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24Jul
- マイ・CDコレクション（５９）〜バッハを聴いて思うこと
  ”全能の神”という言葉は唯一神というものの属性を表したものだと書かれていました。万物の創造主であり、今も世界で起こる出来事、人の行動までも支配しているという意味だそうです。考えてみれば神とは恐ろしい存在とも言えますが、全て神の御心のままということを信じるられる人は幸せだと本当に思います。私は全く信仰心を持たないまま生きてきた人間ですが、時にそんな気持ちになりい時、バッハを聴きます。バッハの「マタイ受難曲」を、「無伴奏ヴァイオリンのためのソナタとパルティータ」を、そして「ロ短調ミサ」を聴きます。今日は「ロ短調ミサ」を聴きましょう。リヒターの名盤で。この世の支配者でもある神は無慈悲とも言えます。支配するということは本来的に無慈悲なのです。冒頭、「キリエ」の叫び、こんな風に聴こえるのはリヒターだけ、そしてその無慈悲さこそ神を讃えるのに相応しい。最近、と言っても半年ほど前に森永卓郎さんの動画を通じて「日航ジャンボ機墜落事故」にはまだまだ解明されていない疑問点があることを知りました。そしてこの事故に隠された事実の究明に人生をかけた青山透子さんという元CAの方の著作も読みました。１９８５年の夏、乗務員、搭乗客５２４名中５２０名が亡くなるという航空機事故史上で最も痛ましい事故が、実は乗務員ではない全く別の組織のミスから始まったという仮説には強い説得力があり、未だボイスレコーダーの全部が公開されていないということ、海底１６０メートルという浅さにある破損した垂直尾翼の引き上げの検討さえされていない事実は、この事故の風化を待つ得体の知れない力を感じさせます。ケネディ暗殺も未だ陰謀説が消えないままですが、これも誰という特定できる犯人がおらず、自分たちの既得権益を脅かそうとするケネディ憎しの権力者たちのの思惑が反ケネディの人たちを動かしたということだと思います。陰謀説が消えないのは当時のジョンソン大統領がケネディ暗殺に関する公文書を２０３９年まで非公開としたためです。暗殺は１９６３年のこと。日航ジャンボ機の墜落はもちろん計画されたものではなく、偶説発的に起きた事故であることは事実です。しかしボイスレコーダーの一部、それも編集されたと疑われています、しか公開せず、全部は非公開としたことでその裏で何が起きていたのか、隠蔽された事実はないのかと疑われるのは仕方ありません。当時の中曽根首相が”墓場まで持っていく”と言ったのは、この墜落事故のことではなかったのかとも言われています。森永卓郎さんはガンにより余命宣告を受け、自分が死ぬまでにこの墜落事故の真相を知りたいと本を書いて、世に訴えています。私も、森永さんと同世代。やっぱり知りたい。バッハの「ロ短調ミサ」はそんな思いとは別に淡々と流れ、やっぱり素晴らしい。神様とはそんな存在なのかも知れませんね。
22Jul
- マイ・CDコレクション（５８）〜全く深みのないレヴァインの「惑星」、の素晴らしさ
  ”そもそもホルストの「惑星」に深みを求めるのか”という声が聞こえてきそうです。カラヤンは早くから「惑星」を録音していますが、そのカラヤン、アバドもそうですね、「惑星」をクラシックの作品としての敬意が感じられますし、バーンスタインなんかはこの曲の新しい魅力を汲み出そうとさえしています。今回紹介するのはレヴァイン／シカゴ交響楽団のCD。初めて聴いた時は、それこそぶっ飛びました。”こんな面白くて魅惑的な「惑星」は聴いたことがない！”個人的に強く印象に残っているのはカラヤン／ベルリン・フィルの最初の録音とマリナー／アムステルダム・コンセルトヘボウの二つ。カラヤン／ベルリン・フィルの圧倒的なダイナミクスの広さと最強音さえ美しい響き、それでもカラヤンはやり過ぎずこの曲をクラシックの名曲の枠内に留めます。一方マリナーと「惑星」の組み合わせには驚かされましたが、アムステルダム・コンセルトヘボウの充実した響きを得て重心の低い重厚な演奏になっていました。何よりフィリップスの録音が素晴らしかった。され、レヴァイン。レヴァインもカラヤンと同じように広いダイナミクスを誇り、シカゴ交響楽団の最強音はカラヤン／ベルリンを凌ぐ迫力を聴かせます。聴いていて、こんなオーディオ的に素晴らしい演奏は聴いたことがありません。しかしです、しかし。レヴァインの「惑星」には何も新しいものがありません。これはシカゴ交響楽団の無味無臭さも大いに関係しているのかも知れませんが、とにかくオーディオ的な魅力意外に何も無いのです。しかし、聴いていて楽しい。うーん、何だろう。無敵とも言える「火星」をどうぞ。
- マイ・CDコレクション（５７）〜ラフマニノフに関しての妄想
  ラフマニノフの４つの「ピアノ協奏曲」を集めたCDがあります。有名な「ピアノ協奏曲第２番」を聴こうと思った時にもこれを聴くことが多いです。ソロはタマーシュ・ヴァーシャーリ、指揮はユリ・アーノヴィチという人で、二人とも知らなかった人で、このアルバムで馴染みがるのは唯一ロンドン交響楽団だけ。しかし、この二人とも取り立てて何かやってる感じが無いのがいいのです。その分ラフマニノフに集中できます。全集を持ちながら、聴くのは「第２番」、たまに「第３番」くらいで済ましてきましたが、今回４つ全部聴いてみました。そして、ここからが妄想です。史実は全く調べていません。”史実は全く調べていない”と書きましたが、「第１番」が大変な不評でラフマニノフはその失敗に精神を病み、もう作曲の筆を持てないという状況にまで落ち込みますが、有名な精神科の先生の治療のおかげもあって「第２番」を書きそれが大成功だった、程度の知識はあります。まず「ピアノ協奏曲第１番」を聴いて思うのは、管弦楽部において全くほとんど素人のような書き方をしているなということです。もうテーマしか聴こえてきません。内声部が全く書けていないのです。ラフマニノフは他の作曲家、バッハ、モーツァルト、ベートーヴェン、ブラームス、先輩のチャイコフスキーなんかの研究を殆どしてないんじゃないのかな、余程自分に自信があったのでしょう。「第１番」は魅惑的な部分が全くなく試作のようで、ラフマニノフがこれが失敗に終わって筆が持てなくなるほど落胆するほどの出来と思っていたのが不思議なくらい。「第２番」は魅惑的なメロディ、そして自然な盛り上げ方という点で素晴らしい作品になっています。フィナーレで一瞬のためを入れて一気呵成に終結に持っていく所がありますが、これは流石に反省して過去の偉人たちの作品を参考にしたのかも知れません。ただ、相変わらずオーケストラパートは薄っぺらく表面的で、これは「第４番」に至るまで変わらなかったですね。チャイコフスキーの「ピアノ協奏曲第１番」の比べどこか日陰の存在なのは多分そのせいです。「第３番」はもう完全に「第２番」の焼き直しです。何も新しいものはありません。ただ初演をホロヴィッツが行い、ホロヴィッツは終生ラフマニノフは「第３番」しか弾かなかったことも幸いし、２匹目のドジョウをゲットしました。「第４番」でラフマニノフはその何か新しいものを加えようとしますが、果たしてそれがうまくいったのか？ミケランジェリは”「第２番」は作曲者自身の、「第３番」はホロヴィッツの完璧な録音があるので、私は「第４番」しか弾かない”と言ってますが、だからと言って広く聴かれている訳ではありません。やっぱりラフマニノフは「第２番」を聴けば十分だと思った次第です。
