ラストテスタメントクラシック-デフォルメ演奏の探求

ラストテスタメントクラシック-デフォルメ演奏の探求

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30Jun
- ヘンデル／アリオダンテ
  97年録音のヘンデルの歌劇「アリオダンテ」。ミンコフスキ指揮ルーヴル宮音楽隊の演奏です。アリオダンテはオッター、ジネーヴラはリン・ドーソン。ポリネッソはエヴァ・ポドレスと声を揃えています。現代における優れた歌劇録音の一つ。ミンコフスキはヘラクレス、ジュリアス・シーザーとオッターを起用しました。騎士アリオダンテと王女ジネーヴラは愛し合っています。公爵ポリネッサは王位を狙い、ジネーヴラの不貞を疑われる工作をします。やがて悪事がばれて成敗されるという物語。基となったのが狂えるオルランドです。ヘンデルはオルランド、アリオダンテ、アルチーナという三つの名品を残しました。かつてはジュリアス・シーザーくらいであったヘンデルの歌劇録音です。今ではこの三作は多くの全曲盤があります。男性であるアリオダンテに女声があてられる。60年代後半、ヘンデル歌劇ではジュリアス・シーザーの録音を行ったカール・リヒターはカストラートのパートである外題役にフィッシャー＝ディースカウの声をあてました。モダン楽器による堅牢な演奏は配役に男性、女性という構図を現代に寄せて再編したものでした。ヘンデルの歌劇の死後の二百年ほとんど忘れられていました。扱われているのは神話や歴史です。長いアリアは明瞭な旋律線を持っています。上演には多くの優れた歌手が必要です。中には失われた声であるカストラートがあります。メゾ・ソプラノ、カウンター・テナーが対応して再現されるものとなりました。そのためには時代楽器が登場し、作曲家の時代の響きが再現されるという下地が必要でした。聴き手もヘンデル時代の声の贅美に慣れる必要もあります。　そういった下地があってヘンデルのリバイバルが進みました。狂えるオルランドは異世界、魔法が扱われています。ファンタジーの要素を含み、そこに蠢くのは人間の感情を含んでいます。ヘンデルの歌劇は長大な歌にのり、感情が表出されます。現代的な視点で物語に没入できる娯楽作なのです。勧善懲悪で、バレエといった見せ場も盛り込まれています。ミンコフスキの演奏は劇性に優れ、歌手の精度も高い。人気ブログランキング
28Jun
- ブルックナー／交響曲第四番変ホ長調
  ルドルフ・ケンペ指揮ミュンヘン・フィルハーモニー管弦楽団。数少ないケンペのブルックナー、スタジオ録音の一角、第四交響曲です。BASFには第五交響曲、Tudorにはチューリヒ・トーンハレ管弦楽団には第八交響曲などが残されています。いずれも70年代の録音。第四交響曲は76年１月。亡くなる四ヶ月前のものでした。今日の緻密に組み立てた客観性を重視した響きとは異なります。ブレンドされた響きは肉厚で強奏も力強い。第五交響曲と合わせてファンは多いものでした。BASFは磁気テープの製造元であり音響へのこだわりも強く、優れた音質として認知されています。わずか数年でレコード産業から撤退したために、幻のレーベルという印象が強いのです。元々、ブルックナーも全集として企画されたものでした。ケンペは60代半ばという絶頂期。ケンペの残した録音で、有名なものはR.シュトラウスの管弦楽曲集です。歌劇でもナクソス島のアリアドネ。いずれもシュターツカペレ・ドレスデンの録音でした。いずれもオーケストラの古色もあってドイツの伝統的な響きがします。ミュンヘン・フィルハーモニー管弦楽団とは晩年の結びつきでした。ブルックナーの他にもベートーヴェンにブラームスとドイツ音楽の根幹が並びます。のちにチェリビダッケに継がれていくドイツの伝統的な響き。ブルックナー録音もミュンヘン・フィルハーモニー管弦楽団の美質を引き出したものとして記念碑的なものとなりました。ここでローカルなものであったオーケストラも躍進の機会を得たのです。　第四交響曲は、唯一、標題が付された交響曲です。ロマンティックというもの。「私に解釈などはない。あるのは楽譜（スコア）だけだ」といったのはヴァントです。楽譜信奉の緻密な組み立てによるブルックナー演奏。この楽譜信奉スタイルでも往年のトスカニーニはブルックナーの音楽には冷淡でした。第四交響曲はワルターやアバドといった叙情を引き出すタイプの演奏も多い。ケンペの演奏も響きのバランスをとることに秀でています。機能性だけでは量れない伝統的な響き。テンポの緩急、演出も作為なく自然なものとなっているのも魅力です。人気ブログランキング
26Jun
- パレストリーナ／ミサ・アスンプタ・エスト・マリア
  タリス・スコラーズのパレストリーナ。89年録音のミサ・アスンプタ・エスト・マリアにミサ・シクト・リリウムの二曲をあわせた一枚です。教会音楽を救ったというパレストリーナの伝説。多声の音楽が主流となって、次第に聖句が明瞭に聞き取れなくなっていきました。再び単旋律的なグレゴリオ聖歌の時代に戻そうとされていました。パレストリーナは多声であっても明瞭に聖句を確認することができる作品を持ってポリフォニーの伝統を守ったというものです。その際に生まれた成果が「教皇マルチェルスのミサ」であったという伝説です。バッハも参照し、ベートーヴェンがミサ・ソレムニス作曲の際にも研究したパレストリーナの音楽。厳格な様式は完璧なフォルムとなりパレストリーナ様式と呼ばれるものとなりました。教会音楽の父として畏敬の対象ともなっています。教会音楽だけでなく世俗音楽にも質の高い曲を付けています。本業の教会音楽。ミサだけでも生涯に100曲以上あります。そうした中、無伴奏の合唱で精緻な音楽を紡ぐのは難儀で、演奏は極めて限られたものとなります。