うめぼし / 奥田民生

わたしは、スピッツトリビュートアルバム「一期一会」が非常に好きで、よく聴くのだが(－－トリビュート作品としては異例なまでの高質さがこのアルバムにはあると思う。わたしのなかで、トリビュートでここまでやれるのは、ちょっとすごいと思う。はっきり云うと、普通のトリビュートはつまらないので、余計に。－－)、中でも特に、奥田民生氏の唄う「うめぼし」が好きだ。

わたしは原曲の「うめぼし」も聴いたことがあるのだが(－－民生氏の「うめぼし」を聴いたあとにだが－－)、原曲はスピッツのかろやかなポップスになっている。

スピッツが唄う「うめぼし」は、「うめぼしたべたい」という感情の、ある意味での軽さ(－－うめぼしたべたい、である。それは肉や野菜を求めるような、生に直結したある種の獰猛さがゼロに近い欲求だと思う。ちょっとうめぼしがほしくなる、でもないと死ぬわけじゃない。それくらいの“軽さ”がこのフレーズにはこめられているんじゃないかと思う－－)と、「いますぐきみにあいたい」という感情が、スピッツバージョンでは同等に扱われているのである。

これは、うめぼしたべたい、と思う率直さで「きみにあいたい」と思っているのだとわたしは考えている。

しかし、民生が唄う「うめぼし」はそれと逆である。

「いますぐきみにあいたい」という感情が極めてヘヴィで、それに対して「うめぼしたべたい」という感情をもヘヴィになっている。

スピッツがポップスにしあげたものを、民生氏は俄然ロックにしている。

イントロ、無音の状態からいきなり「うめぼしたべたい」と民生氏が唄う。この衝撃は何事かと思った。

くるしい、とおもった。

こころの奥を、ギュッとつかまれるような痛さと甘美さ。

民生氏は声で、ギターで、スピッツが施したポップス性に隠されていた、生々しい感情の痛みの世界にわたしを追いやったのである。

そこにあるのは、悲痛な声で、かなしさである。

痛くて狂おしくて、だけども、胸の奥でギリギリと云うかのような、傷跡から広がる甘美さ。

ロックにおいて、わたしは圧倒的にマゾヒストになる。

ロックが与える痛みは、それをも超えてある種の快楽になる。 そして、快楽に変化させるものがロックなのだとわたしは思っている。

民生氏は、堂々とそれをやってのけている。

しかも、他人の曲でだ。

すごい、としかわたしは云えない。

日本のロックシーンにおいて、こんなひとが存在していることは、本当に素晴らしいことだと思う。

ギターから声から世界から、すべてが、民生ロックに変換されている。

正直な話、原曲を超えちゃっている。(－－スピッツへの揶揄、ではない！－－)

