「唄が上手い」って何だ？

ここでは何度も書いていると思うが、

「歌唱」のあり方について、改めて掘り下げてみよう。

音楽はとても主観的だ。

ある人には大好きなアーティストが、

ある人には嫌いな場合もよくある。

だから例え今評価が低くても、

それは「ピッタリな人達」にまだ出会えてないだけかも、

と考えるのもあながち間違いではない。

ただ、そんな事を言ったまま、

何年もボーッと過ごす訳には行かない。

なので自分の魅力を磨き、説得力を増して行くしかない。

楽曲のクオリティー。

演奏力のアップ。

そして歌唱力。

人が誰かに「振り向く」きっかけは、

やはり「唄の力」だろう。

全ての楽器の中で、最も破壊力があるのが「唄」だ。

シンガーソングライターなら、誰もが

唄が上手くなりたい、と思っているはずだ。

だが実際「唄の上手さ」をどれだけ理解しているのだろう？

「上手さ」だけなら、カラオケの採点で分かるのか？

だが、カラオケで100点を連発したところで虚しい。

そんなもの、誰も評価しない。

「凄いね～！」で終わりだ。

100点出せば、ミリオンヒットが飛ばせるのなら、苦労は無い。

楽曲作りでも、楽器の演奏でも、もちろん歌唱でも

我々が演ろうとしてるのは、「聴く人の気分を作る事」だ。

「別世界へと連れ去る」事だ。

それは雲を掴むような話だ。

前述した通り、人は様々な感性、価値観を持っている。

そんな人々の気分を作るなんて、どうすりゃ良い？

答えは、「まず自分の気分を作れるか？」だ。

自分の奏でる音で、声で、

自分自身が別世界へと飛んで行けるかどうか、だ。

それは実はそんなに難しい事でも無い。

誰もが何度かライフ中に、自分自身の演奏で、

懐かしい場所や人、空気や匂いを感じた事があるはずだ。

ほんの瞬間でも、まるで理由は分からないが、

それは魔法のように訪れる。

しかしそれは、間違いなく「君の発した音」で作ったマジックだ。

つまり「実現可能な事」なのだ。

だから「どう演ったんだろう？」を探ろう。

どう弾くと、どう唄うと「あの気分」になるんだろう？

これが「表現力」だ。

君に「ピッタリな人達」とは、君の感性と共鳴する人達だ。

ならば、君自身を「震わせる」演奏が出来れば良い。

君自身を別世界へと連れて行ける楽曲を作れば良い。

君自身を「ウットリ」させる歌唱をすれば良いんだ。

そうすれば、君の感性に反応する人々の、

心を掴む事が出来るはずだ。ファンをゲット出来るはずだ。

つまり「唄の上手さ」とは、

そんなごく限定的で、パーソナルな感性に

訴える歌唱が出来れば良い事になる。

だがここで壁が立ち塞がる。

「あの感じ」を作る歌唱が、どうしても安定して再現出来ない。

ライブの後半では、息切れし、声が枯れ、喉が言う事を聞かない。

低いパートはモゴモゴし、ハイボイスはひっくり返る。

つまり「自分をコントロール」出来ない。

それは、すなわり技術が低いからだ。

雰囲気で漠然と演奏して来たからだ。

自分のイメージ通りの歌唱をするためには、

間違いなく「唄の技術」が必要だ。

それ無しには安定して「気分」は作れない。

これが出来る事が「唄の上手さ」と言うのなら、

やはりそれは絶対に必要だ。

だが君にとってのそれは「一般的な唄の上手さ」とは、

ジャンルも質も違うんだ、という事に気付いて欲しい。

アーティストにとって「個性的で魅力的な感性」は何より必要だ。

それが「作りたい」という想いを走らせる。

だが、頭で思い描くその世界を現実化するには、

どうしても技術がスキルが、必要だ。

どこかの誰かに評価される「唄の上手さ」は要らない。

君自身が納得出来る力があれば良い。