いくつもの教皇マルチェルスのミサが録音されるという事態にもなっている訳です。タリス・スコラーズは一連のパレストリーナ録音で、高い制度のパレストリーナの名品を取り上げてきました。タリス・スコラーズの代名詞ともなったデビュー盤。アレグリのミゼレーレとともに教皇マルチェルスのミサも収められていました。　ミサ・アスンプタ・エスト・マリアは演奏される作品が限られるパレストリーナ作品の中でも取り上げられる機会の多いミサです。15世紀、デュファイの時代、定旋律でミサの各楽章を有機的に作り上げる循環ミサという手法が発展しました。循環ミサでは一本の線が全体を束ねるものです。16世紀、パレストリーナの時代。ミサ・アスンプタ・エスト・マリアは自作のモテットを原型としています。作品はパロディ・ミサと呼ぶものですが、ここで引き出されるのは定旋律ではなく響きの全体です。原型のモテットにも素材があり、単旋律であるグレゴリア聖歌に由来します。モテットは６声となり、ミサにも６声として発展していきました。この到達した精緻が晩年のミサ・アスンプタ・エスト・マリア。あわさったシクト・リリウムもモテットを原型としたパロディ・ミサです。こちらは初期の作品で、ミサが生成される過程を辿ることができるでしょう。人気ブログランキング
24Jun
- ヴェルディ／ドン・カルロ
  ヴェルディの歌劇「ドン・カルロ」。ベルゴンツィ、テバルディ、ギャウロフ、フィッシャー＝ディースカウといった重厚な歌手を揃えた65年、ショルティ指揮コヴェント・ガーデン王立歌劇場管弦楽団、合唱団の演奏です。当時のデッカはショルティの才能を最大に生かしていました。58年に始まったワーグナーのニーベルングの指輪全曲録音の制作過程にありました。録音という技術を駆使して芸術的なレコードを制作するという試みです。音響上の演出が行われ、左右に広がったステレオという音響空間も生かされました。ニーベルングの指輪も当初はクナッパーツブッシュを予定していました。演奏の些細なミスでも演奏を中断したりしない。細かい編集作業を嫌うといったクナッパーツブッシュ。ショルティは新しく進んでいたスタジオ録音の工程に対応できる才能だったのです。デッカの資本がアメリカにあったためアメリカでの展開のためにロンドン・レコードという商標が使われました。「オペラはロンドン」というキャッチコピーはこの時生まれました。競争社でもあったEMI。初のステレオ録音という手段で用いられました。カラヤンの扱いには難儀したカルショウ。ショルティとの関係は良好で、ともにつくりあげたという印象が強い。ヴェルディの作品に関しては真にイタリア歌劇として煌びやかな演奏を繰り広げるカラヤン。ショルティの演奏はイタリア歌劇らしくない瞬間があります。ワーグナー、R.シュトラウスといった作品で真価を発揮するのとは対照的です。ドン・カルロでのロドリーゴを歌うフィッシャー＝ディースカウ、仮面舞踏会のアメリアでのビルギット・ニルソンの起用という具合です。カラヤンのアイーダは59年、オテロは61年でした。晩年のヴェルディのオテロのような作品でのカットは通常ではあり得ません。73年の再録音では、カットが施されました。実演的な発想と大胆な演出効果のカラヤン。カルショウは、まず作品をできる限り客観的に伝えることをよしとしたのです。　カラヤンのドン・カルロは78年録音でした。カルロはカレーラス。カラヤンは四幕版にこだわっていました。五幕のイタリア語版が録音の成果物としては最も数が多い。パリの原典版はフランス語のものでした。アバドの録音があります。イタリア語版が多いのは、原典の尊重以上に、イタリア歌劇らしい展開があるからです。EMIは70年、ジュリーニのもと決定的な録音を制作しました。ジュリーニも五幕版を絶対視したものです。ヴェルディの残した音楽を音化する。ドン・カルロは版の採択に思想がのぞく作品なのです。人気ブログランキング
22Jun
- ショーソン／ヴァイオリン、ピアノと弦楽四重奏のための協奏曲
  ジョシュア・ベルとティボーデを中心としたフランス室内楽曲集です。ショーソンのヴァイオリン、ピアノと弦楽四重奏のための協奏曲ニ長調 Op. 21と、ラヴェルのピアノ三重奏曲イ短調を収録しています。89年録音。若き日の共演がもたらした瑞々しい感性の演奏となっています。ショーソン作品はタカーチ弦楽四重奏団、ラヴェル作品はイッサーリスが加わっています。ショーソンの作品は協奏曲としては珍しい編成のものです。協奏曲は響きの対比の音楽です。独奏楽器（群）と合奏体が対比されます。典型的なものは独奏楽器を持った協奏曲です。ほかにも複数の楽器から成る複協奏曲や、バロック期の合奏協奏曲のような独奏楽器群といったものがあります。バッハのイタリア協奏曲のように、チェンバロ独奏で完結するといった例もあります。ショーソン作品はヴァイオリンとピアノとの複協奏曲という形をとり、合奏体が弦楽四重奏という構成のものです。室内楽作品であっても独奏楽器群を協奏的に活用させる作品はいくつもあります。特にロマン派ではピアノを交えた室内楽が多い。楽器としての性能が向上していて縦横に活躍するタイプの作品が生まれたのです。ショーソン作品は実質的には室内楽作品である六重奏です。構成を重視するドイツの室内楽。フランスでは色彩や、完成といった方面に関心が向かうものです。ショーソンの作品は協奏曲（Concert）。バロック期クープランやラモーの様々な楽器による多楽章作品であるコンセールを起源としているともいわれています。　ラヴェルのピアノ三重奏曲は純粋な室内楽作品です。第一次大戦が勃発。従軍と死の覚悟といった環境で生み出されました。当時の総決算としてのものです。当初、打楽器的な楽器であるピアノと持続音と色彩を持った弦楽器の響きは調和しないと考えていました。弦楽器を管弦楽を扱うように調整。そして、フランス的な感性を持った独自の室内楽が生まれたのでした。当盤には多くの奏者が集ったものとなりました。二十世紀作品であるラヴェルの三重奏と、十九世紀末のショーソンの協奏曲。いずれも範をフランス宮廷の音楽に見ることができるのです。人気ブログランキング
