板の厚みを正確に加工するのが難しいので、とても雑に内側が加工されています。厚みはめちゃくちゃです。
正確な板の厚さに加工するならバスバーは厚みを加工してから後で取り付けたほうが簡単です。

いわゆる見た目は悪くないけど開けるとびっくりするほどひどい楽器です。

それで値段はいくらなの？となるとなかなか難しい所ではあります。最低ランクのものとは言え中国製ではなくドイツ製ですし、100年も前のものです。
こうなると10万円ならもっとひどい物がたくさんあります。
20万円以上ならちょっと高すぎるように思います。
15～20万円くらいでしょうか？
この楽器は板が厚いせいか故障もなくオーバーホールは5万円程度で済みました。
これで状態が悪ければさらに5万円10万円と修理代がかかります。すぐに価値がゼロになってしまいます。

弦を張って調弦してみるととても強い音がします。雰囲気としては前回のペドラッツィーニに似ています。
やかましいというタイプの音です。さっそく見つかりました。

弾いてみるとやはり音は強く感じられます。ヴァイオリンというのはどんなものでも50年～100年も経てば強い音がするものです。いかに高級品でも新品でこのような強い音は難しいです。むしろ高級品のほうがおとなしいくらいです。

仕事の雑さからすると音は悪くないという印象を受けます。音が大きく感じられるからです。ペドラッツィーニと似た鳴り方ですが、耳障りな鋭さもそれよりはマイルドです。こっちの方が音が良いという人もいるでしょう。

音だけで楽器を判断するとこのようなものを良い音だと考える人もいると思います。

ただ広いホールに持って行った時にどうかとなるとおそらく厳しいのではないかと思います。
弦楽器というのは自分の演奏を離れて聞くことができないので、自分が満足するというのであればこのような楽器が選ばれることはあるでしょう。

高価な楽器であれば広い場所で試奏して買うべきです。

私が作る楽器が優れているのはこの点です。
私は帰国したときに自作の楽器を持って帰って、読者の方のもとを訪れて試奏することをやってきました。広い部屋を確保するのは難しいのですが、バトミントンのコートくらいの体育館ではとても楽器の性能が分かりやすいです。バレーコートが2面もあるような体育館では弦楽器は無理です。
都心だとかえって小さな体育館があったりしました。
私のヴァイオリンを使っている人で本拠地の大ホールの一番後ろの席で他のメンバーに弾いてもらったら私の楽器はバッチリと聞こえたそうです。

このような鳴り方は名器の構造を研究すると分かることです。
しかし店頭では安い楽器にかなわないものです。職人も自ら演奏して自画自賛したとしても、他人が弾いた時の音を離れて聞かなければそのこだわりは客観的なものではなく、思い込みの範囲にとどまるものです。

工房内でも名器の「幽体離脱感」は分かります。音が楽器から抜け出てくる様子を幽体離脱に例えています。
私には遠鳴りする楽器は音源がどこから出ているのかわからないよう聞こえます。
遠鳴りしない楽器は胴体から音が聞こえます。このため遠くに離れると遠くで鳴っているように聞こえます。

遠鳴りする楽器は部屋全体で鳴っている感じがします。それでもものによっては空間全体に広がるものと、ドーンとまっすぐに届くものがあります。科学の実験で米村でんじろう先生の空気砲ってありますよね。あの感じです。
ヨーロッパに行って長いのによく知っていると思うかもしれませんが、有名になる前にNHK教育でやっていて見ていたのです。それが大学生のころです。
とはいえ音速なので空気砲のようなゆっくりしたものではありません。

多くのユーザーにとっては遠鳴りする必要もないです。ソリストとしての業務があるわけではないからです。
ただし弾く本人でも残響の方に意識を向ければさすがにわかるでしょう。気持ちよく音が響ていると感じられるはずです。

そうやって楽器の構造や品質で見ていくと、ペドラッツィーニの値段にビビって惑わされることは無いのです。むしろ値段が高い楽器ほど私は厳しい評価になります。本当に値段の価値があるか疑ってかかるからです。

しかし多くの人は「値段が高い＝音が良い」と信じているので先入観でそのように聞こえてしまいます。イタリアの楽器を買ってから思ったほどじゃなかったという意見を日本に帰るとよく聞きます。
やかましいうるさい音を『明るい音』という謎のワードで売ってきたのでした。

このような音の楽器はドイツ製の物にもたくさんあります。珍しい希少な物でも何でもありません。柔らかい音の方がずっと珍しいです。

「明るい音」の話はバカらしくてもう良いかと思うのですが、常に新しく読み始める読者の人もいるでしょう。弦楽器を購入しなくてはいけないとなって興味を持ち始める人もいるからです。
こんな話をするよりも上のレベルの話をしていきたいのです。

しかし初心者に優しくないといけません。業者というのはいつも同じ説明をしなくてはいけなくて、流れ作業のように雑になってしまう事が多くあります。
そのような説明は頭に入ってきません。
ホテルの受付で一通り説明を受けても何も理解していなかったりします。私がアホなだけかもしれませんが…。

たまに明るい音の話もしなくてはいけません。

良い音とは

私は日本で就労した経験がなくいきなり渡欧して就職しました。そのため日本の業界の常識を知る前にこちらの常識を知ることになりました。
このようなブログをやっているのも、日本の常識がいかにガラパゴスなものかを紹介するとともに、日本に帰って読者の方と接点を持って私が日本の常識を学ぶためでもあります。
したがって、日本の常識を知ると驚いています。このことを師匠や同僚に話せば驚かれます。「勘違いして伝わってしまったね」ということもあります。

その中でも最たるものが『明るい音』という謎のワードです。私は技術者なので音については客観的な記述が必要でそこに善悪の価値観を入れたくありません。

楽器の音はそれぞれみな違います。しかし何が良い音なのかはユーザーが自由に判断して良いと考えています。
これも私が西洋で学んだ考え方です。

演奏家は芸術家であり、演奏は自分の表現だからです。楽器の音を私は絵の具の色くらいに考えています。絵を描くときにどの色の絵の具が良いかは、どんな絵を描きたいかによって決まるでしょう。
顔料単体の性能で言えば、色が鮮やかなほど優れているという考えもできます。しかし自分のイメージにあっているかどうかが重要です。

純粋な芸術なら自分が良い音だと思うものが良い音で、人に聴かせて評価を受けるとなると、聞く人の好む音が良い音ということにもなります。

西洋の場合には自分を表現するということが重視されますので自分が良いと思うことが大事なのです。日本の場合には上級者に学ぶことが大事とされるかもしれません。未熟な自分が良いと判断せずもっと偉い人が良いと言うものを良いものだと学ぶ必要があると考えます。

この辺りは大きなギャップでしょう。

これについては、長年演奏を続けていく中で音に対する感覚も成長していくものだと思います。確かに素人が良い音だと思うものは上級者にとっては良い音ではないかもしれません。
しかし自分なりに良い音だと思うイメージを成長させて行けば良いのです。普通初めは初心者用の安価な楽器から初めて演奏技量とともに楽器を変えていきます。
何度も楽器選びの経験をしていく中で成長して行けば良いのです。本格的に演奏をやりたいなら50～100万円くらいのヴァイオリンなら粗悪品ではなくちゃんと作られた中古品がたくさんあります。弦楽器業界のおかしなところでドイツやチェコなどのモダン楽器は異常に値段が安いです。良さが知られていないからです。これを何十本も弾き比べて楽器を選べばその経験によってグンと成長することでしょう。

しかしそうやって最高のものを選んだはずでも、時ともに物足りなくなってくることもあります。逆に言えば、若いときにはわからなかった音の良さが分かるようになっていく可能性があるということです。

やはり自分で良い音が分かるようになって行かなくてはいけないのです。これも訓練です。自分が好きな音の楽器ならより楽しんで弾けると思いませんか？

これが運命のヴァイオリンです。

どんな音が良いかは自由に好きなものを選んでいいということです。

日本と西洋の音の感覚の違い

例えば日本の民謡や演歌とクラシックの声楽やオペラと歌唱法に違いがありますね。これは私が教えるような話ではありませんが、技術者として言うのは建物が違うということです。
西洋では石やレンガで建物が作られていて音が反響するのです。一方日本ではふすまや障子、畳など音を吸収する素材が多いです。
教会で歌を歌うならよく響くような歌い方が良しとなるでしょう。お寺でお経を読むならはっきり通るような発声が良いでしょう。オペラ歌手みたいなお坊さんはいません。

弦メーカーなどがヨーロッパ向けと日本向けで音の好みを分析するときこのような伝統も勉強しているはずです。ヨーロッパのメーカーであれば、「日本人は我々とは全く違う音楽の歴史があり、我々とは音の好みが全く違うかもしれない」と相対的に考えるのが知的な考え方です。つまり自分たちの価値観を押し付けるのではなく、現地の人たちの好みを知るべきなのです。このとき自分たちには理解できない音の好みがあるということを歴史から説明するとヨーロッパの人たちもそうかと思うわけです。
日本人はあまり意識していないことです。伝統的な音楽などはほとんど知らず生きて来たからです。

日本人が伝統的に良い音と考えてきたものが『明るい音』というものかもしれません。会話していてもハキハキと快活な声が明るい声です。ボソボソと何言っているかよくわからないようなのは暗い声です。

明るい音という時にこのような意味で使われることもあるでしょう。私が当ブログて使っているものとは違います。

昔は電話の音が悪かったのか、電話になるとご婦人方は声を変えて「明るい声」でしゃべっています。普通は高い声で話すので明るいということには音が高いということも混ざっています。クラシックの声楽のように声を響かせるのとは違うでしょう。オペラのセリフパート（レチタティーヴォ）のように電話で話していたらおかしいです。

音色としての明るい音、暗い音

このように日本語で明かるい音というのははっきりした通る音というイメージがあるかもしれません。暗い音というのはくぐもってモヤモヤしたはっきりしない音という意味になるかもしれません。「明るい音＝はっきりした音、暗い音＝こもった音」というわけです。特にこもった音というのは悪い音で楽器の音なら不満点になることです。とりわけ湿度の高い日本ではアコースティックの楽器では材料が水分を蓄えてこもった音になってしまうというのは和楽器の時代からあったのかもしれません。

このようなことは、私の勤める工房ではあまり聞かないです。お客さんと話をしていても、音がこもっていて不満だというのは聞きません。意識していないポイントなんでしょう。

似たような概念では「にぶい」というのはたまにあります。鈍いというのは反応が鈍いというわけですから、反応がよくなれば音の調整はうまくいったということになります。それは明るいとか暗いではなく、反応が敏感か鈍いかと表現すれば済みます。

これに対して明るいとか暗いというのは音色の話です。

弦楽器というのは音程を表す基音以外にも同時に様々な音が出ています。音程の周波数の2倍3倍・・・の倍音が弦の構造上発生します。これを整数次倍音と言います。音程の音とは関係ない音も出ていて非整数次倍音と言います。これらが合わさって音色になっています。

人間の耳は20～2万Hzくらい聞こえると言われています。高い方は年齢とともに聞こえなくなっていくというのも有名です。

この時にどの音域の音がどれくらい含まれているかによって明るさを感じます。
おおざっぱに言うと高音が勝っているバランスの楽器の音は明るい音と感じ、低音が勝っているバランスの音を暗い音だと言っています。

チェロは低音から中音を担当する楽器です。
特にC線の下からボリュームがあるものは少なく、はじいてみるとC線の途中から、つまりG線くらいから音が大きくなっていきます。これは低音があまり出ないチェロです。C線の下の方を弓で弾くと、中音域の倍音が多いので明るい音に聞こえます。
これがはじいてC線の一番下から出るチェロなら弓で弾くとずっと深々とした低音らしい低音になります。これが暗い音です。

普通は低音が出るもののほうがC線のボリュームがあります。
しかし低音が出ないものでも中音域の倍音が多く出るのでそれを音量とと感じることができます。深々とした音色の低音ではありませんがC線の音が弱いとは限りません。

一方DやA線では低音が出ないもののほうが音に厚みがあり響きが豊かに感じられます。明るい音です。
低音が下から出るものはDやA線の響きが少なく締まった音に聞こえます。暗い音です。

ヴァイオリンでも同じことです。ただしE線は規則性がよくわかりません。

ヤマハのNS-10mというスピーカー

レコーディングスタジオで使われて世界的に有名なヤマハのモニタースピーカーというものがあります。

（出典：ウィキペディア）
https://en.wikipedia.org/wiki/Yamaha_NS-10#:~:text=The%20NS-10M%20X%20is%20a%20%22Studio%22%20with%20magnetic,10M%20X%20with%20a%20different%20tweeter%20and%20grille.