21Jul
- マイ・CDコレクション（５６）〜もっとヴェーベルンを聴こう「パッサカーリア」
  正式な曲名は「管弦楽のためのパッサカーリア」。ヴェーベルンは１９０６年にヴィーン大学を博士号を得て終了しシェーベルクに師事しますが、この「パッサカーリア」は１９０８年にいわば卒業作品として書かれました。これもインバル／フランクフルトの素敵なアルバムで聴きます。この曲はブラームスの「交響曲第４番」の終楽章をモデルにしていて、形としてはそのコピーだと解説に書かれていますが、聴いていてそんなことは分かりません。第一主題さえ聴き取れません。これを聴いて感じるのは、”ヴェーベルンこそシェーンベルクの直径の弟子なんだ”ということ。シェーンベルクはあのロマンティックな「浄夜」を書いていた頃さえ、どこか学究的な冷たさがありましたが、その冷たさはシェーンベルクの個性として残り続けます。ベルクもシェーンベルクに師事した人でしたが、その作品はもう全く別物でシェーンベルクの痕跡はどこにもありません。ヴェーベルンは例えればシェーンベルクが２０％位入っている感じ。そして多分シェーンベルクよりも音楽的才能というか感性はずっと上。この曲を聴いていてブラームスと同じパッサカリアとは全く思えませんが、よく流れる音楽になっていることは確か。全体設計の確かさを感じます。ただ、音楽に甘さというか魅惑的な要素が足りないところは損していると思います。この人は書こうと思えばそんな音楽も書けたように感じます。もったいない。今聴いているのはアルバムで３枚目のCDなのですが、紹介した２曲の他に「弦楽四重奏のための５つの楽章（弦楽合奏版）」があってそれもいつか紹介したいと思うのですが、これはヴェーベルンといえばミニアチュールの音楽になっていて、とても興味深い音楽です。「パッサカーリア」、これもインバルのが無かったのでカラヤン／ベルリン・フィルで。いやー、カラヤンで聴くととても分かりやすい音楽に変身しているのに改めて驚かされます。”うまいなー”
20Jul
- マイ・CDコレクション（５５）〜美しいヴェーベルンの「夏風の中で」
  ヴェーベルンは言わずと知れた”新ヴィーン楽派”の一人ですが、シェーンベルクやベルクに比べると比較的隠れた存在じゃないかと思います。シェーンベルクは何と言っても”十二音技法”の確立者。その音楽を聞いたことが無くても、現代音楽の代名詞として知られていますし、それ以前の「浄夜」は最早クラシックの定番です。ベルクは「オペラ」だったり、早逝したマーラーの娘を悼んだ「ヴァイオリン協奏曲」でよく知られています。比べてヴェーベルン、切り詰めた点描的な音楽ということは聞いていても、その音楽はほとんど聴かれてないかと思います。”新ヴィーン楽派”の音楽というとカラヤン／ベルリン・フィルの画期的なレコードがありましたが、同じような規模でインバル／フランクフルトが録音したCDがあります。これを聴いていてびっくりしたのがヴェーベルンの「夏風の中で〜大オーケストラのための牧歌」でした。これは「浄夜」を聴いた時以上の驚きと喜びでした。この曲はヴェーベルンがシェーンベルクと出会う前に書かれ、その後忘れられていたものが作曲者の死後楽譜が発見されています。単一楽章で１３分ちょっとの短いものですが、それでもヴェーベルンとしては異例の長さです。「浄夜」がシェーンベルクへの敷居を下げてくれるように、この曲を聴けばヴェーベルンがグッと身近に感じられるはずです。とにかく一度聴いてみて下さい。（インバルのが見つからなかったのでブーレーズ／ベルリン・フィル）
16Jul
- マイ・CDコレクション（５４）〜凄い「海」を聴きました。
  ドビュッシーの音楽は海底火山が噴火して突然できた孤島のように思えます。全く新しい感性ながら海底深くでは音楽史と地続きになっている、そんな意味です。ドビュッシーは好きなのですが、振り返ってみれば”マイ・CDコレクション”ではジュリアードとメロスの「弦楽四重奏曲」しか取り上げていません。その理由はドビュッシーの主な作品はレコードで持っているからに過ぎません。そんなCDでは数少ないドビュッシーの一つがスヴェトラーノフがフランス国立管弦楽団を指揮した「海」です。これは驚きの「海」です。必聴かと言われるとアレですが、一度は聴いておいて損は無い、そんな感じですかね。スヴェトラーノフの手にかると「海」がまるで「シェヘラザード」のように響いたりします。ドビュッシーは後輩のラヴェルと比較されることがありますが、ドビュッシーとラヴェルを大き隔てているのは、音楽の底に流れる”生命力”の違いです。私たちは海岸で岸辺に寄せては返す波を見て、そこに何か意志のようなものを感じたり、荒れ狂う海を見てその凶暴さに恐怖したりします。スヴェトラーノフで聴いていると、そんな事を考えたりします。第３楽章”風と海の対話”です。このCDにはスクリャービンの「交響曲第４番”法悦の詩”」が併録され、これもフランス国立管弦楽団でライブです。この曲については全くと言っていいほど知らないので、スヴェトラーノフの演奏がどうだという感想はありませんが、音楽自体についてはどこかシェーンベルクを思い起こさせました。
08Jul
- マイ・CDコレクション（５３）〜オペラ「アイーダ」大絶賛！
  ヴェルディの「アイーダ」、スエズ運河開口を記念して書かれた素晴らしいオペラです。こんな所に昔学校で習った”スエズ運河”が出てくなんて、ちょっと不思議な感じがします。全４幕で、３３の場面がありますが、どの場面をとってもその音楽の素晴らしさに圧倒されてしまいます。さて、「アイーダ」は”凱旋行進曲”が余りにも有名で勇猛果敢な物語のイメージがありますが、これはオペラにありがちな悲恋の物語です。話は単純でモーツァルトのように色々な登場人物が絡み合った面白さとは違う、ハラハラドキドキのサスペンスドラマ風なのが、またいい。名盤として名高いカラヤン／ウィーン・フィルの旧録で聴いていきましょう。物語の進行に伴って、何箇所か聴いていきます。舞台は古代エジプト、登場人物はそれなりに多いですが主要なのはエジプトの若き将軍ラダメス、捕虜として捕えられた実はエチオピアの王女アイーダ、そのアイーダを召使とするエジプトの王女アムネリス。この三人を抑えておけばまあいいでしょう。この三人はいわゆる三角関係です。ラダメスは密かにアイーダに恋心を抱き、アイーダも同じ。しかし身分の違いからそれを言い出せません。アムネリスはラダメスとの結婚を画策しています。第１幕への前奏曲これから起こる悲劇を予感させる素晴らしい前奏曲に続き、いよいよ開幕です。第１幕〜第２幕物語を細かく書き出すと切りが無いので、ばさっとまとめます。