20Jun
- C.P.E.バッハ／受難カンタータ「救世主の最後の受難」
  C.P.E.バッハ受難カンタータ「救世主の最後の受難」H.776 Wq233です。ハルトムート・ヘンヒェン指揮カール・フィリップ・エマヌエル・バッハ室内管弦楽団、RIAS室内合唱団の演奏です。2014年の録音。大バッハの死後も受難曲の伝統は絶えませんでした。二十世紀以降、ペンデレツキ、ペルトをはじめ福音史家、合唱という構図で受難のドラマが描き出されます。四つの福音書、全てにキリストの磔刑が描かれています。救世主の死に至るまで、同じ過程を辿るものの視点は異なります。それは音楽にも反映します。大バッハの作品は受難曲でした、C.P.E.バッハの時代となると受難カンタータとなり、聖書の過程をそのまま経るのではなく、苦しみ、内省といった心理的な内容に焦点が向かいます。曲が出来上がったのは多声の音楽が多感様式と呼ばれる表現に向かっていた時期でした。バロックから古典へと向かっていました。C.P.E.バッハはその代表とも言える作曲家です。受難カンタータは、そういった情感の表現など、新たな表現に向かい合った音楽となっています。C.P.E.バッハはあらゆる分野で作品を残しました。毎年、復活祭、聖金曜日周辺となるとカントルは受難曲を提供しなければなりませんでした。ここに提供したのは父バッハの作品をはじめとした過去作の寄せ集めなどで対応することが多いものでした。当盤の受難カンタータは、十字架での死について問いかけ、出来事よりも意味に焦点があたるという内容でした。ルター派教会でのカンタータ演奏の伝統は後退している時代。多声から、はっきりとした旋律、親しみやすい合唱へと求められる音楽も変化していきます。ドイツにもイタリア的な煌びやかな様式が流入しました。　真摯な感情表現の音楽である受難カンタータ。86年、時代楽器を用いた感動的だったクイケン盤から、モダンのヘンヒェン盤へ。バッハの受難の曲の場合、多くがモダンで初めて曲に接し、時代楽器としての響きを確認するものです。当盤ではモダンの音響が音楽の劇性に相応しい響きとなります。C.P.E.バッハの音楽はロマン派の宗教音楽により近いのです。人気ブログランキング
18Jun
- シュッツ／白鳥の歌
  ハインリヒ・シュッツ。死の前年に完成させた完成させた宗教曲の大作、白鳥の歌。最初の録音となった85年。ハインツ・ヘニッヒ指揮のもと、ヒリヤード・アンサンブル、ロンドン・バロック、ハノーファー生年合唱団の演奏です。死ぬ前に白鳥が美しい声で鳴くというヨーロッパの伝説。シューベルトの白鳥の歌も同一の趣向で名付けられました。シュッツの白鳥の歌も作曲者自身の命名ではありません。詩篇第119篇、詩篇第100編、ドイツ語マニフィカト「私の魂は主をあがめ〜」という内容。シュッツ自身は簡素に曲の名で呼んだものです。平均寿命が40歳前後だった時代。シュッツは87歳で亡くなります。若き日、イタリアで学びました。師はジョヴァンニ・ガブリエリ。教会に合唱や器楽を配置し、音響的に鳴らす方法をここで学びます。40代で再びイタリアにおもむきモンテヴェルディの教えも受けることになります。そこでは言葉と音楽を一致させるモノディ様式を吸収します。ルネサンスからバロックの転換期の時代に位置します。1685年生まれのバッハの100年前ちょうどに生まれたシュッツ。シュッツの厳粛な音楽はバッハへとも連なっていくのです。白鳥の歌は分野的にはモテットとなります。詩篇119篇は詩篇中もっとも長大なもの。四声部から成る合唱が二組となります。それに通奏が付されるという編成です。二つの合唱を配置した音響的な効果はジョヴァンニ・ガブリエルの手法の応用です。第二合唱のソプラノとテノール、二つのパートが無くなっていたために、演奏困難な時代がありました。1980年代に手稿譜が発見され、シュッツの手法が厳格なことを利用しながら復元されたものです。　80を超え、自身の死を見つめながらの作曲。長大な詩篇への付曲と実演的でないという指摘があります。作品のほとんどを出版していたシュッツも、この作品は出版を行っていません。当時の慣例からすると未完ともいえるオルガンのみの器楽パート。弟子には自由な楽器の追加を許容しています。言葉を劇的に展開するモンテヴェルディに学んだ手法。晩年の老作曲家は伝説の白鳥のように美しい音を紡いだのです。人気ブログランキング
16Jun
- モンテヴェルディ／マドリガーレ集第六巻
