2013年ベスト10

2013年に出たアルバムのベスト10。

1. ESTAMPIE / Secrets Of The North


独のゴシックなラディカル・トラッド系バンドの9作目。耽美な響きを持つ女性voによる詠唱と、練り込まれた痛快なリズム・アレンジが交錯する音像は極めて非凡。90年代のHector Zazouの叙情性と、HEDNINGARNAの高揚感とが融合したような趣がある。HEDNINGARNAに関してはカヴァーも一曲収録しており、アルバムのハイライトを成す。曼荼羅のように展開される、精巧にして呪術的なリズムが齎す陶酔感が素晴らしい。



2. KORAI OROM / 2013


ハンガリーのスペース・ロック・バンドの9作目。「ハンガリーのOZRIC TENTACLES」と一部で呼ばれているとかいないとか。中近東風のフレーズを軸に、攻撃的なスペース・ロック/人力トランスから、瞑想的なクラウトロックまで横断する作風であり、スペース・ロックやゴア・トランス好きなら間違いなく気に入るだろう。口琴やホーミーを本格的に導入しているのが面白く、Gunter SchickertやManuel Goettschingを彷彿とさせるギターにそれらの絡む様が新鮮だ。



3. MASSACRE / Love Me Tender


初来日公演が凄まじかったマサカーのニュー・リリース。99年及び08年のライヴ音源を纏めた作品。当然全編インプロヴィゼーションながら、音源で聴くに堪えないコンテンポラリーな場面は皆無であり、これまでのリリースのなかで最も音源作品としてのクオリティが高い。荒涼とした音色で迫るフリスと、隙あらば暴走しようとするヘイワードというウルカヌス的な二人を、ラズウェルがメルクリウス的にうねり生成するベースで繋ぎ留める、スリリングなアンサンブルが格好良い。



4. STEPHAN GALLAND / Lobi


AKA MOONのdrによる初のソロ・アルバム。昨年末の作品。新世代のRoland Kirkとも呼ばれるMagic Malik (fl)や、スペインのMaquina!、Musica Urbanaに在籍したCarles Benavent (b)、acc奏者等を迎えての録音。欧州的な感性で調理されたパスコアルといった趣の、ブラジリアン・ジャズ風の楽曲を主に収録している。白眉はアルゼンチン・タンゴを解体・再構築した終盤の大曲。美しい旋律がスピリチュアル・ジャズを通過し、バルカン的な高速ジャズ・ロックへと変貌する様が圧巻だ。



5. PURSON / The Circle And The Blue Door


Rise Aboveからリリースされた、レトロ系プログレッシヴ・ロック・バンドの1st。元IPSO FACTOの女性vo/gを中心としたバンド。Rise Aboveらしい典型的なVertigoレーベルのフォロワーながら、艶っぽいvoとキノコホテルに通じる高いセンスによって、音楽マニアの趣味バンドと片付けられない魅力を放っている。新しさこそ皆無ながら、70年代のロック・マニアならば一聴の価値はある。リーダーが美人。



6. AL ANDALUZ PROJECT / Salam


ESTAMPIEとスペインの古楽/トラッド系バンド、L'HAM DE HOCの合体プロジェクトによる3作目。中世ヨーロッパを思わせる神秘的な響きや、中近東系の節回しを繰り出す女性voが魅力的。宗教混淆のアンダルース 時代の楽曲並びに精神を現代に再現するという企図通りの、エスニックでありながらも官能的な作品。



7. FLAT EARTH SOCIETY / 13


X-LEGGED SALLY分派の本流、FESによる最新作。どちらかと云えばコンテンポラリーに寄った作風。ショパンの前奏曲を換骨奪胎した本歌取り的な楽曲など、思想面での刺激を与えるものだけでなく、プログレ・ファンが求める痛快なブラス・ロックも勿論収録している。彼らの持つ幅広い作風を全て陳列したような趣の作品。



8. KARENAUTAS / Recreo


アルゼンチンのネオ・フォルクローレ系グループの1st。昨年末の作品。昨年亡くなったスピネッタに奉げられており、カヴァーも一曲収録している。Nora Sarmoriaに通じるコケットな女性voと、格調高い弦楽アンサンブルを活かした作風は高水準のもの。淡く滲んだ叙情性と軽やかに跳ねる愉快なサウンドが並ぶ。



9. STORMY SIX / Benvenuti Nel Getto


ストーミー・シックスの復活作。元GRUPPO FOLK INTERNAZIONALEのMoni Ovadiaのコンセプトに基づいた新曲ライヴを収録したDVD+CDでのリリース。全く期待していなかったが、なんの、地中海風味の芳醇なチェンバー・ロック・サウンドは、表現の強度を持ったもので、現役のバンドの作品だった。往年よりメロディーの魅力にフォーカスしており、いまいち彼らが苦手だった向きは本作を試してみると良いかもしれない。



10. DANIELE SEPE / In Vino Veritas


「イタリアのザッパ」とも呼ばれるダニエレ・セーペの新作。彼の最良の作品という訳ではないが、やはりクオリティは高く、下手なレコメン系を聴くより刺激的な音が詰まっている。ジプシー・ブラス・バンド、MAHALA RAI BANDAのアレンジに準拠したトラッド曲や、イタリアのプロテスト系SSWの楽曲のエレクトロニクス・アレンジなど、彼らしいサウンドの一枚。

2012年ベスト

年が明けてしまったけれど、去年の年間ベストを。

1. YUGEN / Mirrors

イタリアの新鋭レコメン系バンド、初のライヴ作。白熱した演奏ながら、持ち味である透明感のある美しさを失わない名演。HENRY COW「Industry」のカヴァーが白眉。



2. MICHEL AUMONT / Le Grand Orchestre armorigenE

Valentin Clastrier含む二人のハーディ・ガーディ奏者を擁したアヴァン・ジャズ・ロック作。爆発的なテンションと叙情との間を揺れ動く、ラマ風のエキゾティックなフレーズが魅力的。