前半の２幕はエチオピア軍との戦いに挑むエジプト軍の司令官に選ばれたラダメスが、戦に勝利し栄光の頂点に立つまでが描かれます。そしてその進行の裏でアイーダやアムネリスの立場が説明されます。第１幕の最後にアイーダが歌う素晴らしいアリア”勝ちて帰れ！”がありますが、今回はオーケストラをメインとした音楽に焦点を当てていこうと思います。第２幕冒頭エジプトの勝利を祈る”万能なるフターの神よ”を聴いてみましょう。勇壮な音楽に溢れる中でこういう神秘的な雰囲気も素晴らしい。「オペラ」に付き物のバレエの場。第２幕からその大詰め、ラダメスの凱旋を祝う”征服者の額に月桂樹を！”、その少し前から。「アイーダ」の勇壮さがお分かりになるかと思います。さて第３幕でラダメスの運命は大きく変わってしまいます。今回の戦いで捕えられた捕虜の中にアイーダの父、つまりエチオピア王が潜んでいて、アイーダに祖国復興のためラダメスからエジプト軍の軍事機密を聞き出すように言われ、とうとうラダメスはアイーダに機密を漏らし、その現場をアムネリスに押さえれてしまいます。第３幕の大詰め”あなたが！アモナスロ！あなたが！国王と？”。その直前のラダメスが機密を漏らす場面から。栄光の頂点から地獄へ真っ逆様に落ちていくラダメスの心情を表した恐ろしい音楽です。第４幕、機密を漏らした罪で地下牢に幽閉され死を待つことになったラダメスに、アムネリスが自分と結婚すれば助かると伝えるがそれを断ります。何とか地下牢に潜り込んだアイーダと共に死を迎え物語は終わります。最後の”さよなら、大地”。その少し前からどうぞ。ヴェルディは本当に素晴らしいオペラを書いてくれました。
07Jul
- マイ・CDコレクション（５２）〜ドビュッシーの傑作「弦楽四重奏曲」
  ドビュッシーを聞いてみようかと思うと、まずは「海」とか「牧神の午後」とかが浮かんでくるのですが、CDラックを覗いてみた時、”あっ、これがあった”と手が伸びるのが「弦楽四重奏曲」なのです。この”マイ・CDコレクション”でも大のお気に入りとして、ジュリアード四重奏団のものを取り上げていますが、今回はメロス四重奏団で聴いてみました。結論からいうと、ジュリアードのものとは随分違います。ジュリアードは色々メンバー交代はあるのものの１９４６年創設に対し、メロスの方は１９６５年創設。この２０年の違いは大きく、ジュリアードは創世記のような重みがあるのに対し、メロスの方はどうしても後から生まれた者が持つ独特な思いがあるようです。メロスはとにかくスコアを読み込んでフレーズの一つ一つがどうあるべきか考え抜いたんだろうなという演奏、緻密な演奏とでもいうのでしょうか。こういう演奏は必然的に堅固な造形とは違ったものになります。フレーズを一つ一つ積み上げていったような演奏。これはジュリアードのものを聴きすぎたせいもありますが、メロスのを聴いていると、”これドビュッシーだったよな”と思う瞬間が多発します。ジュリアードはもっとストレートです。細かな所に拘泥しないので音楽に勢いがあります。その勢いが”ああドビュッシーはいいな”と思わせてくれるのです。メロスの方を先に聴いていたらここまでこの曲が好きになれたかどうか不安です。このCDにはラヴェルの「弦楽四重奏曲」も入っていて、これはジュリアードと一緒。ジュリアードの方はもう一つ誰かのものが入っています。この記事はドビュッシーの方を書くつもりで書き始めたのですが、メロスはラヴェルの方がずっといいです。ドビュッシーで感じた違和感など微塵も感じません。正直ジュリアードで聴いているとラヴェルはつまらない曲に感じていたのですが、ラヴェルはメロスのような演奏を求めていたんだと感じます。彼らの緻密さがラヴェルでは曲に生命力を与えているかのようです。ドビュッシーもラヴェルも印象派の音楽と言われたりしますが、ラヴェルは決して印象派ではありません。そういう意味では全く別の音楽なのです。人は物に当たった光の反射を網膜に投影してそれが何か分かる訳ですが、印象派はその反射した光自体を描こうとします。ラヴェルは網膜に投影された物を緻密に描く絵画なら抽象画です。ラヴェルはドビュッシーのそれを意識して自身の「弦楽四重奏曲」を書いたので、ジュリアードで聴いてもそれが分かるのでですが、メロスだとよりドビュッシーを感じます。メロス四重奏団でラヴェル「弦楽四重奏曲」をどうぞ。
03Jul
- マイ・CDコレクション（５１）〜プロコフィエフの「ピアノ・ソナタ」の不思議な魅力
  プロコフィエフの９つの完成した「ピアノ・ソナタ」と小品を入れたCDを聴きました。弾いているのはペータ・ヤブロンスキーという人。いやー、面白かった。私には「ピアノ・ソナタ」と言えばベートーヴェンが真っ先に浮かんできますが、ここにはベートーヴェンの論理性とは真反対の感覚の音楽が満ち溢れています。プロコフィエフは「ピーターと狼」「古典交響曲」それと「ヴァイオリン協奏曲第２番」くらいしか聴いていません。その中で「ヴァイオリン協奏曲第２番」はヴァイオリン協奏曲の中で一番といっていい程好きです。これじゃいけないと、「交響曲」や「ピアノ協奏曲」にも手を出しましたが、いずれも馴染めていません。そう「ロメオとジュリエット」も案外面白くなかった。プロコフィエフの「ピアノ・ソナタ」は単楽章のものもあったりで、続けて聴いていると今何番の何楽章か分からなくなってしまいますが、それでちっとも困らないというか、その場その場の響きが魅力的過ぎるのです。これは私にとっては楽しい発見でした。youtubeにはヤブロンスキーのものがありませんでしたので、一番印象的だった「第８番」の第一楽章をリヒテルでどうぞ。実はもっと驚いたのが、おまけのように入っている「バレエ”ロメオとジュリエット”からの１０の小品」という長いタイトルのピアノ曲があって、その中から「修道士ロレンツォ」「百合の花を持った娘たちの踊り」「別れの前のロメオとジュリエット」を弾いたものが入っているのですが、これが何とも素晴らしいのです。元のバレエ曲を聴き直したくなりました。
30Jun
- マイ・CDコレクション（５０）〜ワルターの「田園」、やっぱり良かった