  アンソニー・ルーリー、コンソート・オブ・ミュージック。モンテヴェルディのマドリガル集第六巻（1614年）の演奏です。女声にはエマ・カークビー、エヴリン・タブも参加。89年の録音。第六巻には「アリアンナの嘆き」、「愛しい女の墓に注ぐ恋人の涙」。二つの重要な連作を含みます。モンテヴェルディの生きた時代はルネサンスからバロックへの移行という大きな出来事がありました。ルネサンスを特徴づけたのは教会の中で育まれた多声の音楽です。モンテヴェルディは最初期の歌劇の作曲家です。多声の音楽が紡ぐ複雑に入り組んだ言葉は劇の進行には不向きなものでした。モンテヴェルディは多声の音楽を第一の作法とよびました。劇的進行を必然とするのは言葉と、劇が持っている感情を伝える新しい音楽。それを第二の作法と呼んだのです。伝えられる感情が優先され、音楽はそれを支えるという役割を担います。そのために、調和が重視された響きから、主役の歌う旋律が第一に立ちます。支える伴奏はルネサンス的な調和ではなく、時に不協和を奏でることもあるわけです。第六巻の二つの連作は、ともに死を扱っていることも目をひきます。曲集が編まれていた時に、夫人が亡くなりました。歌劇「アリアンナ」は成功を収めました。歌劇は失われ、その五声のマドリガルとした版が、当盤に収められているものです。歌劇の主役を担うはずだった少女は18歳、天然痘で亡くなります。夫人の死に続き、自身が目をかけていた歌姫を無くした。喪失感が音楽に反映しています。五声はあえて、ルネサンス的な作法に基づいたものでした。モンテヴェルディは第一の作法を否定したのではなく、その分野でも第一人者だったのです。「愛しい女の墓に注ぐ恋人の涙」は、この歌姫カテリーナ・マルティネッリに由来します。顕になる感情の発露。マドリガルという形をとりながら、小さな劇的な進行があります。美しい太陽を閉じ込めている墓石。少女に重ねられた妖精コリンナと悲痛に歌われる。　すでに歌劇的な要素を持った劇的な世界。モンテヴェルディの世界をルーリーが解いていきます。声の重なりという古い手法と、新しい音楽が混ざり合う。音楽の流れが革新的に変化していった時代が拓けていきます。人気ブログランキング
14Jun
- バッハ／カンタータ全集巻22　
  コープマンのバッハ。カンタータ全集の完結を飾る集成、二十二巻です。2002〜2005年の録音。ライプツィヒ時代のカンタータ、第八十番「われらが神は堅き砦」、第三十番「喜べ、救われし群れよ」の二つを中心にミサ曲四曲BWV233~236、第30番a「楽しきヴィーデラウ」、W.F.バッハの「喜べ、すべての民よ」を収録しています。カンタータ以外の作品も含んでいるのが大きな特徴です。個人によるカンタータ全集を完結するにあたってコンセプトが反映されたものといえるでしょう。全集は世俗カンタータも網羅しています。第八十番は息子ヴィルヘルム・フリーデマン・バッハがトランペット三本、ティンパニを加筆しました。カール・リヒターの選集をはじめこの版が、この有名なカンタータの印象をかたちづくりました。ワイマールでの初期稿は失われ、ライプツィヒで宗教改革記念日用として改作されました。トランペット付加は死後のものとなります。時代楽器はこれを除いた演奏として再現します。ルターのコラールを含み、冒頭は神は固き砦と歌い始める。トランペットの有無で印象は大きく変わります。このトランペット入りW.F.バッハがラテン語に改作した版で収録。　ミサ曲四曲もバッハがカンタータで用いた素材をラテン語で歌ったものです。第三十番も世俗カンタータである原曲が付されるというものです。バッハのパロディとされる改作も補完しています。バッハのロ短調ミサは多くの旧作からの転用で成り立っていることで知られています。語義のパロディは笑い、風刺といった意味を含みます。バッハのパロディは単に旧作の転用を指します。ライプツィヒ時代は週に一つカンタータを作曲、演奏指導、演奏が求められました。多忙を極める過程で行われたという説があります。それでも改作では精度を高め、急場の間に合わせということにはなりません。アルノルト・シェーリングが見出した「原則として宗教的な作品を世俗的な作品に置き換えない」という法則。カンタータの総数、真筆の確認などから多くの疑問があります。それでも現存する作品から、俗から聖への転用という一方向にのみのものであることは何かを示唆するでしょう。　バッハ本人もカンタータはそのまま題名を付すかコンチェルトとしていました。世俗カンタータは音楽劇とすることが多いものでした。実際、世俗カンタータは教会の外でバッハに仕事をもたらし、コーヒー・カンタータのように当時の世相を反映するのです。固き砦のカンタータが合唱の喜ばしい姿で始まるコープマン盤。開始当初のエラートの企画は中断し、完結にはChallenge Classicsへの移転がありました。ここで結ばれることに大きな感動を覚えたものです。人気ブログランキング
12Jun
- リュリ／アルミード
  リュリの叙情悲劇「アルミード」フィリップ・ヘレヴェッヘ。82年にエラートに録音が残されました。92年ハルモニア・ムンディへの完全全曲盤としての再録音盤です。コレギウム・ヴォカーレ・ヘントとラ・シャペル・ロワイヤルの演奏。アルミードはギュミット・ロランス。騎士ルノーをハワード・クルック。アルミードはリュリが1686年に作曲した最後の歌劇です。2000年代に入っても録音が続いているのはヘレヴェッヘの功績です。古くはバロック歌劇で演奏される作品は限られていました。フランス産バロック歌劇は時代楽器の登場により浮上する機会を得ました。ヘレヴェッヘはその担い手の重要な一角。二回もこの作品に取り組むというのは稀なことです。作品への思いの強さと、微細なところにまで解釈の行き届いたものとして記憶されるでしょう。叙情悲劇はリュリが導入したフランス・オペラの部門です。扱う題材は神話が多く、バレエが導入されます。この歌劇とバレエがフランス的な好みを形づくりました。リュリのあとにラモーが続くのです。アルミードの物語の骨子は、敵である騎士ルノーを愛してしまったアルミード。魔法の力でルノーを得るのですが、それは偽りのものです。やがて、ルノーの仲間が駆けつけルノーは自身の使命に目覚めアルミードの元を去るというもの。台本作家はキノーです。作曲家最晩年の作品はリュリの最高傑作と見なされていました。技巧は練れていて、最も成熟しています。台本作家キノーとの間には緊密な協力関係があり、共同制作とも言える内容となりました。物語はグルックや、ハイドン、ドヴォルザークまでもと連なっていきます。バレエの挿入はイタリア歌劇とは異なる分野にフランス歌劇を進めました。神話を扱ったところから舞台装置とスペクタクル。衣装も凝ったものとなりました。フランスの宮廷にはその絢爛さが映えるものとなります。　台本との緊密な関係。言葉に付したリュリの創意。特にイタリアとは異なるのは単なるアリアの羅列ではなく朗誦を用い、劇的進行も大切にされている。アルミードの心理にも深く踏み込んでいることから、台本と音楽の関係が論議されるグルックのオペラ改革の先駆です。アルミードは愛と憎しみの間に揺れ動き、器楽のバレエも大きな効果をあげる。その大きな影響力は後続作品に及んでいます。人気ブログランキング
