金沢アートグミ特集ページ

レポート　第2回金沢・世界工芸トリエンナーレ　工芸におけるリージョナルなもの　2

（撮影：上田陽子）

そして台湾について。
台湾と日本はギャラリーBが展示室です。

■先史時代、大陸から台湾に移住した先住民族がいた。17世紀にオランダ植民地→鄭成功（チェン・チェンコン）による統治→50年間に及ぶ日本による統治→2次大戦後は中華民国軍が進駐し、以後は中華民国政府が実効支配している。
■南北に細長い島で北が亜熱帯気候、南は熱帯気候に分けられ、年間を通して温暖。
■台湾でも使われる「工芸」と「美術」という言葉は、前者がクラフト・後者がアートと訳され、どちらかというと工芸の方が美術より下に扱われることが多い。

まずキュレーターの李玉玲（リ・ユーリン）氏から、出品作品は政府主導のグループと、個人作家グループに分類できるという全体説明がありました。その上で伝統工芸、現代美術、製品デザイン、ファッションから「編む・織る」をキーワードに8名の作家を選出したそうです。
表現がダイナミックで現代的な感覚、産業デザイン性の強い作品が多いように感じました。

台湾の先住民族アタヤル族出身の母をもつ尤瑪（ヨゥマ）氏はアタヤル族特有の織りの技術を復活させ、再びその文化を定着させることを目指して活動を行う個人作家です。故郷の村で文化研究を行った後、糸や染料となる植物を育てる所から作品制作をしており、更にアタヤル染織文化産業地区の設立まで行っています。

尤瑪達陸（ヨゥマ・ダルゥ）《生命的廻旋》2013年　　（撮影：上田陽子）

政府主導グループからはnendoデザインによる椅子「バンブー・スチール禅チェア」が紹介されていました。これは国立台湾工芸研究センターが行っている、工芸の職人と気鋭のデザイナーが共同制作を行い各地の手工芸産業を活性化させる「Yii」プロジェクトの成果の1つ。
nendoの佐藤氏が邸（チョウ）氏の協力を得て、伝統文化・歴史を踏まえた上で竹細工の技法・完成をスチールに落とし込んだプロダクトであり、その進め方と仕上げ方はとても興味深いです。

左　邸錦緞（チョウ・チントァン）氏の師、黃塗山（ファン・トゥシャン）氏の作品　Double-layer, hexagonal, plaited wicker flower container.
Courtesy National Center for Traditional Arts　　http://taiwanpedia.culture.tw/en/content?ID=2745
右　職人：邸錦緞（チョウ・チントァン）　デザイナー：nendo　《バンブー・スチール　禅チェア》2011年　
（撮影：上田陽子）

（撮影：上田陽子）

最後、日本について。

キュレーターの秋元雄史氏から説明がありました。昨年に行った「工芸未来派」展の流れを汲みながら、日本の地域主義的な美意識や精神性を持ち、かつ強さのある「もの」づくりをする作家7名を選出したそう。制作方法や哲学、年齢、経験、活動場所も異なるメンバーです。

同じアジアでも台湾と違うと感じたところは、作品という「もの（または素材）と己」が1対1で、それを真摯に掘り下げていっている感じです。紹介されている台湾の作家は、勿論作品の完成度や伝統との向き合い方など真剣で深いのですが、彼らはアクティビストの一面もあるし「何がしたいか」というそれぞれ目的に向かって総合的な動きをしているように見えます。
一方で日本の出品作家たちはもっと純粋に、素材と向き合って「何ができるか、どこまで高められるか」という部分を大事にしているように感じました。

CHICARA NAGATA氏のモーターバイクはまさにそのような作品です。タイヤと部品の一部を除いてすべて設計図なしの手作りのため1台あたり制作時間は7500時間にも及びます。すさまじいほどのこだわり。バイクという機能美を超えた、美意識の塊です。

CHICARA NAGATA《Chicara Art-1》2006年、《Chicara Art-2》2007年、《Chicara Art-3》2008年
（撮影：上田陽子）

そして、十代大樋長左衛門（年朗）氏と橋本雅也氏の展示室。
初代から受け継いできた伝統的な大樋焼から、先代にならったお茶碗や、個人としてライフワークとしている、干支が描かれた大きな壺が展示されています。
その奥にある橋本雅也氏は鹿の骨から美しい草花を作っています。鹿猟に行くところからスタートし、骨を洗ってから少しずつ削りだして形作る、静謐な作品です。伝統的な技法ではないですが、その素材への取組み方が神話的、原始的です。