もしそれが無いのなら、どんな方法でも良いから、手に入れよう。

見回せば、方法はいくらでもある。

だってそれ無しには、君は君を表現出来ない。

君の前に立ち塞がり、いつも君を邪魔してるのは、

この事なんだ。

さあ、やるべき事が分かったはずだ。

まずは自分を聞こう。

全てのリハーサル、本番を録音し、

聞こう。

そこにご機嫌な自分とダメダメな自分が共存している。

お気に入りの自分をキープし、増やし、

ダメな自分をゼロにまで減らして行こう、と決心しよう。

「良い感じ」は常に「良い状態」が作る。

その「良い状態」をいつでも作れる技術を

「唄が上手い」と言う。

君の「唄の上手さ」は、君だけが知っている。

さあ、始めよう！

人生と向き合っている

アーティストの皆んなと、ライブハウスとの関係って、

結構あっさりとしたモノと考えていないだろうか？

数あるハコの一つ。

数いる出演者の一人。

そこがダメでも他の店がある。

そいつがダメでも他に出演者はいくらでもいる。

だからお互いの都合の良さで、浅く付き合って行こう、と。

人間関係はどこでもそうだが、

深く付き合えば、良い時は盛り上がるが、

ちょっとした行き違いで、すぐに崩れる。

付き合いが深ければ深いほど、傷も大きい。

ならば、安全に浅く広く付き合って行こう、と。

だが、実際はそんな「一匹オオカミ」を貫ける者は少ない。

結局は誰かを頼り、信頼し、期待する。

そしてそれは、そのまま自分にも返って来る。

誰かに信頼され、頼られ、期待されるようになるのだ。

結局、人と人が集まれば、人間関係が構築される。

それは、アーティストとライブハウスも同じだ。

ライブハウスは、皆んなにとって「勝負の場所」だ。

大げさかも知れないが「人生がかかってる」場所だ。

私はそう思っている。

一本一本のステージが誰かの将来を決めるかも知れない。

このリバーブの深さ一つが、

ギターの音色一つが、

SEを出すタイミング一つが、

積もり積もって、コイツの人生を決めてるんだ、という

責任感を持って、出演者と向き合っている。

それは、人生と向き合う、という事だ。

正直、理由は分からないが「合う、合わない」は存在する。

直感的にすぐ仲良くなる場合もあれば、

何年経っても距離の近付かない者もいる。

音楽的に勘違いしてる奴はなかなか愛せない。

逆にポンコツだけど愛すべき奴もいる。

つまりは「人間同士」の感情的な関わり合いが生まれる。

理屈では括れない「気が合う」とか「気に入る」とか。

だがそんな中でも一様に全てのアーティストに対し、

彼らの「演りたい」を探り、最適な形を用意しようと努力している。

誰もが少し押しさえすれば「グッと」前に進める、と信じている。

つまりライブハウス自体が「生き物」なのだ。

ただの「四角い箱」では無い。

そこには顔があり、体温があり、体臭があり、そして意思がある。

少なくとも「池袋フィールド」はそういうハコだ。

どうか、付き合う上では少々面倒くさい事を覚悟して欲しい。

裏切られる事には慣れている。

想いが伝わらない事にも。

若者は未熟だ。

自分の事で一杯一杯だ。

だから自分の身勝手が誰かを傷付け、悪い連鎖を生み、

裏切ってしまう結果に、時として茫然とするだろう。

だけど、我々は決して諦めない。

「若者は間違える」は当たり前なのだから。

その当たり前に振り回される程、子供じゃない。

皆んなに多くを期待し、求める分、

それがたとえ残念な結果に終わろうと、

決して投げ出したりはしない。

君が諦めても、私が諦めない。

池袋フィールドは、君達全員の

人生と向き合っているのだから。

曲作りについての考察 (Part 2)