聴くたびに、涙と痛みと甘美さを拭いきれない名作だ。

修羅場

今日は、東京事変、セカンドシーズンとしては初のシングル「修羅場」を購入しました。

早速拝聴。

あまりにもいとおしい存在である事変に対して、感慨が沸きまくっています。

1曲目、大奥の主題歌にもなっている「修羅場」。

イントロから一気に世界が開かれる感覚があまりにも素敵。

曲全体は、かわることない事変としての揺るぎ無きポップス。

何度だって聴きたい。

2曲目、 「恋は幻」。

原曲を聴いたことはないけれど、聴き始めて3回目くらいから身体に馴染んできた。

椎名女史の英語の発音はどこか美しい。

3曲目、「落日」

ピアノが印象的な曲。歌詞が素敵。

「さあもう笑うよ」で終わるところに、どうしようもない希望とそれに至るまでの痛みを感じる。

3曲目のあとの、サービス的な音源もよかった。

ファーストシーズンで、「アイドルグループみたいだよね」と発言していた女史、まるでアイドルのような声を出している。うれしい。

いまはうれしくてこんなことしか書けない。

月を見ていた

矢井田瞳の5thアルバムは、個人的に云うと、彼女史上最高のアルバムだと思うのだが、中でも格別にすばらしいのがこの「月を見ていた」だとわたしは思う。

このアルバムを聴けば、彼女がすばらしいシンガーであることは窺えるが、特にこの曲での彼女の存在は、ある種神がかり的な部分がある。

「愛してんのって言いたい」というイントロから入るために、最初は所謂ラブソングなのかと思ってしまうが、この曲では、恋愛はあくまで人生の一部として取り扱われている。

そしてこの曲は壮絶なひとつの人生のひとかけらなのだと思う。

爆発的な勢いで痛みを声に滲ませていった、この曲のサビの

「捨てるほどの哀しみで今

歓びを奪い取って 種を蒔いて 静かに待って」

というところなど、わたしは涙なくして聴けない。

彼女は、あくまで痛みと哀しみに向かい合っているのである。

人生における“歓び”をあえて消去し、ただその苦痛に向いあうことで、彼女は「種を蒔いた」のである。

痛みから逃避するのではなく、彼女は痛みと共存することで、花を咲かせようとしているのだ。

あまりにもそれは、壮絶な痛みであり、しかしそれでも「花」を咲かせようとする彼女は、生を全うしようとしているのだと思う。

無論、歓びに出逢うことはたしかに生であり、それ自体が生を全うしていない、ということにはならない。

しかし、歓びをも消して花を咲かせようとする彼女の魂は、あまりにもうつくしい。

彼女は血みどろの戦士であることを選んでいる。

そのことは、わたしにはほど遠いことであり、それを選択することのできる矢井田瞳の強さは、神々しいほどにうつくしいのだ。

だからこそ、わたしは彼女の痛みの響くうつくしきこのサビに、涙を止めることができない。

生を全うしようとする矢井田瞳の意志がうつくしい名曲である。

こんな唄を唄える、創れるシンガーがいることを、日本は誇りに思ってもいいくらいだ。

ビードロの涙

aikoの6thアルバムに収録されているのが、この「ビードロの涙」だ。

このアルバム、きわめて彼女のエモーショナルさが打ち出されている作品だと思うのだが(－－彼女の世界はいつでも、恋愛におけるエモーションがあったが、このアルバムは、特に顕著な気がする－－)、なかでも特にエモーショナルなのがこの曲だと思う。

イントロの引き込んでいくかのような彼女の唄声には、生々しさがあって、どこかゾクリとするものがある。

メロディアスかつパワフルなギター(－－ギタリストは弥吉淳二！－－)も抜群の魅力があるが、しかしそれをあっさりと抜いてしまうかのようなaikoの存在感が凄まじい。

「逢えないのも触れないのもあたしがいないのも全部嫌

本当は結局はそんな場面想像するだけでも嫌」

わたしは、こう唄われたサビを聴いたときに、秀逸！と思ったのと同時に、ドキリとした。

なぜなら、そんな風に唄うその気持ちは、恋をする女の子の、エゴイズムなのだと思うからだ。

しかし、「逢いたい」「触りたい」「そばにいたい」と、わたしたちはたしかに感じてきた。

その気持ちにたしかに覚えがあるからこそ、わたしたちは共鳴する。そして、だからこそこの歌詞にドキリとするのだ。

あえて云わずに美化していた、自らのエゴイズムを、こんなにも堂々と唄うaikoは、ある種神々しい。

彼女は、はっきりと自らのエゴを唄うことで、彼女の感情をこんなにも形にしているのである。

メロディアスかつエモーションな唄だと思う。

思わず唄いたくなるキャッチーさと、思わず聴き入りたくなる感情が両立されていることが素晴らしい。

それだけのことをやってのけるaikoというシンガーに、改めて感服してしまう。

安藤裕子

月桂冠ＣＭ「謎の歌声」は安藤裕子

まずは上のリンクに貼ってある記事を読んで欲しい。

わたしは声を高々としていいたい。うれしい。この一言だ！

安藤裕子は、わたしがずっと、ずっと気になっている、そして、おそらく好きになると、もはや1年以上思ってきたシンガーだ。

忘れ物の森、という楽曲は、せつなさをそのままひとかけらにして、ポップスにしたようなものである。

彼女のポテンシャルはまさに未知数であり、モデルとしても活躍もしている。

その彼女が、こうして、すこしずつ認められてきている。

わたしは、彼女が(こういってしまうすごく陳腐だが)「売れていない」ということが不思議でならなかったのである。

しかし、いまやこうである。

うれしい。

ちなみにわたしは、月桂冠のCMで、いつもほぼ半泣きになる。せつなすぎるし、くるしすぎる。

うれしい。ますます、彼女が人気になるといい。

無論、彼女のポップセンスを、まるでファッション感覚で扱われるのは、わたしは厭なのだが。

なにはともあれうれしい。

ロビンソン

“新しい季節は なぜかせつない日々で”

