大人のための上質な箏時間|片山純子オフィシャルブログ

大人のための上質な箏時間|片山純子オフィシャルブログ

沢井箏曲院師範・片山純子のブログ。
大阪を拠点に関西で活動する箏演奏家。
舞台演奏と指導を通し、より美しい音と表現を目指すレッスンや、活動の記録を発信してます。

大阪を拠点に関西で活動する箏演奏家として、
演奏と指導の両面からお箏に向き合っています。

大人女性の方を中心に、

「もう一度きちんと学び直したい」
「より美しい音・表現を身につけたい」

という想いに寄り添ったレッスンを行っています。
一人ひとりの音や感性を丁寧に磨いていくことを大切にしています。

このブログでは、演奏活動の記録や舞台の裏側、上達のヒントや生徒さんの変化などを発信しています。

お箏と向き合う、豊かで上質な時間を。

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こんにちは照れ

ブログにお越しいただき
ありがとうございますラブラブ


箏のこと、生徒さんとのこと、

日々の中で感じたことを、

ゆっくり綴っています。


〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜〜


お箏を弾く時、右手には「爪(つめ)」

と呼ばれる道具をつけます。


親指、人差し指、中指の3本に装着して、

弦をはじきながら音を出していく、

お箏演奏には欠かせないものです。



写真の爪は、長年使って、

かなり擦り減ったもの。



一見すると、ただ古くなっただけに

見えるかもしれませんが、実はこれ、

演奏してきた時間そのものでもあります。


爪は、象牙製のものが一般的で、

そこに自分の指のサイズに合わせた「爪輪」

をつけて使います。


最近は、学校教材用や、

気軽に始めたい方向けにプラスチック製も

ありますが、象牙の爪は何年も使えるため、

長く愛用する人も多いです。


ただ、同じように見えても、

爪には微妙な違いがあります。


大きさ、厚み、重さ、象牙の質感。


ほんの少し違うだけで、

音色や弾き心地が変わるため、

演奏家によって好みも様々です。


私自身も、


・箏用

・17絃用

・古典曲用

・現代曲用


と、曲や用途によって使い分けています。


試しながら、自分の指に馴染み、

思うように音をコントロールできる爪に

少しずつ出会っていく。


それも、お箏を続ける中の

楽しみのひとつかもしれません。


ちなみに、爪の形には流派による

違いがあります。


山田流は、丸みのある「かまぼこ型」。


生田流は、角のある四角い形。


私は生田流なので、四角い爪を使っています。


けれど、生田流の爪は、弦に当たる“角”が命。


長年使っていると、その角が少しずつ削れ、

丸くなっていきます。


すると、音の立ち上がりや感触が変わり、

思うように弾けなくなる。


だから、ある時期が来ると、爪を交換します。


道具を替える、というより、


「今までありがとう」


と言って手放す感覚に近いかもしれません。


でも私は、今まで使ってきた爪、

もう使えないものも全て捨てられません。

自分の分身みたいなものだから…


お箏の音は、こうした小さな道具と、

長い時間の積み重ねで作られています。


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追悼コンサートのビデオが届きました。

希望された皆さんに、順次お渡ししますね。



新しい活動も動き始め、日常が戻ってくると、

あれほど準備に追われていた

追悼コンサートも、

ずいぶん前の出来事のように感じます。


本番当日は、

私自身も複数の曲に出演していたため、

準備や出番に追われ、

皆さんの演奏をゆっくり聴く余裕は

ほとんどありませんでした。


舞台裏では、

演奏を終えて戻ってきた生徒さんたちの

表情を見ながら、うまく弾けたかな、

緊張したかなと思いを巡らせるばかり。


そんな皆さんの演奏を、

ようやく映像で振り返ることができました。


自分の演奏を見返すのは、

少し怖いような、でも見てみたいような……。


そんな気持ちもありましたが、

2時間余りの映像を、

まるで客席に座っているかのように

一気に見終えてしまいました。


映像を通して改めて感じたのは、

出演された皆さんの頑張りです。


約6ヶ月の準備期間。

それぞれが複数の曲に挑戦しました。

初めて取り組む作品も多く、

曲を理解し、

弾きこなせるようになるまでには、

たくさんの練習が必要だったと思います。