先週に引き続き、曲作りについて掘り下げます。

世界観やらスピリットなど大切な要素は他にあるけど、

このシリーズは、より具体的で技術的な話しをしようと思う。

新しいコード進行を手に入れると、

それに引っ張られるようにメロディーも変わって来る。

多くのメジャーなアーティストが自分の「得意技」を持ち、

「手癖」と呼ばれるコード進行で、独自のメロディーを作る。

もちろんコード進行に著作権など無いので、

いくらでも「パクれる」訳だが、

そのコード進行が作る特徴的なメロディーまで使うと、

「マンマだね」と批判を受け、逆効果だ。

メジャーなアーティスト自身、過去のレジェンド達の

コード進行を上手くパクり組み合わせ、自分らしさを作っている。

自分の好きなアーティストの特徴的なコード進行を、

研究しておくのは大変有効だと思う。

好きなアーティストも含め、なるべく多くの曲をカバーしてみよう。

そしてその個性を作っている「キモ」のコード進行を見つけよう。

例えば「奥田民生」っぽさは、

メロディーの終結が、通常ならそのKeyのトニックの音になる所、

「マイナー9th」か「メジャー7th」にフッと落ちる所にある。

コード的にも音的にもそこで終結する。

ちょっと試してみて欲しい。

このような研究の先に「君らしさ」は必ず見つかる。

しかしお気に入りのコード進行が見つかっても、

そればかりで曲作りしてれば、即ワンパターンだ。

常に新しいコード進行を探し続けなくてはいけない。

閃いたメロディーが連れて行ってくれる場合も多いはず。

しかしコード進行の引き出しが少ないと、

対応仕切れず、「もう一歩先」までメロディーが伸び切らず、

尻切れとんぼに終わる場合もある。

もしメロディーがどこまでも羽を広げるように伸びて行くのなら、

様々なトライで、的確なコード進行を見つけるまで、

諦める事なく探し続けよう。

そこに君の貴重な「持ちネタ」が生まれる。

それは財産だ。宝物だ。

だが、そんな奇跡のような瞬間はなかなか訪れない。

それは日々の曲作りの中で、新しいトライを

飽きる事なく繰り返す者にだけ贈られるギフトだ。

それでもなかなか新しいパターンに出会えない場合は、

一旦シンプルなパターンに戻る事を勧める。

曲作りのスタート時に使っていた基本的なコード進行だ。

ベーシックな物には、特徴が少ない。

その分汎用性も高い。

だが、コード進行をアレコレ研究して来た蓄積は、

きっとベーシックなコード進行の中でさえも、

かつてのような幼稚なメロディーでは終わらせない。

必ず成長した自分と出会わせてくれる。

大切なのは「メロディーが羽を広げる」瞬間を逃さない事だ。

気が付けば、メロディーが新しいコード進行を、

さらにそのコード進行が新しいメロディーを、

相互に引っ張り出してくれる。

この繰り返しが出来るようになれば、

君は飛躍的な進歩を遂げるだろう。

逆にこれ無しに、「魅力的な個性」は作れない。

曲作りの一番大切なモノは「ワクワク感」だ。

「ヤバい。凄い曲作っちゃった！」って想いは、

たとえ勘違いだとしても、君をステージへと駆り立てる。

みんなに聞いて欲しい、という強い欲求が、

アーティストの原動力だ。

さあ、曲を作ろう。

常に「前の自分」を越えて行くんだ。

「こんな凄い曲作ったら、次が心配」を

しょっちゅう言う奴になって欲しい。

もちろん常に順調に行く訳じゃ無い。

「煮詰まり」との戦いは、クリエーターの常だ。

そこを打開した先に「創作の喜び」が待っている。

それを繰り返す事で、君は「本物」になれる。

さあ、曲を作ろう！

曲作りについての考察 (Part1)

今週と来週は、曲作りについて考えてみよう。

(かなり専門的になるので、悪しからず)