  ”ワルターは女性的な指揮者”。フルトヴェングラー人気が異常に高まった頃、ワルターに付いて回った評価で、私もまんまとそれに振り回されあえてワルターを聴こうとはしていませんでした。それが変わったのは昔どうしてもブラームスの「交響曲第２番」のレコードが欲しかったのですがお金の無い学生のこと、１０００円で買えたワルター／ニューヨーク・フィルのモノラルのレコードを聴いた時のこと。それまでFM放送で聴いていたのとは全然違って、こんなに荒れ狂ったフィナーレを聴いたことがありませんでした。”ワルターって全然女性的じゃないじゃん”。ワルターと言えばマーラー、ということを知ったのはもっと後のこと。ワルターはマーラーに招かれてウィーン国立歌劇場の副指揮者になって以来親交だそうです。さて、現役引退を表明しヴィヴァリーヒルズで優雅な隠居生活を過ごしていたワルターにCBSコロンビア（現ソニー・クラシカル）が、専属のオーケストラを用意するからステレオでレパートリーをレコードにしませんかと持ちかけ、その後そのオーケストラと数々の録音がなされていきます。オーケストラは”コロンビア交響楽団”と表記されますが、メンバーは都度集められる臨時編成のオーケストラです。色々な録音を聴いてもその違いが分からないことからも余程優秀な楽員が揃えられてのでしょう。今回聴いたのはベートーヴェンの「運命」と「田園」が入ったCD。私はフルトヴェングラー流のあの物々しい「運命」は好きではない、という以上に嫌いです。ただアンチという訳ではなくウィーン・フィルとのスタジオ録音の「英雄」は今もってベストだと信じています。期待を持って聴き始めると、ワルターはワルターで色々な事をやってます。冒頭の”ジャジャジャジャーン”の最後の”ジャーン”を異様に引き延ばしてますし、途中でモーツァルトの「第４０番」で聴かせた有名な”ルフト・パウゼ”を思わせるような所があったりします。それにしても所々に訪れる弱音部分の見事さには言葉がありません。ワルターは自らを”教育的指揮者”と表現していますが、その意味はバーンスタインが啓蒙的な指揮者であることとは全く違って、それこぞ自分の持っているものを後世に残そうとしていることが、この録音から伝わってきます。終始冷静に落ち着いた雰囲気で音楽は進行しますが、最後流石のワルターもつい指揮棒に力が入ります。立派な「運命」だと思います。しかし「田園」が始まった途端、空気が変わります。凛とした趣が辺りを包みます。この録音は「田園」といえば必ずあがる録音ですが、それもそのはずと誰もが納得させられると思います。ワルターの名録音の代表にマーラーの「交響曲第１番」がありますが、それは全くワルターとマーラーが一体となったような演奏でした。しかしこの「田園」はちょっと違います。終始音楽に対する敬意を感じます。”指揮者は年をとらなとダメだ”と言った指揮者がいました。私はそれを単純にオーケストラに言う事を聞いてもらうためには彼らより年長であることが必要だ、くらいに思ってましたが、本来は”指揮者も成長する”と言う意味なんだとワルターを聴いて思い直しました。CBSコロンビアが専属オーケストラまで用意して現役を引退していた老ワルターを引っ張り出してきたおかげで数々の素晴らしい録音をステレオで聴けることは、私たち音楽ファンにとって何よりの幸せだと感じます。ベートーヴェンの「田園」は交響詩的な側面を持つ珍しい交響曲で、嵐の描写などついつい羽目を外してみたくなるような所ですが、ワルターは最後まで音楽的であろうとします。この造形の見事さは確かに交響曲なんだと納得させてくれるはずです。ワルターの「田園」、第一楽章です。
28Jun
- マイ・CDコレクション（４９）〜ギュンター・ヴァントという指揮者のこと
  ギュンター・ヴァントという指揮者をご存知の方の多いかと思います。私は名前だけは知っていてもその音楽には余り関心を持っていませんでした。この人は９０歳を超えた辺りから突然のように注目されたんじゃなかったですかね。特にブルックナー・ファンからの注目度が高かった。私はそのブルックナーの何かを聴いてそれほど感銘を受けなかったのでそのままになっていました。丁度シューベルトの「グレート」が聴きたくて、ヴァントのものが目に止まったので”あんまり面白くなかったら途中でやめてもいいし”という軽い気持ちで聴き始めた所です。ベルリン・フィルとのライブ録音。冒頭のホルンの落ち着いたというか凛とした響きを聴いた瞬間、”あっ、この人只者じゃないな”と感じました。その後もあのベルリン・フィルがこの指揮者に完全にコントロールされていきます。この落ち着き払った雰囲気はそうそう出せるものではありません。ヴァントは身長２メートルはあろうかという長身で、ちょっと曲がった背中を持つ見た目はもうヨボヨボのお爺さんで、体つきも病的に細身という”これでよく指揮ができるものだ”と感じさせる弱々しささえ感じますが、その眼光の鋭いことは際立っています。ちょっとムラヴィンスキーを思わせます。この録音は１９９５年のライブですが、その後１９９６年からいくつかのブルックナーがこのコンビで録音されていきます。その口火となったこのライブの成功がその後のブルックナーに繋がったんじゃ無いかと推測できます。第２楽章のどんどん沈み込んでいく様子など圧倒されてしまいます。こんな第２楽章、初めてじゃないでしょうか。リズミカルな第３楽章の流れの良さも抜群で、この辺りからヴァントの指揮にも珍しく力が入っていく感じが伝わってきますが、その造形を乱すことなくヴァントの目はあくまでも冷静です。ベームが演奏で最も重要なのは”造形”と言っていますが、ヴァントも同じ考えなのでしょう。第４楽章はシューベルトの書いた最良の音楽の一つです。歌謡性と交響曲らしい高揚が見事に合致した奇跡のような音楽。ヴァントの目は最後まで冷徹にオーケストラをコントロールし切ります。ここはライブなんだからもうちょっとサービスしてもいいじゃないかと思ったりもしますが、これがヴァントなんでしょう。オーケストラの指揮者に対する尊敬が伝わってくる演奏でした。ヴァントのブルックナーも聴き直してみたくなりました。第１楽章を聴いてみて下さい。
26Jun
- マイ・CDコレクション（４８）〜サンソン・フランソワ讃歌
  先ほどから頭の中で何かの曲のフレーズが繰り返し流れています。私にはよくある事で、元の曲がすぐ分かったり、しばらくして思い出したり、時にはずっと思い出せずモヤモヤが続くこともあります。今回は２番めのパターンで、しばらく頭の中でそのフレーズを繰り返しているうちに、”ショパンの「ピアノ協奏曲」じゃなかったかな”と思い至った次第です。自分でも不思議なのはショパンの２つの「ピアノ協奏曲」をちゃんと聴いた覚えがないのです。ちゃんとというのは大体途中までしか聴かずに終わっていたからです。結局、ショパンの「ピアノ協奏曲第１番」の序奏部分のフレーズだったんですが、ショパンの「ピアノ協奏曲」をなぜ聴いて来なかったのかについては一応理由があります。このブログで何度も書いていますが、私の音楽の根本はベートーヴェンです。釣りは”鮒に始まり鮒に終わる”と言われますが、私にとってベートーヴェンは釣り師の鮒です。何故かショパンはベートーヴェンから一番遠い所にいる音楽だと感じているのが一応の理由です。ショパンを程んど聴いていない私がそんなことを言う権利は無いとは思うのですが、何となくショパンは”感性の音楽”のように思えてしまうのです。反対にベートーヴェンは”論理の音楽”だと思っています。もちろん”感性”とか”論理”とかで一括りにできるものでは無いことも分かっています。ショパンの「エチュード」はそこに”論理”が感じられますし、ベートーヴェンの後期の作品のいくつかは”論理”をはみ出しています。そういった例外もありますが、ショパンにはサロン音楽というイメージが付き纏っていて馴染めなかったのです。それでもショパンの「ピアノ協奏曲」は何枚かのレコードやCDがあるのは、父親が遺してくれたもの。