3. BOB DRAKE / Bob's Drive-In

THINKING PLAGUE / 5UU'Sのマルチ奏者による新作ソロ。本作で初めて彼のソロを聴いて、あまりに好みだったために昔の作品も集める切っ掛けになった。ネジの外れたような明るさとチャイルディッシュな叙情が素晴らしい。



4. ITIBERE ZWARG & GRUPO / Identidade

Hermeto Pascoalの片腕的ベーシストの新作。相変わらずの複雑怪奇な楽曲が凄まじく、特にORQUESTRA FAMILIAにも参加のフルート奏者が耳をひく。超絶技巧かくあるべしといった作品。



5. HIDRIA SPACEFOLK / Astronautica

フィンランドのスペース・ロック・バンドの4th。正に「脳天を勝ち割られるような」という表現が相応しい、へヴィなリフで押し切る作品。この手のジャンルは何故か人気が低いが、若い人は絶対に好きなタイプだと思う。



6. MICHAEL RIESSLER / Big Circle

ドイツの管楽器奏者リースラーの新作は、バレルオルガン奏者のシャリアールをフィーチャーしたアヴァン・ジャズ・ロック作。複雑に組まれたリズムとハイテンションの演奏が圧倒的。



7. PANZERBALLETT / Tank Goodness

ドイツのアヴァン・ジャズ系バンドの新作。ランディ・ブレッカーが持ち曲でゲスト参加している。カヴァー曲を多く収録しているものの、いずれもグロテスクなまでに解体され、胸のすくようなファンク・レコメン風のアレンジになっている。X-LEGGED SALLY、SHINING辺りが好きなら必聴。



8. FREQUENCY DRIFT / Laid To Rest

ヴァイオリンが全編に渡り活躍する、ドイツの耽美的なフィーメイル・シンフォニック系バンドの新作。音色や音響に拘った楽曲群は、流行りの能天気で下品なシンフォ系バンドとは一線を画する品格あるもの。内に沈み込む雰囲気はジャケットの印象通り。



9. ANGLAGARD / Viljans Oga

再結成したアングラガルドの新譜。雰囲気作りは一級ながら、メロディの魅力が薄いバンドという印象を抱いていたが、本作はどのパートを取ってみても魅力的で、彼らの最高傑作と云って良いと思う。



10. THINKING PLAGUE / Decline And Fall

THINKING PLAGUEの新譜。人工的・無機質的な変拍子が個人的にはやや苦手なのだが、無機質なアンサンブルにコケティッシュな女性voが乗るという対比は完成形にある。好みからすればBob Drakeの不在が痛いところ。


QUINTESSENCE / Dive Deep


QUINTESSENCE
/Dive Deep ('71)


曲目

1. Dive deep (4:44)
2. Dance for the one (10:45)
3. Brahman (4:17)
4. The seer (6:00)
5. Epitaph for tomorrow (8:22)
6. Sri Ram chant (7:59)


　6人中4人のメンバーがインド風の芸名(Raja Ram、Shiva Shankar、Maha Dev、Sambhu Babaji)を持つことで有名なQUINTESSENCEの3rdアルバム。彼らはIslandレーベルが初めて契約したプログレ系バンドであることでも有名で、Queen Elizabeth Hallにて4日連続開催されたコンサートのヘッドライナーを務めている(他のバンドはSTRAWBS、STEELEYE SPAN、Rory Gallagher、Keith Christmasなど)。更にはDOORSのJim Morrisonが気に入り、当時米国でのリリースがなかったにも拘わらず、彼らのアルバムを全て所持していた(シヴァの自己申告)ことでも有名(？)であり、そして、なんといってもリーダーであるフルート奏者のラジャ・ラムが後にゴア・トランス・ユニット、SHPONGLEで大成することで殊に知られている。

　以上、散々強調したように、どう見ても有名バンドである彼らだが、何故か日本での知名度は低く、下手をするとプログレ・ファンよりも、SHPONGLEのラジャ・ラムが昔やっていたバンド、という繋がりで聴いたトランス・ファンの方が多そうな有様だ。この経緯にはラジャ・ラムにも問題(？)があり、彼の主催するTIP. WorldレーベルからQUINTESSENCEとSHPONGLE(及び彼の別ユニットである1200 MICROGRAMS、CYBERBABAS)、そしてTIP. Worldの名前元である彼のアンビエント・サイケ・ユニット(ゴア・トランスの基礎となった曖昧なジャンルで、ラジャ・ラムの精神性を強調したいファンはSHPONGLEもここに分類することが多い)、THE INFINITY PROJECTの音源を収録した、コンピレーション作品をリリースしており、アクセスが良いことが一因になっているだろう。iTunesにQUINTESSENCEのアルバムをインポートすると、ジャンル名に「Electronica」と表示されるので、やはりトランス方面から主に認知度されているようだ。因みに余談ながら、TIP. WorldにはOZRIC TENTACLESの別働トランス・ユニットであるEAT STATICが在籍していたことも、特筆に価するだろう。EAT STATICはプログレ専門店でも一時期販売されたようなので、スペース・ロック系のファンの中には記憶されている方もいるかもしれない。

　QUINTESSENCEの知名度が低いのは恐らく、国内盤が発売されなかったこと、そもそもサイケ/スペース・ロック系の需要が薄いこと、そしてQUINTESSENCEに辿り着いた人も、「メンバーがインド人」というエキセントリックな紹介に比して、ソフト・ロックの残り香を感じさせるソフトなプログレ路線にそっぽを向いてしまったこと、といった要素が重なった為だろう。しかしながらその音楽性は極めて高く、あらゆる時代の音楽やジャンルを並列して取り扱うことの出来る現代ならば、改めて再評価できるはずだ。
　QUINTESSENCEの演奏の特徴としては、美声のシヴァによる独特の東洋的な歌唱、ラジャ・ラムによるグリッサンドを多用したインド色の濃厚なフルート、サイケデリックでありながらブルース色が皆無で、瞑想的な雰囲気に上手く馴染んだソロを聴かせるAllan Mostertのリード・ギター、そしてシタールやパーカッションといった民族楽器の使用が挙げられる。東洋風のエッセンスを多分に含みながらも、ジャーマン・ロックのような奇を衒った感覚は殆どなく、東洋的なものがもつ瞑想的な美を、ソフト・ロックが持つ柔和な美と二重写しに描き上げたのが彼らの美質だ。本作に於いてその融合は頂点を極め、墨汁で描き出された桃源郷を思わせる世界は、唯一無二の境地に達している。