曲作りについて考える時、

「歌詞」と「メロディー」とに2分割して考えるだろうが、

私は実際には「コード進行」というパートが

別途重要だと考える。

「おしゃれ」とか「大人っぽい」とか

「力強い」「シンプル」「深い」などなど

曲の印象を決めてるのは、実はこのコード進行だ。

同じメロディー、歌詞でもコード進行次第で、

その表情、印象、世界はガラッと変わる。

今回は、歌詞の事は一旦置いて、

このコード進行とメロディー作りの関係について考えよう。

ギターを弾きながら曲を作ってて、

メロが浮かび、何となくコードを付けて行くという流れで

曲を仕上げてる人が多いと思うが、

そのコード付けに、さらに一工夫をぜひして欲しい。

簡単に「これでヨシ」とせず、

メロディーはそのままでも、別のコード展開を模索したい。

同じメロディーに対して、

実際にはもっと多くのコード進行があり得る。

また、このコード進行の工夫により、

メロディーが引っ張られる場合もあるが、

そこが大事。

今までの自分の殻を破るきっかけにもなり得る。

チャレンジのし甲斐がある、大切なポイントだ。

そこで登場するのが「代理コード」だ。

あるコードに対して、他のコードを当てはめて、

代わりにその役割を果たすコードを「代理コード」と言う。

例えば、Keyが「C」の曲で「G7」の代理コードは、

「Dm7」「Dm7/G」「E7」「B♭」など。

もちろんメロディーにもよるが、これらで代理になる。

「普通にGで良いじゃん」て人は、

一生ワンパターンの曲作りから逃れられない。

「代理コード」は、まさに工夫のスタートラインだ。

| C | C7 | F | F | G | G7 | C | C |

みたいなコード進行があるとしたら、

| C | Gm7/C7 | F | Fm | Dm7 | G7 | A♭/B♭ | C |

への変更が可能な場合がある。

特に「5度マイナー7thから1度7th」はとても使い勝手良く、

おしゃれな感じになる。

これは「2度マイナー7th」が「5度7th」を求める性格を

利用したコード進行だ。

さらに例えば、

| G/F♯m(-5)B7 | Em/Dm7G7 | C |

これはボズ・スキャッグスの「We’re All Alone」の

Aメロのコード進行。

当時、実に新鮮なコード進行で、皆んなが取り入れた。

この関係はとてもスムーズで流れが美しい。

いわゆる「2-5」の進化形だ。

みんなバッカみたいに単純な「2-5」はよく使う。

| Dm7 | G7 | Em7 | Am | だ。

この D→G、E→A、という関係が「2-5」だ。

しかしこれらを「代理コード」という観点で使えるようになれば、

かなり世界は広がる。

それから「転調」というテクニックもある。

これはサビの繰り返しを半音上げる、みたいな単純な事では無く、

「Bメロ」で短三度上げる、とか、

サビでは短三度下がる、とか曲中での転調を使えるようになると、

サビの高さに対して、Aメロがやたら低くて

ボソボソする、を解決出来る。

また展開のメリハリも付き、世界が拡がる。

Keyが「C」の曲の場合、

「G7」を介して「E♭」のKeyとの行き来が出来る。

(正確には「Cm」のKeyとの行き来)

又は「E7」を介して「A」のKeyとの行き来も出来る。

これが「短三度上げ」もしくは「短三度下げ」のテクニックだ。

これは最も単純な例で、転調こそ工夫のしどころで、

意外な転調は曲を華々しく彩り、

目の前に「パッ」と別世界を展開出来る。

ぜひトライしてみて欲しい。

コード進行に焦点を当てて考えてみたが、

曲作りの工夫やトライは無限にある。

もちろん「歌詞の世界」はさらに拡がる。

私はよく思うのだが、

これだけ多くの人々が長い年月に渡り、曲作りしてるのに、

まだまだ新しいメロディーが生まれ続けるのってスゴイ。

流行り廃り、似たり寄ったり、もあるが、

弛まぬ努力と閃きが、新鮮な音楽を創り続けている。

そこに参加してる以上、

君も歴史に残る、そして皆んなをビックリさせるような

斬新で、胸踊る音楽を作って欲しい。

そのための入り口は目の前に無尽蔵に用意されている。

さあ、じゃその曲、見直してみようか？

CD制作の流れ、教えます (Part 2)

先週に引き続き、音源制作についての

池袋フィールドでのやり方を紹介します。

アルバム収録曲が固まったら、

いよいよレコーディング作業へと入って行く。

レコーディングとは実際「予算」が決める部分が大きい。

それによってどれ位の規模で作るのかが決まる。

「安く、簡易に」も可能だし、

「考え得る最高」ももちろん出来る。

そこは事情により仕方ない訳だが、

そんな中でも求める「最高」はある。

やり方次第で中身は濃くも薄くもなり得る。

結局ポイントは「何にこだわるか」だ。

それが音を決め、アーティスト性を決める。

ここでは、基本的なパターンを紹介しよう。

登場する専門用語は、申し訳ないが、各自調べて下さい。

「ギター弾き語りのソロ・アーティスト」の音源制作。

5曲入りミニ・アルバムを、CD-Rコピーで100枚。

ジャケット兼歌詞カードは二つ折り、バックインレイ有り。

アレンジは、基本打ち込みで、本人がアコギを弾く。

ジャケット関係の写真は、知り合いに頼んで撮ってもらう。

これで予算的には、約13万円。

内訳は、

アレンジ/15000円×5  (アレンジには打ち込み、歌入れを含む)

