アンドリュー・ワイエス展 講演記録
「境界、あるいは窓」
2026年4月28日 東京都美術館 講堂にて
講師：豊田市美術館館長 高橋秀治氏
はじめに｜ワイエスと“会った人”の話
今回の講演で印象的だったのは、
アンドリュー・ワイエス本人と実際に会った人の言葉から話が始まったこと。
高橋館長はワイエスと直接会っている。
2005年、ワイエスは首にできものがあり「人に会いたくない」と言っていたそうだが、
それでもワイエスが「高橋ならあってもいい」と言って面会が実現したという。
その距離の近さが、この講演全体の温度を決めていた。
展覧会の位置づけ
今回の展覧会は、約17年ぶりの大規模なワイエス展。
ワイエスは2009年に亡くなって以降、
作品管理の問題などから展覧会の開催が難しい画家になっている。
そのため本展の狙いは明確で、
写実の巧さではなく、
ワイエスの本質——死生観や無常観を伝えること
にあると語られた。
会場で提示された写真と人物関係
講演では、講師・ワイエス・関係者が並ぶ写真が紹介された。
左端には、メトロポリタン美術館で修復士を務めた土井氏の姿。
ワイエスの周囲には、こうした専門家たちのネットワークが存在していた。
また、なくなる一年前の2008年の展覧会準備時には、
孫娘メアリーとともにワイエスの映像制作も行われている。
さらに“ヘルガ”にも言及があった。
いわゆる「ヘルガ・シリーズ」は世界巡回後、一括購入されたのち分散され、
市場価値が高められていった経緯があるという。
ワイエスの生い立ち
1917年、ペンシルベニア州チャッズ・フォード生まれ。
「ぽつんとした場所」と表現されていたのが印象的だった。
父は著名な挿絵画家
N.C.ワイエス。
5人兄弟の末っ子で、
姉たちは画家や作曲家、その配偶者も芸術家という環境。
幼少期は病弱で学校に通わず、
近隣を一人で歩き回る生活を送っていた。
講演では、
兵隊の人形コレクション
ハロウィンのかぼちゃを夢中で作る少年
といったエピソードも紹介され、
ロマンチックで内向的な気質が強調されていた。
父との関係
父N.C.ワイエスは偉大であると同時に、非常に厳しい存在だった。
講演では、
ベルトで叩かれたこと
強い批評
なども語られ、「恐ろしい関係」と表現される場面もあった。
一方で、15歳頃までに基礎を叩き込まれたことは事実であり、
その影響の大きさも同時に指摘される。
転機｜父の死
1945年、父は事故で急逝。
この出来事について、
世界は移り変わる
同じものは留まらない
という感覚を、父の死が教えたと語られた。
ここで「喪の仕事」という言葉も出てくる。
喪失を内面で処理し、創作へと変えていくプロセスである。
妻ベッツィ
1939年に結婚した
ベッツィ・ワイエス。
彼女は単なる伴侶ではなく、
モデル
記録者
マネージャー
として機能していた。
エドワード・ホッパーの妻のように、
作品の記録を体系的に残す役割も担っていたという。
メイン州とオルソン家
ワイエスはメイン州クッシングにも拠点を持つ。
ここで出会ったのが
クリスティーナ・オルソン。
彼女は歩行が困難でありながら、
人に頼らず這って生活していた。
講演では、
実際に墓地から家へ戻る姿を見てスケッチした
という具体的なエピソードが語られた。
また、「クリスティーナの世界」絵の中では若く描かれているが、
実際には50代だったという点も強調されていた。
境界という主題
本展のタイトルでもある「境界」。
講演では繰り返し、
窓
教会の開口部
柵（ワイヤーフェンス）
船
といったモチーフが挙げられた。
それらはすべて、
こちら側と向こう側を分けるもの
でありながら、同時に
意識を向こう側へ導く装置でもある。
作品にみる死生観
《薄氷》
氷の下の枯葉と、水滴の動き。
講演では、
生と死は分けられるものではなく、その“間”がある
という説明が印象的だった。
ワイエスが「日本に渡ったのだが今どこにあるか？」と気にかけていたが生前は見つからず。(現在は三井住友銀行所蔵)1974年以来の展示である
《粉挽き場》
1960年に夫婦のために購入した建物。
有刺鉄線に絡む草や鳩の描写が紹介され、
象徴的な読みの可能性が示唆された。
《ゼラニウム》
赤い花がクリスティーナの存在を示す。
クリスティーナは向こう側の窓の光で髪の毛が靡いているのが印象的
向こう側への意識
講演を通して繰り返し感じられたのは、
ワイエスの強い「向こう側」への志向。
窓の外
海の向こう
光の先
そこには、
行けないが、確かにある世界
がある。
おわりに｜講演を聞いて
今回の講演は、情報量以上に「距離の近さ」が印象に残るものだった。
作品だけでは見えてこない、
人間関係
具体的なエピソード
制作の現場感
が重なり、ワイエスという画家が
より立体的に浮かび上がってくる。
静かな絵の奥にあるものは、
決して静かではない。
むしろ、
喪失や時間の流れを、強く意識し続けた人の視線
だったのではないかと感じた。
感想｜日本的な不在の美と、場所に宿る記憶
アンドリュー・ワイエスの作品を見ていて、強く感じたのは、日本美術との近さだった。
水彩画のにじみや抑制された表現は、水墨画を思わせるし、
テンペラに使われる顔料も土や自然に近い色が多く、どこか日本的な落ち着きを感じる。
特に印象的だったのは、「人を描かずに、その人の存在を示す」作品群だ。
《ブルーベリー収穫のためのカゴ》や、椅子に掛けられた衣服、
《松ぼっくり男爵》のようなモチーフは、どれも持ち主が画面にいない。
けれど、むしろその不在によって、強く「誰か」の気配が立ち上がってくる。
この感覚は、日本の誰が袖図屛風にとてもよく似ていると思った。
着物そのものから持ち主を想像するあの主題と同じように、
ワイエスの作品もまた、「見えないもの」を見せている。
さらに、オルソン・ハウスを描いた連作についても強く印象に残った。
あの家は、単なる風景ではなく、むしろ「肖像画」なのだと思う。
長い時間の中で積み重なった人の営みや記憶が、静かに染み込んでいる。
滅びゆくものに目を向け、それを丁寧に見つめ続けること。
そこに宿るものをすくい上げること。
ワイエスの作品には、そうした時間の厚みと、
消えゆくものへの静かなまなざしがあるようだ。