　「Dive Deep」はビート・ポップをより濃厚にしたような作風で、彼らの楽曲のひとつの典型的な雰囲気を持つ。他の作品でも時折覗かせるハワイアン風味のある楽曲で、テープの逆回転やラップが飛び出す一筋縄では行かぬアレンジが面白い。「Dance For The One」はスタジオ・セッションを一発撮りしたような楽曲。リバーブとエコーをかけたフルートの瞑想的なアドリブを、リズム隊が呪術的に盛り上げる。「Brahman」は本作の白眉。霧がかった神秘的な雰囲気を以って始まり、中盤のメロトロンらしき音(オルガンの音を弄ったものかもしれない)とヴァイブによる哀愁的な間奏を経て、押し殺そうとするも止め処なく漏れ伝う感情をそのまま音にしたような、冷たく燃え上がる詠唱を繰り返す。日本人好みの楽曲で、CAMELの「Ice」やPINK FLOYDの「Echoes」が好きな方は気に入ることだろう。続く「The Seer」は前曲のエピローグといった趣きの楽曲で、情感的ながらもどこかポジティブな達観した響きがある。彼らにしては珍しくメロトロンを使用しており、世にも珍しいメロトロンとシタールのアンサンブルを聴くことが出来る。リバーブを過剰にかけたフルートによる、逆回転風の演奏も非常に斬新。「Epitaph For Tomorrow」は本作で一番プログレッシヴ色の濃い楽曲。(彼らとしては)ヘヴィな楽曲だが、それでもアルバムの雰囲気を壊さないよう丁寧に練られたアレンジと音色作りが素晴らしい。終曲の「Sri Ram Chant」はインド色が全面に出た楽曲。シヴァと女性ボーカル(ゲストというより共同生活をしていたコミューンの仲間だろう)の唱和と、シタール、パーカッション、フルートによる演奏はかなり本格的だ。


　散漫でやや古臭さも感じられた前作までと、瞑想的な美しさが後退しビート・ポップに振れた次作を手放しに評価することは出来ないが(いずれのアルバムも名曲があるので、聞かず嫌いで終わらせるのは勿体ないが)、本作は楽曲の魅力・アドリブの冴え・アレンジの新鮮さ、どれを取っても超一流の名盤だと胸を張って言える作品だ。プログレ好きからは敬遠されそうなジャケットだが、中身はプログレ好きも満足出来るものなので、是非とも聴いてみて頂きたい。入門としてはQueen Elizabeth Hallの2枚組みライヴ盤(下手なスタジオ盤より音が良い)もお薦めだ。
　因みにIslandからリリースされた初期3作は、RepertoireレーベルからCD再発されており、元GROBSCHNITTのEROCがリマスターを担当している。ジャーマン・ロックもののリマスター然り、彼のリマスターしたものは妙に音が良いので、いずれも安心して聴くことが出来る。

STEVE HILLAGE / L


STEVE HILLAGE
/L ('76)


曲目

1. Hurdy Gurdy Man (6:33)
2. Hurdy Gurdy Glissando (9:01)
3. Electrick Gypsies (6:26)
4. Om Nama Shivaya (3:33)
5. Lunar Musick Suite (11:58)
6. It's All Too Much (6:29)


　元GONGのスティーヴ・ヒレッジのソロ2作目。プロデュースがTodd Rundgren、演奏には『Ra』('77)以降のUTOPIAを支えるRoger Powell(kbd)、Kasim Sulton(b)、John Wilcox(dr)が参加。更に5曲目ではなんと、Ornette ColemanやJohn Coltraneとの演奏等で知られるDon Cherry(tp,bell,tamboura)のトランペットも聴けるという、かなり豪華な顔ぶれでの録音だ。
　トッド率いるUTOPIA勢が全面的にサポートしているものの、音楽性としてはGONG～1stソロ『Fish Rising』('75)の延長線上にあるスペース・ロック路線を概ね踏襲したもので、明確なトッド色は1曲目のDONOVANと6曲目のTHE BEATLESカヴァーという選曲センスに見られる程度だ。(本作『L』と同年のトッドのソロ作『Faithful』は旧A面が有名バンドのカヴァー集になっている)


　以前読んだヒレッジのインタビューで、セッション中にピエール・ムーランが演奏中にテンポを変えたのでヒレッジが「何故テンポを急に変えたんだ、一定のリズムをキープしないと気持ち良くないじゃないか」と演奏を止めて怒ると、ムーランは「俺は機械じゃないんだから決められたことをやるのは絶対に嫌だ。人の温もりのある生きた演奏がやりたいんだ」と言い返し、それに対してヒレッジは、もう人間とやるのではなく機械に合わせて演奏した方が自分の好きなものが出来ると思ったという趣旨のことを話していたのだが、これこそGONG一派と袂を分かち、トッド・ラングレン率いるUTOPIAを採用した理由に思える。
　元祖宅録ミュージシャンであるトッドは、音楽的な整合性と快感を最優先にするカラヤン・タイプ(多少言いすぎではあるが)であり、精神性云々といった文学的な要素が良くも悪くも希薄なミュージシャンだ。そして彼率いるUTOPIAは一流のひねくれポップを、超絶技巧と複雑怪奇なアレンジで豪奢に演奏するといったバンドであり、その音楽的な快感を追及する姿勢がヒレッジの精確なビートの齎す陶酔感への嗜好と噛み合ったのだろう。一糸乱れぬアンサンブルが売りのUTOPIAのお陰で、GONGのユルさを引き摺っていた前作からダンサブルな方向に一歩進んでおり、GONGとは異なるヒレッジのカラーが提示された作品に仕上がっている。