そな中からサンソン・フランソワがルイ・フレモー／モンテ・カルロ国立管弦楽団と組んだCDを取り出してきました。早速聴いてみました。「第１番」の冒頭あのフレーズが流れ”そうこれこれ”と一安心。フランソワのピアノが入ってくるとこの曲に疎い私ではかなり個性的な、崩した演奏だと分かります。その崩し方の堂に入っていること、名人芸とは正にこういう事を言うんだと思います。現代のピアニストには真似ができない、まあしようとも思わないでしょうが、技です。ただ速いパッセージで音の粒が揃っていないと感じる箇所がありましたが、それはポリーニの出現で一つ一つの音が輝かしく揃うことに慣れて過ぎてしまったのかも知れません。フランソワはポリーニとは感性が真反対のピアニストだと思います。私が好きと言った「エチュード」はポリーニが弾いたという条件付きですし決してポリーニが嫌いな訳ではありません。念のため。フランソワのピアノが面白ろ過ぎて、ピアノばっかり聴いて「第１番」が終わってしまいました。これはショパンにも責任がありそうです。オーケストラ部分が全くと言っていいほど面白く書けていないのです。終始ピアノのバックアップに努めている感じ。「第２番」も同じような感想です。確かにピアノ・パートに深みが増した感じはあるのですが・・・。しかし、今回サンソン・フランソワというピアニストを知れたことは良かった。もう少しこの人を聴いてみたくなりました。「第１番」の第一楽章でサンソン・フランソワを味わってみて下さい、
25Jun
- マイ・CDコレクション（４７）〜グリーグの「ヴァイオリン・ソナタ」
  一枚のCDがあります。デュメイとピリスのコンビによるグリーグの３曲の「ヴァイオリン・ソナタ」が入っています。このコンビで聴いたフランクの「ヴァイオリン・ソナタ」がとても素晴らしかったので、演奏には期待が持てます。さて、グリーグの「ヴァイオリン・ソナタ」はフランクに比べればずっとマイナーな曲だと思います。そんな曲があることさえ知らない人が多いのでは無いでしょうか。と書いてジャケットを読んだら、”第３番は長年にわたり全てのロマンティックなヴァイオリン・ソナタの中で最も人気のある作品”とあって、知らなかったのは自分だけだったようです。グリーグは３つの「ヴィオリン・ソナタ」について”それらは私の発展の各時期を表しているー素朴でアイデアに富む第１期、民族的な第２期、そしてより広い視野に立つ第３期”と言っています。グリーグの「ヴァイオリン・ソナタ」の特徴は、なんと言ってもピアノが思いっきり全面に出ていることです。よく「ヴァイオリン・ソナタ」の主役はピアノだということを読んだりしていますが、グリーグほどそれをはっきり打ち出したものを他に知りません。かといってヴァイオリンは伴奏かというともちろんそんなことはなく、ピアノが朗々を鳴り響き合間を、まるで勢いよく流れる川を泳ぐ魚のようにピアノに相対していくのです。ちょっと前にベートーヴェンの「ヴァイオリン・ソナタ」、普段ほとんど聴こうと思いませんが、まとめて聴いてみようとしたことがあったのですが、グリーグを聴いてしまうとベートーヴェンは聴かないで済ませても、グリーグは聴いておくべきだろうと思いました。デュメイの滑らかで艶やかな音は素晴らしい、スタイルはすごく真面目というか、ヒラリー・ハーンと同じような弾き方をするように感じました。二人に共通するのはその音の磨き上げ方に隙がないと感じさせるところじゃないでしょうか。ピアニストを評価するのは私には難しいので、ピリスは期待に違わず良かったとだけ書いておきます。人気は「第３番」らしいですが、私は「第１番」が好きかな。第一楽章をどうぞ。
- マイ・CDコレクション（４６）〜たまにはマーラーでも
  マーラーはたまに聴きたくなります。昔はマーラーばっかりという時もあったのですが、今はそんな感じです。そんな時にパッと浮かぶのが「交響曲第６番”悲劇的”」なのです。マーラーはその交響的な「歌曲」を知って以来、本来的に「歌曲」の人で「交響曲」は彼の指揮者としての音楽的欲求を満たすために書かれたんだと思うようになりました。だから好みとしては「交響曲」では「大地の歌」がベストで、続いて歌や合唱は入ったものなのですが、何故か歌無しの「第６番」なのです。バルビローリがベルリン・フィルを振った録音を引っ張り出してきました。１９６６年１月１３日のライブ録音です。バルビローリとベルリン・フィルと言えば、バルビローリが客演でマーラーの「第９番」を振ったところオーケストラが感激してレコーディングを申し入れたという話が有名で、それがこの録音の２年前の事です。バルビローリは遅めの、もっさりと言っていいようなテンポで始めます。そしてここで聴けるベルリン・フィルはカラヤン指揮の時とは全く違うオーケストラのようです。一つ一つのフレーズの入りが激しめというか、粗野と言っていい程の厳しさを感じさせます。バルビローリの唸り声が所構わず聞こえます。このCDはイギリスのテスタメントというレーベルなのですが、ここは歴史的録音の復刻で有名だそうです。リマスタリングの仕方のせいもあるかも知れません。マーラーは細身の神経質タイプでとても悲観論者だったそうですが、彼の書く「交響曲」はその反動もあってか楽天的であろうと努めているかのようです。私が高評価する「大地の歌」もテーマこそ”死”なのですが、根本は楽天的なものを感じます。悲観論者が書く悲観的な曲の代表がチャイコフスキーの「交響曲第６番”悲愴”」です。そんなマーラーの交響曲群にあって唯一「第６番”悲劇的”」だけはマーラーが自身の悲観的な面を曝け出した異質なものを感じます。子供には”聴いてはいけませんよ”と言いたくなくような不気味さがあって、もうマーラーは十分だという風になってもこの「第６番”悲劇的”」と「大地の歌」、そしていくつかの「歌曲」は聴き続けるような気がしています。バルビローリはそんな気分をよく分かってくれるかのように一つ一つのフレーズを深く、丁寧に連ねていきます。最後のハンマー、こんな強烈なものを聴いた覚えがありません。是非聴いてみて欲しいとyoutubeで音源探しましたが見つかりませんでした。
24Jun
- マイ・CDコレクション（４５）〜音楽を勉強する？