10Jun
- パーセル／妖精の女王
  20世紀に発見されたパーセルの妖精の女王。全曲盤の一つ、ウィリアム・クリスティ指揮のレザール・フロリサン。89年の録音です。パーセルの音楽はイギリスを中心に演奏が多くなります。ブリテンは作曲家としての視点から指揮活動を行いました。自作のピーター・グライムズ、戦争レクイエムは歴史的な一枚です。モーツァルトの交響曲、バッハのブランデンブルク協奏曲、シューマンのゲーテ「ファウスト」からの情景といった演奏も細部に目の行き届いたものでした。パーセルの劇音楽も射程に入っていて妖精の女王も録音があります。カウンターテノールも登場する。この分野を裏声で再現する創始者デラーの歴史的な録音もあります。古楽登場以後もホグウッド、ガーディナー、マクリーシュ、ハリー・クリストファーといったイギリスの演奏は続きました。今やバロックを代表するセミオペラ、または仮面劇として全曲に接する機会も多い作品となりました。レザール・フロリサンはフランス、シャルパンティエに由来します。ラモー、リュリといったバロック期のフランス産歌劇はその中核となりました。パーセルの音楽も繊細な叙情を引き出しています。フュースリーの「ティターニアの目覚め」を用いた盤面も、その音楽に相応しい。この時のコンサート・マスターは寺神戸亮、通奏にはルセも参加していました。歌手もソプラノだけでもナンシー・アージェンタ、リン・ドーソン、ヴェロニク・ジャンス、サンドリーヌ・ピオーと古楽を牽引した歌手が連なります。　セミオペラはオペラの形式の一つ。主にイギリスで発展し、パーセルの「アーサー王」「妖精の女王」をあてはめるのです。パーセルの残した歌劇はディドとエネアスの一作のみ。セミオペラは音楽は全編に付されるのではなく、劇音楽、そして特別な場面は歌劇のように進行します。仮面劇もイギリスで発展した分野です。仮面をつけた寓意的な人物。シェイクスピアの夏の夜の夢から台詞が引かれ、劇として進行するものです。結婚で終わる劇はウィリアム3世とメアリ2世の結婚15周年記念祭のためと考えられています。イギリスで特に発展した分野の音楽。フランス産歌劇を拓いてきたクリスティの手法でも大きな魅力を引き出しています。人気ブログランキング
08Jun
- バッハ／六つのトリオ・ソナタ
  バッハのトリオ・ソナタ。BWV525から530に該当する六曲はオルガンのための作品です。右手、左手、足鍵盤という三つが独立した声部を持った楽曲となっています。トリオ・ソナタとは二つの旋律楽器に通奏低音が加わった編成の室内楽を指すものです。バッハの革新は複数の人数で演奏する室内楽をオルガン独奏としたことにあります。こういった経緯からバッハの六つのトリオ・ソナタは室内楽編成と新和性が高いのです。フーガの技法は楽器指定の曖昧な作品です。オルガン独奏からチェンバロ、室内楽編成と様々な編成で演奏されてきました。トリオ・ソナタも同様に、二つの旋律楽器、通奏と編成を変えた演奏が生まれてきました。例えばオーボエのホリガーは、フルートのニコレ、チェンバロのクリスティアン・ジャコテなどとともに演奏した一枚がありました。独奏楽器に名士を置いて音色の多彩さを引き立たせるものになっていました。ロバート・キングは自身の率いる古楽アンサンブル、キングス・コンソートで時代楽器編成で演奏しています。1995年のハイペリオン、2023年に自主レーベルから再録音されました。キングは淫行事件で服役。その後、また音楽活動を再開させました。現在も批難は続いています。一方、時代楽器によるトリオ・ソナタ室内楽編としてハイペリオン盤は特に、個々の楽器を浮き立たせることのない緻密な室内楽演奏として知られていています。個々の奏者が浮き立つことがない。それはオリジナルであるトリオ・ソナタが各声部が緊密に絡み合い一つの音楽をつくることに通じます。罪は憎むべきことですが、ここでは音楽的な成果として取り上げます。　妻の不貞を知ったルネサンスの作曲家ジェズアルドは妻とその愛人を殺害しました。オーストリアの作曲家パーシー・グレインジャーのサド・マゾヒズム的な志向。ヘンデルのメサイアの大編成の編曲、サーの称号を持つ指揮者グーセンスのスキャンダル。音楽の背景にも様々な逸話があるのです。人気ブログランキング
06Jun
- バッハ／モテット集
