脱素人！撮影テクニック3 ズームの話

「光学⚪︎⚪︎倍ズームで遠くのものも撮れる！」なんていう謳い文句をビデオカメラ売り場でよく見かける。

この「ズーム」の性能の数値はカメラマンはほとんど気にしない。なぜなら、よっぽどの事が無い限りはズーム機能を限定的にしか使用しないからだ。

それはなぜか。

理由は、ズームを使用して撮影すると、ズーム時にシビアな調整を要求されてしまうからに他ならない。

まず第一に、ズームすればする程ブレが大きくなるということだ。ズームしないような状態では全く気にならないブレであっても、ズームすると大きくブレが出てくる。

その原因として、人間である以上「呼吸」という行為を行うわけで、手持ちでの撮影の場合はこいつからは逃れられない。であるから、カメラマンがどうしても手持ちでズームしなければならない画を撮る場合には、大抵は「呼吸数を最低まで抑える」という手段を取る。

ただ、普通のご家庭使用するカメラとカメラマンが使用するカメラとでは、若干の違いがあるので、機能的に不可能な調整も多い事だけは了承願いたい。

通常ご家庭で使用するカメラの場合、ハンドグリップのやや上で、人差し指と中指が当たる場所にズームコントロールが付いている事と思う。ズームするスピードも、押し込みが深いか浅いかで2～3段階ぐらいが一般的で、大体の倍率が液晶モニタ上に表示されてるという感じだろうか。

これが、カメラマンが使用するカメラ（やや語弊があるのでハイエンド機や業務機）の場合、ズームに関してはレンズ前方に「リング」と呼ばれるアナログな輪っかが付いており、これを時計回りに回せば引き、反時計回りで回せばズームにといった具合（一眼レフカメラのレンズのズーム調整と似たようなもの）。又、リングには細かくレンズ倍率の「mm」が刻んであり（無いものもあるが）、より早いズームや引き、思い通りのタイミングなどを取れる。後々述べるが、同時にフォーカスも「リング」で調整する場合が多く、ズームリングに並んで設置されているケースが一般的。つまり、ズームリングをコントロールしながら、同時にフォーカスリングを別の指で回してやるわけだ。自然とカメラ自体をホールドする形になるので、比較的ズームしてもブレにくい利点がある。

もちろん、通常のカメラと同じようにズームコントロールも付いているが、設定でズームスピードを固定することができ、非常にゆっくりと一定スピードでズームしたい場合などに活躍する。この場合、カメラ自体の自重があれば安定した画が可能。

とはいえ、付いていない機能をあれこれ書いても始まらないので「どうすりゃいいのさ」の部分をお話しますと、

まず第一に、「極力ズームは多用しない」に限る。引きの画なら引きの画のカット、ズームならズームの画のカットを撮って、編集段階で繋ぎ合わせた方が無難である。手持ちカメラで子供などを遠い位置から狙ってズーム状態で追うなどというのは、本職のカメラマンでもキツい。特に対象物が移動する場合はフォーカスとの兼ね合いもあるので更に難易度は増す。補足だが、カット割をして撮る場合には、前後に何秒か余分に撮すようにしないと編集時に泣きます（録画ボタンを押す時に多少ブレるので、必要な画の直前直後にブレがあると厄介）。

第二に、「ズームするなら三脚を使用」。もう究極ではあるんだけれど、初心者なら絶対に三脚推奨。最近では持ち運びに便利なタイプや場所を取らないタイプなんかもあるんでだいぶ便利。三脚さえ使えばもうズームなんで怖くないってなもの。似たような物で一脚という脚が一本のものもあるが、使い慣れていないうちの使用は転倒させるだけなのでお勧めしない。どうしても手元に無い場合は、人工物の上にカメラを乗せて三脚がわりに使用する。

第三は、「感覚的にズームを多用しない」。初心者さんの映像を見ていて思うのは、撮影時に全てを液晶モニタの中だけで確認しているんだろうなということ。ことにズームに関しては通常の人体構造の中では起こり得ないものなので、様々な確認作業がズームを使用してになりがちである。

「あれ何だろう」「ここはどこです」「誰々がいました」ナドナド、物凄いスピードでフルズームして画面はブレまくりだわフォーカスはボケボケだわ、全くいいことなし。特に、視力の良く無い人は往々にしてズームを使って物を見ようとする傾向が見られる。

