ブラームス ピアノ小品集 Op.119

【３】　４つのピアノ曲　作品１１９

作品１１７の章でも引用しましたが、１８９３年にブラームスが

「あなたのためにちょっとしたピアノ曲を書きたくてたまらないのです・・・」

と、クラーラ・シューマンに宛てた手紙の中で作品１１９－１について、

「その小品はことのほか物悲しい曲で、『非常にゆっくりと』と指示するだけでは足りません。

どの小節も、どの音符もリタルダンドに聞こえなければならないのです。

あたかも欲求と満足をこめて、あらゆる悲しみが搾り出されているかのように！」

と書いていたとのことですが、「欲求と満足をこめて・・・」とは如何なる様を言うのでしょうか？

作品番号１１９－１について書く前に、ちょっとばかし思索してみたのですが、「欲求」と「満足」を相反する二極という空間的、物理的なとらえ方を限り、この言葉の真意は汲み取れそうにありませんでした。

そこで、形而上学的に思惟した結論について、以下に書き記してみました。

単なる思いつきに過ぎませんので、どうぞ、読み飛ばして下さって結構です。

こう考えてみました。

「欲求」とは、一般的に、それを「満足」することによって得られる人の「幸福」にとって、「種まき」と言いかえることのできるものではないだろうか。種には育って実をつけるものもあれば、成長の過程で枯れてしまうものもある。育って実を結べば「満足」が得られる半面、枯れてしまったものからは「悲しみ」が生まれる。

しかし、その「悲しみ」を恐れるあまり「欲求」を抑えてしまっては「満足」を得ることもできない。

しかるに、「幸福」を得るためには、人はひたすら「種まき」にいそしみ、恩恵とも言える「満足」を享受すべきである。その二つに励むことによって「悲しみ」を心から追い出すことができるのである。ここに至って、ようやく搾り出された「悲しみ」の質が現実味を帯びてくるのではないか。

「種まき」を「信仰」ととらえれば宗教的にも解せるし、「満足」を享受するという点に主眼を移せば、ニーチェの「超人」のようなものと哲学的に解することも出来る。ブラームスが無神論者であったという一般論をそのまま適用するならば、ブラームスがニーチェの「ツァラトゥストラ」に強くひかれた可能性も否定できない。さもなくば、人間の外にある「神」ではなく、人間の内面を懸命に見つめた末にたどり着いた自己流の哲学的解釈だったということもできる。

長々と退屈な話をして申し訳ありません。
ここから、ブラームスの書いた手紙の内容にもどりますが、心の中より搾りだされた「悲しみ」を汲み取るかのごとく弾かれなくてはならない、とブラームスは明確に言っているわけで、それを守ると、ぼくにはスティーヴン・コヴァセヴィッチしか選択肢がなくなってしまうのです。

さらに聴き進めると、第四曲の主題における打鍵の強さが、奏者によってかなり差があることに気がつきます。

「万感の思いを込めた」などと、良く考えれば、何だか奥歯に挟まったような曖昧な解説をされる評論家もおられる中で、ぼくとしては、この力強さの中に祝典的なものを感じます。

作品１１６から続いた一連のピアノ小品のフィナーレを飾るにあたり、焦燥感や怒り、憂鬱、悲哀それら全てネガティブなものを持ちつつも、それでも生きていくという決意表明であるか、もっと大局的に「人間賛歌」としてとらえることも出来るのではないか、と考えるわけです。

ならば、ここではエレーヌ・グリモーといったところでしょうか。

【４】　後期ピアノ作品集の総括

ブラームスの後期ピアノ作品集を何度も繰り返して聴きましたが、いずれのピアニストも素晴らしい表現者でありました。今回、選ぶ機会のなかったラドゥ・ルプーなども気に入っている演奏者の一人です。

