日本橋の三井記念美術館で開かれていた「円山応挙展」に行ってきた。24日、展覧会楽日のことである。たまたま友人と電話で話をしていたら、この展覧会の話題になって、じゃあ、一緒に行くかという事になったのだが、互いの都合が合ったのが最終日という事で、ちょっと混むんじゃないかと心配したが、案外のんびり鑑賞できたのは意外だった。
（遊虎図襖 重要文化財）
私には日本絵画についての知識など何もなく、円山応挙についても、せいぜい「虎を描いた人」くらいのおぼろげな知識がある程度。高校か中学の美術の教科書に載っていた、その「虎の絵」が今回展示された襖絵であるのかどうかも記憶がはっきりしないので判然としない。
しらべてみると、円山応挙（1733-1795）という人は江戸時代中期から後期にかけて活躍した絵師で「写生」を重視した人らしい。そういえば展覧会のチラシやサイトでも「写生」という言葉を散見した。ただし、花鳥をありのままに描く「写生」は鎌倉時代からすでにあったらしく、狩野派などでも探幽が「写生」を能くしたようである。
だから「写生」という創作態度自体は応挙のオリジナルというわけではなさそうだが、鯉や猿を描いた作品（撮影不可でした）を見ると、まさに生きている、そういう見事さには目を奪われてしまう、そんな感想を持った。この見事さは、少し後の葛飾北斎などにも見ることができるのだが、どうも西洋の「写実主義」などともどこか根本的に違うところがあるような気がする。
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（雪松図屏風 国宝）
日本画に限ったことではないのだが、水彩画や水墨画を見るたびに思うことがある。それは、紙であれ布であれ、一度そこに落とされた線も色彩も決して修正できないだろうということで、これは修正可能な油絵とは全く異なる製作態度を求められている、そういうことだろう。
人物の柔らかな1本の輪郭線を引くにも、引く前から引くべき線が見えていなくてはならぬ、そのためにどれだけの修業を要するのだろうと、私はそういう想像から逃れることができない。
そして、それが屏風絵や襖絵のような大作になればなるほど、描かれる以前に見えていなくてはならぬ全体像が作者の中にはあるはずで、その全体像のために、どれほどの時間が費やされ、どれほど多くの線が引かれ、習作が重ねられてゆくのだろう。そんなことを考える。
上の「雪松図屏風」の細部を子細に見ても針のような松の葉の１本１本が実に精緻に描かれているのがわかる。どれもただの線ではなく先端の尖った「松の葉」としてそこに存在しており、そのことに私は驚嘆する。白い雪の部分は絵の具を使わず、もともとの紙の白をそのまま残してあるのだそうだ。
描かれる以前、一体どんな「眼」が、この松を見ていたか。つまるところ、それが西洋絵画の写実主義との截然たる差ではないか。きっと「眼」が違うのだと、漠然とそんなことを考えている。