NS-10Mというもので、スタジオの写真などを見た事があれば必ず写り込んでいる小型のスピーカーで、黒のキャビネットに白い振動版がついているものです。
スピーカーというものは大型のほうが低音が出やすいものです。これは楽器と同じです。
しかし大型になるとキャビネットの強度が不足したり、振動版の動きが鈍くなったりしてしまうという問題があります。

大型のほうが理想的なのですが、鈍い音にならないように作ると値段が高くなってしまいます。そこで1978年に若者にも買えるように小型に作られたスピーカーがヤマハのNS-10Mというもので、これがプロの音楽制作者に評判となり録音スタジオで使われるようになりました。

小型なので低音は控えめで特に高音が強い特性のものでした。このため高音を和らげるためにティッシュを張り付ける「ティッシュフィルター」が有名になるほどです。

これはまさに明るい音のスピーカーというわけです。

80年代ロック・ポップスなどの作品はこのスピーカーを使って音を調整して作られたものが多いのだそうです。80年代のポップスの音を作ったと言っても過言ではありません。
当時はテレビやラジカセなどを使って音楽を聴くことが多く、これらは圧倒的に低音が出にくい物でした。
NS-10Mはそれらに似ているということで音をチェックするのに最適だったというわけです。

80年代にはシンセサイザーのような電子音が新しいものとして格好いいものだと感じられていました。逆にアコースティックの楽器の音は古い臭いものと聞こえたでしょう。ギターにしてもコントラバスにしても大きな箱を持っているアコースティックの楽器は低音に厚みがあり暗い音になるわけです。

そのようにして世界中で使われたNS-10Mのシリーズも振動版の素材が入手できなくなると2001年に製造が打ち切られました。振動版は紙パルプでした。
昔のスピーカーは紙でできているのが普通で独特の音がありました。それが90年代には高分子系の素材、つまりゴムやプラスチックのようなものが使われるようになりました。
ちょうどガット弦がナイロン弦に変わったようなものです。
これによって低音の再生能力も音のクリアーさも改善され、MS-10Mも時代遅れになったというわけです。新しい世代のモニタースピーカーはその素材の通りゴムのようなボヨンボヨンとした音です。

90年代にはヒップホップ系のダンス音楽が主流になるとそのような音とぴったりで低音を強調した音楽が主流となります。今でもカーステレオの音量を大きくしている車があるとズンズンと低音のリズムが聞こえてきます。

今では驚くほど低音が出る小型のモニタースピーカーがあります。

このような意味では明るい音というのが80年代の音ということもできます。日本の歌謡曲も曲調も明るくなってきました。バブル時代の都会的な文化ともマッチしました。

そんな中、エリック・クラプトンがアコースティックの楽器で演奏した1992年の『アンプラグド』が大ヒットするとアコースティックの楽器の持つ暖かさに魅力を感じた人も少なくないでしょう。私もその一人です。この暖かい音というのがヨーロッパで言う所の「暗い音」なのです。
楽器だけでなく彼の歌声も暖かみのあるものです。

クラシック音楽はこのような音楽の流行とは関係ないはずです。80年代にイタリアの新作楽器が輸入されるようになったころの考え方はアップデートする必要があります。
高級ブランドの舶来品を有り難がるというのはバブル時代の考え方ですが、音についても見直しが必要です。

暗い音の魅力

私が目指しているのは木でできたアコースティックの楽器ならではの暖かみのある音の楽器で、個人的に好きだからということもあります。

弦メーカーのようにヨーロッパでも日本人は明るい音を好むと知られていますが、私自身はそうではありません。私が日本で習っていた先生も同様でした。

私が初めて作ったヴァイオリンも、就職してから工房の作り方で作ったものも明るい音でがっかりしました。
古い楽器を研究して作ったらすぐに暗い音のものができました。他の工房をいくつも訪ねて楽器を探していた人が、そのヴァイオリンを気に入って購入されました。その中にはヴァイオリン製作コンクールで優勝した作者もあったそうです。
しかし私が初めてオールド楽器の板の厚さを取り入れたものが最終的に選ばれました。
私の好みは変わったものではなく良さが分かる人はヨーロッパにはいるということです。

皆さんはどうでしょうか？

いずれにしても現代の楽器製作方法で作るとどこの国の人でも勝手に明るい音になってしまいます。
鋭い音の楽器のほうが柔らかい音の楽器よりも多くあります。
明るくて輝かしい音の楽器はありふれたもので珍しくも何ともありません。

西ドイツの量産楽器に比べてハンドメイドのイタリアの楽器が高級品として輸入されるようになりました。当時は50～100万円程度だったそうです。これがバブル以降高騰して300万円を超える値段となりました。
このような楽器を売るため楽器店の営業マンは「明るい音神話」を利用しています。
イタリアの新作楽器は50～100万円の元の値段なら見事なものです。この評価に尾ひれがついて300万円にもなるとモダン楽器を買った方が良いでしょう。

もちろんドイツにも高級品を作るマイスターがいますが、地元で販売するのみで輸出はしていません。日本にはわずかに東ドイツ、マルクノイキルヒェンのマイスターの楽器が輸入されただけですが、これは量産品の上級品くらいのもので、西ドイツのマイスターのレベルのものではありません。
今マイスターの名前で売られているのは機械を使って大量生産されたもので工場の経営者がマイスターの資格を持っているというだけです。
日本には本当のマイスタークオリティのドイツの楽器はほとんどないはずです。
日本人のマイスターのものならあると思います。明るい音の人が多いと思います。
戦前より前のものなら音も強くなっています。多くは1万ユーロ（約125万円）を超えません。輸入業者にうまみが無ければ輸入されません。このあたりが日本の弦楽器の層の薄さなんです。中高生でこれくらいの楽器を使っていたら、よほどいい楽器でないと買い替えの対象になりません。

明るく輝かしい音の楽器はありふれていますが、イタリアのオールド楽器の音はこれとは全く違います。
深く味のある暖かみのある音で高音は耳障りな音は無い柔らかいものです。私はイタリアのオールド楽器の大ファンです。

営業マンによって語られる明るい音神話とはこのようなものです。
「アルプスより北のヨーロッパは天気が悪い、イタリアは天気が良く空が晴れていて楽器の音もイタリアのものは晴れ晴れと明るいものだ」
これを検証してみましょう。

物理現象としての楽器の音と空の天気は関係がありません。
さっきも説明したように日本人は天気と音に伝統的に関係があると思っているのかもしれません。湿度によって音が変化する経験則です。木材もそうですし、鼓膜にも影響があるかもしえません。
しかし製造国は関係ありません。日本に持って行けば同じです。

天気と音が関係があるというのは空気が常に乾燥しているヨーロッパ人には理解できないでしょう。私のところでは乾燥がひどくなると割れなど原因になるため湿度が高いほうが楽器にとって良いと考えられています。

天気が良いとオイルニスの乾燥に適しているということは言えます。しかし音は関係ありません。ニスと音の関係はこれまでも説明していますが、よほど変なものでなければいいというものです。

天気が人々の精神に影響を与え趣味趣向が違うかもしれません。
これについても職人には音を自由に作り分ける技術が無いため、反映されないということを前回は説明しました。

イタリアの人が明るい音楽を好み、アルプス以北では暗い音楽が好まれるのかもしれません。これについてもおかしいのは、実際にそうだとしてクラシックの世界ではイタリア音楽はあまり高く評価されていません。むしろドイツなどの音楽のほうがよく演奏されます。ドイツの音楽にあっているのは暗い音の楽器では無いでしょうか？

イタリア音楽の大ファンで、ドイツのようなオーケストラの重厚な響きではなく、イタリア音楽の歌心が大好きだというのならまだわかります。歌では盛り上がりのピークは高音で高音が滑らかで美しいものが求められます。ヴァイオリンでもヴィオッティやパガニーニの曲にはそれが表れています。近現代の楽器の耳障りな鋭い音は決してきれいな歌声とは言えないでしょう。それに対して柔らかい高音のオールドのイタリアの楽器はイタリア音楽の大ファンには最高のものです。

しかし日本ではイタリア音楽は「軽い」とあしらわれてきました。
一方でドイツの作曲家でも重厚な作品ばかりを作っているわけではありません。

確かにドイツ人などは工業製品でも重厚さを求めます。「高級品＝重厚」です。
しかし弦楽器は板を厚く作ると低音が出にくくなり音としては重厚感が出ません。
重厚な音というのは厚い低音によって支えられた暗い音です。これを出すためには楽器は板が薄い軽量級のものでなくてはいけません。
重厚な音のするオールド楽器は持って見るととても軽いのに驚きます。板の厚みを測れば納得の薄さです。
ドイツ人が弦楽器も重厚に作ってしまうと明るい音になってしまいます。このためドイツ人が作る楽器が明るい音なのです。

とにかく明るい音神話は何もかもが滅茶苦茶です。
営業マンの語る言語は技術者には意味が分かりません。

ジュゼッペ・ペドラッツィーニのヴァイオリン

こんにちはガリッポです。

職人の間では評判が悪いのはイタリアの現代の楽器です。自分たちが作っているものよりはるかに粗雑なものがはるかに高い値段で飛ぶように売れるのですから。

それに対してイタリア人でもアメリカや日本で楽器を売っているのはほんの一部で少なくともビジネスに関して努力した人であることは間違いないでしょう。文句ばかり言っている人の楽器が売れるということはありません。

ただ私のところではほとんど見る機会が無く、私は詳しくありません。もしイタリアの現代の楽器を勉強したければ日本で働いた方が良いでしょう。
今年は日本に帰るのは難しいです。こうなると今年は一台も新作のイタリアの楽器を見ないことになるでしょう。休暇で日本に帰らないと見れないのです。

一方で日本の場合には店頭にイタリアの新作楽器しか置いていなければ他と比べることができません。最近では店頭にすらなくて、名前だけで購入を決めて、輸入するようになっているそうです。

これに対して私はヴァイオリンというものは修行すれば誰にでも作れるもので、音はなぜかわからないがみな違うものだと教えています。
演奏者も人によって音の好みも違うので客観的な優劣の評価などはできないと考えています。

したがって、あなたにとって何が良い楽器かは弾いてみないとわからないのです。

一般的に工業製品であれば、その国の人たちの美意識や趣味趣向が反映されます。しかし弦楽器の音については、意図的に作ることが難しいので自分たちの趣味趣向通りの音のものが作れないのです。

例えば私のところでは、暖かみのある「暗い音」が好まれます。しかし、現代の職人は明るい音の楽器の作り方しか知らないため暗い音のものを作れません。
古い楽器には暗い音のものが多いため消費者は新作楽器には見切りをつけて古い楽器を求めています。

それだけ弦楽器職人には意図的に音を作り出すノウハウが無いということです。職人の世界というのは伝統に基づいて師匠に教わったやり方を踏襲するというだけです。工業では研究開発を行うのは大学の工学部を卒業したエンジニアが担当し、職人は設計に基づいて製造を担当します。弦楽器職人も大学にはいかず、決められた作り方に従って製造するための教育を受けます。研究開発の教育は受けません。
研究開発が難しいのは弦楽器を作るのにとても時間がかかるので、失敗作を作る余裕が無いのです。例えば十台作って音が良いものを一つだけ選んで後は廃棄するとしましょう。こうなると弦楽器の値段は十倍になってしまいます。
このため「セオリー」にしたがって楽器が作られるのです。しかし実証したことがなく偉い師匠が言うセオリーを信じてセオリーに従って作っているだけです。

同じセオリー通りに作ってもなぜか人それぞれ音が違います。モデルや寸法を変えても似たような音になります。癖としか言いようがなく自分でコントロールできません。
意図的に楽器の音を作れる人が一人もいないとは証明できませんが、弦楽器というのはそういう物だと思っていた方が間違いは少ないでしょう。

このように国によって音の趣味趣向があったとてしてもそれを製品の音に反映させられないのです。

だから国ごとによって音の特徴というのは無いのです。

私は理屈っぽい人間ですが、弦楽器については思い込みを無くすために理屈を使っています。弦楽器は理屈なんて考えずに弾いてみて音が気にいるかどうかなのです。音が気にいればあなたにとって運命の楽器なのです。
こちらの人たちはどこの誰が作ったものかは気にせずに弾いて気に入ったものを選びます。

ところが日本人は自分に自信が無いため、自分が気に入るかどうかで楽器を選ぶのが難しいようです。それで間違ったウンチクが日本では広まっているようです。

それが間違っていることを説明するために理屈を使っているわけです。

私は職人のダメな部分を反省して、自分としては意図的に音を作り出せるように研究をしてきましたが完全に思ったようには作れません。意図的に変えられる部分となぜかわからないがそうなってしまう部分があります。このため私が作る楽器はこういう系統の音というのがはっきりあります。それ以外の楽器については弾いてみないとわからないのです。

これが弦メーカーくらいになると近代的な企業ですから、市場ごとに音の好みを分析し、研究開発によって目指す音の弦を作ります。さらに製造の品質によってはほころびたり切れたりしやすくなりますから製造を担当する職場では設計通りに仕事をするようになっています。
ヨーロッパ内では暖かみのある柔らかい音が好まれ、アメリカやアジアには明るくて輝かしい音が好まれるというのが古典的な考え方です。

各国の学校でも製造を担当する職人としての教育を受けます。それは弦楽器産業だけが特別なわけではなく、国全体の産業の教育システムに組み込まれているからです。
製造業では設計はエンジニア、製造は工員が行います。決められた通りに加工する工員を養成するのが職人の教育です。

日本の場合にはクラシック音楽が伝統的なものではないため、国としての弦楽器職人の教育はありません。一方で大手楽器メーカーでも他の楽器の製造に対してヴァイオリン族の弦楽器部門だけ別の教育や人事のシステムを作ることはできません。似たようなことです。

ヴァイオリン製作コンクールでも決められた設計の通りいかに正確に作れるかが競われます。その「決められた設計」が業界標準とされるものです。世界の職人が業界標準を共有しているので国による違いが無いのです。

同じ国の人が全員同じ音の楽器を作るわけではありません。個人個人によって違います。私の作るものは他の日本人の作る楽器と同じ音ではありません。私が住んでいる国の他の人とも違いますし、師匠や同僚とも違います。

国ごとの職人の教育

イタリアの楽器製造の特徴は大量生産が無いということです。フランスやドイツ、チェコやハンガリーでは工場が組織され大量生産がなされました。

これは組織を作って運営することがイタリア人は得意でないといこともあるでしょう。しかしながらオールドの時代に安価な楽器の需要が無かったわけではありません。
多くのイタリアのオールド楽器はとても雑に作られています。アマティやストラディバリなどは例外的です。
当時は値段には差があったらしく、アマティやストラディバリは高価でそれ以外はかなり安かったようです。他に手仕事の産業も多く特に才能がある人が弦楽器に携わる必要もないでしょう。
そういう意味でもアマティやストラディバリは例外的です。

イタリアでもドイツでも安価な楽器は単に粗雑に作られていました。近代的な工場による大量生産品ではないのでハンドメイドということは言えます。しかし品質は悪く高級品とは言えないものです。