しかしながら、改めてグールドの表現者としての能力や、コヴァセヴィッチの説得性は群を抜いているという感想を持ったというのが今回の結論です。

それと同時に、今まで名前だけしか知らなかったエレーヌ・グリモーというピアニストに出会えたことの喜びは何物にも代えがたいものでした。

グリモーについては、また、何らかのことを書くことになるでしょう。

ブラームス ピアノ小品集 Op.118

【３】　６つのピアノ曲　作品１１８

グールドはこの作品集においても、その「鬼才」ぶりを遺憾なく発揮しています。ことに第二曲の、青白い鬼火に照らし出されたような異形の美しさは、「冥界的才能の最たるもの」　（『漢詩　－美の在りか－　』　松浦友久著　岩波新書）と言えるものではないでしょうか。

これに対し、スティーヴン・コヴァセヴィッチの演奏などは、ロマンシズムに溢れた演奏であっても、付いてまわりがちな、押しつけがましさというものが全く感じられません。

これこそ、コヴァセヴィッチの一つの特質であると思われるのですが、雲が緩やかにたなびき流れるように旋律が淀みなく紡ぎだされます。第二曲での抒情的な調べ、第三曲での力強いアタック、第六曲の弱音、それらすべての音が自然発露的に沸き出てくるようで、やれ原典主義だの、アゴーギグがどうのとか、そういった付加的な価値を一切必要としません。

コヴァセヴィッチの指から奏でられる音はあまりにも自然で、先の松浦氏の言葉を借りれば、「天上的才能の最たるもの」と呼びたくなります。もちろん、これは努力もなく到達したことを言っているのではないことは自明でありましょう。

その一方で、持てる技術のすべてをつぎ込んでいます、と言わんばかりの、「人間的才能の最たるもの」と言える演奏として、エレーヌ・グリモーによるものを挙げたいと思います。

透明感に富んだクリアな音の一方で、デュナミークの振り幅の大きさは野性的な力強さを感じます。

さらに、左手の使い方が非常に鮮明で、右手と左手が別の意志を持ったかのようなテンポ・ルバートや落差の大きなパウゼによって官能的な陶酔感すら覚えます。

ピアニストの方にとっては、許しがたい演奏なのかも知れません。

しかし、こういった演奏もこれまでと同じように、何年も経ってから振りかえってみれば、一つの演奏の形として語り継がれていくのではないでしょうか。

ぼく自身は、近年まれにみる名演だと感じました。

ブラームス ピアノ小品集 Op.116&117

このところ、憑かれたようにブラームスの後期ピアノ作品集－作品１１６～１１９を聴いています。

それぞれが小品集として十分な魅力をもっていることは言うまでもありませんが、これらを一連の作品を通して聴くことで炙り出されてくるブラームスの老境を推し量りながら、一曲一曲の魅力を味わいつくすこともまた楽しみの一つでありましょう。

【１】　幻想曲集　作品１１６

ややもすると、人気曲である作品１１７や１１８の陰に隠れてしまいがちですが、心情の吐露と覚わしき激しい情感をほとばしらせた一曲目と、陰鬱に始まる二曲目の対比は、巷間で言われているような諦観などとは縁遠く、齢を重ねても、なお沸き上がってくる行き場のない怒りや、焦燥、それらに混じって時折訪れる晏然（あんぜん）とした瞬間・・・そういった心の葛藤が素直に反映された曲であるかのように思えます。

三曲目に再び昂る感情は、二曲目の陰に一層深みを与えているかのようですし、五曲目にいたっては、散り散りに揺れる自己の感情を何とか御そうとしているかのような不安定な心の動きそのものです。そうして訪れた心の平穏も、七曲目には再び激情の渦に巻き込まれていくかのごとく、次から次へと感情の昂りが押し寄せてきます。このフィナーレ曲などはわずか数分の中に内的宇宙が凝縮されていて幻想曲集中の圧巻と言っても過言ではないでしょう。

　　

この作品集には、猛々しい情感と相反する寂寥感の対比を望みつつも、音楽的な響きやテンポのとり方などを考慮するとエミール・ギレリスによる演奏がどっしりとした安定感の上に内的世界が構築されているようで、個人的には好ましく思えます。

【２】　間奏曲集　作品１１７

ロマン派だけにとどまらず、数あるピアノ曲の中で指折りの人気を誇る作品集であることに異を唱える人はいないのではないでしょうか？

中でもグレン・グールドによる間奏曲集は１９６１年のアルバム・リリース以来、不動の人気を保っているのは、AmazonやＨＭＶといったネットショップの書き込みからしても間違いなさそうです。