左：十代大樋長左衛門（年朗）　右奥：橋本雅也
（撮影：上田陽子）

展覧会を振り返って

各地域の「工芸」は、歴史や他文化流入度、気候によって作品表現や方向性、テーマへの取り組み方がかなり異なると改めて思いました。
また、台湾の染織作家尤瑪達陸（ヨゥマ・ダルゥ）さんがキュレータートークの際に言っていた、「作品だけ展示されても意味がない」という言葉が印象的でした。工芸は素材や技巧、モノとしての強さのみで計られることが多いですが、彼女は伝統的な技法・素材でもって新しい作品を自覚的に制作しています。
今後、世界各地域の工芸作家たちが「なぜ、どうやって、何を作るか」を問いながら、時代に応えていく先にある表現が楽しみです。

（2013年8月15日　執筆：上田陽子）

展覧会情報
「第2回金沢・世界工芸トリエンナーレ　—工芸におけるリージョナルなもの」
会期：2013年8月3日（土）～29日（木）　10:00-18:00　会期中無休
会場：金沢21世紀美術館　市民ギャラリーA、B
入場無料
展覧会ウェブサイト
http://www.kanazawa-kogeitriennale.com/

「金沢アートスペースリンク　—第2回金沢・世界工芸トリエンナーレサテライト」
開催期間: 2013年6月29日（土）～2013年9月9日（月）
※開催時間や展覧会内容は各会場によって異なります。下記ウェブサイトをご参照下さい。
http://kanazawartspacelink.tumblr.com/

レポート　第2回金沢・世界工芸トリエンナーレ工芸におけるリージョナルなもの　1

（撮影：上田陽子）

現在開催中の金沢アートスペースリンクが連動している、第2回金沢・世界工芸トリエンナーレが8/3からオープンし、キュレータートークそしてレセプションに参加してきました。

3年前に行われた第1回の同トリエンナーレで掲げられたテーマは「工芸的ネットワーキング」。それは、素材と技術が高い水準で調和したときに生まれる「工芸的」な世界に着目し、国内外のキュレーター5人が工芸的技術を活かした仕事をしている作家を選出した展覧会でした。

今回は会場を金沢21世紀美術館市民ギャラリーA,Bにし、テーマは「工芸におけるリージョナルなもの」です。

第2回目となる今回は「工芸におけるリージョナルなもの」をテーマに、アメリカ（サンタフェ）、オーストラリア、台湾、日本の４つの地域からキュレーターを招き、それぞれの地域における工芸動向として、フォーク・アート、インディジナス・アート、現代工芸、デザインを紹介します。
異なる歴史・文化背景を持つ地域における工芸的なものを比較することで、その拡がりを捉え、それぞれの工芸が持つ輪郭と表現の可能性を考察します。（チラシより引用）

つまりトリエンナーレを通し、地域的視点から工芸を見なおすという試みで、そのためキュレーターも各地域より選出されています。

このレポートでは「地域性」をより考えるために、各地域の歴史や気候の簡単な説明や、展示作品に関係した元々の工芸表現のイメージを敢えて挿入しています。

早速会場を見てみましょう。
ギャラリーAではアメリカのサンタフェ、オーストラリアの2地域の工芸が展示されています。

（撮影：上田陽子）

まずはアメリカ、ニューメキシコ州にあるサンタフェについて。

■紀元前10000年頃から先住民族がいたとされ、15世紀にスペイン植民地→16世紀後半から19世紀前半までスペイン帝国の領地→24年間メキシコ領土→19世紀後半のメキシコ割譲にてアメリカ合衆国ニューメキシコ州となった。
■高地乾燥〔砂漠〕性気候とよばれ、通年、降雨量が少なく晴れが多く、過ごしやすい地域である。
■20世紀初めに工業製品の流入により伝統工芸は一度姿を消したが、個人による活動や連邦政府による活動もあり、土着の伝統文化の再興・発展が行われた。