これが19世紀にフランスでニコラ・リュポーの支配のもとで画一的な弦楽器の製造がおこなわれるようになります。
リュポーは弟子を娘と結婚させるなどして血縁関係で強大な支配力を持ちました。
この時のリュポーの作風が「決められた設計」となりました。後の時代の職人はみなこの設計の通りに正確に作れば腕が良いと認められ一人前の職人として出世し、そうでないと工場で安価な製品を作ることに従事しました。
歴史上腕の良い職人が選抜される仕組みがあったのはこの時代だけでしょう。それ以外は下手な職人も楽器を作り続けました。今でも下手な人でも自作の楽器を作って売ることが許されています。自由な社会なので当たり前です。値段をいくらにするかも自由です。

ミルクールの工場では安く作るために雑に仕事をするだけでなく組織的に分業したり、プレスの技法を考案したり機械化も進めました。昔の工場の写真を見れば子供のような顔つきの工員も写っています。雑用のような下働きをする人も多かったはずです。これについてはストラディバリも子供がたくさんいて同様だったかもしれません。

量産品ではランクが様々でとても安価な物から上等な物までニーズに応じて作り分けられました。

こうなると腕の良い一流の職人の作ったものと大量生産品でグレードの差が必要になります。一流の職人のハンドメイドの楽器は最高水準のクオリティでなくてはいけないため、フランスの一流の楽器はとても完成度が高いのです。

このようなモダン楽器製造のしくみはドイツにももたらされました。マイスターの作品と大量生産品でグレードの差を設けなくてはいけません。

これがフランスやドイツの楽器とイタリアの楽器との違いの原因の一つです。つまりイタリアではただ楽器を作ればいいのに対して、フランスやドイツではハンドメイドの楽器は特に品質の高いものでなくてはいけないのです。

これが現代の楽器製作コンクールにも受け継がれています。独創的な作品が評価されることは無く、世界標準の作風で品質の完璧さが競われるのです。このためどれもそっくりになります。

このようにイタリアの楽器は品質が優れたものでなくても構わないというわけです。しかしフランスやドイツの楽器製作を邪道と言って否定することはできません。イタリアのモダン楽器の中でも品質が良いものが値段が高いのです。
フランスやドイツの楽器を否定するなら、品質の高いイタリアの作者も否定しなくてはいけません。イタリアの人たちもフランスの楽器を目指していました。

簡単に言えばイタリア製であれば品質が悪くてもイギリスやアメリカなどヨーロッパ大陸以外では売れたのです。それが日本、中国へと輸出先を変えてきています。
楽器商はお客さんには作者を偉大な人物であるかのように言いますが、職人に尊敬などは全く無くできるだけ安く買い叩くのでイタリアの職人も雑に作らなくてはやっていけません。職人を多く雇って町工場レベルで生産していたケースもあります。

私は手の込んだ美しいものを作るのが楽しくて、雑なものを作らなければいけないとなればものすごいストレスです。悩んで工房を辞めるでしょう。しかし「雑で良い」と言われて喜ぶ職人のほうが多数派です。利害も一致しています。

このような古い職人の価値観に対して社会は変わりつつあります。決められたものを決められた通りに作るというのは今のヨーロッパ人は苦手になっています。甘やかされて育った現代の人たちは年長者の言うことをまじめに聞いたりしません。
創造性を発揮して個性的なものを作るべきだと考えられているでしょう。芸術の近代化と同じです。

この結果フランスの19世紀のような高い水準のものはもう作られないでしょう。かといってエンジニアリングのような高度な工学の教育も受けていません。たまたま自分が知っている方法で作った楽器から出た音を褒めちぎってアピールするものです。人間というのは自分をえこひいきするものですから普通のことです。

ペドラッツィーニのヴァイオリン

前回も音について触れたジュゼッペ・ペドラッツィーニのヴァイオリンです。
お客さんが持ってきたときに見て、第一印象はよくあるような量産楽器だと思いました。アンティーク塗装もわざとらしくありふれた感じです。
そこで本で調べてみると、本に出ている楽器はずっと美しく完成度が高いので、よくあるニセモノじゃないのかなと思いました。持ち主は鑑定書があると後日画像を送ってきました。見るとチャールズ・ビアの鑑定書でその楽器の写真がついています。鑑定書が偽造でない限りこれが本物のペドラッツィーニということになります。

アマティのモデルで軽いアンティーク塗装がされています。しかし1600年代のアマティの雰囲気は全くありません。
確かにアマティのモデルは他ではあまり多く作られておらずミラノ派は好んで用いています。f字孔はグズグズで太くなりすぎています。私なら大失敗と考えます。

昔はあご当てがなかったのであごが当たる部分のニスは剥げています。アンティーク塗装ではその様子を再現するものですが、これは申し訳程度です。ナットの加工も雑です。

アンティーク塗装のはずが汚れもちょっとあるだけで位置も意味がわかりません。ただ汚いだけです。

裏板の木材はこの時代のイタリアの作者は不規則なトリッキーなものを好みます。この材料はそこまでトリッキーではありませんが、縦の木目を見て下さい。年輪が縦縞になっています。上の方は湾曲していて少し変化があります。ドイツの作者ならもっとまっすぐな木目を良しとします。
この楽器は木材としてのランクは低い方です。年輪の縦の木目の間隔が広いのです。ストラディバリはこんな木材は使っていません。標高が低い地域で成長が速い木材の特徴です。

形自体はイタリアの楽器の中では悪い方ではありません。オークションのカタログなどを見るともっとひどいイタリアの楽器はたくさんあります。もちろん下手くそな職人は万国共通でイタリア以外にも同様の楽器はありますが、高値で取引されるひどい楽器はイタリアの楽器だけなので、カタログに出ているひどい楽器はみなイタリア製になるのです。

アンティーク塗装は名人と呼べるものではありません。隅っこだけ強い赤い色になっています。初め見たときによくある量産品ではないかという印象を受けたのはこのためで、人工染料の赤い色になっているものをよく見るからです。
紅しょうがや駄菓子のようにあまりにも不自然な赤さだということです。
パッと見て量産楽器のような印象を受けてしまうのですから、ニスは重要なのです。
しかしよく見ると透明度が低いので人工染料ではなくて顔料だと思われます。顔料というのは要するに絵具です。オイルニスなら油絵の具を混ぜることができます。絵具でヴァイオリンのニスの色を作るのは難しく人工染料のようなきつい色になってしまったのでしょう。

裏板は2枚の合わせ目がよくありません。

写真では見にくいですが隙間が空いています。
うちで見習いの職人がヴァイオリンを作っていますがこんなことはありません。こんなのを作っていたらのこぎりで切ってもう一度やり直しをさせます。
私なら10分もあればこれより上手く接着面を加工できます。
なぜなら楽器を買って、合わせ目が開いて来たら最悪だからです。
この楽器では内側に木片を張り付けて補強してあります。後の時代の修理かもしれません。
新品の楽器を買って表板か裏板を開けて修理することになるのは気持ちの良いものではないでしょう。

横板と裏板の間にも隙間があります。
これもこの前、見習の職人に注意したところです。接着面がちゃんと合うようにそれぞれを平面に加工するようにしなくてはいけません。この楽器を悪い見本として見せました。

スクロールはとてもイタリア的です。アマティの伝統とは関係のない形で独特なものです。これがフランスやドイツのものならもっとお手本の通りに整った形になっていますし、量産品ならスクロールだけを専門に作る職人がいたのでこのような素朴なものは少ないです。
角が丸くなっているのもモダンイタリアの楽器には多いです。

一方でイタリアのモダン楽器にも形が整ったものがあります。フィオリーニやポッジなどはきれいな形になっています。ストラディバリやアマティよりも整っているくらいです。現代的なデザインと言えます。フランスのモダン楽器ではあくまでストラディバリの癖を残しながら完成度を上げて行ったのでした。

演奏家にとって重要なのは音であり細かい品質は職人がうるさくてかなわないと思うかもしれません。しかし50万円前後の楽器ならまだしも600とか700万円の楽器でこれはどうでしょうね？

その肝心の音の方は前回レポートした通りです。たくさんの楽器の音を知っているものとしてはかなり変わった音の楽器になります。バランスとして整ったものでは全くなく強烈な鋭い音の楽器です。これは好き嫌いの問題で好むのも好まないのも自由です。ただ先生がレッスンで弾き方を教えることはできないでしょう。
フランスのモダン楽器でもオールドのイタリアの楽器より鋭いことが多いですがこの楽器の鋭さはそのレベルではありません。
極端に鋭い音の楽器は量産品にたまにあります。量産品でも中級クラスになるとここまで鋭い音のものは少ないでしょう。10万円以下の特に安い楽器には極端に鋭い音のものがあります。ミルクールの楽器にもあります。

これが「イタリアの音だ」と言うのなら、アンサルド・ポッジは全くこんな音ではありませんでしたし、グランチーノも違うのでおかしいです。

板の厚み

楽器を実用品として考えれば見た目は美しく作る必要はありません。オールドの名器にはまさにそのようなものが多くあり、いい加減に作ってあるなと思うようなものが驚くほど美しい音を出すものです。修理した職人の働きも大きな役割を果たしています。

しかし実際に流通している楽器ではこのようなものはとても少ないです。外見は悪くないのに表板を開けてみるとびっくりするほどひどい物が多くあります。中まできれいに作ってあるものは手抜きをせずにちゃんと作ったもので作者の名前とは関係なく、まじめに作られた良品であることが分かります。
このレベルになれば音は好きか嫌いかの問題で高級品であることは間違いありません。

ペドラッツィーニはロメオ・アントニアッジの弟子です。アントニアッジ家の楽器についてはいくつか知っています。ロメオはアンティーク仕上げを重視して仕事は甘い方でしょう。
これもイタリアの職人は志が高いので古い楽器に似せたようなものは作らないと聞いたことがあるような気がします。そんなことはありません。フランスやドイツだけでなくイタリアでもアンティーク塗装の楽器が作られています。

板の厚みを調べてみると特に表板は厚いです。中心付近は3.8mmに達しています。周辺も3mm以上あり隅っこまで削っていない削り残しの感じです。
裏板は合わせ目のところを修理したような形跡があるのでセンターラインはオリジナルの厚さがよくわかりません。※がついている所には木片が貼り付けてあります。
部分的には2mm以下のところもありますが全体としては2.5mm以下の部分はかなり少ないです。

サイズも示しましたが、実際のアマティには無い大型のものです。この楽器のモデルは実際のアマティとは関係がありませんが、音響的にマイナスな要素はありません。

このような厚さの楽器は量産楽器によくあります。アントニアッジも正確ではありませんがもっと薄い物でした。
量産楽器の板が厚くなるのは手抜きも大きな原因です。削ってだんだん薄くしていくわけですから途中で投げ出せば厚いままになってしまいます。薄くするほど神経を使います。

板の厚めの楽器は戦後には多いと思います。オールド楽器では板が薄いものが多いのは修理などの経験をしていれば分かることです。オールド楽器の様な音が好きなら板も薄い方がそれに近いはずです。
フランスのモダン楽器では音量に優れていて、見た目の完璧さだけではなくソリストやオーケストラ奏者のための実用品としての機能を備えています。
もし600～700万円出すならフランスのモダン楽器のほうがこれよりも「業務用」として適していると思います。

趣味なら個人の自由で好きな音色の楽器を楽しむのが良いでしょう。そうなるとドイツのオールド楽器も味がある音色がします。私が目指しているものもそのようなものです。

たった一つの例ですべてを語ってはいけない

たまたま今回やってきたイタリアのヴァイオリンはかなり変わった音のヴァイオリンでした。しかし他のすべてのイタリアの楽器がこれと同じというわけではありません。もっと違う音の楽器があります。品質の高いものもあります。

ペドラッツィーニの中でも従業員が量産したものかもしれません。

同じことは他の国の楽器にも言えます。つまり製造国によって判断するのは間違っているということです。

イタリアの楽器が他の国のものよりも群を抜いて優れているというのは間違った知識です。日本ではこんな荒唐無稽なことがウンチクとして信じられているのですからヨーロッパの人が聞いたら驚くでしょう。

その結果値段が実態をかけ離れてしまうとコストパフォーマンスの点で不利になります。値上がりを期待する資産となっているからです。今回は資産として購入されたケースです。値段が音を表しているわけではないという当たり前のことも知るべきです。本当に資産として楽器を購入する人はいます。

この楽器については量産楽器と同じような品質で音も量産楽器と似ています。
しかし全く同じ音の量産楽器を探すのも難しいです。弦楽器というのはみな音が違います。このため一つ一つの楽器を弾いてみないとわからないのです。

技術が高い職人のものなら、同じ作者のものは音の系統は似ています。全く正反対のキャラクターということはありません。まったく違う音のものを作れないからです。
同じ流派や工房内では、職人たちが決められた通りに正確に加工していれば音も近くなるはずです。品質が荒ければ同じメーカー名でもバラバラになるでしょう。

同じ師匠の弟子で見た目がそっくりでも音は結構違う事があります。腕の良さと音の良さも一致しません。
同じ国どころか流派ですら判断できません。
さらに古いものなら状態なども影響しますのでやはり一つ一つの楽器を試奏しなくてはいけません。

イタリアの職人がお手本通りにきちっと作らないのであれば、音も様々になるはずです。

「鋭い音」は客観的な事実です。これを耳障りと評価する人もいれば力強いと評価する人もいます。セールスマンがこの楽器を売りたいならなんと言うでしょうか？
言葉などは信じてはいけません。ウンチクをたくさん知っているほど弦楽器の理解から遠のいていきます。何も知らずに音だけで判断する方がはるかにましです。