本人ギター録音/5000円×5

ジャケット・デザイン、印刷代、

盤面制作費、ケース代など諸経費 / 30000円

ここまでが「予算」だ。

もちろん、オケは自力で作り、唄入れだけ、とか

ドラム、ベース、ギターなど全て生楽器で、などにも対応出来るが、

応じて予算は増減する。

まずは、簡単なデモを作ってもらう。

フィールドで一発録りする事も多い。

そして、書けるのなら、譜面を作ってもらう。

これも全く書けない人もいて、

その場合は、このデモから起こす。

ここからアレンジに入る。

通常ライブでは弾き語りのアーティストの場合、

あまりアレンジでガッツリなバンドサウンドにはしない。

CDとライブでのイメージの解離を回避するためだ。

と言っても、パーカッション的なモノや、

ピアノ、パッド系は入れる。

全体を眺めて、一曲くらいはバンドっぽいアレンジもするが、

「リアル」は求めず、逆に「打ち込みました」という

「アク」を出して、アルバム内で「フック」を作る。

とにかく基本は、本人のギターだけで成立するアレンジに徹し、

彩りとして、いくつかの楽器がサポートする、というアレンジだ。

そして曲ごとに一つ、印象的な音を入れる事にこだわる。

(これはあくまで私のこだわり)

それによって各曲の「色」を明確にして行く。

そして最大のポイントは「コーラス」だ。

アレンジ上、コーラスの持つ役割は大きい。

ここに力を入れれば、サウンドはかなり広がる。

が、一方「シンプルさ」からは遠ざかる。

メッセージ性が高い場合は、コーラスは少なめ。

一方曲自体がコーラスを求めてる場合もあり、

判断は難しいが、アーティスト性を眺めながら、

今後の活動の幅も考慮してのチョイスになる。

オケが完成したらいよいよ「唄入れ」だ。

経験値の低い人にはなかなかのハードルの高さだが、

それでも基本的には本人にジャッジさせる。

その中でどうしてもの箇所は指摘して直すが、

特に唄に関しては、本人にしか「こうありたい」の

ビジョンは見えないので、

唄の仕上がりについての全責任は本人に取らせる、が基本。

また、実際唄ってみると歌詞の乗り具合いが悪い場合もあり、

唄入れ時に、歌詞を変更するケースも多い。

歌詞の決定稿は唄入れ後に決まる、を知っておこう。

技術的には、フィールドの唄入れは「パンチイン」。

(直したい箇所だけを細かく録音し直す手法)

いわゆる「スイッチング」は行わない。

(良さそうなテイクを複数並べ、OKの箇所だけを繋いで行く手法)

パンチインの場合は、常に「OKテイク」が一つだけ存在し、

仕上がりの予想がつきやすい。

こうしてレコーディング部分は終了する。

レコーディング期間中に、ジャケット用の撮影をしておく。

ここで考えるべきは音とヴィジュアルのリンクだ。

特にアルバム・タイトルが、全体のイメージを決めるため、

自ずとどんな写真を撮るかが決まって来る。

なので全ての作業の前に、

アルバム・タイトルが決まっている事が望ましい。

アルバムの持つ「メッセージ」を体現する写真を撮るのは難しいが、

人はCDを聞く時、まずはジャケットを見る。

手にした段階から既に「音」は始まっている、と考えよう。

ジャケットは、音を助けもするし、邪魔もする。

ヴィジュアル面の重要性をしっかり認識し、

「力のある」ジャケ写を心掛けよう。

また技術的に気をつけるべきは、

CDの盤面とバックインレイ裏(CD側)には、

必ず中央に丸い穴が開く。

そこに本人の顔など重要なマテリアルが来ると、

大変残念な結果になるので、特に注意しよう。

まだまだ細かい事はたくさんあるが、

基本的な流れはこのようになる。

もちろんこれは、池袋フィールドで請け負った場合の、

ある意味特殊なやり方だ。

(実際、他ではどうしてるかは知らない)

レコーディング自体は、頑張れば自力でも出来るだろう。

だが、前述した通り、「今回はまあ、簡単に」は、

100％後悔する。

特にスタート時は大切だ。

不完全な録音物を誰よりも君自身が聞く。

するとその不完全さが君の「完成形」として焼き付く。

自分が今現在どこまで出来るのかの最大値を測るのも、

レコーディングの役割の一つでもある。

なので、もし自力でのレコーディングを考えてる人は、

このブログを参考に、ちょっと呆れるくらい時間を掛け、

何度もトライを繰り返し、ほころびや妥協の無い、

「完成形」を目指して欲しい。

もう一度言うが、CDは、君の歴史になる。

世界に君の音楽を問うのだ、という意気込みで、

ぜひ臨んで欲しい。