こんな思いに覚えがある。

自転車で坂道を下りながらせつなさに目を閉じたくなる瞬間。

わたしにとっての「新しい季節」とは春であるが、また、各々でその季節は異なると思う。

しかし、共通していくのは、こらえきることのできぬせつなさである。

胸の奥が痛く広がってゆく、ある種の快感に似たせつなさ。

自転車に乗ることのできる余裕と、自転車に乗ってこいで行くことしか出来ぬ、小さき衝動。

スピッツは、イントロとこの一行で、あっさりとその瞬間にわたしたちを運び込んでしまうのである。

サドルの微妙な熱さも、風のにおいも、そして逃れられぬせつなさも、この部分だけでわたしを襲う。

それは、リスナーとしてどうすることもできないよろこびであり、快感である。

しかし、こんなせつない曲でありながらも、云っていることがある種の過激さであることにも注目したい。

あんなにうつくしく爽やかなメロディーで唄われていることは、 「誰も触れない 二人だけの国」を求めているこころである。

ふたりだけ、である。

もはや、なにひとつとして要求していない。君、だけを求めている。 そして、他者を排除している。

それは、どこかくるおしいものであり、狂気的である。

あまりのうつくしいメロディーに、ふとその快感に溺れてしまいがちだが、草野マサムネが求めていることが、おそろしく真摯で、かつ、現実すら背いた欲望であることに、どこかハッとしてしまう。