グールドはこの作品集を完成させるため、２５０日もスタジオに籠ったとのことですが、そうして練り上げられた音は、これ見よがしなほどロマンティックに蠱惑的に響きます。テンポはかなり遅めで、かの『ゴルドベルグ変奏曲』と同様、ノン・レガートな奏法を多用していますが、音そのものが一つ一つ細部にわたって丁寧に磨きあげられています。

この演奏に関しては、客観的事実に基いて以下のような展開も成り立つのではないでしょうか。

「恋する大作曲家たち」－フリッツ・スピーグル著、山田久美子訳　（音楽之友社　出版）

によりますと、ブラームスは１８９３年にクララ・シューマンにあてた手紙の中で、

『「非常にゆっくりと」と指示するだけでは足りません。どの小節も、どの音符も、リタルダンドに聞こえなければならないのです』

と書きのこしています。ただし、これは作品１１７のことではなく作品１１９の第一曲のことなのですが、同じ間奏曲であること、作品１１７から１１９は１８９２年から１８９３年にかけて一気に書き上げられていること、という事実から考え合わせると、作品１１７を手紙にあるブラームスの言葉に応えるように奏でることはあながち間違いとは言えないと思われます。

もっとも、グールドは肝心の作品１１９－１をブラームスの言葉通りには弾いておりませんので、単にグールド流再構築のなせる技と受け止める方が正しいのでしょう。

一方で、グールドと全くタイプを異にするヴィルヘルム・ケンプの演奏も気に入っている一つです。

ケンプ氏には失礼ながら正規のＣＤを持っておらず、ドイツ・グラモフォンから出ているパノラマ・シリーズに収録されているものをいつも愛聴しています。

ぼくは楽器には疎いので、その方法論は全く分かりかねるのですが、ケンプはここでは響きを極力殺して弾いています。その分、テンポは自然と速くなっていますが、やや長くのばされた弱音の中でふわっとかかるルバートに心を揺さぶられ・・・という、これはこれで小さな魅力が芳醇につまっていて、響きよりも旋律による構造的な美しさを前面に押し出しつつも、情緒感を紡ぎ出した名演といえそうです。

ただ、こうしたグールドやケンプの演奏が有名であるが故に、かえって諦観という誤解が生まれる土壌となっているのかも知れません。

百体は槁木（こうぼく）の如く

兀然（こつぜん）として知る所無し

方寸は死灰の如く

寂然として思う所無し

今日復（また）明日

身と心　忽として両（とも）に遺（わす）る

－白居易

このように白居易が志向した「適」と、グールドやケンプの音には共通した臭いを嗅ぎとることができます。だからといって、これを諦観と受け止めるのは拙速ではないでしょうか。ブラームスもまた「適」を志向しつつも、その境地には至れなかったという方がむしろ現実的なのではないでしょうか。

作品１１６の章でも書きましたが、ブラームスは安閑を求めつつも、絶えず昂る自己の感情と葛藤していたものと思われます。それは、作品１１７－１においてよく引用される「苦悩の子守唄」という言葉の意味を考えることで自然と明らかになるのではないでしょうか。

ぼく自身は寡聞にして、この言葉の出展を知らないのですが、ブラームス自身が友人に作品１１７－１について語る際にそう呼んだと聞いています。

これは、乱れる心情を鎮めるための子守唄であるが故に「苦悩」なのであり、諦観という認識でいる限り、「苦悩」も「子守唄」も意味をなさなくなってしまうと思うのですが、いかがでしょうか。

こうした推測のもと、より強い寂寞感を求めてスティーヴン・コバセヴィッチのピアノを聴くこともしばしばです。

グールドもケンプも、録音時の演奏はかなりの弱音で弾かれているとは思われるのですが、コヴァセヴィッチの演奏は囁くように奏でられ、異様なほどの静けさと寂寥感に包まれています。

そして大事なことに、グールド、ケンプ、そしてコヴァセヴィッチ、これらの全くタイプの異なる演奏が、いずれも高いレベルで拮抗してしまうこと自体、作品１１７の大きな魅力だとも言えるのではないでしょうか。