  クラシック音楽に限らないことですが、芸術はそのジャンルにおいて夥しい数の作品がありますが、人が一生のうちに触れられる数はほんの一握りに過ぎません。私はクラシック音楽好きなので、そうでもない人から比べれば何倍、何十倍もの音楽に接してきましたが、その全貌を前にするとようやくその麓に辿り着いたに過ぎないもどかしさをいつも感じています。そう思った時に、”まだ聴いていない、あるいはよく知らない曲をもっと聴いてみよう”と思う訳です。最近は、そういった曲を馴染み深いものにしようとする時はその音楽のCDをPCに取り込んで繰り返し聴くというやり方で望んでいます。今、ちょうど私にとって馴染みの無いベートーヴェンの初期の「弦楽四重奏曲」を勉強しているところです。ベートーヴェンの「弦楽四重奏曲」は中期のラズモフスキー伯爵に捧げられた３曲や、中でも私見では一人ベートーヴェンに限らず音楽界の至宝とも言える「弦楽四重奏曲第１４番」がありますが、初期に作品１８として書かれた「第１番」から「第６番」までの６曲は聞いたことさえありませんでした。聴いているのはスメタナ四重奏団のCDです。この６曲はベートーヴェンが「交響曲第１番」と同じ３０歳の時に書いていますので、難聴に悩み遺書まで書いたちょっと前の頃ですね。この６曲を聴いた時、３２の「ピアノ・ソナタ」を勉強し始めて有名な「第８番”悲愴ソナタ”」の前の７曲から受けたのと全く同じ感想を持ちました。”すでに音楽として完成している”という印象です。シューベルトの「交響曲第１番」を聴いた時、シューベルトも早くから随分立派な音楽を書いていたんだと思いましたが、その”立派さ”とベートーヴェンから受ける”完成している”という感覚はちょっと違います。シューベルトの”立派さ”は時を追うごとに内容が変化していく訳で、それが普通じゃ無いかと思うのですが、ベートーヴェンはもう骨格として”完成”していると感じるのです。ベートーヴェンはこの後はその骨格に一聴聴く人を魅了する何かを付け加えていきます。例えばハイドンの有名な”５度”や”皇帝”を含む「エルデーディ四重奏曲」やモーツァルトの「ハイドン・セット」など全部聴いている内に飽きがきてしまうのですが、このベートーヴェンの初期の６つの「弦楽四重奏曲」を流して聴いていても飽きるということがありません。ただ、続く曲の方がより魅惑的な要素が加わってはいます。「弦楽四重奏曲第１番」の第一楽章です。最後に、ベートーヴェンの音楽はは早くから完成され、それに色々付け加えていったと書きましたが、最晩年にそれまでの自分の音楽と決別したかのように別の世界に入っていきます。それが「ピアノ・ソナタ第３２番」であり、「弦楽四重奏曲第１４番」でした。
23Jun
- マイ・CDコレクション（４４）〜カルロス・クライバーの素晴らしいシューベルト
  カルロス・クライバーのレコードデビューは確かウェーバーのオペラ「魔弾の射手」じゃなかったかと思います。オペラでデビューというのはかなり冒険だったと思いますが、どの昔グールドがレコード会社の反対を押し切ってバッハの「ゴルトベルク変奏曲」でデビューしたのと同じような自信を感じさせました。私にとってオペラは苦手分野でしたのでウェーバーは聴いていませんので、私のクライバー体験はベートーヴェンの「運命」からでした。まさか「運命」からこんなにも新鮮な感動を得るとは思ってもいませんでした。カラヤンが”あいつは天才だ”と言うはずです。クライバーはレパートリーが狭い癖にオペラをいくつも出すので困っていたのですが、幸いブラームスの「交響曲第４番」やシューベルトの「交響曲第３番、第８番」を出してくれたのでその度に買い求めました。その他には例のコンセルトヘボウとのベートーヴェンも良かったですね。今回はシューベルトの「交響曲第３番、第８番」のCDを聴いてみます。（この録音はレコード、CD両方持っている数少ない例です）シューベルトの「第３番」は学生の頃、演奏したことがあるので「未完成」や「グレート」以外では一番身近に感じます。しかしクライバーで聴くとこんなに曲の印象が違うものか、確かにリズミカルで颯爽とした曲には違いありませんが、そこに何とも凄い迫力が加わります。ちょっと前までは男性的なベートーヴェンに対し女性的なシューベルトという例えが幅を利かせていましたが、フルトヴェングラーが男性的、ワルターは女性的という例えと同じくらい馬鹿げた言い方だと思います。シューベルトは決して女性的な交響曲を書こうとしたはずもなく、それどころかベートーヴェンを凌駕するものを書こうとしたはずです。もちろん若書き、３１歳で亡くなったシューベルトには晩年は無かった訳ですが、といった印象は残りますが、とてもいい曲、そして素晴らしい演奏です。「未完成」はかつては「交響曲第８番」と呼ばれてましたが、今は「第７番」なんですかね。私にはやっぱり「第８番」がしっくり来ますし、この１９７８年のCDにも「第８番」と印刷されています。シューベルトは「未完成」で完全に古典的な交響曲から脱却したのだと思います。次の「グレート」を書いた時、シューベルトは”今までの交響曲はすべて破棄したい”と言ったそうですが、その時「未完成」のことは頭に無かったんだと思います。「未完成」と「グレート」の違いは、シューベルトの目が自分の内に向かっているのか、外に向けられているかの違いだと思います。この曲から聴ける厳しさ、孤独感は何とも表現のしようがありません。それをクライバーは的確に、そして無情に聴き手に届けます。「未完成」に関しては、実は４つの楽章を完成してウィーンの楽友協会に届けたが、シューベルト自身が後半の２つの楽章の譜面の返却を申しでた、という経緯があったのか無かったのか色々言われていますが、私は”実は残りの２つの楽章は書けなかった”という説に賛同します。シューベルトは第１楽章で孤独の淵に立ちます。第２楽章では自身の魂を慰めるかのような音楽を書きました。この時きっとシューベルトはベートーヴェンのような勝利のフィナーレを書くつもりは無かったと想像します。じゃあどんな結末を書いたらいいのか、多分書けないまま放置されてしまったんではないでしょうか。シューベルトが書きたかった交響曲は「グレート」で結実します。クライバーの魅力はどんなに聴かれ尽くしたかのような曲から、新鮮なものを取り出してくることです。書き忘れましたが、オーケストラはウィーン・フィル。本当に心のこもった演奏を聴かせてくれています。これは名演です。第２楽章をどうぞ。
22Jun
- マイ・CDコレクション（４３）〜久しぶりに「運命」を聴いてみた。
  ベートーヴェンの「運命」、本当に長らく聴いていません。理由の一つは”余りにも聴きすぎてきたから”。その昔、レコードしかなかった時代、「運命」と「未完成」という組み合わせは定番中の定番でした。両曲ともとても魅力的、魅惑的ですし、本当のよく聴きました。だからその反動で両曲とも余り聴かないという訳には、実はなっていません。「運命」を聴かないもう一つの理由が”トラウマ”です。詳しくは書けませんが、学生オケ時代にこの曲が私の”トラウマ”になってしまいました。もちろんその後全く聴いてこなかったという訳ではありませんが、それ以前の頻度から言えば聴かなくなったと言ってもいいかと思うほど聴いてません。”久しぶりに聴いてみた”と書きましたが、ベートーヴェンの交響曲を「第１番」から順にBGM的に流していてその中で「運命」も流れたという次第です。そして、やっぱり感動しました。PCに色々な音楽を入れているのですが、その中にガーディナーがオルケストラル・レヴォルーショナル・エ・ロマンティークという古楽器オーケストラを指揮したベートーヴェンの「交響曲全集」もあります。全く便利な世の中になったものです。🔷ガーディナーのベートーヴェンについて元々古楽器団体は好きではありません。輝かない木管も物足りないし、何より弦楽のノンヴィヴラート奏法が気持ち悪い。