3回の星陵祭を終えて 2007年11月私が強く星陵祭を意識するようになったのは、2005年の準備段階からだった。準備の様子を知るとそれが演劇祭だということが分ったからだ。演劇は紛れもなく、私のしたかったことであった。
小学校の5年生くらいからオリジナル台本を書き始め、中学に入った時には映画を撮り始めたが、結局は全く「周囲」に恵まれなかった。背伸びしてブレヒトやサミュエル・ベケットの不条理劇やハプニング（今で言うパフォーマンス。全くなにも準備しない即興劇）に憧れて、既成の演劇部などを強く批判していたという「ひとりよがりの不遇」もあったからだ。「周囲」に恵まれなかったのではなく、自分に恵まれなかったのだと今では思う。
あの当時の学生演劇は既成の台本を前提としていて、その保守性と非現代性を批判していたが、今になって思うとそういう芝居を為し遂げることの重要性に気づいていなかったと思う。演劇という代替行為とシュプレヒコールという直接行為の差が見えなかったのだ。
Ａ君達の2005年の演目は「アニー」だった。私の頭にはミュージカルという発想は全くなかったので、はじめは戸惑った。しかし考えてみると彼らは「演劇部」ではなく、クラス演劇であるのだから、本人たちが一番楽しめるものを選択するのは当然である。そう思った時から私の「個人参加」が始まったと思う。そしてアニーのカラオケ版ＣＤをアメリカから購入したのが、私の第一歩だった。
2005年や2006年は演目で観劇した。それはそれで収穫があった。アマチュア演劇、クラス演劇の面白さを知った時でもあった。 そしておそらく積極的に関われるだろう最後の年になる2007年は、最終学年の演劇を全て観ようと決めた。ある階層（？）の全時代性に触れてみたいと思ったのだ。必ずメタの部分に触れられるという確信があった。
さらに、学校という教育を共通項とする擬似連帯の場で、クラス演劇をするということがどんなことか分ってきていた。構成員が色々なタレント（才能）を持ち寄りひとつのものをつくることであり、自分のタレントに気づくことであり、自分のタレントを探すことであり、自分のタレントを作ることだったのだ。人生でこのような行為ができる瞬間はほとんどない。「演劇部」の場合は、自分のタレントの主張の場だからだ。
そしてそのタレントの集積によって劇ができるありさまはそれだけで感動的である。だからだと思うが、私はどの芝居を見てもひとつもつまらないものはなかった。「つまらないものはない」という言い方ではなく、全てが素晴らしかった。色々な大きなものを与えてくれた。
その記憶を自分のためにとどめる目的で今年の印象を記しておきたいと思った。
31R 銀河鉄道の夜
台詞のひとつひとつに存在感があったのは原作に負うところが大きいのかもしれないが、その台詞をいかに自分の心情にシンクロさせるか、という演者の努力を感じた。抑制したコーラスも芝居が持つだろう「目的」を押し出すことに成功していた。
幕開けの仄かな灯りを持った演者が出てくるところはそれだけでぞくぞくした。簡素なセットと場面転換が緊張を中断させることがなかった。そのセットが劇中者の心情を表出させるのにも大きな効果を発揮していた。
さらに、現在の学校というあたかも共通の価値観を押し付けられているような閉鎖空間で、この劇のスタッフを含めた構成員達が「本当の価値」を探っていく行為のように見え、その協働行為がもうひとつの劇を為していたように思った。
32R ユタと不思議な仲間たち
座敷わらし達は間引きされた子どもたちだと言う。その彼女彼らが自らの「出自」を観客に述べていく。その段階から完全に劇に飲み込まれる。座敷わらし達の動きと言葉が生き生きとしているため、なおさらその「無念さ」が伝わってくる。またその背後にある産み親の慟哭ですら感じさせる。
少年は彼女彼らに「生きる意味」を知らされる。そして観客も知らされる。少年は自らの存在の仮託先を探していたのかもしれない。ラストの甘さは許される甘さであろう。
衣装とメイクと音響の効果も大きくスタッフの充実が感じられた舞台であった。
33R リング