これを改善するには、液晶モニタ上で全てを確認するのではなく、まず眼球だけ動かして目線を液晶モニタから外し、肉眼で対象物を確認し、対象物との位置関係を把握する。もしそれがズームしてでも欲しい画なのであれば、ズームはゆっくりと。

撮影している側と視聴する側では根本的に感じる速度感覚が違う。そもそも、視聴する側はそんなに早いズームは見慣れていないので需要は無いし、何よりもオートフォーカスが絶対に追いつかないので画が不自然なるのだ。逆に言えば、高速ズームを成功させたいならリングによるマニュアルフォーカスをマスターしなければならない。又、ズームの速度に完全に遊ばれ、対象物が画から外れてしまう可能性も高く、良いことなどは何一つない。

最後にもう一つ付け加えるなら、ズームの深さはせいぜい液晶モニタのズームバーの三分の一程度にしておく事である。引の状態でカメラを1センチ動かしてもさほど影響しないが、フルズームでの1センチの動きはおそらく制御しきれない。自分の制御できるギリギリのラインまでにしておく事が大切だ。

商業用の撮影と違って、一般の人がビデオカメラで撮影するものはリテイクできない。写真とも違って、その画を取りこぼせば2度と撮影できない。だからこそ、確実なラインで撮るに越したことはないのだ。

脱素人！撮影テクニック2 水平という概念

撮影する対象物をレンズに収めるに当たって、ナナメにかたむいてしまっていないかどうか。それが今からお話する「水平」という概念。4：3のアスペクト比の時代には、そこまで気にしなくても多少ならば分かりゃあしなかったが、16：9のアスペクト比の画だと水平が非常に目立ってくるようになった。

もちろん、撮影効果としてわざと水平を崩す場合もあるが、それはやはり「効果」の域を脱しない。きちんと水平を意識して撮影した画というのは、脱素人という意味においては大切だ。

そして難しいことに、「水平」概念は意識しない限りは絶対にできないことだからだ。

それは単純に、「平らな場所に立ちましょう」というだけではなく、被写体のある場所であったり、被写体の背景であったり、小道具であったりと、どんな物に対しての水平を撮影する画の中で活かしていきたいか、もっと言えば最終的に画になった時に、違和感ない水平はもちろんのこと、水平を取った対象物が違和感なくそこに収まっているかということだ。

物理的な水平の取り方としては、昔ながらのオイルの中に気泡の入った「水平器」を使用するか、最近のビデオカメラの中にはデジタル水平器が表示されるものもあるので利用されたい。そういう物が無い場合、通常、撮影画面には中心に十字のガイドが切ってあるので、それを利用するのも手だし、先に述べた「構図のガイド線」を使う。尚、初心者が何も使わずに水平を取るのは非常に困難な作業だと断言できる。

ただ、これはあくまで撮影する時点での水平に過ぎず、この水平が維持されるのはカメラ側が水平を崩すような動きをしない場合、つまり、三脚を使用している場合や、ガッチリと腰を据えて脇を締めた状態が前提だ。場面としては、「風景」を撮ったりだとか、運動会や発表会などを後方から引きで撮ったりだとか、スタジオや室内などの「地面が水平である場所」の撮影なんかの時だ。

しかしながら、通常ビデオカメラで撮影する場合、なかなかこのような場面だけという事も少ない。撮影者側が動く事を余儀無くされたり、傾斜地などで被写体が移動している場合、車の中などのGや振動に曝される場合である。

そのような場面では、水平器はあまり役に立たない。ある程度技術的な水平を取っていかなくてはいけない。

その際は、頭の中を「物理的な水平」から「画の中での水平」に切り替える事が極めて重要。カメラ側で水平であっても、撮影している画の中の水平が崩れている場合も多々あるからだ。