  バッハのモテット集。ヘレヴェッヘ指揮コレギウム・ヴォカーレ・ヘントの演奏。2010年の録音です。1984年のハルモニア・ムンディの録音も高い評価を受けています。2010年、ヘレヴェッヘは自身のレーベル、PHI（フィー）を立ち上げました。その第一弾となったのがマーラーの交響曲第四番です。作品が生まれた時代に即した楽器を使用する。バロック音楽を時代楽器使用で再現する古楽の名士の一人です。作曲当時の響きの再現という姿勢はバッハを中心としたバロックに始まり、ロマンを経て新ヴィーン楽派にまで及ぶのです。バッハのモテット集はマーラーに続く録音となりました。響きは練られ、旧盤よりも響きが充実したものとなりました。合唱が主体のモテットに弦楽合奏、オーボエ、ファゴット合奏、トロンボーンの合奏を導入します。モテットを構成する主体は二重合唱にあります。ヘレヴェッヘの演奏での器楽導入も響きの補完にとどまっています。ルネサンス期はミサ曲とそれ以外の宗教曲としてモテットがありました。多声の音楽として発展していきます。バッハの時代には地域と宗教によって多様な展開をするようになりました。バッハの地では礼拝音楽としてカンタータが中心となっていきます。聖トーマス教会で用いられていたモテットは時代の要請とは異なる古いものでした。カントルとしての責務にもカンタータ上演がありました。モテットを教材として用いるのですが、バッハの求める演奏の下地としても不向きなものでした。モテットは葬儀や慶事といった機会音楽としても使われます。カンタータでは手が届かない役割を担う。バッハのモテットはそういった需要から生み出されたものでした。通奏低音の使用も行われ、器楽を伴った演奏も多い。　細密なモテットが響きの充実によって展開されます。バッハのモテットの多くが葬礼用のものと考えられています。声が紡ぐ世界はルネサンスの時代よりも高度なものとなっています。学究的な成果を入れた演奏で、解説も充実したものが付されています。何よりも演奏は衒学的なものではありません。自然な呼吸を持った音楽の流れがあるのです。人気ブログランキング
04Jun
- シャルパンティエ／ソロモンの嘆き
  ウィリアム・クリスティ、レザール・フロリサン。マルカントワーヌ・シャルパンティエの一連の作品を扱ったものの一つ。ソロモンの嘆き H.422、長い奉納式のためのモテットH.434を収めた一枚。2005年の録音です。フランスの古楽アンサンブル。レザール・フロリサンの名前もシャルパンティエの牧歌劇「花咲ける芸術（Les arts florissants）」にちなんだものです。リュリと同時代人。リュリと異なるのはフランス宮廷とはほとんど関わりを持たなかったこと。多作の作曲家で、残された作品の質は高い。特に宗教音楽の分野で再評価が進んでいます。Hと作品番号が付されるのは音楽学者ヒッチコックの目録によるもの。再評価の流れにクリスティの果たした役割は大きいものです。当盤の二曲はいずれも晩年となっています。生年は1643年。六十代で亡くなったシャルパンティエの五十代の作品です。サント・シャペルの楽長の地位にありました。高い評価を得ている宗教楽の集成ともいえる内容となっています。二作品ともに独唱、合唱、管弦楽にオルガンと規模も大きいものとなっています。フランスにあって、イタリアの流儀を持ち込んだシャルパンティエ。劇的な宗教曲も多く、モテットをオラトリオと混同してよんでいました。当盤の二曲はともにモテットとなります。二作品の性格は異なるものとなっています。ソロモンの嘆きは、ソロモン王が子供をめぐって争う二人の母親の故事に因んでいます。「子供を真っ二つに裂いて分け与えよ」と命じ、本当の母親が子をかばって身を引く様子から実の母親を見分けたというもの。真の母、偽の母と二重唱があったりします。イスラエルの民は王の知恵に感服するという内容。オラトリオ的ですが、ラテン語の宗教的歌詞が付されています。　大規模な宗教音楽作品。劇的な展開は晩年の作品であっても瑞々しい。クリスティは精気を拾い出しています。モテットであっても劇的な展開があり人間的な情感も息づいています。シャルパンティエを宗教音楽の第一人者としのもそういった劇性でした。感覚に訴える音楽です。人気ブログランキング
02Jun
- ハイドン／四季
  1968年録音、ハイドンのオラトリオ「四季」。デイヴィス指揮BBC交響楽団、合唱団。独唱はヘザー・ハーパー、ライランド・デイヴィス、ジョン・シャーリー＝カークでした。2010年、ロンドン交響楽団との間で再録音が行われました。したがって旧盤にあたります。旧盤は英語歌唱のスタジオ録音。新しい録音は独唱に難があるとして旧盤を支持する声が多いのです。「天地創造」と並ぶハイドンのオラトリオ。「『天地創造』では天使が歌っていたが、『四季』では農民が歌っている」と言う初演時の批判がありました。要因は扱っている主題によります。オラトリオは宗教的な題材を描きます。「天地創造」は文字通り、天地創造が描かれています。混沌から「光あれ」で創造される世界。劇的な物語が進行します。「四季」は一転、人間界が舞台となります。「天地創造」の続編として構想されました。独唱者はシモン（農夫）、ハンネ（シモンの娘）、ルーカス（ハンネの恋人）と人間の役割があります。台本をになったのがスヴィーテン男爵。この歌詞が拙いものでハイドンとの間に衝突があり、作曲家の悩みの種となりました。オラトリオに向かう晩年のハイドンには前日譚があります。エステルハージ家を離れ招聘されての渡英。イギリスでは自身がつくりあげた交響曲最後の成果の連作が上演されました。その時、ヘンデルから連なるオラトリオに接する機会を得たのです。再びウィーンに戻り、代が変わったエステルハージ家の楽長に就任。新しい領主が宗教曲を好んだという経緯があります。英語版、独語版という二つのものがあるのもイギリスで接したオラトリオの影響があるのです。神聖と人間界。ハイドンの知的なバランスが自然、人間を賛美します。神がつくりだしたものの賛美につながるというものです。すでに晩年の作品。男爵との調整をしながらの作曲のため、作曲には時間を要することになりました。　驚愕交響曲の有名な旋律が引用されます。この点でもスヴィーテン男爵と衝突がありました。台本に悩まされました。それでも音楽的な内容については一切、妥協することはありませんでした。初演はすでに十九世紀。新しい時代が動き始めています。モダンのデイヴィス旧盤。時代楽器の演奏も多く登場しましたが、管弦楽法の近代性はモダンでも性能を発揮します。また独唱者も存在感がありました。人気ブログランキング