　1曲目はDONOVANのカヴァー。基本的にはオリジナルに忠実だが後半に疾走してゆく辺りがヒレッジらしい。そして2曲目が1曲目の翻案といった趣のエキゾティックな楽曲。後のSYSTEM 7で自作曲のリミックスはもとより、他人の楽曲のリミックスまで発表している(トランスの世界ではリミックスはごく一般的な手法)ことから分かるように、ヒレッジ自身オリジナルということに拘らず、自らのフィルターを通過して既存のものが屈折することに関心のある本歌取り精神の持ち主であり、それがトッドのカヴァー・ブームと重なった結果生まれた楽曲といえるだろう。最後の『アラビアのロレンス』が心憎い。個人的には本作のなかで一番出来の良い楽曲だと思う。Don Cherryのトランペット・ソロが聴きどころの5曲目は、テクノ風ループの上でヒレッジが弾きまくるGONGとSYSTEM 7を繋ぐような演奏から、次作以降に見られるアンビエントな音響をバックにギターとトランペットがソロを執る一曲。どのギター・ソロにも言えるが、聴き直してみるとヒレッジが思いのほかブルージーなフレーズを弾いているのが興味深い。独創性という点ではGONG時代のソロの方が勝っているように感じられるが、これはこれでキマッた状態で聴こえる放射状に拡散したブルースという趣で味がある。


　個人的には本作をGONG一派への入門としてお薦めしたい。GONGというと最初に『Radio Gnome Invisible』三部作に手を出すと思うが、『Flying Teapot』('73)は気負いが勝ちすぎて生固な音で魅力がやや薄く、『Angel's Egg』('73)はキメた状態での垂れ流しが多くやや難解、そして傑作と名高い『You』('74)もユーモアと疾走感のある演奏と垂れ流しとが入り乱れていてこれまた難解なので、その知名度の割りにすんなりと気に入った人は少ないのではないだろうか。GONGの人気は「Master Builder」、「You Can't Kill Me」という疾走感のある分かりやすいキラー・チューン(この表現は好きではないが)によるところが大きいように思える。GONG本隊の入門に一番お薦めな『Camembert Electrique』('71)も、分かりやすく格好良い楽曲は多いものの、全体的なクオリティと独自性では三部作に劣り、トータルな作風ながらやや散漫で集中力が切れてしまう。(ちなみに1stの『Magic Brother』('69)も素晴らしい作品なのだが、如何せん後の作風とは異なるアート・ロック路線で音も古めかしいのでGONG入門という意味では適していない。とはいえ聴かず嫌いはもったいないクオリティなので未聴の方にはぜひ聴いてもらいたいが)


　その点本作は前編に渡ってエキゾティックな疾走感のある演奏が楽しめ、遊び心のある演出もところどころに配されており、GONGの前評判で期待する要素がみっちり詰まっている。スペース・ロックという言葉に惹かれてGONGを聴いても、各アルバムに1～2曲しかなかったとガッカリする可能性があるが、ノリを追求した本作なら概ね期待通りの音が聴けたと満足出来るだろう。そこから段階的に『Camembert Electrique』、『You』と聴いていけば、あのユルいサウンドに馴染みやすいはずだ。

　
　気がついたらGONGの入門談義になっていて収集がつかなくなっているが、まあこんなところで。

プログレ三昧的な何かセット・リスト

先日イオロスの老害たちでダラダラ流した、プログレ三昧的な何かのセットです。
ご視聴頂いた皆様ありがとうございました。
今回はグダグダ過ぎたので、またリベンジをしたいと思います。


1. Watcher Of The Skies / Genesis
2. There's No Vibrations, But Wait! / Edgar Broughton Band
3. Luglio, Agosto, Settembre (Nero) / Area
4. Muutos /Haikara
5. 貝殻節 / 遠峰あこと爛漫社中
6. Dancing Madly Backwards (On A Sea Of Air) / Captain Beyond
7. Armworth / Captain Beyond
8. Myopic Void / Captain Beyond
9. Cumbur Cemaat / Erkin Koray
10. Vas Dis / Wishbone Ash
11. China / Electric Sandwich
12. Time Warp / Rick Derringer
13. Dicitencello Vuje / Alan Sorrenti
14. Viva Mi Sevilla / Carmen
15. Descenso En El Mahellstrong / Crack
16. Sunkissed You're Not / Greenslade
17. Le Photographe Exorciste / Atoll
18. Ice / Camel
19. Seascape / Pete Bardens
20. Safe Driving / Wuja Bin Bin
21. Le jardinier du couvent / Malicorne
22. Mizzenmast (edition 1) / 冨田ラボ
23. Ocean Gypsy / Renaissance
24. No Time Like The Present / Bob Downs Open Music
25. Krautrock / Faust
26. 77 Slightly Delayed / Ashra
27. Light: Look at Your Sun / Ash Ra Tempel
28. 裸の王様 / じゃがたら
29. おまつり / 四人囃子
30. Song For Bilbao / Michael Brecker
31. Gryf / Tabula Rasa
32. The Birds / Peter Hammill
33. Roentgen 19:30 / Progres 2
34. ポケモンカードGB BGM
35. Al Svartr (The Oath) / Emperor
36. Ye Entrancemperium / Emperor
37. High On Mount KaiLash / Quintessence
38. Wonders Of The Universe / Quintessence
39. To Take Him Away / Sandrose
40. Underground Music / C.A. Quintet
41. Caravan / Wynton Marsalis
42. Echoes / Pink Floyd
43. Arrow / Van Der Graaf Generator
44. Digscussion No.1 / Hans Dulfer
45. Dig! / Hans Dulfer
46. My Head Feels Like A Frisbee / Shpongle
47. Lunatic / Wallenstein
48. Zhivago / OJM + Kurt Rosenwinkel
49. Il Vecchio E Il Bambino / I Nomadi
50. Nemesis / Aaron Parks
51. Das Echo Der Vergangenheit / Achim Reichel And Machines
52. Smash / Avishai Cohen
53. Hey.Who Really Cares? / Linda Perhacs
54. Twelve Moons / Jan Garbarek
55. Seven-Ate Sweet / Kaleidoscope (US)
56. Adyton / Gyorgy Szabados
57. 死んだ男の残したものは / 石川セリ
58. Megalith / T-Square
59. 旅する楽隊 / ロバの音楽座
60. Elevation Of Love / E.S.T.
61. La Mouette / Raymond Vincent
62. Blue Wolf / John Abercrombie Quintet
63. Trobluhs El E Isch / Annexus Quam
64. Whole Lotta Love / Nguyen Le
65. Autumn Fantasia / Faithful Breath
66. Darkside / Dark
67. Blue Period / Jon Hassell
68. Light on Water / Jon Hassell
69. Matte Kudasai / King Crimson
70. Third Wind / Pat Metheny
71. Lost Angels / Colloseum
72. Blue / Moon
73. Moog Stone / Buffalo Daughter
74. Cantelope Island(Live) / Herbie Hancock
75. Miracles out of Nowhere / Kansas
76. 水没都市 / 人間椅子
77. 夜歩くプラネタリウム / 人間筋肉少女帯
78. The Soft Weed Factor / Soft Machine
79. Ommadawn / Mike Oldfield