これには、何よりも撮影する側の「こういう画にしよう」という「先読み」的な感覚が重要だ。

まずは、被写体に水平を取るか、背景に水平を取るかを決める。これは、撮る物は同じなのだが、どちらに水平を取ろうとするかで印象がだいぶ変わってくる。

ただ、これに関しても撮影者側が置かれている環境によって限定的な選択しかできない場合もあるので一概に「コレ」と言い切れないのが悩ましい。

どちらにしろ、最終的にはこれも「慣れ」によって自然と身体が覚えてくるものである。重要なのはやはり、「常に水平概念を意識する」事だろう。

余談だが、アタクシは今でも撮影の道具の中には水平器を入れていて、ここぞという場面では勘に頼らずに使用しております。

脱素人！撮影テクニック1 構図の概念

かなり久しぶりの更新になってしまったんで、前回までのテンションがどんなんだったのか忘れました。

なんで、とりあえず、最近よく周りから聞かれる「ちょっとした工夫で誰でもできる撮影テクニック」でも書いていきましょうかね。

というわけで第一回目は、「構図」という概念について。動画を制作するにあたって、この構図を意識するかどうかっていうのは凄く重大な要素です。素人が撮ったのか知ってる人が撮ったのか、一瞬で見透かされてしまいます。

それはなぜかと言えば、構図を全く意識していないと、映像は被写体だけを画の中心で捉えて追っているだけの画になってしまいがちであるからだ。

また、スチール（写真）の際の構図の取り方とは微妙に違うから、写真畠から入って映像作ってるカメラマンの構図は決して下手では無いんだけどモヤモヤした感じが残ってしまうのよって感じ。だから、「長いこと写真で鍛えてきたから、構図の取り方は大丈夫」だなんて言わずに、まぁ聞いとくれ。

一般的な写真と映像の決定的な違いは、アスペクト比にある。あまりマニアックな写真のサイズは分からないので、一般的なサイズの写真の比率との比較ではあるが、現在主流の映像のアスペクト比である16：9のサイズでは、圧倒的に横に細長い。

であるから、縦の部分に入れられる情報というのが横の部分に比べて少なくなってしまう。4：3のアスペクト比であれば、写真構図であろうが何も考えない中心構図であろうが違和感はそこまで感じないが、16：9のアスペクト比だと、かなりマヌケな画になりがちだ。

加えて、写真と違って映像は「動く」ものである。逆に言えば、全く変化のない画を長時間映し続けても意味がわからない。「動かないこと」を前提に黄金比を考えて一瞬を捉える「写真」と、時間軸という概念と動きのある画という概念の「映像」とでは、見る側の人間の目の動きも変わってくるといえる。よって、写真構図だとモヤモヤ感を感じるのはこいつが原因。

「難しい能書きはいいから、どうりゃいいの？」という感じだろうから、サクっと言うと、お手本にするべき16：9の映像の構図は「富嶽三十六景」と「東海道五十三次」の浮世絵の構図だ。

ほぼアスペクト比が16：9であることもそうであるが、仮にこの浮世絵が映像（時間の流れがある）だと仮定して、5秒後の世界、10秒後の世界でも無理なズームやカメラの振りをせずに撮り続けていてきっと大丈夫だ。見る側も、全く違和感を感じないだろう。

観念的な部分だけでなく、法則的にも考えてみよう。試しに、浮世絵の縦と横に均等に線を2本づつ引こう。

そうして、浮世絵の中で「何か動きがありそうな奴ら」が、補助線のどの位置にいるかを見て欲しい。決して中心ではなく、大多数は「横に引いたうちの下の線」と「縦に引いた2本の線のどちらか」が交差する位置にないだろうか。

つまり、これが最もスタンダードな16：9のアスペクト比の構図の取り方である。

ま、これはアタクシもハイビジョンカメラに初めて触った時に、勉強したことなんですけどね。

そして、嬉しいことに、ほとんどのビデオカメラには、液晶パネルにこの2本の線を表示させることができる。もちろん、撮った画には出てこないので安心して欲しい。

一般には「ガイド」と言う。古い人だと「グリッド」なんていう人もいます。ビデオカメラの設定のところのどこかに、こいつを表示させるボタンがあるはずです。

そんで、あとは慣れ。意識的にガイド線使って構図を取っていれば、自然とそういう画が撮れるようになってくるもんです。当然ながら、カメラマン個々の個性が出る場面ですので、持って生まれた「センス」も要求されてくるわけです。

まぁまぁ、何よりもまず、構図という概念を「意識」すること。「脱ド素人」への第一歩です。