31May
- ブラームス／交響曲第二番ニ長調
  78年のウィーン芸術週間、ウィーン楽友協会大ホールで収録されたムラヴィンスキーのライヴ。決して多くはなかったブラームス録音。交響曲第二番の演奏です。メロディア盤にも音質に難がありました。音質の改善があり、近年は演奏の特別な成果が評価されているものです。78年にはレニングラードでのライヴもあります。ロシア第二の都市、サンクトペテルブルク。ピョートル大帝が築き、ロシアから西欧への開かれた窓となりました。レニングラードはレーニンにちなんだ名です。ソ連邦崩壊後に、再びサンクトペテルブルクとなったのです。当然、レニングラード・フィルもサンクトペテルブルク・フィルと改称されました。ムラヴィンスキーの時代、メロディアのレコードとともにレニングラード・フィルと記憶しているのです。オーケストラとは緊密な関係が築かれ、ロシアを代表する音楽を提供してきたのです。ショスタコーヴィチとの直接的な接点を持っていました。レニングラード包囲戦と第七交響曲などレニングラード・フィルと銘打っていた時代の記憶も生々しい。モスクワはサンクトペテルブルクとは異なる発展を遂げました。サンクトペテルブルクはより西側に開かれていたのです。ロシアのオーケストラに期待されるのがロシアの音楽です。東側諸国指揮界の第一人者として取り上げるのもチャイコフスキー、ショスタコーヴィチは多いものでした。ドイツ音楽。ベートーヴェンもその斬新な音楽を確認することができるものです。　ブラームスは取り上げる機会は少なかったものの、その特異な性格を確認できるでしょう。鍛え上げられた合奏で、余計なものを省いた形の音楽。実態としては主観的に展開する音楽です。冒頭はゆったりとしたテンポで進めるブラームス。D-#C-Dの基本動機に導かれて歌うホルンだけでも通常のものとは異なります。後半の楽章はライヴならではの感興に導かれていきます。表現力も尋常なものではありません。残響の余韻と、レンジの広い音楽の迫力。人気ブログランキング
29May
- ワーグナー／タンホイザー
  バレンボイムのワーグナー。2001年のタンホイザー。シュターツカペレ・ベルリン（ベルリン国立歌劇場管弦楽団）の演奏です。外題役はザイフェルト。エリーザベトはイーグレン。ヴェーヌスベルクで快楽に誘うヴェーヌスはマイヤー。正道に戻そうという高潔な友人ヴォルフラムはハンプソンと歌手も揃っていました。バレンボイムはテルデックにワーグナーの主要10作品の歌劇の録音を残しました。フルトヴェングラーに私淑し、現代には珍しいうねりを持った演奏を展開します。2014年に映像が制作されました。ザイフェルトは再び外題役に起用されています。ユダヤ人であるバレンボイム。ワーグナーの音楽は政治利用されました。そのためイスラエルでのワーグナー演奏は禁忌ともなっています。イスラエル芸術祭での予定されていたワーグナー曲の演奏をプログラム変更。聴衆との対話を経て、アンコールでワーグナーを演奏しました。ワーグナーは反ユダヤ主義者でした。バレンボイムの態度は音楽と思想を切り離し、音楽的な成果を掬いあげることにあります。20世紀以降の音楽でもワーグナーの余波を切り離すことはできません。タンホイザーにはドレスデン版と、パリの聴衆の好みに合わせたパリ版があります。パリ版の成立の過程も政治利用から生まれました。ナポレオン三世はオーストリア、ドイツとの文化的な融和を目指したのです。パリは多くの芸術家を引き寄せます。ロッシーニの最後の歌劇ウィリアム・テルもパリに移っての作品でした。視覚効果、演出に加えてバレエは絶対に欠かせないというパリの聴衆の好み。ワーグナーもパリの聴衆の好みに対応しようとしたのです。多くのリハーサルが重ねられ、万全に臨んだものの歴史的な失敗となったとされる公演となりました。　聖とヴェーヌスベルクという負の対比。そして、救済が大きなテーマです。序曲は壮大な旋律と弦楽器が支える細かな刻みは典型的なワーグナーの独自の管弦楽法です。作品は禁欲的なところだけではありません。パリ版によって付けられた場面もワーグナーの音楽でした。また官能的な音楽も魅力を発揮しています。現行のものはパリ版（ウィーン版）ともいうものですが、演奏もどちらの版を採用するかは大きな問題になっていました。バレンボイムは基本はテーマ重視のドレスデン版に置き、パリ版の成果も入れる折衷するものです。作品のロマンを引き出し、旋律も大きな呼吸を持っています。人気ブログランキング
27May
- バッハ／フーガの技法
  1985年創立のイギリスのヴィオール・コンソート、フレットワーク。バッハのフーガの技法です。六つのヴィオラ・ダ・ガンバ版ということになっています。同じヴィオール属のコンソート。コンソートは小さな合奏体です。ここではヴィオール族のみで構成されたホール・コンソート（Whole Consort）ということになります。フーガの技法はオープンスコアの形で書かれています。ヴァルヒャが弾いたオルガン、ニコラーエワ、近年のエマールなどのピアノで弾かれることも一般的。グールドはピアノ、オルガンで抜粋したものを録音していました。レオンハルトは二台のチェンバロで弾かれるものと結論づけました。ケネス・ギルバートはチェンバロ独奏で演奏しています。弦楽四重奏で演奏するのも一般的になりました。シェルヘンの管弦楽編をはじめ、さまざまな演奏形態のものがあります。坂本龍一はフレットワークを「他のグループに比べてどこかアジア的で、微妙なニュアンスをもった繊細な音楽」と絶賛していました。