ただガーディナーは面白い仕事をしているので、ベルリオーズ「幻想交響曲」、ヴェルディ「レクイエム」、ブラームス「ドイツ・レクイエム」のCDは持ってますし、それぞれ古楽器特有の響きを逆に活かした見事な演奏です。このベートーヴェンの「交響曲全集」も同様なやり方で見事に成功しています。今回は「交響曲第５番”運命”」のことを書きます。この曲はあの妙に重々しいフルトヴェングラー、重厚でいかにも正当的なカラヤン、そしてカルロス・クライバーを聴いた時には本当にびっくりしました。あれだけ聴いてきた「運命」がなんと新鮮に響いたことか！ガーディナーの「運命」も”新鮮さ”という意味ではクライバーと同じでした。音楽が生き生きとしているのです。この曲は無数と言っていいほどの録音があると思いますが、ガーディナーはその歴史の手垢を削ぎ落とした純潔さ、純粋さが魅力です。ところで冒頭の有名すぎる運命動機”ジャジャジャジャーン”は全く同じ形で第１楽章で３回繰り返されますが、フルトヴェングラーなど繰り返される度にテンポを落とすので、３回目は最初の倍くらいの遅さになっています。カラヤンもそこまでではありませんが、テンポを落とします。クライバーはどうだったかな？私はこの繰り返す中でのテンポの変化にはずっと疑問がありました。ベートーヴェンはそんなテンポ指定はしていません。素晴らしいことにガーディナーは当然のように同じテンポを貫きます。ガーディナーがこの「全集」でとったテンポは概して速いもので、それも演奏から感じられる推進力の源です。ベートーヴェンはその時代に発明されたメトロノームを元にスコアに速度記号を取り入れた最初の人ですが、ベートーヴェンの書き込んだ速度記号は概して速すぎて演奏にならないと言われています。カラヤンはベルリン・フィルと全集を３度出していますが、その２回目となる正にカラヤン／ベルリン・フィルの技術的な頂点とも言える全集で”今回”エロイカ”ではベートーヴェンのテンポ指定に従った、このテンポは従来とても演奏できないと言われてきたものだ”と誇らしげに書いていますが、ガーディナーはカラヤン／ベルリン・フィルのお株を奪うかのような速さです。ガーディナーは”古楽器の欠点を逆に生かした”と書きましたが、ガーディナーはどの曲も巨大な弦楽合奏曲のように演奏させます。古楽器団体の特徴でもあるのですが、金管、、木管はどちらかというとくすんだ響きを持ちますが、ガーディナーはそれを逆手にとって金管、木管をリズム楽器のように扱っていますが、しかしそれこそベートーヴェンが望んだ響きなんじゃないかとさえ思えてきます。「運命」も当然同じで、そのためこの曲の対位法的な面白さが顕著に現れます。かと言って迫力に欠けることもなく、逆に誰よりも迫力があります。その迫力の源が揺るぎない一貫した速めのテンポで、その推進力は並大抵のものではありません。ガーディナーの第４楽章を聴いてみましょう。どうやら”トラウマ”から脱却できそうな気がしてきました。
17Jun
- マイ・CDコレクション（４２）〜困った時はサヴァリッシュのシューマン
  ”さて、何を聴こうかな？”と思った時の曲選びは結構難題です。いくつもの曲や演奏が浮かんではきます。その場合は当然ながらよく聴き知ったものばかりなので浮かんだ途端に聴いた気になってしまうのです。そうなると、一瞬で興醒め。そんな時、よく登場してもらうのがサヴァリッシュ／ドレスデン国立管弦楽団のシューマン「交響曲全集」のCD。同じ録音をレコード、CD両方持つことは殆どしませんが、これだけは多分唯一の例外でレコードも持っています。ここには若いサヴァリッシュの、１９７２年の録音ですから当時４９歳で指揮者としては若いと言っていい年齢です、意気込みとか勢いとかまでマイクに入っている感じがします。その才能に危機感を抱いたカラヤンがベルリン・フィルの指揮台に立たせなかったと言われる何人かの指揮者の一人がサヴァリッシュと言われています。そのカラヤンを筆頭に指揮姿が美しい指揮者はそれだけで信頼が置けると思うのですが、サヴァリッシュもその落ち着いた風貌に似合わないエネルギッシュな指揮ぶりを見せてくれる人です。「交響曲第１番”春”」の冒頭のトランペットのファンファーレがスピーカーから流れてくるだけで”ああ、”ああいい演奏だなあ”といつも感じてしまいます。ジャケット表紙ではオーケストラが表記が”The Dresden State Orchestra ”となっていて”？”と思いますが、中の解説では”ドレスデン国立管弦楽団（シュターツカペレ・ドレスデン）”となっているので、多分このオーケストラの英語表記なんでしょう。１５４８年創立と書いてしまうと歴史あるオーケストラなんだなと思ってお終いですが、ヴィヴァルディが生まれたのが１６７８年、バッハは１６８５年ですからそれらよりもずっと前に誕生している考えるとちょっと驚きませんか？わがNHK交響楽団も技術的には一流と言っていいかと思いますし、その前身となる新交響楽団が設立されたのが１９２６年ですから、２年後には創立１００年を迎えようとしている訳ですがをの歴史的な重みという意味ではドレスデンの足元にも及びません。もちろん旧ければ何でもいい訳ではありませんが、ドレスデン国立管弦楽団を聴いているとその歴史が音に詰まっているような感じを受けます。サヴァリッシュがいつかのインタビューでこのドレスデンとのシューマンを”私の最高の作品”と自慢げに話していますが、本当にオーケストラにサヴァリッシュが乗り移ったかのような演奏です。「交響曲第２番」はバーンスタインのレコードデビュー曲で彼のお気に入りです。この曲に関しては晩年のバーンスタインが若い音楽家たちを北海道に集めたPMFオーケストラを指揮した演奏会が忘れられません。こんなことされたら、ダメと分かっていても拍手しちゃいますよね。もちろんこんな事をプロのオーケストラに要求しても照れてしまって受けてもらえないでしょうから、若さの勝利とも言えます。バーンスタインの例は稀に起きる奇跡のようなものですから、これはたまに楽しむ宝物として、サヴァリッシュももちろん最上の演奏を聴かせてくれます。「交響曲第３番”ライン”」は「第４番」が時系列的には「第１番」の後に書かれていますので、事実上シューマンの最後の交響曲です。冒頭の幅広さを感じさせる響きからこれが大作であることを証明しています。３０分程度の今ではコンパクトと言える規模なので大作といっても内容的にという意味です。この曲にはライン河上流にあるケルン大聖堂から受けたインスピレーションが元になったと書かれていますが、確かにそんな宗教的な感じがあります。この曲は５つの楽章を持ちますが、第４楽章は第５楽章の序奏とも考えられます。第４楽章は一つのフレーズが繰り返されるという単純な音楽なのですが、何とも言えない当別な雰囲気があります。「交響曲第４番」は昔から大好きで、シューマンといえばこの曲ばかり聴いていたものです。フルトヴェングラーの目眩くような開始に感動したりしてました。この曲にも印象的なものがあって、それはカラヤンがウィーン交響楽団とのレコーディング前のリハーサル映像です。全曲に渡って１時間ほどですが、冒頭カラヤンが”おはようございます”と登場すると早速始まります。ここで長々と演説しないのが好ましい。出だしの部分を繰り返し演奏させる部分。出だしが違うと感じたカラヤンが言葉で説明しますが、同時にタクトの下ろし方も変えているのは見事です。この映像はずっと見ていても飽きることがありません。ただ、カラヤンのシューマンも以前はよく聴いていたと思うのですが、サヴァリッシュを知ってからは殆どサヴァリッシュだけです。一時バーンスタイン／ウィーン・フィルに浮気しようと思った事がありますが、すぐサヴァリッシュに戻っています。このレコードを買ったのはもう何十年も前のこと、だから何十年もシューマンといえばサヴァリッシュなのです。最後はサヴァリッシュの第４楽章を聴いて終わりにしましょう。