ただし品質と使い勝手、値段についてはチェックが必要です。職人が品質を認めたものの中から試奏して好きな音のものを選べば良いのです。

職人もその知識を悪用することはできるので余計にタチが悪いです。嘘ばかりの業界です。

ウィーンの名工とモダンヴァイオリンの歴史

こんにちはガリッポです。

私もヴァイオリン職人を志す前に興味があっていろいろ勉強して世間と同じくらいの知識を持っていましたが、修行を始めてプロの教育を受け数年勉強すればプロの次元で知識を身に付けることになります。
しかし、一般の人が到達することの難しいプロのレベルの知識でも怪しいことがたくさんあります。言葉で言われていたことと実際の楽器で一致しないことが多いのです。
理屈を知っていればプロとして大きな顔ができますが、自分を裏切るわけにはいきません。それを研究していくのが私のライフワークでもありブログの目的です。
このため教科書ではなくて「ノート」というタイトルにしているのです。

このブログでは日ごろの出来事を紹介して、皆さんもセールスマンの宣伝文句ではなく、職人の実務経験のレベルで知識を得ることができればと思います。弦楽器というのがどういう物なのかということが自然と身についてくるはずです。

今回はこの前紹介した長年手入れを全くしていないヴァイオリンの続報です。

長年手入れされていなくてニスがはげ落ちています。
楽器と残っているニスを保護するためにコーティングを施しました。

光とカメラの関係で色味は変わって写っていますがニスが剥げた部分に薄い茶色のニスを塗ったため黄金色になっています。色はほとんど無色に近いもので、木材自体が新品の白木とは色が違うので光の反射量が違って暗く見えるのです。同じニスを無着色の新品の楽器に塗ったら色はほとんどつかないレベルです。
ストラディバリでもこれに近いくらいオリジナルのニスが残っているものがあります。もっと下地は黒ずんでいます。さらに100年くらい古いことと着色してあったことが原因でしょう。

ラベルにはマーティン・シュトッスと書いてありますが、手書きの文字がとてもきれいです。現代の人にはこんなカリグラフィーの技量はありません。
印刷特有の「ドット」もありませんし、ラベルは良い感じです。
作者のマーティン・シュトッス(1778~1838年)について調べてみると、ドイツのフュッセンの出身でウィーンに移住して宮廷の楽器製作者になった人です。ハプスブルグ家のお抱えの職人とすればすごいことですね。
当時オーストリアは音楽の都として栄えていたことは皆さんもご存知でしょう。クレモナを含むミラノも配下に抑えていてストラディバリなどの名器もウィーンにあったはずです。

マーティン・シュトッスやフランツ・ガイゼンホフはウィーンでも特に有名な職人です。どちらもフュッセンの出身でもともとはシュタイナー的なオールド楽器を作っていたはずです。フュッセンやミッテンバルト、ザルツブルクやウィーンは職人の行き来がありひとまとめで「南ドイツの流派」と呼ばれることがあります。南ドイツのオールド楽器には独特の特徴があって見ればすぐにわかるからです。しかし専門家も少なく厳密にどこの誰の作品なのかはわからないことが多いです。そこで大雑把に南ドイツのオールドヴァイオリンなどと呼ばれるのです。

ガイゼンホフ（1753~1821年)のほうが年長でシュトッスもその流派の一人ということになります。他にはヨハン・バプティスト・シュヴァイツァー(Ca.1790~1865年)もいました。

ガイゼンホフの特徴は、1800年頃からストラディバリのコピーを作ったということにあります。私も修理をしたことがありますが、見事にストラディバリを真似た楽器を作っています。他のドイツ語圏のオールド楽器とは全く違う形のものです。
一方でニスは以前からの赤茶色の土のようなものでウィーンの独特のものです。
板の厚みについてもドイツのオールド楽器のスタイルになっています。

面白いのはドイツのオールド楽器とクレモナのストラディバリの作風が混ざっているところです。
シュヴァイツァーはウィーンからハンガリーに移住しますが、ガイゼンホフほど忠実なストラディバリの形ではなくオールドのドイツの楽器の雰囲気が残っているのが面白いです。

同じころドイツのシュツットガルト出身のフランス人ニコラ・リュポーがフランスに移ってストラディバリをモデルにした「モダンヴァイオリン」を確立します。

このようにモダン楽器が生み出されて行った途中のものが私には興味深いです。クレモナのチェルーティーなども同時にモダン化の動きはあります。しかしストラディバリをお手本にした現代の楽器の祖先としてのモダンヴァイオリンはフランスのものです。

もっと古くはドイツでブッフシュテッターという人が1750年頃にはストラディバリのコピーを作っています。たまたまそこにあったストラディバリが1690年代のロングパターンと呼ばれる細長いものだったため、ブッフシュテッターも細長いものを作っています。

ドイツのほうが先だったのかもしれませんがその後フランスからモダン楽器の製法が伝わって現代にも通じる楽器が作られるようになりました。イタリアやドイツでも当時最新だったフランスの楽器をまねしたのでした。

私はオールド楽器とモダン楽器は全く違うもので、見ると一瞬で分かると言っていますが、この途中の時代のものがあってグレーゾーンの楽器もあるのです。

シュトッスについて調べてみると、やはりストラディバリのモデルでとてもきれいに作られています。本にはウィーンで最高の職人だと書いてあります。ただし、ガイゼンホフについてもウィーンで最高の職人だと書いてあります。

それに比べるとこの楽器は特にf字孔がストラディバリの形とは違います。オリジナルの物はとてもきれいでどの年のものでもほとんど同じ形をしています。これはちょっと違う形なのでニセモノかなと思うのです。ただ上下の丸の周辺だけを見るとそんなに違っていなくて後の時代の人がf字孔を広げた可能性があります。楽器全体の雰囲気がドイツのオールドとストラディバリモデルのモダン楽器の中間的なもので全く違うとも言えないのです。
ニスについての記述は初めは木材を強く着色して、濃い赤茶色のニスだったのが、途中から明るい色の下地に明るい色のニスに変わったと書いてありました。それについては当てはまっています。シュヴァイツァーも修理しましたが同じような木の地肌の色でした。

スクロールはドイツのオールドとは違い近代的なものです。正面から見た感じもオリジナルと似ています。

板の厚みを測るとオールドのドイツ的なシステムになっています。ガイゼンホフやシュヴァイツァーと同様です。

このようなことはよくある不思議なことで、本に出ている楽器はとてもきれいな物ばかりで、現実に流通している楽器はそれより質が落ちることが多いのです。
そうなると弟子や息子が作ったとかそういう推測がされるのですが、この作者の場合シュトッス家が楽器職人の一族で一緒に働いていた親戚もいたようです。ただし、年代が若くなるほど近代的な楽器に変わっていくので作風はもっとモダン色が強くなっていくはずなのです。
f字孔を後の時代の人がいじったとすれば本物であることはあり得ないことは無いとは思います。持ち主の人も興味があったようですがそれ以上のことは私にはわかりません。

いずれにしてもドイツのオールドのスタイルで修行した人が、モダンに移行する途中の楽器のように思います。年代的にも1800年代の初めくらいの古さです。

少なくともドイツの大量生産品でこのようなニスの剥げ方をするものはありません。ラッカーの丈夫なニスが塗られているからです。

気になる音は？

今回もう一つ別のヴァイオリンを弾き比べてみました。

これはジュゼッペ・ペドラッツィーニの1950年ミラノ製のものです。
この楽器については今後詳しく紹介しましょう。
600や700万円は当たり前のものです。

これも不思議なもので本に出ているものより品質が落ちるものです。しかし、チャールズ・ビアの鑑定書があり、これが本物なんだと思うしかありません。
作られたのが戦後で晩年であることも考えられます。
本によると多くの従業員を抱えて数多くの楽器を作ってイギリスに輸出していたとあります。それが答えかもしれません。

形はアントニアッジやビジャッキにもあるアマティ型ですが、寸法はとても大きくアマティをイメージして作った独自のモデルでしょう。フランスのガルネリモデルなどもモダン楽器のサイズに作られたものでオリジナルの形とは違うものです。

アーチはとても平凡なもので特に特徴はありません。板の厚みは以前紹介した戦後のマルクノイキルヒェンのオスカー・ギュッターの楽器と同じように真ん中が厚く外側にしたがって薄くなる「グラデーション理論」で作られています。しかしマルクノイキルヒェンのマイスターの楽器とは違い仕事が雑で厚みが厳密に理論通りになっていません。
中央はかなり厚めで急に薄くなっているところもありますが全体的に厚めです。
戦前のアントニアッジとは違います。

戦後になると板の厚い楽器が多くなってくるのでしょうか。
このような不正確なグラデーションはマルクノイキルヒェンの安い楽器に見られます。つまりストラディバリのラベルが付いたような大量生産品です。

弾いてみるととても鋭い音がします。オスカー・ギュッターでも1950年頃の楽器なのでとても音が強かったです。強い音がするのは同じですが、特に音が鋭いです。ギャアアアッと押しつぶしたような音で耳が痛くなります。

音は好みなのでこのような音が良いと思う人は選んでも良いでしょう。このような鳴り方はマルクノイキルヒェンの量産品にもよくあります。

板が厚いと明るい音になるというのが私の理屈ですが、ギャアアッという音以外には音が出て来ないので明るい響きもありません。一定以上の品質の楽器でしか言えないのかもしれません。私はよく良い楽器の音を幽体離脱に例えます。音がヴァイオリンの胴体から抜け出て空間に広がっていく様子を例えています。この楽器は音が胴体にへばりついて全く出てきません。
しかしギャアアッという音はとても強いです。そのため、イタリアの巨匠と信じている人は「さすが力強い音がする」と高く評価するかもしれません。耳元ではやかましいくらいです。

マルクノイキルヒェンでも量産品ならこのような音のものはあります。ギュッターのマイスタークオリティのものだともう少し上品な鳴り方で、現代の腕の良い職人の楽器と似ていますが古い分だけよく鳴ります。

それに対してさっきのシュトッスのラベルが付いた楽器でははるかに豊かに音が響きます。柔らかい音なのにぶわっとボリューム感があります。高い音も柔らかくて高音はとても美しいです。オールド楽器っぽい音がします。

この前はグランチーノがありましたが、あれもミラノの楽器でした。音はとても柔らかいものでした。どちらの楽器の音が近いかと言えば当然ペドラッツィーニよりもシュトッスラベルのヴァイオリンです。

手入れはひどかったとはいえさすがにヴァイオリン教師が選んだ楽器だけのことはあります。

シュトッスは本物なら最高で700万円近くするものです。これはドイツ系の楽器としては異例の高値です。同じ値段のイタリアのモダン楽器と比べれば楽器としての格ははるかに上でしょう。
音は個人の好みがありますが、オールド楽器の様な音ということで言えば近いものがあると思います。単に古いからというだけではなく、もともとシュタイナー型のオールド楽器を作っていた人がストラディバリの要素を取り入れて作ったものです。実際にオールド楽器を作っていた作者ですし、普通のドイツのオールド楽器よりもイタリアのオールド楽器に近いということです。そういう意味でとても面白い楽器です。

ペドラッツィーニは資産として購入されたもので鑑定書があれば金銭的な価値は間違いありません。リーマンショック以降イタリアのモダン楽器は値段がググンと上がっています。価値が下がらない資産として注目されるようになったからです。
それに対してウィーンの初期のモダン楽器は値段は全然上がっていません。資産として考えるならペドラッツィーニを買うことで正しいです。
ペドラッツィーニについていた駒も素人のような仕事で職人というよりは商人の手を渡ってきた楽器でしょうね。
これを買った人が弾くのに使うための楽器として私の作っている楽器を買いたいと言っています。あれよりは上質だとは思いますが好みがあるので弾いて試してからにしてほしいものです。

忘れられたフランスのモダン楽器

これは私が2005年に作ったニコラ・リュポーのコピーです。今から見るといろいろ気になるところがありますが、音については私の歴代の楽器の中でも特に評判の良いものです。

これは才能のある学生さんが使っています。とても音量があるのでうちの見習の新人は良い楽器だと思っているようですが、彼の腕前がすごいのであってこの楽器は彼の邪魔をしていないだけです。構造が固すぎる楽器は演奏者の邪魔をしているように思います。
それを言うと驚いた見習が「もしかして楽器と演奏者の腕前と50対50くらいじゃないの？」と聞いてきました。私は10対90くらいだと思います。

初心者は柔らかい楽器はキャパシティが大きすぎて難しいでしょう。
ペドラッツィーニならいきなり強い音が出ている気にさせてくれるでしょう。聞く方は迷惑ですが。

オリジナルのリュポーは表板は全部2.5㎜程度でグラデーションはありません。裏板は魂柱の来る上から20㎝くらいのところだけ横に帯状に厚くてそれ以外はごっそり薄くなっているものです。他のフランスの楽器でもそうです。
理屈から言えば薄い板の楽器は暗い音になるはずですが、不思議とこの楽器は私の作ったものの中では中間的なものです。アーチがフラットで抑え込まれることが無く響きが豊かで明るい響きも加わるからでしょう。同じ時期に作ったデルジェスのコピーはもっと暗い音でした。

実際のモダン楽器に比べるとこの楽器の鳴り方は穏やかで十分音量が出せる演奏者にとってはちょうど合っています。

この楽器はコレクターの人がずっと持っていて全く弾いていなかったものを、半年くらい前に若い学生が買ったものです。またさらに鳴るようになっています。

私はオールド楽器の大ファンでありますが、モダン楽器の優秀さも認めないわけにはいきません。

その見習いが新しく自分でヴァイオリンを作るのに、どのモデルで作るか悩んでいました。会社には歴代の従業員が作った型もありますが、しっくりこないものです。古い楽器に興味が無くわけわからずに作られたものが多いのです。
師匠や先輩がこれまで教えて来たのに、この問題になったら黙り込んでいます。詳しくないことになると黙って何も言わなくなるものです。自分が詳しい分野の話を始めて面目を保つのです。私でも同じです。他の人もそれぞれの視点で情報を広める活動をやってもらいたいです。