今回取り上げられたこの地域の伝統的な工芸は染織、木彫、銀線細工、錫工、藁の飾り細工、切り絵、鉄細工、陶芸、宗教彫刻と9つあり、表情も多彩です。それはポイントだけ上述したように、植民地地代に土着の伝統と、ヨーロッパ、アジア文化が織り交ざったという歴史があるためで、全体として4地域のなかでも民族的で軽やか、おおらかな印象です。

電子部品を用いて装身具、壁掛け、宗教彫刻を手掛けるマリオン・マルティネス氏。「アトーチャの幼子イエス」というカトリックの伝説をもとにした宗教イメージは一般的に、聖なる少年巡礼者が帽子、華やかなマントを身に着け、片手にバスケット、片手に水が入ったひょうたんが括りつけられた金剛杖を持っているものであるらしいのですが、それをうまく銅線やコンピューター部品で表現してあります。

左　Santo Nino de Atocha　http://www.johntoddjr.com/36%20Atocha/atpr.htm
右　マリオン・マルティネス《アトーチャの幼子イエス》　2001～2002年　（撮影：上田陽子）

カミラ・トゥルヒーヨ氏とレネー・ザモーラ氏による《チョコレートポット》。これは貨幣代わりに使用されるほど貴重だったカカオ豆を貯蔵するための壺で、中国からメキシコに伝わった際に鍵のかかる鉄製の蓋が付けられたニューメキシコの伝統文化を反映する入れ物です。
トゥルヒーヨ氏は雲母質陶土で壺を、ザモーラ氏は伝統をもとに鉄蓋をつくり組み合わせた作品です。（左の壺は陶器部分は17世紀の中国製で、18世紀にメキシコで鍵蓋が付けられたポット。）

左　green, ceramic chocolatero Made in China in the 17th century and has a locking lid of iron from Mexico made in the 18th century　http://www.thechocolatelife.com/photo/historic-green-glazed-chocolatero-chocolate-storage-jar
右　カミラ・トゥルヒーヨ＆レネー・ザネーラ　《チョコレートポット》　2008年　（撮影：上田陽子）

（撮影：上田陽子）

次にオーストラリアについて。

■5万年ないし12万年以上前に先住民族が上陸し、西洋人による大陸発見までの歴史の詳細は不明。19世紀にイギリスの植民地となりはじめは流刑地とされたがゴールドラッシュを経て、20世紀初頭に連邦国家として独立。移民を多く受け入れている。
■広大な国土を有するオーストラリアは、気候も熱帯性から砂漠性、温帯性まで変化に富み、都市によってまったく違った気候風土を持っている。

キュレーターの1人、リサ・ケーヒル氏は「西洋文化の流入により、先住民族の文化と双方向に、文化の”共有”が生まれた」と強調し、会場にはコステラ社という企業とのコラボレーションで製品化された工芸品やデザイン、現代美術と結びついた作品がピックアップされ、デザインセンターのキュレーションらしく、全体としてやはりデザイン性の高い作品が多数展示されていました。

ワラジェリー地方に伝わる編み籠「ディリーバッグ」を伝統的な技法で、ゴミ捨て場で集めた鉄条網や金属等伝統的でない素材を用い、通常よりもかなり大きなサイズでオブジェとしてつくるロレーン氏。画像左のように、本来のディリーバッグは世界各国の工芸としてはしばしば見られる様な、一般的な編み籠に見えますが、彼女の作品は日々の採集、運搬に用いた籠がデザインはそのまま、現代的な美術作品に仕上がっています。

左　Dilly bags – National Gallery of Australia　
Jill NGANJMIRRA (NAMARNYILK) Dilly bag wide neck dilly bag pandanus, natural dyes Purchased 2003
http://nga.gov.au/Exhibition/Tactility/Default.cfm?MnuID=6
右　ロレーン・コノリー・ローシー《Fibre Vessels》　（撮影：上田陽子）

タスマニアの先住民族であるローラ・グリーノ氏は祖先から伝わる伝統的な首輪に関する知識と技術を受け継いている作家です。貝殻を採集するところから仕上げるまで何か月もの時間をかけて1つの首輪を制作しており、キャプションの素材には耳慣れない、現地の動植物等の名前が並んでいます。

ローラ・グリーノ《ペーウラッパー》2011年　アワビの貝殻、ワイヤー、ハリモグラのトゲ　　（撮影：上田陽子）

その2へつづく

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