WAAN ～シン・ソナーコレクティブ

「Echo Echo」WAAN

　９０年代後半からテクノ寄りのクロスオーバージャズを手掛けてきたドイツのレーベル〈ソナー・コレクティブ〉から、オランダ人ユニットによる傑作アルバムがリリースされた。

　〈ソナー・コレクティブ〉といえば、レーベルを主宰するジャザノヴァはもとより、クララ・ヒル、スロープ、ミカ・トーン、ディムライトなどのアーチストが綺羅星のごとく在籍していたピーク時には、シーンをけん引するパワーにあふれたレーベルとしてクラブジャズファンの間では広く認知されていた。

　その後、レーベルは指向性の変化により、次第にレゲエサウンドやフォーキーな音楽へと傾倒していく。その結果、輝きは失われ、筆者は追いかけることをやめてしまったのだが、購入コストを考えず、気軽に聴けるサブスク時代になって「あのレーベルは今」的なスタンスで耳にしてみたというわけだ。

　WAAN（ワーン）のユニットを構成するのは、サックス奏者のバート・ヴィルツと鍵盤奏者のエミール・ファン・ライホーフェンの２名。ドラマーさえ加われば立派なジャズトリオだが、むしろドラマーの欠如により、彼らの音楽は幅を広げ、豊かな音楽性を獲得することに成功している。

　機械的なブレイクビーツがインダストリアルな音響とともにサックスやピアノを駆動させる②「Open」や途中からアップテンポに変わるメロウナンバー③「Chivat」、エレクトリックビートとスピリチュアルな展開が絶妙な④「Lost」など、あくまでもクラブジャズとは異なり、よりジャズの手触りに近く、音楽的にも奥が深い。シンフォニックな⓺「１９７４」やエレクリックマイルスっぽくなくもない⑦「The Cricketer」、⑧「fFrequence」など、フローティング・ポインツ（音響系ハウスミュージック）、バッド・バッド・ノット・グッド（ジャジーヒップホップ）、エディ・ハリス（エレクトリックジャズなど、多彩なアーティストから影響を受けたといわれる本作。ジャズの向かうべき方向性を周回遅れで示唆するシン（！）・ソナーコレクティブには大いに期待したい。

マーク・ジュリアナ ～ビートメイカーとしてのドラマー

「Ｍusic For Doing」MARK JULLIANA

　 昨年リリースされたマーク・ジュリアナの２枚のアルバム「Ｍｕsic For Doing」と「The sound of listening」は、そのタイトルからも分かるように対で聴かれることをあらかじめ前提としているのだろう。2014年にリリースされたデビュー作「Beat Muic」と「My Life  Stars Now」がそうであったように、今作もジャズ作品集とビートサウンド集にわかれており、２枚を重ね併せて聴くことで、マーク・ジュリアナというアーティストの二面性が浮かび上がってくる仕立てになっている。

　それは、先日亡くなった坂本龍一がYMOに代表されるポップサイドとカールステン・ニコライとのコラボレーションが記憶に新しいエクスメンタルサイドを巧みに使い分けていたのに似ている。もちろん彼の場合は映画音楽サイドがあるのだが、エクスメンタルサイドのひとつと考えても差し支えないだろう。

　しかし、マーク・ジュリアナというアーティストが興味深いのは２つの顔を使い分けているからではない。ストイックなまでに全体を構成するパーツたらんとするジャズメンとしての顔の方にこそ、ビートクリエーターとしての本質が現れているように見えるからだ。「Ｍｕsic For Doing」は良く出来たアルバムで、アフリカミュージックとジョルジョ・モロダー、ブッゲ・ヴェッセルトフトとが出会ったようなクラブミュージックの範疇にとどまらない最高のビート・ミュージック集といえるだろう。この素晴らしアルバムと並べてみたとき「The sound of listening」のマーク・ジュリアナはいささか精彩を欠いて見えるのだが、寸分たがわぬドラムプレイこそがビートサウンドを可能たらしめていることに思いをはせるとき、これみよがしにひけらかさないことの凄味に行き当たるのだ。

　スリリングな「under the Influence」でその片りんを見せてくれるが、「The sound of listening」のラストを飾る「continuation」は文字通りビートサウンドへの連続性を意味しているのだろう。

ダニエル・エイヴリー ～テクノへの鎮魂曲

「Ultra Truth」Duniel Avery

　 NETFLIXで「池袋ウエストゲートパーク」という昔のドラマを観ていたら、要所要所にドラムンベースがBGMとして使われており、いかにも宮藤官九郎らしい悪趣味ぎりぎりの世界に疾走感をもたらしていた。

　ドラマの制作年は1998年であり、ドラムンベースの伝道師LTJブケムの活躍が1995年頃。小室哲哉によるH　jangle with tのヒットも95年だから、およそ3年のタイムラグがあるのだが、問題はそこではなく、ドラムンベースのメディアを超えた偏在ぶりに迫るクラブミュージックなど、もう二度と現れないのではないかということだ。EDMはどうなんだという声もあるだろう。しかし、スタジアムを主戦場とするEDMとあくまでもクラブ空間で消費されるドラムンベースを単純に比較することはできない。