以上79曲でした。
次は100曲やりたいですね！

LUTZ RAHN / Solo Trip



LUTZ RAHN
/Solo Trip ('78)


曲目

1. Solo Trip (3:11 )
2. Yeti (4:16)
3. Galaxy Taxi (4:43)
4. September (3:54)
5. Drakula`s Kuss (4:30)
6. Jubel Trubel (3:46)
7. Minuetta (4:13)
8. Ausklang (2:38)


　ジャーマン・シンフォニックを代表するバンド、NOVALISのリーダー格であるキーボーディスト、LUTZ RAHNのソロ・アルバム。NOVALISの『Brandung』('77)と『Vielleicht Bist Du Ein Clown?』('79)(ちなみにジャケはヒプノシス)に挟まれた時期のリリースで、バンド全盛期に録音されたソロ作ながら、全編ラッツのキーボードと打ち込みで制作されており、一部の生ドラムをラッツの個人的な友人であるHelge Tillmannが担当しているのみである。ラッツによると、NOVALISではハモンドでの演奏が中心になっているので、当時の先端を行くシーケンサー等のエレクトリックな機材を使用したかったとのことで、YESのソロ企画のようにバンドで溜まったストレスを発散させる意図もあったと思われる。


　本作は『Vielleicht Bist Du Ein Clown?』以降のNOVALISに見られるような、コンパクトな楽曲を収録しており、シンセサイザーを基調とした演奏は、殊にNOVALIS同様の疾走感のあるパートに於いて、ニュー・ウェイヴ的な印象を受ける。NOVALISでも抜きん出た力量を持ったプレイヤーだけに、ソロ作では他のプレイヤーに邪魔されず(NOVALISはベーシスト以外のメンバーがみな、技量に問題がある為)彼のテクニックを披露するのかと思いきや、キーボードの多重録音による楽曲はNOVALIS以上にアンサンブルを重視しており、NOVALISに於ける彼の華麗なキーボード・ワークを期待するとこけてしまうかもしれない。むしろ彼の興味は新しい楽器の持つ新鮮な音色と、そこから引き出される自らのアイデアの変容にあったように思える。曲調はNOVALISの中核を担っていた人物だけに、ジャーマン・シンフォニックらしい歌心とSF的な志向を持った疾走感が中心になっており、シンセサイザーの全面的な使用によって、NOVALISよりもSF志向が強いものに仕上がっている。ラッツ曰く、私がヘタクソな歌い手だからヴォーカル・パートを取り除いたのさ、とのことで、NOVALISで叙情的なパートを担っていたヴォーカルがいない、全編インストゥルメンタル作品ということも、SF志向を強める結果に繋がっているように思える。


　それでは、楽曲の中から幾つか拾ってコメントしてみよう。1曲目はNOVALISがアルバムの掴みとしてよく用いていたような、疾走感のあるナンバー。近未来的なSF観ながら、どこか可愛らしいのが如何にも彼らしい。3曲目はメロトロンが「ドイツ・ロマン派的」と形容されるような哀愁のメロディを奏でる佳曲。メロトロンの鄙びた音色と、バックのSF的なシンセサイザーとの対比が面白い。「NOVALISのラッツ・ラーン」にファンが求めるものはこういった音だろう。中間部のメロディの展開がVANGELISを髣髴とさせるのも、プログレ・ファンをときめかせる。8曲目はピアノのアルペジオをバックに、ムーグ・シンセがうらびれたメロディを繰り返す美しい終曲。FAITHFUL BREATHの1stのA面に通じる印象的な楽曲だ。大味な嫌いのあるNOVALISの表現よりも繊細で、日本人好みの雰囲気が良い。


　他の楽曲は基本的に1曲目に通じる雰囲気のもので、些か食傷してしまうかもしれない。かといって出来が悪い訳でもないので、一聴の価値はあるだろう。ニュー・ウェイヴやVANGELISが好きな人に対する、ジャーマン・シンフォへの足がかりとして良さそうだ。プログレだけが好きな人ならば、NOVALISを聴き尽くしてしまったがあの世界観をもう少し味わいたいというときに聴くべきアルバムだろう。愛すべき佳作といった印象の作品だ。

お気に入りプログレッシブ・ロック・アルバム TOP10

アメリカの読者投票で「お気に入りプログレッシヴ・ロック・アルバム　TOP10」なる企画があったので、自分なら何だろうと選出してみた。

10位Phoenix / Cantafablue
9位Malicorne / S.T. (4th)
8位Soft Machine / Third
7位Algarnas Tradgard / Framtiden Ar Ett Svavande Skepp, Forankrat I Forntiden
6位La Manzana Cromatica Protoplasmatica / Titiriscopio
5位Grobschnitt / Ballermann
4位This Heat /S.T.
3位Sandrose / S.T.
2位Osanna / Palepoli
1位Van Der Graaf Generator / H to He Who Am the Only One