それで私が相談相手になってモダン楽器の基礎を教えているところです。改めて見るとリュポーやガン、ヴィヨームやシルベストゥルもいろいろと違いがあるものです。
ヴィヨームはストラディバリのメシアと呼ばれている1716年のものを元にモデルを作っています。完成度はオリジナル以上でずっと綺麗に手直しがされています。メシアは意外と癖があって保存状態が一番いいストラディバリですが、完成度はそんなに高くないようでもあります。私はもうちょっと若い時期のストラディバリのコピーを作ってきました。若いときのほうが綺麗だからです。アンティーク塗装にするならちょうど良いのですが、摩耗が激しくて元の形がよくわからないのも困ったところです。ストラディバリはそれをアドリブのように感覚だけで作っていたのですからとてもマネできません。それで見習いが型を起こすのは難しいのです。

昔は良い資料が無かったからそんなので型を作っていて問題のあるものが多いのです。フランスの楽器のほうが保存状態も良いし、完成度も高いのでやりやすいのではないかと薦めました。

リュポーかヴィヨームかどちらにするか悩んでいましたが、その通りに作れればどちらでも最高レベルの職人です。そこまでは求めていません。品質が落ちても元がハイレベルならまだまだ高い水準だというわけです。ミルクールの楽器もそうです。

さらに有利なのは現代の標準的な寸法はフランスのストラディバリモデルなら一致することが多いのです。現在に伝わる楽器作りの方法はフランスのストラディバリモデルが基礎になっているからです。今では自分がたちが作っているものの元がフランスのものだということも知らない職人が多いです。自分たちの師匠しか知ろうとしないからです。これは普通のことで他の職業でも江戸時代や明治時代の仕事の仕方を調べている人なんて少ないでしょう。

ラーセンの新チェロ弦、アンティーク塗装と地理学など

こんにちはガリッポです。

ラーセンから新しいチェロの弦が出ました。

イル・カノーネのチェロです。
感想などは今後テストして紹介していきます。
詳しくはラーセンの公式サイトを見て下さい。
https://larsenstrings.com/
今回の製品で特長的なのは『Direct & Focused』と『Warm & Broad』という二つのバリエーションがあることです。

この前から音の好みの変化の話をしていますが、ラーセンも分析をして異なる音のものを発売するに至ったのでしょう。

まだ試していませんが、英語としてはdirectは直接、focusedは焦点が合っているという意味になります。
warmは暖かい、broadは幅が広いという意味になります。

『Warm & Broad』は古典的なヨーロッパの人が好むタイプの音でローカルなもの、『Direct & Focused』は（ヨーロッパ以外の）世界的な音の好みということでしょう。
もちろん個人や楽器によって相性がありますし、世界の共通文化としてクラシック音楽があって交流も盛んなので必ずしも国によって決まっているわけではありません。

このような事があるので楽器の音の良さを評価することはできません。世界的に評価が高い楽器がヨーロッパで好まれないということはあり得るのです。実際には評価などはいい加減で客観的に行っている機関などはありません。

またラーセンで働いている人が好きな音と売れる音が違うということもあるでしょう。

ネーミングにも気を使っているようです。異なる銘柄の弦として販売することもできます。ピラストロなどは音の傾向を弦の銘柄で分けています。トマスティクは同じ銘柄の弦でもヨーロッパと海外（ヨーロッパ大陸外）で音を変えているそうです。もしドミナントが良いというのなら日本仕様のドミナントということになります。

イル・カノーネのヴァイオリン弦では通常の物（以下「無印」）とソロイストがあります。
他社やそれ以前の製品ではソフト、ミディアム、ハードのようになっているものが多いです。このようなネーミングにするとたいていはみなミディアムを選びます。変わったものを選ぶのは抵抗感があるからです。

これに対してイル・カノーネの無印はソフト、ソロイストはハードに相当するものです。ミディアムが無いのです。
こうなるとほとんどの人はソロイストを選びます。ソロイストのほうが優れた製品のように思えるからです。ラーセンとしては弱い張力の弦を作ってきた歴史もあるのでノーマルのほうがラーセンらしいようにも思います。市場は強い音、強い音を求めているので自分たちが好きな弦だけを売っていたらビジネスになりません。

これに対して今回は本当に自分の好みで選べるように製品の優劣を感じないようなネーミングに気を使っているように思います。

昔はスチールのチェロ弦はひどい金属的な音で、柔らかい音になれば「改良」と考えることができました。今ではそれが当たり前になったので迷走しています。

チェロによってはひどく耳障りなものがあり、「ラーセンを張るしかない」というチェロも結構あります。誰にとっても良い弦というのは無くなってきて、楽器や好みによって選ばなくてはいけない時代になってきたと思います。それだけ製品が豊富になってきたわけですが、選ぶのは難しくなってきました。
願わくば安い値段で作ってほしい所ですが、値段はどんどん高くなってきています。ラーセンは張ってすぐに柔らかい音が出るようなプロ向けの設計なので寿命も短く設計されています。
昔のスチール弦は初めは金属的な音がひどくて、弾き込んでいくと柔らかくなっていくものでした。
今でもタングステンが巻いてある弦は、弾き込みが必要だと言われています。

前の製品のマグナコアは、それまでラーセンのA,Dとトマスティク・スピルコアG,Cをセットに使うのが大流行したためにスピルコアに変わる製品として作られたように思います。いわば「高級スピルコア」というわけです。
そのため昔のスチール弦のような雰囲気をあえて加えたのかもしれません。
一方ピラストロの方はエヴァピラッチゴールドやパーペチュアルで最新の音に進んでいます。

今回のものはどうなのでしょう？楽しみです。

以前紹介した赤いヴァイオリンです。これは見習の職人が作ったものに私がニスを塗ったもので、作っている最中に買う人が決まったものでした。その人のリクエストでニスは赤い色にしてほしいという事でした。

以前ミッテンバルトのモダンヴァイオリンを購入されて、それが赤味のあるニスで赤いニスが良いとおっしゃられていたのです。モダンのミッテンバルトはフランスの楽器製作の影響が強いので赤いニスのものが作られました。ただもう古いものでもあるので真っ赤というよりは紫がかった茶色です。
そのような色は新作ではあまり良い印象がありません。きれいな赤い色を出せなくて失敗したものという感じがします。
新品は木材が白いので角になっている部分のニスを研磨したり、使っているうちニスが剥げて白さが顔を出して来るのです。白いエッジと紫っぽい色のコントラストが私は好きではありません。

本格的なアンティーク塗装でフランスの19世紀の楽器のようにやるなら良いのですが、新品として作るとかなり厳しいでしょう。今回は価格の面でも凝ったものはできません。

このため私は新品として綺麗な赤い色のニスを目指しました。ただ多少はアンティーク塗装の視覚効果を入れてニスが剥げている部分を作ったり多少汚れを陰のように入れたりしました。真っ赤っかの新品ではスプレーで人工染料を塗ったようにも見えてしまうからです。

先日依頼主が引き取りに来ました。結果は大満足で、「こんなに美しい赤いヴァイオリンは見た事が無い」とイメージ以上のものだったようです。

私はホッとしました。
色は光の波長によって決まる光学的な現象です。しかしその人が頭の中にイメージする色は脳によって生み出されるものです。他人の意識を覗くことはできませんから知ることができません。言葉にして赤と言ってもいろいろな赤があります。
この方は女性でしたが、女性のほうが色彩感覚に優れていると言われます。男性の私のイメージする色で良いのかと心配になる所です。結果は杞憂に終わったようです。

またオールド楽器のようなアンティーク塗装に比べてモダン楽器のアンティーク塗装は手間がかかるということが分かりました。
ニスが残っている部分が多いため、まずニスを7割くらいの面積で新作のように塗って、さらに古く見せるための汚れを付けなくてはいけません。

一方オールド楽器の場合にはオリジナルのニスがほとんど残っていないので古く見せることがほとんどの仕事になります。

つまりモダン楽器のアンティーク塗装をする場合には新作楽器のようなニスの塗り方をしたうえで、オールド風のアンティーク塗装をしなくてはいけないのです。両方の仕事が必要になり一番手間がかかるのです。ニスの厚みが厚くなりすぎて音響上も問題があるかもしれません。

その上オリジナルのニスが多いので、ニスの質感を似せるのがとても難しいのです。かつてフランスやドイツではニスだけを専門に作る業者があってニスに流派の特徴があるのです。
ニスをコピーするのは至難の業ですが、古くなってひび割れなども生じています。
新作楽器ならピカピカに磨かれているので同じようなニスを作ることも可能です。

これが控えている仕事です。これはフランスのチェロで紫色のニスです。横板がひどい状態だったので先輩が新しくしたのですが、ニスの作業はお前が得意だろと丸投げされたものです。
難しい仕事に真剣に取り組むと難しい仕事がやってくるものです。これはかなり難しいです。クリスマスくらいまでに何とかしないといけません。

チェロにはジュゼッペ・ロッカのラベルが貼られています。もちろん偽造ラベルです。しかしチェロ自体はとても美しいもので一人前のフランスの職人のものでしょう。職人が見れば仕事のクオリティですぐにわかります。
今では一流のフランスの職人のものなら1000万円以上するのですが、ラベルがロッカになっているせいで作者不明で値段はずっと下がってしまいます。それでも500万円はするでしょう。

商人というのは愚かなもので、この作者のラベルが残っていれば1000万円になったのにロッカのラベルを貼ったせいで500万円になってしまうのです。
商人はこれをロッカとして5000万円以上で売るでしょうけども・・・。作った人にとっても買った人にとっても不幸なことです。

我々職人はまず楽器を見て、それが見事に作られていれば、そこについている作者の名前を見て、この人は腕の良い職人なんだと思います。
一般の人は名前を見て、値段がいくらの作者と調べて、値段が高い作者が作ったものだからこの楽器は良いものだと考えるのです。順番が全く逆です。

それで楽器が売れるから商人はそのような楽器を用意するのです。ラベルさえ貼ってしまえば良いと考えるのです。

作っているピエトロ・グァルネリ型のヴァイオリンはあまり変わっていないようですが、エッジを摩耗したように丸くしました。エッジは意外と難しくて色の加減も難しいのです。
天気もいい日が無くてカメラで撮影するもの難儀します。

エッジの部分は使用してるとニスが剥げてしまうのでオリジナルのニスは残っていません。それどころか木材まで削れてしまっています。
ニスが塗ってあるとすれば修理人が塗ったものです。だから正解というのはありません。

私は見た目の印象にエッジの色合いの効果が大きいと思います。天気の悪い日が多かったのでできたと思っていたところに晴れ間が出てくると、異常に黄色が強いことに気づきました。何週間もニスを塗る仕事ばかりやっていると黄色に敏感になるので普段なら気にならないかもしれません。しかしどうしても嫌だったので塗ったのをはがしてやり直しました。この写真は塗り直す前です。傍から見れば何日も何をやっているのかという所です。
もちろんカメラに写るレベルの違いではありません。どこがおかしいのかと思うでしょう。天気が悪くてその後は写真が撮れていません。

でも新しく調合しなおしたニスはばっちりで塗り直しは半日で終わりました。

スクロールも角が丸くなって良い感じになってきました。今回はアンティーク塗装ではありますが、本当の古い楽器のように摩耗させるのではなく、ただ角を丸くしただけです。古い楽器だとだますつもりはなくアンティーク塗装で21世紀に作られた楽器だということで逃げも隠れもしません。

やってて思うのは地理学に似ているなということです。高校でも地理を学べば、扇状地だの三角州だの河岸段丘だの地形について習いました。
今の地形がそのようにできた仕組みを原理として学ぶのです。

同じように楽器が古くなることで起きる現象をひとつひとつ理解して再現していきます。そんなことを解説しても面白いかもしれません。前回はニスがはげ落ちたヴァイオリンの例を見ました。

私は原理原則が頭の中に入っているので古い楽器を見たときに無秩序なものとして見えるのではなく成り立ちとして理解しています。
このため実際にはほとんど違いが無いように見える事でもわずかな違いも見えるというわけです。

ただし、模式的になってしまう危険があります。地理の教科書や資料には地形の成り立ちが分かりやすいように模式図で描かれています。NHKならCGの動画で製作するでしょう。
また典型的な地形のある場所が地形の名所として知られています。一般の人には何でもないところでも、地形に詳しい人は名所に感動するのです。前回のヴァイオリンなどは地層が露出した崖のようなものです。

しかし実際には名所に限らずどの地域でも何万年、何千年と変化して地形が出来上がっています。いろいろな要素が重なり合い、教科書に出てくるような典型的な原理は分かりにくくなっています。
実際のオールド楽器でも同様でその方がリアルです。

わざとらしいアンティーク塗装になるのはこのためです。地理の入試問題では架空の地形図が作られて出題されることがあります。地形の名所がずらりと揃った架空の地図が作られるのです。さらに産業や集落なども加えられます。

アンティーク塗装もすべてのテクニックを詰め込むとわざとらしくなります。アンティーク塗装の楽器を見てこうやって楽しめる人はわずかでしょう。

見習の後輩に私のようなアンティーク塗装ができる人がほかにいるのかと聞かれました。私は人に教わったのではなく、自分の目で古い楽器から学んだものです。したがって手法として同じものは無いでしょう。いろいろなアンティーク塗装の楽器を見ても私のものと同じような物は見た事がありません。何メートルか離れていても私の楽器だとすぐにわかります。
同じ楽器を見ても見習の職人には私のアンティーク塗装がどうやってできているのか何が何だか分からないでしょう。

私は原理原則が頭の中に入っていて、それを再現するテクニックを考えて、なおかつわざとらしくならないように、実際の楽器を観察するのです。
テクニックを見せびらかせるアンティーク塗装はよくあります。私にはすぐに人工的にやったものだとわかってしまいます。
量産品の場合にはそれ以前の問題です。

写実的な絵画を楽器に描いているとも言えますが、筆で描いているのではなく、現象を再現する必要があります。それでやりきれないものは筆で微調整が必要です。その両方が必要です。

まだ完成していないのにこの楽器を買う気満々の人がいます。新型コロナで仕事がなくなったから作ってきた楽器です。
すぐに取り返すことができそうです。コロナでなくても作るべきです。