しかし、わたしはそう思う草野氏を責めることも、なじることも、ましてやあきれたりもできない。

彼が求めていることは、ある種わたしのたちの欲求である。

誰も触れない二人だけの国を求めている。

宇宙にとびたい、空にとびたい、そしてふたりだけの国を。

胸が痛い。

くるしさを拭えないのだ。

うららかなメロディーにのる、他愛もないしずかな欲求。

そのことが、どこか悲しいのである。

それは、宇宙の風にのることができないからこそ、なのかもしれない。

あっさりといってのけてしまう草野氏への率直な欲求と、どこかで「でも」と思うわたし自身へのかなしさ。

スピッツではいつでも、きわめて内省的な感情を、あっさりと運んでくる。

だからこそ、痛い、くるしい、せつない。

宇宙の風に乗れぬわたしは、スピッツを聴いて、せめて一緒に「ルララ 宇宙の風に乗る」と唄いたいのだ。

スピッツ

スピッツといったら、あたたかなサウンドでひとを癒すひとたちでしょ？

そんな風に云わせてしまうのが、彼らの魅力である。

既にデビューから何年も過ぎている。彼らはもう一端の大人なのだ。

しかし、彼らはいつだって変わらないのである。

彼らは、変わらぬことが最大の武器なのだ。

それは、音楽的な成長、という側面ではなく、メンタル的な部分のことである。

彼らが失わないのは、幼き頃のセンチメンタリズムだ。

それは、甘ったるい類のものとは違う。彼らは、切なさをいつでも音楽に昇華しているのである。

だからこそ、彼らの音楽は、どこか胸を痛くさせる類のものなのである。

彼らの名曲は、いつだって切なさが付き纏う。

それは、彼らの魂に直結し、根付いているセンチメンタリズムの作用なのだとわたしは思う。

大ヒットした「チェリー」だって、幸せになる名曲「空も飛べるはず」だって、いつだって切なかった。

だから人は泣いたし、それでも口ずさんだのだ。

わたしは、彼らの曲を聴くだけで、胸の痛みを隠せぬことが多い。

彼らはいつだって、最早鋭利ともいえる率直さで、わたしを刺してきたのだ。

わたしが個人的にすきなスピッツの曲といえば、「夏の魔物」である。

あんなにも温かで鋭利な曲、スピッツ以外に作れないだろう。

殺してしまえばいいと思った夏の恐怖である。

あまりにも、率直な熱が見せる幻にも似た魔物は、消えかかった魔物なのだ。

現実味のない感覚は、恐怖とも愛情とも似ている。

夏の日の幻にも近い何かが、たしかにここにはある。そして、スピッツは消えかかっている魔物に、たしかに感情をむき出しにしているのである。

少年のときに、殺そうかと思ったそれに対して、いまは、会いたいと願うその意志は、魔物が見せる象徴的なものが、彼の夏の日の幸福だったわけである。

蒸し暑い日に「君」と見た幻にもう一度会いたいと思うその願いは、もはや切ないどころではなく、痛い。

くるしい、と思った。

彼らが持っているセンチメンタリズムは、計り知れない。

ひとは、失うことをとめられぬものである。勝手に失ってしまったり、寧ろ失うことを願ったり、守っても消えたりする。

そんな、続いていく「失う」ということを、スピッツは全身全霊で抑えている。ここに留まれ、と願うかのように。

それはもう、痛みとの戦いである。

どうしても失うすべてを、スピッツはそれでもいとおしむかのように、若しくは引き止めるかのように唄う。

彼らの楽曲が、こんなにもわたしたちの感情を動かすのは、彼らが、必死に引き止めているからなのだと思う。

最早永遠のセンチメンタリスト・スピッツ。

わたしは、これからも彼らの失うことへの戦いの全貌を見ていきたい。そして彼らと共に、泣いて、笑いたいのである。

BEAT

木村カエラの最新シングルが、この「BEAT」である。

あの奥田民生氏がプロデュースしている、と聞き興味があったので、聴かせてもらった。

今回は、奥田民生氏サイドからの感想を書かせて頂く。

奥田民生氏のギタープレイは、あまりにも素敵だった。

民生氏は、ギターでロックをする男である。 彼のプレイは、わたしを思いきり恍惚の渦に巻き込んだ。

その感覚は、たしかにロックであり、民生氏への感慨は深まるものであった。

かつて、パフィーをプロデュースした彼は、彼女達を、ゆるい、だるい感覚のポップスに乗せることで、気張らない変な強さと、彼女達の魅力をガンガンに引き出したのである。

井上陽水とのある種のコラボレーションで、パフィーは最早不動の人気を確立したわけである。(－－スピッツの草野マサムネ氏や、ウルフルズのトータス松本までもが、彼女達に曲を提供している！－－)

そして、何年ぶりかも思い出せないくらいのプロデュース業である。

彼が木村カエラに与えたものは、まるで生き物のようなロックである。

彼は、パフィーにしたかのように、ポップスを彼女に与えなかった。

それが意図されたものなのかはたまた偶然なのかは私には判らない。

しかし、結果として、彼は彼女にロックを与えたわけである。

民生は、 全くの直球勝負で、彼女に豪速なボールを投げたのであろう。

肝心の曲であるが、不思議なメロディに、タイトルにもなっているビート感が、たゆたうかのようで不思議である。

そしてまた、サビがあるんだかないんだかよく判らない曲の感覚も、また不思議で、かつ心地よい。

そして、驚くべきは、彼がコーラスとして声を響かせた瞬間に、えもいわれぬ感じに落とされることである。

カエラのヴォーカルも悪くはないが、民生氏の声によって、ゾクリとする何処かへ、自らが落ちた感覚がしたのである。

もはや、それは感動に近いレヴェルである。

わたしは、この曲で、奥田民生のさらに秘めているポテンシャルに、ふれてしまったような気がする。

だらけた、ゆるゆるのイメージを払拭するかのように、近年精力的な活動をする奥田民生。

やっぱり彼は、どう抵抗しようが、どうだらけようが、ロックなひとなのであろう。

素敵だ。

ZAZEN BOYS II

ZAZEN BOYS の2ndアルバム「ZAZEN BOYS II」。

音楽界に置ける向井氏の異様なまでの存在感は最早いわずもがなだが、やはり、向井率いるZAZEN BOYSとは、超鋭利な異質バンドであることを実感した。

2曲目「CRAZY DAYS CRAZY FEELING」なんかは、イントロの異様なまでのうつくしさに、思わずぞくりとしたほどだ。東京事変・椎名林檎の「CRAZY DAYS CRAZY FEELING...」と唄う声も、どことなく艶かしさを抑えきれぬものがあり、うつくしい。