イギリス、イタリア、ドイツ、フランス、南米、東欧、北欧から最低一枚は入れて、
ブリティッシュ・ロック、シンフォ、レコメン、ジャズ・ロック、トラッド、最近のものと、
広く選出できたはず。

好きなアルバムという括りで考えると、好きなバンドでも外れるものがあって、
考えているだけでなかなか面白かった。
例えばCamelのように曲単位で勝負するバンドは分が悪かったり。
King Crimson / IslandsとFaust /  S.T.は最後まで悩んだけれど、
広さを優先して選外になってしまった。

EARTH & FIRE/To The World Of The Future



EARTH & FIRE
/To The World Of The Future ('75)


曲目

1. To the world of the future (10:47)
2. How time flies (3:10)
3. The last seagull (6:55)
4. Only time will tell (3:46)
5. Vote from yonder (7:00)
6. Love of life (3:21)
7. Circus (6:12)


　オランダのEARTH & FIREが'75年に発表した4th。
　ジャケットからもの凄い駄目な雰囲気が醸し出されている上に、音の方もニューウェーブ色が加わっているという情報が耳に入る為か、プログレ・ファンからは敬遠されやすいアルバム。元々がポップなセンスを持ったバンドで、プログレ期でさえポップ・バンドが流行りのプログレを取り入れてみましたという感じを受けるので、そのバンドのプログレ色が薄れ始めた頃のアルバムとなると無視されるのも致し方無いか。再発状況を見ても1st～3rdと比べて明らかに不遇で、ジャケットからは哀愁すら漂っているように感じられる。

　そんな訳でかく言う自分も別に聴かなくて良いかなと思っていたのだが、Esotericからの再発を期に聴いてみたところ、なんのなんの、これが予想を遥かに上回る面白い音だったから驚いてしまった。というか、そもそもニューウェーブ色自体、1曲目を除いてほぼ皆無なのだ。アルバム全体としてはシンフォニック、ジャズ・ロックにトラッドとバラエティに富んだ内容で、ぞんざいな扱いはジャケットに因る風評被害だと思えるほど素晴らしいものだ。

　問題の1曲目だが、これがピコピコしたニューウェーブ丸だしのシンセが投げ出されて始まり、ズッコける。しばらくするとメロトロンとムーグが入って気を取り直すものの、「Future！」というダサいかけ声で再びズッコける(笑)。その後はピコピコ音に乗せたダサいラップもどきが始まるのだが、ここに賛美歌風コーラスと懐かしい薫りのするメロディとが対立するように表れてくる。これが非常に面白いのだ。ニューウェーブとプログレとが激しく軋みながら衝突する感覚。ニューウェーブに移行しようとして、アルバム内にプログレ風の曲が少し残っているようなアルバムは多くあるが、ひとつの節で両者が表れているのはかなり珍しい。正直なところ彼らのメロディは綺麗なのにどこか表面的で、平板な感じがしてしまって好きになれないのだが、そこにニューウェーブの感覚が全面的にぶつかって来ることで奇妙な深みが生まれ、ただ綺麗なメロディを演奏するよりも断然入り込める音に変化している。いや、白状してしまおう。この「奇妙な深み」は完全に違和感だ。叩き付けられる違和感が途方もなく美しいのだ。よく使われる手法として、哀愁のメロディと16分音符の細かい刻みという、片や地を這うような感覚で片や突き抜けた爽快感という真逆の要素を持ったふたつを衝突させ、独特の飛翔感を演出するというのがあるが、受ける印象としてはこれにかなり近い。沈み込むメロディを抱えたまま駆け上がるのだ。

　中盤から曲は「クリムゾン・キングの宮殿」と「エコーズ」を足して2で割ったような調子になってしまい、安定した魅力こそあるものの希求力が低くなる。だが、これはこれでプログレ好きに訴えかけそうなアプローチなので、時代の空気感とでもいうことにして目をつむろう。
　そして、その後の曲たちはクラシカルなトラッド曲や、まさかこのバンドで聴くことになるとは思わなかったネオン・レーベル風の湿ったジャズ・ロックなどが小曲で並び、1曲目ほどのパンチはないものの、通して聴くと音色の多彩さが心地良い。尤も散漫に聴こえなくもないが、それが良くも悪くもこのバンドの特徴なので割り切って聴くべきだろう。

　アルバムを通して感じるのは、元来ポップ・バンドだったはずの彼らがいざプログレではなくポップスをやろうという段になって、やっぱりプログレがやりたい！　と感じて両者をごちゃ混ぜにやってしまったという印象だ。ポップスがやりたかったんだけど、これまでやってきたプログレもやっぱりやりたくて、でも本当はポップスが……といった難儀な逡巡が見て取れる。個人的にはただ表面的にプログレをなぞった3rdまでの作品よりも、やりたいことの間で揺れているような本作の方が彼らの肉声が感じられて好きだ。ポップスもプログレも好きなんだけど、どちらかに振り切れてしまうのは嫌、というどこかに行き着けない感覚がとてもプログレ的に思える作品。

DASPUTNIK/Parapsykosis




DASPUTNIK
/Parapsykosis ('09)


曲目

1. Hzz (10:31)
2. Electromagnetolithic Experiment (7:13)
3. Tigerbalm (6:24)
4. Bowl of Soup (2:59)
5. St. Vitus Disco (3:16)
6. Space in India (11:22)


　フィンランドの新鋭DASPUTNIKが'09年に発表したデビュー作。ギター、キーボード、ベース、ドラムという通常のロック編成にサックスを加えたバンドで、70年代を色濃く引き摺ったスペース・ロックとでも分類すれば良いだろうか。

　さて、いきなりだが、このアルバムのハイライトは一曲目の出だしだ。ファズ・ギターが中近東風のリフを攻撃的に提示すると、それに呼応してバスドラが煽り立てるようにキメ、ロールと共にバンド演奏へと雪崩れ込む。これが滅茶苦茶格好良く、一発で彼らの世界に引き込まれてしまう。音楽評論家が「レコードなら針を落とした瞬間、CDなら再生ボタンを押した瞬間にその場の空気が変わるものが“名盤”だ」と書いているのを読んだことがあるが、このアルバムは正にその“名盤”の規定に適うものだ。