見事に仕上がった演奏もあれば、ミスや

思いがけないアクシデントがあっても、

自分が練習してきた力を信じ、

最後までしっかりと弾き切っていました。


どの演奏からも、本番に向けて

積み重ねてきた日々が感じられます。


舞台の上で真剣に箏に向き合う姿は、

普段のお稽古で見る姿とはまた違い、

皆さんがとても頼もしく見えました。


そして、自分自身の演奏も…。


本番中は無我夢中でしたが、

映像で見ると、反省点もあれば、

この半年間頑張ってきてよかったと

思える瞬間もありました。


目標に向かって練習を重ね、

本番を迎えるまでには、

大変なこともあります。


それでも、舞台に立ち、

仲間と一緒に音楽をつくり上げ、

無事にコンサートを終えたときの達成感は、

やはり特別なものです。


今回の追悼コンサートを通して、

出演された皆さんと

一緒に音楽をつくり上げる喜びを、

私自身も改めて感じることができました。


出演してくださった皆さん、

支えてくださったご家族や関係者の皆さま、

そして会場に足を運んでくださった皆さまに、

心より感謝申し上げます。



写真は、本番での演奏風景ですが、

追悼という事で全員黒の衣装なので、

遠くからみると、皆んな同じに見えますね爆笑


これからも、

一人ひとりのペースを大切にしながら、

箏を弾く喜びや、

誰かと一緒に音楽をつくる楽しさを

感じられる機会を

つくっていきたいと思います。


また皆さんと一緒に、

音楽を楽しむ時間を

重ねていけたら嬉しいです。


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 1960〜1970年頃に普及していた

「ソノシート」。


レコードのような形をしていますが、

薄く柔らかなプラスチック製で、

比較的安価に作ることができたため、

雑誌の付録やPR用などに

よく利用されていました。


私も子供の頃、

漫画雑誌の付録に付いていたソノシートを、

レコードプレーヤーで

聴いていた記憶があります。


そんな懐かしいソノシートに収められた、

貴重な箏の音源を聴かせていただく

機会がありました。


「琴による和光フォノシート 

音韻(HIBIKI)シリーズ」です。



大切に保存されていた方から

聴かせていただいたのは、

若き日の沢井忠夫先生をはじめとする

演奏家の皆さんの音源。


今も演奏され続けている

「矢車」や「石筍」など、

馴染みのある作品も収録されています。


聴いていて何より驚いたのは、

その演奏の鮮やかさとスピードでした。


時代の流れとともに、演奏のテンポも

速くなっていくことがありますが、

この当時の演奏は、

今聴いても「速い!」と感じるほど。


しかも、ただ速いだけではなく、

実に鮮やかな演奏なのです。


沢井忠夫先生が

ご自身で作曲され演奏された録音は、

現在もCDなどで聴くことができます。


そうした録音で耳にするのは、

何度も演奏を重ね、改訂を経て

磨き上げられた作品の姿。


けれど、今回の音源を聴いていると、

それとはまた違う光景が

目に浮かんできました。


生まれたばかりの曲を、

忠夫先生が当時の演奏家仲間たちと

一緒に弾いている。


「この曲は、こんなふうに弾きたいんだよ」


そんな思いを音にしながら、

作品が形になった時の姿そのままに、

仲間たちと音楽を作り上げていく。


もちろん、

実際にその場を見たわけではありません。

でも、演奏から伝わってくる鮮やかさや

勢いに触れていると、

そんな光景が自然と思い描かれるのです。


若き日の演奏家の皆さんの熱量に、

思わず圧倒されました。


何十年も前の録音なのに、

そこから伝わってくる音楽のエネルギーは、

まったく古びていません。


音源だけでなく、

当時の資料も興味深いものでした。


私がその曲を練習した頃には、

すでに縦譜の公刊譜が出版されていたため、

矢車や、石筍の五線譜を見るのは初めてです。



今、私たちが演奏している作品が、

当時どのような形で記録され、

伝えられていたのか。

そうした資料も含めて、まさにお宝です。


ソノシートの音質はあまり良くないと

聞いていましたが、実際に聴いてみると、

想像していた以上に十分鑑賞できる音質でした。


こうして当時の演奏を聴き、

楽譜などの資料も見ることができるのは、

本当に貴重な機会だと思います。


今では、レコードやカセットテープを見

たことがない、ましてやソノシートなど

知らないという若い世代の方も