お金を儲けるために最善の方法ではないですが、本当に心から良いものを作ろうとすれば欲しいという人も現れるものです。
職人の独りよがりで「俺は良いものを作っているのに世の中が悪い」と言っている先人も見てきました。そうでもなさそうです。

ヴァイオリンの手入れをしないとどうなるか？

こんにちはガリッポです。

こんなヴァイオリンが持ち込まれました。
以前音に不具合があって工房を訪れたのですが、裏板を見てびっくりです。
ニスがだいぶはげ落ちていて木材がむき出しになっている部分がかなりあります。
その時は急ぎの用で修理できませんでした。ニスを補修するのに時間がかかるので時間ができたら持ってくるということになって、それで持ち込まれたのです。

表もこんな状態です。

ニスが剥げているだけでなく指のあとが黒くなっています。

指板はひどく摩耗していて弦の通りに溝ができています。ナットの部分は深く溝が食い込み指板のところまで達しています。これで異音が出ないのが不思議ですが、指板が掘れているおかけで指板自体がナットの代わりになっていたのです。
となればおそらく弦長がちょっと短くなっていたはずです。

ペグはあと残りわずかになっています。

話を聞くと所有者はヴァイオリン教師というのですから驚きです。これまでヴァイオリン工房に訪れたことが無いのでしょうか？
仲間同士で楽器を売買してもともとこんな状態のものを買ったのかもしれません。

楽器自体はラベルの作者が本当かどうかは全く分かりませんがそれなりに古い楽器であることは間違いありません。大雑把に19世紀でしょうか？
オールド楽器にしては作風が近代的すぎるのです。ただフランスのモダン楽器のようなものではなくかなり自己流というか癖の強い楽器です。本格的にフランス風の作風が伝わる前か、古い楽器に見せかけてわざとそうしているか、単なる自己流なのか、詳しくは調べてみないとわかりません。

頼まれた仕事は音をちょっと調整するために駒と魂柱を新しくして、弦を張り変えて指板を削りなおし、ニスを補修するというものでした。2週間が与えられたのですが、とてもじゃないです。
夏休みに毎年メンテナンスしている人の楽器でもピカピカにしようと思えば2週間くらいかかってしまいます。ほとんどニスが残っていない部分は新しい楽器を製造するためにニスを塗るのとほとんど変わりません。

特に問題になったのはネックの下がりです。駒がとても低いものになってしまいます。3mmは低いので健康な状態とは言えないでしょう。音を何とかしたいなら駒だけを換えるのではなくネックの角度を調整しなくてはいけません。今駒を新しくして、そのあとでネックの角度を修理すればまた駒を新しくしなくてはいけません。

ネックの角度を修理するにはいろいろな方法があります。指板が薄くなっているなら指板を交換するだけでも駒を高くできます。この楽器ではチェロ以上の厚さの指板にしないと無理です。そうなるとバロックの指板です。

この楽器ではネックが外れる寸前になっていました。ボタンだけがくっついている状態で弦の力で留まっていたのでしょう。いつ衝撃が加わわって裏板の先端と一緒壊れて大惨事になっていてもおかしくない状態でした。

さっきは表板はこのような様子でした。とりあえず状態を知るために掃除をしてみました。

表板も裏板と実際には同じような状態でした。ニスが剥げていたところには汚れが積み重なっていて層ができていました。
右下の部分を見比べてみて下さい。上の写真で黒っぽくなっていたのはすべて汚れでした。

裏板も汚れが取れるとニスがはがれている部分がはっきりとしました。

横板も真っ黒な皮脂などの汚れにはっきりと厚みがあるのが分かりました。

こんなに楽器を汚くするのに何年かかるかというくらい汚れがひどかったです。

ただ意外だったのは掃除をするときれいな木の地肌が出てきました。木材の中までは汚れが浸透していないのです。
私は先人からニスは楽器を保護するために必要なものだと教わりました。しかし実際にはニスが無くなっていても木材にはダメージはありません。
もちろん完全な白木の楽器では無く下地には上に塗るニスが染み込まないように「目止め」という処理が施されているはずです。目止めが行われていれば表面のニスが無くなっても楽器を保護する機能は果たせていたことになります。

このあたりの話は、ニスについてよく言われることです。ニスは無いほうが音が良く楽器を保護し、美しい見た目にするためのもので、音の面では「必要悪」だという説です。
白木の楽器に弦を張った例を何度か知っていますが、なんかピンとこない音で特別音が良かった印象はありません。

「音が良い」の定義の問題もあって、大きな音が出ることを音が良いという人もいます。私はニスがあることで潤いと透明感が出て滑らかな美しい音になるというイメージがあります。見た目から来るイメージなのでしょうか？
実際に木材の振動に一定の影響を与えることで音色が変化することは十分に考えられます。

実際に楽器のニスを塗り替えたことが何度かあり音は変わりました。
したがって楽器の音色のキャラクターの一つの要素になっていることは間違いないでしょう。一方オールド楽器などはほとんどオリジナルニスが残っていないことが多いですが、保護のために修理のニスが塗られています。これは修理人によって違うニスが塗られていますが、オールド楽器の音の良さに重大な影響を与えるほどのものではありません。古くなって音色が変わったり音が出やすくなることに比べたらニスの影響は微々たるものだということです。

今回は時間が無いので作業性の良いニスの配合でニスが剥げた部分を塗るしかありません。十分に古い楽器なので重大な影響はないでしょう。

ネックは外れかかっていた上、角度も狂っていたのでいっそのこと外してしまいました。このほうがニスの作業がやりやすいのです。普通はニスのメンテナンスをするためにネックを外したりはしません。

ネックを入れ直すのは大きな修理です。持ち主に連絡すると1週間納期を伸ばしてくれました。それでも油断できません。何十年もの間メンテナンスする時間もまったくないほど演奏に打ち込んで楽器には全く興味が無かったのでしょうか？

この時点で3回薄い黄金色のニスを塗ったところです。これでもだいぶオールドやモダンの名器っぽくなりました。
この時修理人が全く違う色のニスを塗れば全然違う様子になります。
剥げているので残っているオリジナルのニスと同じ色で塗ってしまう人もいるでしょう。それだと新品のようになってしまい古い楽器の良さが出ません。

オールド楽器がオールド楽器のように見えるのはこのような作業を経ているからです。実際にはそれが何度も繰り返されています。オールド楽器なら19世紀の修理で塗られたニスがさらに剥げています。

これだけはっきりとニスが剥げている様子が分かることは珍しいです。普通はその前に手入れをしてしまうからです。
またアマティや若いころのストラディバリのようにニスの色と古くなった木の地肌の色が似ているとどこニスが残っていてどこが剥げているのか分かりにくくなります。

アンティーク塗装をやっていくうえでも楽器の古くなる様子を理解するとても貴重なサンプルです。

昔の人たちはこのような状態のまま楽器を弾いていたのかもしれません。それが19世紀にパリやロンドンなどで高値で取引されるようになると高級品らしく見せるために補修するようになったのかもしれません。ヴィヨームなどの名器のコピーを見れば当時はストラディバリなどもこの楽器くらいのニスの剥がれ方だったのでしょう。

この楽器では松脂や皮脂が厚く積み重なって層を作っていて木材を保護していたのです。垢でコーティングされていました。
それを良しとするかどうかはオーナーの判断です。

このようなケースは珍しいでしょうが、ヨーロッパではどこの都市にもヴァイオリン工房があります。私のところは20万人の町ですが、何軒もヴァイオリン工房があります。

日本の場合には身近にヴァイオリン職人がいないかもしれません。買って以来全く手入れをしていない人も少なくないでしょう。それでも新品の楽器を買ったのならここまでニスが剥げることは無いでしょう。
新品の楽器の場合は逆にニスの傷や剥がれが目立ちます。ここまで来るとどうでもよくなってしまうのかもしれません。

楽器が何年でメンテナンスしなくてはいけないかは人によって全く違います。一年でもひどい状態になる人もいるし10年でもピカピカの人もいます。
今回のものは表板の端やコーナーに弓をぶつけたりした損傷が無いのです。個人差があります。

このような状態の楽器はプロの職人が経営する楽器店としては売ることはできないものです。個人売買などで「現状引き渡し」で入手されたのかもしれません。
前の持ち主が物置から古い楽器が出て来て楽器工房で最低限の修理で弾けるようにしたものを購入して使い続けてきたような感じです。

これがヴァイオリン教師で曲がりなりにもヴァイオリンの演奏でお金を稼いでいる人ですから多少は楽器に投資してもらいたいものです。
これでは生徒にも楽器の扱いを教えることができません。
修理が終わって音が元気になるか楽しみです。

音楽家と我々の価値観の違いが現れます。我々には無残な姿に見えますが、それを言うと「でも、音は良い」と音楽家は言うのです。音に関しても潜在能力は発揮されていないでしょう。
特に西洋の人は自分に帰属するものに自信を持っています。自分が持っているものをすごくえこひいきします。職人と音楽家が言い争いになります。

日本人はまるで逆、自分の持っているものに自信がありません。ナイーブで職人に怒られることは嫌でしょう。お客様に説教などをしてはいけません。そんな職人の工房には行きたくないでしょう。何でも暖かく受け入れる必要があります。

これもユーザーと職人の葛藤のチェロです。これも同じような状況で古いチェロをたしか個人で譲り受けたものだったと思います。
学生さんが弾いているのですが、先生に指摘されて駒の交換をしてほしいと持ち込まれたものです。しかし、駒でできるのは楽器の表面的なことです。

職人の私が思うのは、これはフランスの19世紀終わりくらいのチェロで作者名もついています。とはいえ一流の職人のものではなくミルクールのレベルのものでしょう。しかしその中ではかなりの上級品で最低300万円はするでしょう。一流のフランスのチェロなら1000万円くらいしますから中級品のこの楽器が500万円くらいしてもおかしくないです。
私が勧めるのは表板を開けてバスバーを交換してネックを入れ直す修理です。裏板がちょっと厚いのが難点ですがそれは考えものです。

その楽器に駒交換だけで済まそうというのはもったいないです。修理に100万円くらいかかってもその値段で絶対にこんなチェロは手に入りません。むしろ学生やプロのオケ奏者が必死になって探しているクラスのチェロです。なのに当の親御さんはたまたま中古チェロをもらってお金がかからなくて助かったくらいに思っているのです。

こちらも同様に「ネック下がり」の問題がありました。指板を交換しただけではるかに高さを稼ぐことができたので今回はそれで駒を交換して終わりです。中途半端な修理ではもったいないですね。

裏板はチェロでは珍しい一枚板です。

プレスなどの安物ではなくちゃんとしたチェロです。

楽器の評価額は修理の値段を差し引いて考えなくてはいけません。修理に100万円かかるなら100万円安く買わなくてはいけません。そして修理をしてその楽器の本来の価値になるのです。
メンテナンスにかけるお金が無くなるなら無理して高い楽器を買わずに安くて音が良い楽器を求めてしっかりメンテナンスするほうが良いでしょう。

今回のヴァイオリンについては作業が続きます。期限の2週間後に続報です。

音の好みの変化など

こんにちはガリッポです。

前回はピラストロのヴァイオリン弦のパーペチュアルを取り上げました。その後グランチーノの所有者のプロオケ奏者は大変に気にったそうです。グランチーノは柔らかい音を持っているのでそれに芯の強さが加わったという感じでしょう。

音の好みの時代による変化があるのかなとは思います。
かつては安価な楽器にはスチール弦が張られ高級楽器にはガット弦が張られていました。スチール弦も現代のものとは違ってひどく耳障りなものだったそうです。そのため初心者がヴァイオリンを弾けばひどい近所迷惑だというイメージがありました。今はナイロン弦がありますし、ヴァイオリンを製造する機械も進歩しているので安価な製品でも比較的ましな音が出るようになっています。ヴァイオリンを習いたいと初めてお店に来る人でも開放弦で音を出すことができますし、一日もあればきらきら星も弾けることでしょう。全く音が出ない金管楽器とは違います。

今でもこのようなものがあります。
これは安価な中国製のヴァイオリンです。買った時についていた弦ですが「？」と思います。

左がこの楽器に付いていたもので、右が新品のピラストロ・ヴィオリーノです。
よく似ていますがちょっと違います。
ペグの方の先端の色もまったく違います。
ナイロン弦のヴィオリーノは初心者にも弾きやすく、安い楽器の荒々しい音を抑えてくれるので量産楽器にはぴったりの物です。
中国の楽器に付いていたものはおそらくスチール弦でしょう。ギターに使うものはずっと値段が安いのでそれに近い物でしょう。
ヴィオリーノは手ごろな弦なのでビオラ用も欲しい所ですが、ヴィオリーノの名前通りヴァイオリン用しかありません。

チェロ用にもこのようなものがあれば良いのですが、チェロでは99％スチール弦が使われているので安いものほど金属的な鋭い音がします。それを安価なチェロに張るので余計にひどい音になるというわけです。安価なチェロほど高価な弦が必要になるという難しいものです。
いつも生徒にうちの店の楽器を薦めているチェロ教師の方が何度も店に来ています。
先日も弾き比べて良さそうなのを2本選んで生徒に弾かせてみようということで来ていました。
この先生は柔らかい音のチェロを好む方で50～100万円のクラスの量産品でうちで仕入れているメーカーのものをいたく気に入っています。
そのメーカーは数年前に火事で工場が燃えてしまったそうで、しばらく製造もできなかったのです。経営者の方もつらい思いもしたでしょうがまた無事に製品が作れるようになりました。この先生に催促されていました。

これはこの先生の好みの音で、もっと鋭い音のチェロを強い音だと言って求める人もいます。
戦前のザクセンの量産品ではずっと鋭く強い音が出ます。学生でも使っている人は多くいます。

他にはチェロを学ぶ音大生も調整のために来ていました。演奏会を控えて何度も調整に来ています。
先生からA線が弱いと言われたそうです。ラーセンのマグナコアのセットを張っていますがA線にはすでにストロングを張っていました。
本人に弾いてもらうとさすがに音大生だけあってなかなかの腕前です。音もきれいで何の不満もありません。本人も満足しているようです。
先生本人がいないのでどうして欲しいのかよくわからない所です。魂柱調整で良しとなりましたが先生はどうなんでしょう？