微妙なニュアンスがこの演奏を特徴づけるものです。弦楽四重奏はヴァイオリン属の均質な響きとなります。モダンの四重奏は線的に書かれた声部を歌うように導きます。ヴィオールは外見こそヴァイオリンに似ていますが、異なる系譜の楽器です。擦弦楽器ですがフレットを持っています。ギターのものとは異なり、指板上の仕切りは動かすことができます。重音も容易。これがニュアンスをもたらすのです。演出は避けられています。演奏は自在で、今までにはない質感をもたらすものでした。　フーガに用いられる主題は一つ。調も一つで、ほぼドリア旋法から成ります。眠りを誘うために書かれたという伝説を持つゴールドベルク変奏曲に比べて遥かに睡眠導入の効果は高いでしょう。ピアニストにとっても惹きつける演奏は難しい。ヴィオールは歴史的には滅びた楽器です。受難曲から哀悼行事のカンタータ第106番の冒頭を初め、死を想起する場での登場は多い。バッハのヴィオールの用例です。フーガの技法では楽器の特定は難しく、過剰を廃した演奏姿勢から独特のニュアンスが生まれるヴィオール・コンソート版。独自の魅力を持った一枚でした。
25May
- パーセル／めでたし、輝かしきセシリアよ！聖セシリアの祝日のためのオード（1692）
  ポール・マクリーシュ指揮ガブリエル・コンソート＆プレイヤーズ。パーセルの「めでたし、輝かしきセシリアよ！」Z.328 聖セシリアの祝日のためのオード（1692 ）に二つのヴァース・アンセム「わが愛する者語りて」Z.28、「主に向かって新しい歌を歌え」Z.44を収めた一枚です。94年録音。オードは頌歌と表記されることも多い。讃える歌として頌歌。ベートーヴェンの第九交響曲の「歓喜の歌」もシラーの頌歌に由来するものです。聖セシリアは音楽の守護聖人です。オルガンの発明者ともされます。ヘンデルにもパーセルと同様のオードがあります。ロマンのリスト、グノーに至るまで音楽の聖人を讃える音楽は続きます。ローマのサンタ・チェチーリア音楽院も聖セシリアにちなんだものです。十七、十八世紀のイギリス宮廷では祝祭にあたる日に演奏された祝賀音楽が演奏されました。管弦楽に合唱、独唱が加わった壮麗な音楽。パーセルを特徴づける輝かしさは、この壮麗な音楽に合致するのです。聖セシリアのオードは宮廷以外の催しを演奏の場としています。。ロンドンで開催された聖セシリアを讃えた音楽祭に用いられました。エリザベス朝時代の宮廷音楽家パーセル。音楽祭にはさまざまな人が集い、毎年、壮麗に催されます。ヘンデルのオードが続くのもこの例に倣ったものでした。当代を代表する詩人、音楽家に大役が任されました。1692年のオードは規模が大きく他を圧倒するのです。　アンセムは教会音楽から始まりました。イギリスではイギリス国教会という特別な事情があり、言葉が生かされる壮麗な音楽として発展しました。ヴァースと呼ばれるのは独唱パートと合唱パート。交互に歌われ、管弦楽の伴奏が付されるのです。華やかな音楽は宮廷、イギリス国教会を象徴するものです。イギリス音楽はパーセルに始まりました。今日に至るまで宮廷行事を初めとした場に用いられる音楽には影響が連なっているのです。マクリーシュも演奏された状況、場にも注目。単に再現に止まらないものとしています。人気ブログランキング
23May
- テレマン／ターフェルムジーク
  ラインハルト・ゲーベル指揮のムジカ・アンティクヮ・ケルン。98年録音。テレマンのターフェルムジークの全曲盤です。さまざまな編成のものをまとめていることでも知られるバッハのブランデンブルク協奏曲。ターフェルムジークは編成だけではなく極種も多彩なものとなっています。三集は管弦楽組曲、四重奏曲、協奏曲、トリオ・ソナタ、独奏ソナタ、終曲から成ります。盛り込まれた技法の多彩さでブランデンブルク協奏曲と比肩されることが多いのです。ムジカ・アンティクヮ・ケルンの86〜87年のブランデンブルク協奏曲は異例の速度で進む演奏として知られています。ブランデンブルク協奏曲には多くの録音があります。昔からターフェルムジークはテレマンのもっとも知られた楽曲でした。全曲録音の点数はブランデンブルク協奏曲よりも圧倒的に少ない。古楽アンサンブルであっても抜粋したものをとりあげることが多いのです。バッハと比べても圧倒的な作品の総量。例えば受難曲だけでも四十曲を超えます。作品の目録、全貌を録音で捉えることが難しい作曲家です。自ら作品の出版にも関わりました。作品の売り方にも長けていた。金銭感覚を持っていました。音楽を享受する層に望ましい音楽を提供する。ターフェルムジークは食卓の音楽です。文字通り、祝宴などの背後に流れる背景の音楽です。機会音楽であり、消費される音楽となっています。テレマン以外にも多くの作曲家がこの分野の音楽を書いています。ゲーベルもビーバーをはじめさまざまな作曲家の背景音楽をまとめたアルバムを制作していました。テレマンは楽譜を予約販売を通して売り出しました。その購入者の中にイギリスにいたヘンデルの名前も見られるのは有名な逸話です。ドイツだけではなくフランスにも購入者がいました。　ゲーベルの音楽はブランデンブルク協奏曲のような快速とは限りません。曲集は娯楽音楽というまとまりよりも、室内楽としても高品位な曲の集成として聞くことができます。アーノンクールや、ヒュンテラーといった時代楽器による合奏がテレマンの音楽を再び浮上させました。古いブリュッヘンがレオンハルトやビルスマと共演していた一枚はモダンによるノノでした。ゲーベルは以降もテレマンの音楽に向き合っています。人気ブログランキング

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