10Jun
- マイ・CDコレクション（４１）〜エルガー「ヴァイオリン協奏曲」の魅力
  今、エルガーの「ヴァイオリン協奏曲」に夢中です。この曲をちゃんと聴いたのは2日前のこと。それから今日までいつものリスニングはもちろん、他所ごとをしている時にはiphoneで聴いていたりしています。何がそんなにいいのか？実はそれをきちんと説明できないのです。ベートーヴェン、ブラームスはもちろん、メンデルスゾーン、チャイコフスキー、シベリウス、コルンゴルト、プロコフィエフ、ショスタコーヴィチ、それからビュータンと、好きな「ヴァイオリン協奏曲」は沢山ありますが全て、初めて聴いた時から好きになりました。エルガーは、未だその全貌が掴めていないのですが、だから何回も聴いているのですが、この曲には先に並べた名曲たちとは随分違う表情を見せます。そしてその移り変わる表情に何とも言えない詩情が感じられるのです。もう少し書くと、「ヴァイオリン協奏曲」はベートーヴェンが随分違ったものに変えてしまった訳ですが、メンデルスゾーンが再び本来のヴァイオリンを主人公にした形に戻します。以降「ヴァイオリン協奏曲」はベートーヴェンの後継を自認していたブラームスを除けば、メンデルスゾーン寄りのものが主流となります。ただそこにベートーヴェン風の高揚するフィナーレを付け加えていく訳です。エルガーの「ヴァイオリン協奏曲」は、クライスラーが”エルガーがヴァイオリンのための曲を書いてくれたら”と語ったことから生まれただけあって、ヴァイオリンのパートは技巧を凝らしたものになってはいますが、先ほど並べたベートーヴェン以降の作曲家のものと違って、ベートーヴェン的な要素はありません。この曲はヒラリー・ハーンの素敵な録音があります。バックはコリン・デイヴィス指揮のロンドン交響楽団。このCDにはヒラリー自信が書いた文章が載っていて、多分に影響されてしまったかも知れません。まず次の文章が目に飛び込んできます。”This album is dedicated to my mom and dad,with much love”ヒラリーのこのアルバムへの自信が伺えると同時に、そこに込めた想いが伝わってきませんか？次のページにはヒラリーによるちょっと難解な詩？が載っています。ーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーこのアルバムに刻まれた精神は、その昔　音楽が言葉によって静かに高められ　　　文字に書かれた動作が深い意味ととのに命を持った時代のもの。　それはあらゆる想像が一つに溶け合い　　一つの演奏が一つの記録となり芸樹に完璧さが求められなかった時代を語るもの。　　革新と非凡な才能とが、感情に、　　情感に宿っていた時代を語るもの。　　これらの作品が示すのは、人と自然、　　　　　　　人間性。若さと蘇りが、老いた賢者の目を通して垣間見られ　　そこに明かされるべき秘密はない。　　　残れる調べは、流れる歌となり　私たちはその流れに沿って、波とともに高まり　　　　　永遠の彼方を目指す。　　　　解決がもたらす闇を憧れつつ。　　　　　　ヒラリー・ハーンーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーまだこの詩の内容を完全には理解できていませんが、最初の両親へ捧げたという文章と重ね合わせると、懐かしい情景への憧れのようなものを感じます。このCDにはエルガーの他にヴォーン・ウィリアムズの「あげひばり」が収録されていて、こちらの方は一聴気に入りました、この組み合わせはヒラリーの要望じゃないかと思うのですが、２曲続けて聴くことでよりエルガーが分かるような気がします。エルガーの第２楽章を聴いてみて下さい。何とも素敵な時間が流れているのが感じられます。
03Jun
- マイ・CDコレクション（４０）〜モーツァルトの音楽について
  長くクラシックを聴いていると、どうしてもまだ知らない曲を求めてしまいます。今回もそんな風にして聴いた曲を紹介したいと思います。ミケランジェリがモーツァルトの「ピアノ協奏曲第１３番」と「第１５番」弾いたCDで、ライブ録音で拍手も入っています。指揮はコード・ガーベン、オーケストラは北ドイツ放送管弦楽団です。”えっ、知らないの？”とモーツァルトファンからの声が聞こえてきそうですが、実はモーツァルトは苦手です。”ハフナー”から始まる後期の「交響曲」や幾つかの「ピアノ協奏曲」等々、結構聴いてはいますが、未完成の「レクイエム」を含めて聞いている時は”いいなあ”とは思うのですが、どうしてもそれらがモーツァルトの虚像のような気がしてならないのです。もちろんモーツァルトだって人間ですから、明るい気分の時もあれば悲しい時もあるはずで、年を経るに従ってどんどん生活環境が悪化していった訳ですから、後年書いた曲にその気分が反映しないはずもありませんし、それをモーツァルトの音楽的成熟と見る向きもあるかと思います。２０代後半に書かれた「ピアノ協奏曲第１３番」と「第１５番」を聴くと、すぐ目の前に迫っていた不遇をまだ知らない幸せそうなモーツァルトが居ます。聴いているこちらまで幸せな気分が伝わってきます。両曲とも第２楽章では何とも哀愁を帯びた音楽が聴けますが、モーツァルト自身は幸せな場所にいます。そしてこれらの曲で感じるのは、なんて素直で真っ直ぐな音楽なんだろうということ。それでいて全てのバランスが取れた完成品としての安定度の高さ。ヴァイオリンのハイフェッツは７歳でデビューした時から引退する７２歳までそのテクニックは変わらなかったと言われますが、モーツァルトにもそんな所があるのではないでしょうか。モーツァルトの「ピアノ協奏曲」はもっぱら「第２０番」以降のものばかり聴いていましたが、それ以前に宝物がいっぱい残っていそうです。ミケランジェリのピアノについて触れるのを忘れていましたが、色々な記事でその神経質さは知っていたのでピアノもさぞ研ぎ澄まされた音なんだろうと勝手に思っていましたが、ここで聴くピアノの音は神経質とは程遠い案外骨太で雄大ささえ感じさせます。素敵なピアノでした。「第１３番」の第一楽章です。

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