　彼らの曲の印象を例えるならば、GONGのアッパーな曲(「You Can't Kill Me」等)をより激しくしたものと言えるだろうし、KING CRIMSONの先鋭的な曲にサイケデリックな酩酊感を加えたものと言っても良いだろう。更に言うなら、JUNO REACTORやS.U.N. PROJECTといったトランスを古めかしい音色にしたものとも表現できる。やたら色々なものに例えてみたが、とどのつまり後進バンドの特権である、音の激化と諸要素のミックスといったことを活かしきっている音なのだ。

　彼らにとって独創性やオリジナリティといったものは一切問題ではない。そこで問題にされるのは、如何に気持ちの良い音が出せるか、如何にノれるかといったどこまでも肉体的なものであり、その快楽原則に適う好ましい要素をただ混ぜ合わせるだけだ。その結果できあがった音の質感は、新しいのにどこか古さを感じさせる特異なものに仕上がっており、斬新なことは何ひとつしていないにも拘らず新鮮な感動を与えてくれる。そして何より、踊りだしたくなるような躍動感に満ち溢れている。

　彼らの純粋な快楽主義は、ライブの映像を観ると更に明らかになって面白い。サックスの姉ちゃんが兎も角ブッ飛んでいるのだ。彼女は音色を聴く限り、かなり吹ける奏者であろうと想像出来るのだが、スタジオ録音ではバリバリ吹くということがない。てっきりライブでは吹きまくるのだろうと思いライブを観たのだが、なんとスタジオ以上に吹かないのだ。いや、一応少しは吹いているのだが、スタジオ録音で吹いていた箇所を無視してひたすらノって踊っているのだ。そしてそれを楽しそうに眺めるメンバーたち。これを観て合点がいった。彼らは何かを表現するだとか、テクニックだとか、そういったものには微塵も興味がないのだ。ただ楽むことが出来ればそれで良く、音楽はあくまで快感をもたらしてくれる一つのツールに過ぎない。来日公演の際に気分が高まり、ピアノを弾くのをやめて踊りだしたThelonious Monkと同じように、音楽を子供のような純粋さで楽しんでいるのだ。

　DASPUTNIKを聴くとき、それがプログレであるだとかやっていることの新しさだとかいったことを考える回路は遮断される。そしてそこにある音に身を委ねて、感じるがままにノる。それが最高に気持ち良いのだ。

POENIX/Cantafabule


PHOENIX
/Cantafabule ('75)



曲目

1. Invocatie (10:13)
2. Norocul Inorogului (3:19)
3. Scara Scarabeului (2:20)
4. Definul, Dulce Dulful Nostru (5:49)
5. Uciderea Balaurului (4:35)
6. Stima Casei (2:21)
7. Pasarea Calandrinon (5:50)
8. Filip Si Cerbul (4:30)
9. Vasiliscul Si Aspida (3:55)
10. Sirena (3:45)
11. Pasarea Roc..k And Roll (5:32)
12. Canticlu A Cucuveaualiei (7:07)
13. Zoomahia (6:04)
14. Phoenix (3:44)


　東欧はルーマニアのPHOENIX。彼らは70年代に3枚のアルバムを残しているが、どうやら90年代に入ってから活動を再開しているようで、少なくとも 90年代以降に9枚のアルバムを発表しているようだ。そんなPHOENIXの3枚目は10分を越える曲が2つもあり、LP時代は2枚組で発表された大作となっている(CDでは2in1で収録)。

　PHOENIXの音楽性にレッテル貼りをするならば、ドグサレ・ヘヴィ・ロックとでも言えば通りが良いだろう。重たく暗い音色のままうねり独特のグルーヴ感を生むベース、浅いファズが強烈にかかりサイケデリックかつ民族風な響きを持ったギター、金物を中心に緊張感を高める土着的なバタバタドラム、そして沈み込んだ表情で朗々と民族調のメロディを歌うボーカル、それらが強引に継ぎ接ぎされた音像は行き場のない暗さを抱え、歪な熱を撒き散らしている。ハード・ロックを指向しているのだが、そこに東欧的な紫色をした音と民族色とが加わることで、ハード・ロックと呼ぶには余りに濃厚な空間が流れているのだ。

　誰の言葉だったか、「芸術は人を救わない。ただ悩みを抱えたまま飛翔させるのだ」といった箴言がある。この言葉をPHOENIXに当て嵌めてみると、なるほど納得できる。PHOENIXはそういう音なのだ。ドグサレた粗い感触でありながらも同時に伸びやかであり、地を這うような感覚と空を翔る爽快さとが分ち難く結びついて熱量を発しているのである。プログレの話をするときに私はよく、「プログレとはどこにも行き着けない力だ」と言うのだが、それとも通底するところがあるように思える。彼らにとってハード・ロックだけでは不足であり、サイケもプログレも民謡もすべて不足なのだ。何かによって充たされるくらいなら、さして困窮などしていない。何によっても充たされないからこそ、希求の力は強くなるのだ。

　ところで、中世のヨーロッパに於いて精霊には魂がなく、人間と結婚することによって魂を手に入れることが出来るとされていた。精霊と人間の恋愛譚に見える精霊の愛が激烈なのは、彼女たちが何者かであることの出来ない本質的に充たされない存在だからだと言うのだ。どこにも行き着けず何者でもない地点から自己に到達しようとする運動こそ、あらゆる力のなかで最も高い強度・純度を持ったものだとこの話は教えてくれる。この何者でもない地点からの自己到達への運動こそ、プログレの性質ではないだろうか。ロック、クラシック、ジャズ、民族音楽。これらのどこにも行き場所のない人々の作り上げた音楽だからこそ、表現に対する飢餓感が強くあるのではないだろうか。PHOENIXのルーマニアのように政治的に安定しておらず、国の歴史が侵略の数々で成り立つ「辺境」と呼ばれる国々の音楽が重宝されるのは、そういった性質から来ているのだろう。