この曲は、向井氏がしょっちゅう出している「冷凍都市」らしい、どこか都会的な、ある種のスタイリッシュさが漂っていると思う。おもわず、「うわ」と声に出た。

全体に漂う香りが、うつくしいと思う。

そして、「安眠棒」である。安眠棒で殺されるのである。まさしく衝撃的である。大体、安眠棒とは何なのか。謎である。

しかし、それは歌詞にある「違和感」「異物感」であり、 「胸の奥で突っかかっとる何か」みたいなものである。

もう理屈は不要だ。というか、理屈なんて通用しないのである。

ただそこにあるのは、異物感と違和感と、鉄・鉛っぽさ・コンクリート。そして安眠棒で殺されたことだけである。

でなければ、あれほどまでに叫ぶことなんて出来ない。

特筆すべきは、「黒い下着」である。アヒトイナザワのドラムプレイが大爆発している。

「６本の狂ったハガネの振動」の「R・O・C・Kでお前を扇情」アヒトイナザワのことなんじゃないか。

個人的に、アヒトイナザワは好きなドラマーなのだが、もはや、この「黒い下着」のドラムプレイは格別である。

完全にキレてるようなものである。あんなドラムプレイ、ほかにはしらない。

また、曲もすごい曲なのである。爆発している。

不思議なのが、 黒い下着、と云われて連想するのは女性用の下着だと思うのだが(－－少なくとも、わたしは女性の下着を思い浮かべた－－)、男性である向井氏が唄うことによっても、そこにひとつの『性』の意識が生まれないことや、エロチズムや下卑た性的欲求がひとつも感じられないことのである。

「黒い下着を引っ張りはがす」とまで、堂々と唄っているのが、それすら性的なことには思えないのである。

不思議である。向井氏というのは、どこまで謎なのかわたしには判らない。

全体に流れるのは、ZAZEN BOYSの世界である。冷凍都市であったり性的衝動であったり、社会のマドが開きっぱなしで、狂っているかのような世界。

もはやZAZEN BOYSに理屈なんていらない、とすら思う。

「DAIGAKUSEI」で「俺を笑え そして 腹痛で死ね」とまでいわれたからには、わたしはもう、思いきり彼らで笑いたいのである。

そして腹痛で死にたい。

もう取り返しはつかないのだ。わたしは、ZAZENの世界に半分足を突っ込んでいるのだから。

THE BAND HAS NO NAME II

名前が無いバンドだ。 いや、名前もないバンドだ。

15年前の出来事だ。正しく幻だ。LAでの暴走がそのままCDになって、それでどこかへ消えたバンド。

それが、 「THE BAND HAS NO NAME」である。

当時ユニコーンだった奥田民生と、SPARKS GO GOの橘あつや・八熊慎一・たちばな哲也という超スペシャルなバンドだ。
そのメンツの豪華さ故に、彼らが幻の存在になってしまったことは、仕方が無いことだ。
だからこそ、いつまでもあの幻をいとおしむ…。

などという感覚にリスナーをさせておいて、十五年経った夏、彼らはひょっこり帰ってきた。あっさり。「ただいま」というみたいに。
先行するのは、驚きで、広がってゆくのは喜びである。
音楽界の寅さんかよ！ といいたくなるぐらいにふざけている。でも、ふざけてなんかいない。
だって名前もないようなバンドなんだから。

そんな彼らのおみやげが、この「II」だと思う。

一曲目からロック大爆発である。乾いた皮膚の下で踊り狂う、暴れまわる血液を、わたしは確かに感じた。

うねるように鳴るギターも、腹の奥まで轟くドラムプレイも、ちょっと寡黙でクールなベースも、どれもが最高だ。

もう、理屈も何もかも抜きにして「ロック！」と声高々に叫ぶみたいな、青臭さとばからしさと純粋さとひたむきな思いが一気にわたしを貫いたのである。

プレイ面での保証は、日頃の彼らの活動で証明ずみである。

もう最高。 名無しバンドに骨抜きになったわたしは、そんなことしか云えない。ばかな子供のように。語彙すら失くしてしまう。

注目すべきは「ギターの犬」である。

もうロックへの愛情の暴走の結果である。うねりにうねって、爆音をけちらして、それでももう、大事な玩具を見つけて抱いている子供のように「古くていい 重くてもいい」なんて唄うのだ。

やっぱりこのバンド、いつまでも子供みたいなバンドだ。

青臭い。でもロック。ロック。ロックしかない。

ロックで構成されているバンドだ。

名前もないバンドは、こうしてわたしの心臓を、七曲すべて鷲掴みにしたのである。
今度こそ、彼らの幻を永遠にいとおしむことになるかもしれないが、もうそんなこと関係なくて、わたしは名前も無いバンドのロックに酔えば、 「それでいい」のである。

わたしだって、彼らと同じで子供みたいな青臭いやつなのである。