客席を中央にし、側面と背面に回廊のような小さな舞台を設けたアイデアがストーリーにたいへんよくマッチしていた。つまり、恐怖の対象がどこから出てくるか分らないからだ。映画やテレビのホラーものは「映像」で訴えることができる。舞台のホラーものは難しい。それをテレビ映像や、側面と背面の照明や音という効果で実にうまく表現していたし、井戸のシーンなど大道具の苦労とアイデアが実によく伝わってきた。
ストーリーのラストも実に「現代的」で、本当に巨きなる恐怖があってその寓話ではないのか、という錯覚を感じさせた。脚本の力だったのかもしれない。その寓話は、実は現代の学生が共通意識として持っている「ある恐怖」だとするのは深読みしすぎか…
34R 新版歌祭文～野崎村早咲梅恋～
昨年の「冥途の飛脚」に続く歌舞伎である。連続というプレッシャーにもかかわらず実に完成度の高い「歌舞伎」になっていた。役者はもとより、大道具、小道具、舞台設定、音響、客席設定に感心した。あたかも江戸時代の芝居小屋のように舞台のまん前の畳に座って役者の息吹に接することができたのだ。またツケが実に舞台をキリッと締めた。
駕籠と舟の別れは正に大道具、小道具の舞台芸術。その中で役者が吐く「さらば」「さらば」「必ず」「必ず」、そして久松の駕籠に顔を埋める哀切はこの芝居の記憶を永遠に残すことだろう。
35R 壁抜け男
準備期間が短かったというが、完成度は実に高かった。歌のタイミングや、動きもそうだったが、最も印象に残ったのはステージ上の演者達の楽しさが伝わってきたことだった。この舞台設定もダイナミックで、2階部分を設け上下にも効果を出していた。その舞台設定が演者の動きにスケールを与えたと思う。壁抜けの工夫など観客への「サービス」も実に嬉しかった。観劇後に爽快感が残った。
また、個人と集団がうまくマッチした舞台だった。
36R アイーダ
この演劇を見ている途中から、なんて難しい芝居を選んだんだろうと思った。その難しさが王女のプレッシャーに他ならないと気づいた時から、女優としての王女に対するシンパティーが充満していまい極度の緊張感に苛まれた。あの長くも複雑なストーリーをよくコンパクトにまとめたと思う。衣装の努力も劇を上質のものにしていたと思う。
ネヘブカかアイーダの身代わりとなって命を捧げるシーンでは胸が痛くなってしまった。
バックのダンスパフォーマンスが舞台を奥行きのあるものにしていたのだが、それはあたかも無言群集劇にように見えた。それが照明と背景の計算された結果だと気づいたのは観劇後であった。多くの真意が衝突する緊張した舞台であった。
37R ＣＡＴＳ
この演目を選択することは多くのプレッシャーを選択することでもある。良くて当たり前、と思われるのだ。そしてここでの観客にとって知名度の高い作品でもあるため批判もされやすい。
ほとんど1幕もので、ダンスと歌のパフォーマンスが中心となった。ある種の舞台芸術を確認するような舞台だった。衣装、メイク、照明、音響、群集、ソロ、明と暗、静と動、といった要素が実に違和感なく舞台を作り上げていた。練習のたまものである。
ストーリーで訴えるものではないだけに、実に動きが重要であり、それを支えるのが他（ワキ）である。つまり他は他のためにあり、またそれは舞台のためにあるという基本の実践に他ならない。
熱演に好感を持った。
38R スウィングガールズあんどボーイズ
芝居が始まってから少々不安になった。場が多すぎ、台本が整理されていないことが分ったからだ。しかし演者たちはその中で無邪気に芝居をする。それが逆にと言ったら変かもしれないが好感を与えるのだ。学生演劇の特権か…。
圧巻はビックバンドジャズの生演奏である。アルト、テナー、バリトン、トランペット、トロンボーンというブラスセクションに、ベース、ドラムスのリズムセクション、それにキーボード、ギターという本格派で、スタンドプレイもあった。曲目もムーンライトセレナーデとテイクジＡトレイン。結構スイングしていて楽しめる演奏で、観客からも自然に手拍子が出る。
上演後のキャスト紹介で、半分以上の人が楽器未経験で、1年にわたって練習してきたとのこと。彼女彼らが実生活で「スウィングガールズあんどボーイズ」を演じていたのだ。勝利者は彼女彼ら自身である。