ラーセンはとても柔らかい音のするスチールのチェロ弦を作って人気を得たメーカーです。もっと昔のものはプリムやヤーガー、トマスティクのスピルコアなどがあります。これらはとても金属的な音がするので柔らかいラーセンは高級弦として受け入れられたのです。
そのプリムやヤーガーも出た当初はおそらくそれ以前のものよりは柔らかくて一世を風靡したのです。

弦楽器のスチール弦は調べてみると戦前にはすでにあったようです。高級弦はガットに金属を巻いたものが使われていたようです。裸のガット弦も使われていて古いヴァイオリンが出てくると当時の弦が未開封でケースに入っていることがあります。
安い楽器にはスチール弦が使われていたことからしても、高級なガット弦は音が柔らかいというイメージがあったはずです。したがって高級弦は音が柔らかいものを目指していたのでしょう。

それがだんだん「強い音」が求められてくるようになってきたようです。メーカーは新製品を出すと音量や音の強さをアピールしています。

無印のラーセン、ラーセンソロイスト、マグナコアとラーセンも音を強くする方向に来ています。
ヨーロッパの人はわりと急激な変化は嫌います。新しいものができるときは以前のものから違和感なく移行できるようにと配慮をします。
日本人は以前とはまるで違う画期的な新しいものを最新だと喜ぶかもしれません。保守的な人と新しもの好きが喧嘩になるのがいつものことです。

音の好みも急激に変わるというよりは徐々に変わってきているようです。とはいえ個人の好みですから時代に従わなくてはいけないという決まりはありません。

楽器の売れ行きで見ても、ヴァイオリンでは評判の職人に楽器を作ってもらうというよりは、とにかくたくさんの楽器を試奏して音が良いものを選ぶという買い方になっています。この時強い音が出るということは重要視されています。
このため新品の楽器よりも、古い楽器のほうが売れるというわけです。戦後のものでも50～70年代のものならとてもよく鳴ります。100～150年くらい経っているモダン楽器はまさに「強い音」という点で優れています。モダン楽器の様な音が好まれるようになってきたのは音の好みの変化だと思います。

現代の人にとって求められる音はモダン楽器の様な音なのでしょう。
さっきのジョバンニ・バティスタ・グランチーノでも値段はリュポーやヴィヨームのようなフランスのモダン楽器のほうが値段が高いです。小型のイタリアのオールド楽器が伸び悩みしている中、モダン楽器の評価が上がっているのです。
それは資産として値上がりを期待するということもありますが、音の好みも現代の人の趣味趣向に一致しているようです。一昔前コレクターはとにかくイタリアのオールド楽器を求めたものです。

弦楽器店で働いているのでそのような変化は肌で感じるものです。学生さんはこぞって優れたモダン楽器を求めています。
私はオールド楽器とモダン楽器を明確に区別をしています。見れば一目で全く別物だとわかるからです。しかしほとんどの人はそこまでの「目」を持っていないのでストラディバリモデルのモダン楽器をストラディバリと混同しているようです。

ビジネスをするなら時代に合わせていくのがセオリーでしょう。うちの店でも新作の楽器を作るよりも、モダンや戦後の楽器を修理して売る方が時代の求めに応じることです。昔のようには大量に作ってはいません。
このような市場の変化に対して遅れているのは職人の世界です。相変わらず20世紀の偉い師匠の教えを経典として、19世紀の楽器製作を知ろうともしません。フランスのモダン楽器をバカにしているのです。

私個人としては、弦楽器というのは何百年も使えるもので、今の時代に合わせて作る必要はないと思います。時代を超越して魅力的なものを作りたいと思います。
モダン楽器が主流ならそれとは全く違うものはとても希少なものになります。現代の人たちが忘れてしまった感覚に興味があります。それが古い物のワクワクする面白さです。
モーツァルトのいた貴族の時代まで戻らなくても、戦前であれば欧米の人たちは優雅で上品な上流階級の文化を良しとしていました。後ろの長い燕尾服を着て蝶ネクタイをしたヴァイオリン奏者も見かけなくなりました。
貴族社会や上流階級の文化自体が廃れてしまいました。

私はお金持ちになってセレブの仲間入りをしたいと思っているわけでも何でもありません。パーティーやダンスなどは一番苦手ですから。職人や芸術家が作ったものに興味があるだけです。ある意味恵まれた時代だったと憧れます。楽器以外にもいろいろな芸術や建築、調度品など様々な分野で職人の仕事に対価が支払われたのですから。現代の人が思いつかないような発想があって、「未来のデザイン」よりもはるかにぶっ飛んでいます。

日本でもかつては西洋の進んだ文化として男性がウンチクを偉そうに語ったものですが、今では進んだものではなく昔の貴族の文化です。それについては女性のほうが好きな人が多いでしょう。少女漫画や宝塚歌劇団の趣味にもなっています。ヨーロッパの宮殿は日本人女性の観光客にも人気があります。会社人間だった男性はちんぷんかんぷんです。

弦楽器では当然ヴァイオリン以前の古楽器やバロック楽器もあって興味のある時代もありました。しかし最近はオールド楽器が人々の手を経て時間が経って行くことに興味があります。どんな風に扱われてきたかです。

ピエトロ・グァルネリ型のヴァイオリンです。1週間でほとんど変わっていないと思いますが‥

いつもの感じになってきました。

白木の時には目立っていたf字孔もしっくりくるようになっています。

古い楽器は汚れて汚くなっているわけですが、汚いというだけではいけません。やはり美しくなくてはいけません。
汚れやニスの剥げている部分が調和していないとガチャガチャとしたうるさい感じがします。うるさい所に筆を入れていくことで静かになって行きます。1週間で静かになってきたのです。

古い楽器の修理でも同じで、傷んだりニスが剥げたり汚れたりするのは汚いものです。それに手入れをして綺麗にすると古さがさらに引き立って美しくなるのです。古い楽器が美しく見えるのは修理人のセンスによるところも大きいということです。

これは理屈で考えてそうしているというよりは、何となくうるさいなと思ったら反射的に落ちつかせるのです。

アンティーク塗装は人によって大きく違いがあります。リアリティも大事ですが、何となく美しく感じるかも重要でしょう。その両方が伴っていないことが多いです。
古く見せかけたほうがお金になるというだけの発想で作っていたら心が現れて汚いだけのものになるのでしょう。

ピラストロのヴァイオリン弦『パーペチュアル』等　※追記あり

こんにちはガリッポです。

まずはヴァイオリンの弦の話から

これはピラストロのパーペチュアルという銘柄の弦です。
ピラストロでは最も新しい物ですが発売されてから何年か経っています。2018年だそうです。

チェロから発売されてチェロでは使っている人も散見されどんなものかわかってきています。その前に発売されたエヴァ・ピラッチ・ゴールドは柔らかくボリューム豊かに響くものです。響きが豊かな分明るく感じます。
鋭い音のチェロなら穏やかになるでしょうし、もともと金属的な音は嫌いで柔らかい音が好きな人ならボリューム感が出て良さが分かるでしょう。
ラーセンは寿命が短い設計になっています。とくにA線は柔らかい音がしばらくすると金属的な嫌な音になって行きます。プロの演奏者なら1～2か月で交換するようなものです。それにくらべればエヴァ・ピラッチ・ゴールドは寿命が長いはずです。

それに対してパーペチュアルは引き締まって角のあるとがった音です。響きも抑えられ暗い音になります。力づくで鳴らすような感じです。それでいて嫌な耳障りな音を抑えていて、暴れるような感じもありません。

明るく柔らかいエヴァ・ピラッチ・ゴールドに対して暗くて硬いパーペチュアルです。特に低音だけパーペチュアルという人もいます。

そんなパーペチュアルですがヴァイオリン用も出ていました。
ピラストロのヴァイオリン弦を振り返ってみると、うちではオブリガートが最も人気の高級弦です。ヨーロッパではポピュラーなものです。
オブリガートは暗くて柔らかい音なので多くの人に好まれます。
初心者用の安価な弦から変えれば暖かみがあって高級感のある上質な音、ナイロン弦の強い張力から来る音量にグレードアップを実感できるでしょう。これで満足する人がとても多いので人気となっています。
安価な楽器や戦前より前に作られたものでは荒々しく耳障りな音のものが多くあります。こちらでは古い楽器が多いので強烈な鋭い音のものがよくあります。
そのような楽器にオブリガートを張れば穏やかな柔らかい音になって気に入る人が多いというわけです。

それに対してエヴァ・ピラッチが登場しました。これについては日本の人には説明する必要もないでしょう。一般には明るく輝かしい音で音量がアップしたように感じられます。楽器によって反応は様々で豊かに響くこともあれば金属的な音になることもあります。
こちらではエヴァ・ピラッチはオブリガートに比べれば使っている人はずっと少ないです。

暗く柔らかいオブリガート、明るく輝かしいエヴァピラッチに対してもしチェロと同じなら、パーペチュアルは暗くて鋭い音になるはずです。このようなものは他社でも珍しいでしょう。

勤め先で90年代に作られた教科書通りの現代の楽器に張ってみると、やはり鋭い音がします。板が厚いので明るい音の楽器です。師匠は明るい音が気にいらなかったのですが、以前に比べて暗くなったと言っていました。
やはり予想通り暗く鋭い音です。
目が覚めるような強い音に変わりました。これは比較ではなく絶対的に感じられるほどです。

低音もモヤモヤしたような音は無く、カラッとしたもので、現代の楽器がモダン楽器によくあるような音になりました。
普通弦などは楽器全体からすれば表面的なもので、弦を変えても楽器の音は基本的には変わらないものですが、これはかなり違う感じがします。
はっきりと鋭い音の楽器に変わっています。

そのため「音量が増大して良くなった」というよりは鋭い音の楽器に変わったという感じがします。オブリガートなら荒々しい音の楽器も穏やかにして高級車のようなスムーズさと、安っぽい明るい響きを抑えた暗い音が重厚感を醸し出し高級感を感じると思いますが、パーペチュアルはレーシングカーに乗ったようなものです。ソリッドでクッションが何も無いような感じです。初心者などは扱いにくさを感じるのではないでしょうか？誰が弾いても簡単に音が出るようなタイプではないと思います。従来のナイロン弦の微妙なニュアンスは全部吹っ飛んでしまうような目の覚めるような音です。

このため楽器や弾く人の好みによって、好き嫌いや合う合わないがとても大きいように思います。良くなったと名言することはできず、こういう音が好きな人には良いかもしれないと考えるにとどまります。

基本的に人間の耳は高い音には敏感で低い音には鈍感ですから、低音は刺激的な鋭い音くらいのほうがちょうど良く、高音は耳障りに感じやすいので同じ系統よりも刺激の少ない柔らかい音が望まれます。この両立はとても難しくて、低音が力強くて気に入った楽器でもE線が鋭くて困っているケースはとても多いです。これはその楽器だけでなく構造的な問題です。

低音だけなら望ましい傾向ではあると思います。チェロのパーペチュアルでも低音の2弦だけ使うという人もいます。

E線はセットのものではなくピラストロならNo.1という名前のE線があります。これは柔らかい音が特徴で、さらに弱い張力のバージョンもあります。A線はパーペチュアルには俗にナイロン弦と言われている人工繊維のほかに、スチールのバージョンがあります。スチール弦であればさらに鋭い音になるかもしれませんが今回試したのはナイロン弦の方です。
カプラン（ダダリオ社）のソリーションというE線も柔らかさに定評のあるものです。

E線を変えるとE線の音だけが変わるのではなくて、他の弦の音も変わります。
昔はガット弦が高級弦でE線にはとにかく強い張力のものを張ることで全体としても音を強くする効果を狙っていたのかもしれません。
現在では張力の強いナイロン弦なのでE線には柔らかいものが使えるようになっています。

うちの店では先ほどの説明にもあるように柔らかい音のものが好まれるのでNo.1とオブリガートのコンビネーションなら荒い音の楽器が高級車のように変わるので人気です。これが中国出身のお客さんに評判が良いからとNo.1を薦めて試してみると首をかしげていました。日本人の感覚も違うかもしれません。
いずれにしても自分たちが絶対だと思っているものも、よその国に行けば全く違う評価になりえるということで、先生の教えも絶対ではないということです。

うちの会社のヴァイオリンで試していたところ、ちょうどメンテナンスのために預かっていたヴァイオリンの所有者からパーペチュアルを張ってくれと電話がありました。プロのオーケストラで同僚の薦めだそうです。そうやって徐々に良いものなら知られていくことでしょう。
ヴァイオリンはジョバンニ・バティスタ・グランチーノ作のものです。
白地にあずき色の糸がまいてあるのがパーペチュアルです。

グランチーノで試すと、現代の楽器に比べて刺激的な鋭い音は少ないものでした。それほど鋭くないということです。高音も十分に柔らかさがあります。

オールド楽器なのでそもそも板がふにゃふにゃに柔らかくなっています。グランチーノもアマティの流派ですから、キャラクターとしても音の柔らかさがあるのかもしれません。
このグランチーノはサイズが小さいもので仕事もアマティやストラディバリのような美しさには程遠いものです。
しかし古さによって柔軟性を増していて小ささはそれほど感じません。新作で大型のモデルで作ったものにそん色はないでしょう。ただしストラディバリやデルジェスに比べれば窮屈な構造ですからソリスト向きというよりはいわゆる室内楽向きというものです。近代のフランスの楽器でも同様でしょう。

しかし音色はとても味わい深さがあり、高音の柔らかさも近代以降の楽器では無いものです。だからパーペチュアルでも刺激的な嫌な音は少ないです。

ただパーペチュアルを張らなくても低音は枯れた味のある音がしているでしょう。もっと普通の弦でも十分魅力的な音になると思います。そのためパーペチュアルじゃなくてはいけないという感じはしません。あくまで演奏者の好みとしか言えません。