　ダニエル・エイヴリーの最近作『Ultra Truth』には、②「Wall of Sleep」、⑤「Devotion」、⑨「Higher」、⑭「Chaos Energy」といったドラムンベース・トラックが収録されている。どの曲も良く出来ていて古びた感じはしないのだが、４曲とは少し比重が大きすぎるような気がする。しかし、今回、ダニエル・エイヴリーが取り組んで見せたのは、テクノのクラシック化とでも呼ぶべきもので、進化の果てに辿り着いた最終形態をコンパイルしたコレクション的アルバムなのではないだろうか。1曲目の「New Face」がレクイエムのように聴こえるのは、そのせいかも知れない。

　エイフェックス・ツインを思わせる表題曲「Ultra Truth」や

GASを連想させるアンビエント・ドローンの④「The Slow Bullet」と⑬「Overflowing With　Escape｣  、ラリー・ハードの叙情性に近い⑦「Spider」、808ステイトさながらの⑫「Lone Swordsman」、ストリングスが美しい⑪「Collapsing Sky」、キャバレーボルテーユばりのインダストリアルア風味が眩い⑮「Heavy Rain」など、どこかで耳にしたことがありそうなサウンドがずらり。いつものダニエル・エイヴリーを期待すると肩透かしを食らうかもしれないが、テクノの総括だと考えると納得がいく。

　それにしても、ジェシー・カンダがアートワークを手がけたアルカのアルバムと間違えそうなくらい不気味なジャケットは何を意味するのだろう。悪いジョークとしか思えない。

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フルーツ・ジッパー ～Ｊ－ＰＯＰの一番おいしいところ

「わたしの一番かわいいところ」FRUITS ZIPPEＲ

　原宿発の7人組アイドルグループがTik Tok関連でバズっているらしい。Tik Tokは見ない筆者だが、「わたしの一番いいところ」という楽曲はどこかで耳にして、埋もれさせておくにはもったいない作品だと思ったのを覚えている。こんなことを書くと、後出しじゃんけんだといわれそうだが、筆者が知ったころにはすでにバズっていたはずだから自慢でも何でもない。

　「わたしの一番いいところ」の凄いところは、女子の承認欲求に響く歌詞を話し言葉のスタイルで表現し、ヒャダインばりの変幻自在なメロディに乗せて聴かせるところ。導入部分をはじめ、ももいろクローバーＺからの影響は顕著だし、ガラパゴス化の権化ともいうべきコミック的な世界観など、特筆すべき点は多い。サビがスラムダンクの映画化、サブスク化でプチブレイク中のWANDSの「もっと強く抱きしめたら」に似ていると感じるのは、さすがに気のせいか、偶然だろう。

　しかし、このポジティビティの塊のような歌はなんて強固な私主義に貫かれていることか。モーニング娘。が、「ラブマシーン」の中で半ばやけっぱち気味に〈ニッポンの未来は世界が羨む〉と歌ったのに対し、まるで世界や外部など存在しないロックダウン下の社会のように、不気味なほど自閉/自足した空気に包まれた今の日本が浮かび上がってくる。筆者はそのことをそれほど悪いことだと思わない。フルーツ・ジッパーがこれまでに出したシングルを聴いていると、ももクロもパクったスクレリックスやパフューム、湘南乃風、欅坂46などからの引用に、世界とのつながりを感じることができるからだ。

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スペシャル・インタレスト ～新時代のオルタナティブ・ロック

「ＥＮＤＵＲＥ」Ｓｐｅｃｉａｌ　Ｉｎｎｔｅｒｅｓｔ

　セックス・ピストルズのジョン・ライドンは、バンド解散後にパブリック・イメージ・リミテッドを結成し、ダブの手法を取り込みつつ、ダンスの領域までサウンドを跳躍させて見せたオルタナティブ・ロックの草分けともいうべき問題作『メタル・ボックス』（1979)を世に解き放った。

　その10年後、エレクトリック・ボディ・ミュージックの雄、ミニストリーことアルジュール・ジャンセンは電子音楽にロック・ギターを大胆にフィーチャーしたアルバム『ザ・マインド・イズ・ア・テリブル・シング・トゥ・テイスト』（1989)により、サウンドテロリズムを全面開花させて、聴衆を震え上がらせる。　　

　ポスト・パンクということでいえば、ニューオーリンズ産ロックユニット、スペシャル・インタレストの『ENDURE』を、そうした流れの中に位置付けることは可能だろう。いや、ちょっと待てよ。そんな古い音楽を引き合いに出さなくても、2000年代のニューヨーク、LCDサウンドシステム等のスターを生んだDFAレコーズに代表されるダンス・パンクからの影響の方が大きいのではないか。そうも思ったが、テクノロジーとバンドサウンドの融合などといった紋切り型を寄せ付けない『NDURE』のヒリヒリするような感覚は、DFAレコーズのフィジカルで健康的な感覚とはやり決定的に違うのだ。

　①「チェリー・ブルー・インテンション」、②「ハウス」を聴くだけで、このアルバムの持つ無尽蔵なパワーを感じることができる。そして、これぞ21世紀のオルタナティブと思わせてくれるのが③「ミッドナイト・レジェンド」。そのシネマチックなイントロがパンキッシュなボーカルによって浸食されていく様は、ヘタウマならぬ、激うまであり、成熟した破壊衝動というのも語義矛盾だが、そう呼ぶほかない新時代の息吹がここにとぐろを巻いているのが耳を傾ければ聴き取れるだろう。