　中世の話になったついでだ、バンド名になっているフェニックス（不死鳥）について話そう。フェニックスというと、一般には死の際に炎となって燃え尽き、 残った灰の中から再誕するという循環を生きる生物として知られていることと思う。しかし初期のフェニックスは、死を悟ると薪を山の上(ゾロアスター教やマニ教の祭殿のイメージ)に運び込み、身を横たえて自らを火葬すると、その灰の中から卵が生じるというものだったようだ。ゾロアスター教やマニ教といった「拝火教」の儀式を彷彿とさせるその死は、儀式的恍惚が背景に見えるものの表面上は静かな死のひとつでしかなく、更に一回性を感じさせるものであった。それを中世の人々は生の頂点としての死、そして永遠性というロマンティシズムを明確にする為に、現在残っている再誕の物語へと書き換えたようだ。そしてバンドが思い浮かべているフェニックスも、この中 世以降のものに由来すると考えられる。生の一回性に縛られていた頃のフェニックスは何者かであった。何者かとしての生を反復していただけに過ぎなかった。しかし、書き換えられたフェニックスは自己を喪失した。彼は自分という存在がどこから来たのか分からず、始点と終点のない過程を繰り返す永遠の希求になったのだ。この何者かであることを希求し、存在そのものを燃え上がらせる儚く熱情的な生物にバンドは惹かれたのであろう。

これは強ち思惟上の詐術という訳ではなく、POENIXの今回採り上げた3rdアルバムの作りから見て取れるのだ。注目すべきは1曲目と最終曲。メドレー、というよりイタリアン・ロックと同様の継ぎ接ぎで構成された1曲目の最後のパートで表れるリフが、最終曲の終わりに最提示されており、アルバム全体に循環構造が引き込まれているのだ。しかし当然ながら、これだけでは「フェニックス」という名前のバンドが循環構造を使用したという意味でしかなく、何ら物珍しいものではない。問題はそのパートの性格にあるのだ。それは溢れんばかりの郷愁に充ちた民族的な歌がハード・ロック風なリフに支えられたもので、これと似通った曲想で5分ほどの曲が他に多くあるにも拘らず、このパートは唐突に表れたかと思うと、ものの1分足らずで終わってしまうのだ。更に終曲での再現。これがまた10秒ほどリフを提示するだけで終わってしまう。これらの曲を成立させまいとするかの演奏が意味するところは、それが「歌われることのない歌」であるということではないだろうか。以前、こんな話を聞いたことがある。音楽家がいくつも曲をつくるのは彼のなかにある歌を見つけ出すためであり、その試行錯誤の数がつくられた曲の数なのだ。そして、それにも拘らず歌われることのない歌が彼のなかには存在し続け、それが彼を苦しめる、と。この「歌われることのない歌」の話は、書き換えられたフェニックスとどこか似ている。

　さて、いい加減PHOENIXの音楽自体について触れよう。大まかな特徴としては冒頭に記した通りなのだが、3rdにはキーボード奏者が参加しているので彼についても触れなければなるまい。作曲のクレジットを見ると、リーダーであるギター奏者と1stからのメンバーであるベース奏者の曲とが半々で、キーボード奏者が作曲に関わっているのはバンド名義の曲だけのようだ。しかし、このキーボードによる色づけがなかなか素晴らしく、バンドの音を幅広いものにしている。基本的な音は紫色の東欧的なもので、暗く重い感覚と軽やかな浮遊感とが混然としており、宇宙を這いずり回るような感じを与えるという、バンドの本来持っていた音色感に沿っている。特筆すべきは、それ以外の音色もかなり繊細に選択されているということで、1stならば単なるハード・ロックになっていたであろう曲に、サイレンのような音を加えることでサイケデリックな輪郭と危機感とを演出するなど、借り物ではないPHOENIXらしさを補強しているのだ。

　『Cantafabule』はPHOENIXのアルバム中、一番プログレを志向したものになっている。1曲目のイタリアン・ロック的コラージュ(尤も影響元はVAN DER GRAAF GENERATOR辺りであろうが)、そしてPINK FLOYDからの影響が窺える音響的な4曲目など、1stと比べてより直接的な志向として表れていると言えよう。しかしその中にも他の様々な要素がごった煮にされている為、単なる模倣では終わっておらず、彼らなりに吸収した音へと昇華されている印象だ。音の質感は東欧そのものとしか言いようがないのだが、敢えて喩えるならばOSANNAの『Palepoli』と近いものがあるだろう。あそこまでカルトな空気ではないが、コラージュ感覚、哀愁の旋律、呪術的な雰囲気、そして郷土への想い。そういった諸々が共通している為、どこか近い印象を受けるのだ。その印象は暗さを昇華するような音像を現出させている。

　さて、最後にPHOENIXのトレード・マークについて話して締めることにしよう。彼らはトレード・マークとして名前の通りフェニックスを使用しているのだが、このフェニックスの中にある言葉が刻まれているのである。それは「TRANSSYLVANIA」というものだ。トランシルヴァニアはルーマニアの一部の地域に対する歴史的な名前であり、一時期はトランシルヴァニア公国という国家を形成していた。彼らの出身は元トランシルヴァニアに当たるのだが、何故わざわざこの名前を刻み込んでいるのか。それにはルーマニアという名前が大きく関係している。ルーマニアをアルファベット表記すると「Romania」になり、これを翻訳すると「ローマ人の国」となるのだ。この名前が示す通り、ルーマニアは侵略の歴史の上に成り立っている。そんなルーマニアが自らの名前を持てたのがトランシルヴァニア公国の時代なのだ。そういった訳で「Romania」はアイデンティティを持ち得ない国と言える。そんな、故郷が故郷と呼ぶにはあまりに不確実な為に起こる自己の不在感、それを充たしてくれるのが「TRANSSYLVANIA」というかつて存在した、失われた故郷なのだ。この失われた故郷の名をフェニックスに乗せること、その意味は計り知れないものがある。