週明けには感想を聞いて、ブログのこの記事も内容を追加する予定です。

※10月14日追記
持ち主の方の反応をうかがうととても気に入ったそうです。

心配しすぎたようです。
さすがにプロの人なので、弓を的確に使えれば問題なく音が出せるということでしょう。
オーケストラで弾いている人にははっきりした強い音が求められるという話は時々聞きます。

総合的に考えるとパーペチュアルは暗く硬い音であることはチェロと同じですが、耳障りな鋭さを抑えているチェロと違いヴァイオリンでははっきり鋭い音に変わると言えると思います。

したがって、パーペチュアルが使えるのはものすごく柔らかい音の楽器か、どこまでも強い音を求める人のどちらかでしょう。モヤモヤした低音はすっきりとするかもしれません。

柔らかい音の楽器は珍しくて鋭い音の楽器のほうが多いです。特にモダン楽器などはそういう物が多いです。

新作の楽器に張ればすぐに100年くらい経ったような楽器の音になるかもしれません。うちの見習いが作ったものでは楽器の作りもモダン楽器のようにしてあるのでパーペチュアルを張ればモダン楽器の様な音になるかもしれません。ただ音の出やすさなどは本当のモダン楽器のようにはならないでしょう。弦だけでモダン楽器の気分を味わうのも楽しみ方でしょう。

柔らかい音の楽器が珍しいわけですが、私が作るものがそうです。柔らかい音なので200年も経てば、今のクレモナ派のオールド楽器の様な音になるでしょうが、いかんせん新品では音が弱すぎると感じるかもしれません。ホールで弾けば豊かに響くので問題はありませんが、手元では弱く感じます。そんな場合にはもってこいのような気もします。

また別の考えもできます。
オブリガートは私の楽器の音とキャラクターが同じ方向性です。さらに暗くて柔らかい音のオブリガートを張ることで私の楽器のキャラクターを倍増することもできます。
繊細で柔らかい音の楽器を求めている人のためにキャラクターをはっきりさせる方が分かりやすいでしょう。

もし試奏用に弦を張るならオブリガートを張ったほうが、私の楽器のキャラクターがよくわかると思いますし、好きな人にとってはたまらないものとなるでしょう。またパーペチュアルは人によっては慣れないと扱いにくさも感じるかもしれません。そうなると弾きにくい楽器となってしまいます。

このように弦は弱点を補うように楽器と違う性格のものを組み合わせることも考えられますが、同じ性格のものにすることで個性を倍増させることも考えられます。
理想は後者だと思いますが、成り行きで自分の好みとは違う音の楽器を使っている人も少なくないでしょう。

チェロとヴァイオリンの違いについて考えてみると、チェロはもともとスチール弦が使われていて古い製品ほど金属的な耳障りな音が強かったです。そこで高級弦として柔らかい音のものが開発されてきたのですが、一方で昔のスチール弦の目の覚めるような鋭い音を未だに愛用する人もいます。メリットは音の強さです。
パーペチュアルは昔のスチール弦のような強さを持ちながら、嫌な金属的な音は抑えるという物でしょう。

それに対してヴァイオリンではもともとガット弦が高級弦とされていて、それにナイロン弦がとってかわられています。
もとがスチール弦のような鋭いものではないのでチェロバージョンと同じ傾向を目指せば、過去の製品より鋭い音になってしまうのでしょう。もう少しマイルドなバージョンなどがあれば面白いかもしれません。

チェロは基本的に構造が柔軟で鋭い音の弦を張ってもそれほど嫌な音になりません。それがスチール弦が使われている理由でしょう。ところがヴァイオリンは音域が高いこともあって刺激的な音はとてもシビアに出ます。強い音を求めて何か改造すればすぐに嫌な音になってしまいます。

ビオラなども面白いです。ビオラ用のパーペチュアルはまだありません。特に低音の弦には合っていると思います。
一方でビオラは「鼻にかかったような音」のものが多くあります。これはもっとひどくなるので使えるビオラは多くないでしょう。私の作るビオラなら大丈夫だと思います。

弦についての感想は人によって全く違います。弓が触れて指先の感覚として感じられるものだからです。一方で大雑把に性格が語られることも少ないです。

多くのユーザーは先生の薦めるものを使うだけです。先生はその先生の薦めるものとなるとずっと古い製品が使われ続けます。まず先生が柔軟に新しい製品を試してみる必要があると思います。自分の好みを生徒に押し付けないのも重要です。生徒が使っている楽器は自分のものとは違うことを考慮すべきです。

また有名な演奏者が使用したことで流行することがあります。
しかしこれも自分の楽器と違う楽器では意味がありません。演奏技量も違います。今ではスポンサー契約のような感じもします。

カタログ資料を見てもどの製品も力強く音量があってガット弦の様な音だとしか書いてありません。
合う合わない条件とか、メリットとデメリットのようなことは商売をやっていると書けないようです。新製品が出れば何でも称賛して売ろうという紹介くらいしかありません。

ただいま私が作っているピエトロ・グァルネリ型のヴァイオリンです。

表板はだいぶ出来上がっています。

古い感じが出ていると思います。

横板も自然な古さです。

スクロールもいかにもオールド楽器という感じが出ています。

良い感じです。

ほとんどオリジナルのニスは残っていない様子を再現しました。これくらいの楽器になるとペグボックスの壁はペグの穴埋めの修理をした時などに塗られたニスの色でしょう。

裏板も何とか出来てきました。オールドの名器っぽくなってきました。

苦労したのはミドルバウツの溝の汚れの部分です。塗っては削り落としを繰り返して2週間全く進展がありませんでした。ミドルバウツ以外の所ならうまくいったのにここだけうまくいかないのです。溝のカーブによって表面張力が違うからです。高いアーチの楽器で溝が急なカーブをしています。フラットな楽器と違って細工が難しいです。
これだけに3週間もかかってしまいました。

もう少し遠目で見るとこんな感じです。

全体としてもオールド楽器の感じが出ています、グランチーノと並べても同系統の色になっています。グランチーノのほうがもう少し灰色っぽいです。

どんどん細かい作業になって行き進展速度はさらにゆっくりになります。写真では違いがわからないくらいでしょう。私が満足する完成度はまだまだです。

いつも明るい黄金色にしたいと思っていますが、やりだすと凝りすぎて真っ黒になって来てしまいます。簡単なイミテーションで雰囲気の出ているモダン楽器を見るとそんなのが作りたいと思うのですが、凝りに凝ったものになってしまいます。とてもじゃないけど産業して製品を作っているレベルじゃありません。

簡単に雰囲気のあるものが作れれば細部は適当でも良いのですが、どうにも許せません。

最終的にはいつも同じような感じになります。オールド楽器のコピーならだれが作ったものも同じになるはずですが、人によって全然違うものになります。私の作るようなアンティーク塗装の楽器を見た事がありません。

そんな中、次に作るビオラの注文も交渉中です。身長は185㎝はあるでしょう。したがってかなり大きなビオラになります。それまでにパーペチュアルのビオラ弦が出れば面白いのですが・・・。何の情報もつかんでいません。

このヴァイオリンは、パーペチュアルじゃなくても十分枯れた味のある音がするでしょう。高いアーチの特権です。購入する人が決まってから、その人の好みで切れるカードの一枚ということになるでしょう。

イギリスのオールドチェロ、トーマス・スミス

こんにちはガリッポです。

珍しいお客さんが来ていました。

店の入り口の前で待っていて戸を開けると中に入ってきました。
もうだいぶ寒くなってきて朝晩は5～10℃くらいです。

ちょうど子供用のヴァイオリンケースがベッドになっています。
知らない人たちを恐れる様子もなくしばらく眠ると出口のところで待っていたので戸を開けると出て行きました。

数日後にまた店の玄関の前に座って待っていました。さらに我々に慣れて目の前で眠るようになりました。

これだけ人に慣れていると野良猫では無くて飼い主が探しているはずです。いろいろなところに連絡を取ると、探している人が見つかってその日のうちに引き取られて行きました。

イギリスのオールドチェロ

そんな中珍しいチェロがあります。

これにはトーマス・スミスという人が1764年に作ったというラベルがついています。

f字孔はいわゆるシュタイナー風のものです。

形は近代のストラドモデルとは全く違う独自のものです。どちらかと言うとシュタイナーの影響が強いでしょう。
オールドの時代、フランスでは結構アマティの影響が強かったのに対して、イギリスではシュタイナーの影響が強いです。

アーチの膨らみ方が近代のものとは全く違います。これでラベルの信ぴょう性はぐっと上がります。
ドイツのものもあまり見かけるものはありませんが、もっと荒っぽい仕事のものが多いです。これはとても丁寧に作られています。

スクロールも近代のものとは全く違いオールドであることがわかります。

スクロールも仕事は丁寧で荒々しさとは無縁です。シュタイナーのオリジナルも他のドイツの楽器と違って繊細で丁寧に作られていますが、それを目指していたのでしょう。

こちら側は丸みがいびつになっています。緑の線で示したところが直線的になっています。これはおそらくのこぎりで失敗して切りすぎてしまったのではないかと思います。弓ノコと言われるようなノコギリがありました。
そのような失敗も手作りならではです。

ここの部分も流派や作者の特徴となります。

現代のチェロとは全く違う形や様子をしているのでオールドであることは間違いありません。イギリスのオールド楽器とも雰囲気は似ています。同じ作者のものを資料で見てもかなり特徴があるのでおそらくオリジナルでしょう。

値段は相場で400～500万円といったところでしょうか？
このチェロはオールドにしては珍しく状態が良いです。表板に大きな変形もありません。当然オールドなので無傷というわけにはいきませんが20世紀はじめのチェロでももっとひどい物がたくさんあります。
ドイツなどのオールドのチェロでも状態がひどい物が多いです。割れ傷は無数にありバラバラになる寸前のものが多いです。

問題はサイズ

オールドチェロで問題になるのは大きさです。当時は大きさが決まっていなかったのでバラバラです。
このチェロは近代のストラドモデルよりもやや小さいものですが、ほんのわずかに小さいだけで4/4と言えるサイズがあると思います。

それよりも大きな違いはストップの長さです。つまり駒の位置ですが表板の上端から400mmが現代では標準とされています。このチェロは382mmくらいです。この長さは3/4と7/8のちょうど間になります。
ネックは継ネックされていて265㎜ほどになっていて正しい比率です。
4/4なら280mmです。

したがって胴体はほぼ4/4なのに対して弦長が3/4と7/8の間というものです。
計算すると13/16になるのでしょうか？

このチェロは大人用のサイズでありながら極端に手の小さな人にはありがたい楽器かもしれません。

値段が本物のオールド楽器にしては安いのも変則的なサイズが原因かもしれません。過去のオークションの記録などを見ても皆このようなサイズです。

ただしG.B.グァダニーニのチェロなどはもっと小さいものでも高値がついていますから、イタリアではないということが大きいのかもしれません。

400万円なら新作のチェロでもそれくらいじゃないと作る方はやってられないくらいです。間違いないオールドでその値段なら作者が間違っていても高すぎるということは無いでしょう。間違いなくハンドメイドで丁寧に作られているからです。

売りに出されています

このチェロは売りたいということで持ち込まれました。

音については長年手入れがなされていないような状態なのではっきりしたことは分かりません。大きな修理は必要ありませんが、弦や消耗部品の交換とニスの手入れは必要です。その後でもう一度試す必要がありますが、今の状態でもオールド楽器らしい味のあるいい音がすると思います。

モダンの4/4に比べて音量がどうかなどは分かりません。修理などの続報はこれからもお知らせします。

どうしても手が小さくて困っている人にとってはまたとないチャンスかもしれません。
また才能のあるお子さんにも良いものです。その場合は「一生モノ」というわけにはいかないので結構な値段になります。誰かが買って貸し出すというのもあるかもしれません。

今はコロナの影響でヨーロッパに来るのは難しい状況ですが、興味がある方は問い合わせの方から連絡をください。

バロックチェロに戻すということも考えられます。しかしバロックチェロの演奏者は少ない上、音楽への情熱に反比例してお金儲けに長けた裕福な人は多くありません。初めからバロックにすることは無理です。買ってから改造代を追加すれば改造もできます。

イギリスのオールド楽器

このチェロはオールドにしては珍しく状態が良いのですが、板の厚みを測っても近代のチェロのような厚みです。オールドのチェロには下手すればヴァイオリンよりも薄いようなものがよくあります。これは近代のチェロとしても普通くらいの厚みがあり、かといって現代の厚すぎるものでもなく、手抜きのために削り残しがたくさんあるものではありません。
このようなものはとても珍しいです。初めはもっと厚くて後の時代の人が薄くしたのかもしれませんが、いずれにしても現時点では理想的なものです。

アーチも高さがあるのに陥没などの変形もしていません。これはとても優れたオールド楽器です。オールド風の楽器を目指している私にはとても興味深いものです。

イギリスのオールド楽器はシュタイナーの影響が強いということも実際の例で確認できます。南ドイツのミッテンバルトから楽器を買っていたという話もあります。

今日でも弦楽器の知識として語られているものも、イギリス人が考えたことが少なくないでしょう。かつてはシュタイナー型の楽器が主流だったのに対して、フランスからモダン楽器の製法が伝わるとそれらにとって代わりました。パリとロンドンなどは目と鼻の先です。
しかしイギリスの人たちは「フランスの楽器を真似た」とは言わずに、「ストラディバリをコピーした」とアピールするわけです。このような考え方は今でも弦楽器業界で主流になっています。

私などはイギリスのオールド楽器も再評価されて良いと思います。
ストラディバリもオールド楽器の一つであり、モダン楽器との違いに魅力を感じます。

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ヴァイオリン技術者の弦楽器研究ノート

クラシックの本場ヨーロッパで職人として働いている技術者の視点で弦楽器をこっそり解明していきます。
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