多いのでしょうね。


そう考えると、時代の移り変わりを

感じずにはいられません。


けれど、何十年も前の音源が

大切に保存され、今の私たちが

聴くことができる。


そこには、当時の演奏家の皆さんの情熱や、

作品に向き合う姿が、今も確かに残っています。


楽譜を通して作品を受け継ぐだけでなく、

録音を通して、

その時代に生きた演奏家の音に触れる。


こうした記録が残されていることのありがたさを、改めて感じたひとときでした。


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「こういうふうに弾きたいけれど、

やり方がわからない」


「この部分は、どの弾き方がいいの?」


「この表現で合っているのかな?」

レッスンにいらっしゃる時に、
そんな疑問や確認したいことを

持ってきてくださる生徒さんがいます。

この段階の方は、
すでに曲の全体像が見えていて、
“弾ける”からこそ、

さらに一歩先へ進もうとされている状態です。

だからこそレッスンでは、
音のニュアンスや表現、細かな弾き方など、
より深い部分まで一緒に掘り下げていきます。

一方で、

「一通り弾けるようになった」


という段階の方に、同じ内容をお伝えしても、
まだピンとこないことがあります。

それは決して悪いことではなくて、

その方の今の目標が、


「まずは曲を弾けるようになること」

 

だからです。

レベルも、実力も、目的も、人それぞれ。

そして…

ひとつの曲を「弾けた」と感じられた時、
自然とその先へ、意識が向いていきます。

「もう少し、こうしたい」


「もっと音を大切にしたい」

そんな気持ちが芽生えた時、
次の扉が、静かに開き始めます。
 

 

そうして深まっていく音や表現は、
実際の演奏の場でこそ、

よりはっきりと感じられるものでもあります。

同じ曲でも、
どんな音色で、どんな呼吸で、

どんな想いで奏でるのかによって、
響きは大きく変わっていきます。

その違いを“感じる”ことも、
表現を深めていく大切な一歩です。

そのひとつのかたちとして、

それぞれのペースで参加出来る

演奏の場を用意しようと思います。

言葉にしきれないものも、
音の中には、そっと残っていくから。
 

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来月開催される「和楽器らいぶ」に向けて、

初めてのリハーサルがありました。


今回演奏する曲は、

どれも大好きな作品ばかり。

そして、ご一緒させていただく皆さまも、

それぞれに素晴らしい演奏をされる方々です。


そんな皆さまとの初合わせ。


楽しみな気持ちとともに、

いきなり本気モードで音楽を作り上げていく、

刺激的な時間となりました。


私以外の皆さん同士は、

気心もわかりあう間柄ですが、

私とは初対面の方がほとんど。

最初はお互いに

音や呼吸を探りながらの演奏です。


タイミングが微妙にずれるところや、

呼吸を合わせたいところを確認し、

音楽のイメージをすり合わせていきます。


すると、2回目にはもう修正されて、

ぐっといい感じに!


相手の音を聴き、次の呼吸を感じ取り、

自然に音が重なっていく。


言葉で細かく説明しなくても、

お互いの意図が通じ合う瞬間があります。


この感覚が、アンサンブルの

たまらない面白さなんですよね。


それぞれの個性を持った演奏家が集まり、

一緒に音楽を作っていく。

ひとりで演奏するのとはまた違う、

合奏ならではの醍醐味です。


しかも、

皆さまの集中力と対応力が素晴らしく、

予定していた時間にも余裕ができるほど。

短時間ながら、密度の濃いリハーサルと

なりました。



もちろん、演奏以外の時間も楽しみのひとつ。


お昼休みには、

テーブルいっぱいに並んだ

持ち寄りのおやつを囲みながら、

皆さんのプライベートなお話も。

演奏中とはまた違う一面を知ることができて、

ぐっと距離が縮まった気がします。


真剣に音楽に向き合う時間と、

和やかにおしゃべりを楽しむ時間。

そのメリハリも心地よい一日でした。


素晴らしい皆さまとご一緒できることに

感謝しつつ、来月の本番に向けて、

さらに音楽を磨いていきたいと思います。


それぞれの音が重なったとき、

どんな「和楽器らいぶ」になるのか。


私自身も、

本番がますます楽しみになってきました。


ぜひ、会場で

お楽しみいただけたら嬉しいです。


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