あれも聴きたいこれも聴きたい

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07Jun
- * ビー・ジーズ　～　オデッサ
  　「小さな恋のメロディ」は私の世代の人々の心に深く深く刻まれている映画です。まだ小学生だった私たちは、初めて観る同世代の外国の子どもたちの純愛に心をときめかせたのです。近い未来に自分の身にも起こるかもしれない世界にどきどきしたのでした。　ビー・ジーズの英国での４枚目のアルバム「オデッサ」には、その映画で使用された「メロディ・フェア」と「若葉のころ」が収められています。「若葉のころ」も四半世紀を経て日本のテレビドラマのテーマ曲に選ばれてヒットしましたから、どうしてもこの２曲の印象が強いです。　しかし、この作品はビー・ジーズの歴史においては、初期の集大成となる堂々の二枚組超大作で、もともとはビートルズの「サージェント・ペパーズ」やザ・フーの「トミー」と並ぶコンセプト・アルバムとして構想されていたアーティスト志向が極まった作品です。　この当時はコンセプト・アルバムが流行っていました。ビー・ジーズとその成功の立役者でもあるプロデューサー役を兼ねるロバート・スティグウッドも果敢に挑戦してみた、というわけです。ただし、アルバムはできたものの、コンセプト・アルバムと呼ぶのははばかられます。　アルバム制作は例によって前作制作の翌月から始まっています。スタジオで曲を作るというビー・ジーズならではの所業です。順風満帆に見えますけれども、ギブ三兄弟のうち、長兄バリーと双子の片割れロビンの仲は悪く、バンド内の状況はごたごたしていました。　結局、ギターのヴィンス・メロニーは本作品制作直後に脱退してしまいますし、あろうことかシングル曲を巡って不満を募らせたロビンまで脱退してしまうという事態に至ります。５人組のビー・ジーズの姿はこのアルバムを最後に消えてしまうことになります。　それはさておき、そういう状況だからこそというべきか、アルバムは初期ビー・ジーズの最高傑作の呼び声の高い充実した作品になりました。三兄弟のボーカル・ハーモニーの魅力はますます冴えていますし、さまざまなタイプの曲を作ることができる作曲能力も見事です。　コンセプト・アルバムの名残りもあってインストゥルメンタル曲が三曲も含まれていることはご愛敬としても、ストリングスの活躍が目立つビー・ジーズらしい楽曲に加えて、バンジョーやドブロをつかったカントリーないしはサザン・ロックを彷彿させる曲も見事です。　カントリー風味はメロニーの提案だそうで、三兄弟だけのバンドではないことが分かります。あくまで三兄弟のボーカルが中心ですけれども、ストリングス・アレンジメントも含めて、演奏能力の高さも光るバンドです。あいかわらずビートルズとためをはる部分も大きい。　そして「メロディ・フェア」です。そもそも映画自体がこの曲からできたそうです。シンプルで美しいメロディーに、たたみかけるようなロビンとモーリスのハーモニーが素晴らしく、ため息がでます。日本では曲の印象が強すぎて逆にビー・ジーズの印象を長らくしばっておりました。　アルバムは全英１０位、全米２０位と今一つでしたが、傑作との位置づけはゆるぎません。初回限定のフェルト製のジャケットもコレクターズ・アイテムとして価値は高いです。日本では紙ジャケ再発でこのフェルト製ジャケが復刻されました。愛されているアルバムなのです。Odessa / Bee Gees (1969 Polydor)*2013年9月29日の記事を書き直しました。Tracks:01. Odessa (City On The Black Sea)02. You'll Never See My Face Again 私を見ないで03. Black Diamond 黒いダイヤ04. Marley Purt Drive 日曜日のドライヴ05. Edison06. Melody Fair07. Suddenly08. Whisper Whisper09. Lamplight ランプの明り10. Sound Of Love 恋のサウンド11. Give Your Best 12. Seven Seas Symphony 七つの海の交響曲13. With All Nations (International Anthem)14. I Laugh In Your Face15. Never Say Never Again16. First Of May 若葉のころ17. The British OperaPersonnel:Barry Gibb : vocal, guitarRobin Gibb : vocal, piano, MellotronMaurice Gibb : vocal, bass, piano, guitar, MellotronVince Melouney : guitarColin Petersen : drums***Bill Keith : banjoTex Logan : fiddlePaul Buckmaster : cello
06Jun
- ワイヤー　～　虚実の構造
  　しばしばポスト・パンクの元祖のように扱われるワイヤーの再始動後のセカンド・アルバム「虚実の構造」です。発表は前作からほぼ１年、圧倒的に存在感のあるジャケットに包まれて発表されました。一から十までワイヤーらしいジャケットです。　ここに映し出されている馬の頭部はギリシャのパルテノン神殿の彫刻だそうです。その横にとても事務的な四段キャビネットを配置するという絶妙なデザインです。誰も思いつかないようなコラージュの超然としたたたずまいはまさにワイヤーならではだと思います。　またアルバム・タイトルがふるっています。邦題は「虚実の構造」と直截に哲学的ですが、原題は直訳すると「ベルは叩かれるまではただのカップである」という意味です。ベルとカップはそれぞれの役割を果たして初めて区別できる、そんな深い意味合いがあります。　なお、前面には「ベルはカップである」としか書かれていません。「叩かれるまでは」は裏面に続いて書かれているだけなので、しばしば英語タイトルに言及する際に省略されてしまいますので注意が必要です。まあ本人たちにとってもどうでもよいのでしょうが。　再結成後二作目ということで、かなり落ち着いて聴けます。ワイヤーの四人も落ち着いて制作できたのではないでしょうか。プロデューサーはハーヴェスト時代のマイク・ソーンではなく、ギャレス・ジョーンズで、彼も前作に続いて二作目と慣れてきたのでしょう。　ジョーンズはこれまでデペッシュ・モードやアインシュテュルツェンデ・ノイバウテンなどのプロデュースを手がけています。デジタル機材使用のパイオニアとして知られ、再結成後のワイヤーが所属するミュートのダニエル・ミラーと二人三脚で新たな機材を使い倒しています。　その恩恵はワイヤーにも及んでおり、本作品も前作に引き続きエレクトロニクスがふんだんに使用されています。前作はニュー・オーダーとの類似性が指摘されていましたけれども、本作品ではレーベル・メイトのデペッシュ・モードにも近寄ってきた印象があります。　発表当時は、初期ワイヤーの先鋭的な荒々しいサウンドが失われて、洗練されすぎたと批判も受けました。グラハム・ルイスはそれをまやかしだと一笑に付しています。デビュー当時からワイヤーは洗練されていると言われてきており、そんな批判はメディアの欺瞞に過ぎない。　とはいえ前作には少々驚かされたのも事実です。本作品はその路線をさらに進めていますけれども、もう驚いたりはしません。落ち着いて聴いてみると、初期ワイヤーからそれぞれのソロやコンビ活動を経てたどり着いたサウンドには一貫性があることが分かります。　アルバムからは「キドニー・ビンゴ」がシングルカットされ、全英チャートの下位に少しだけ顔を出しています。可愛らしいともいえる楽曲ですけれども、その冷徹に構築されたサウンドが美しいです。アルバム全体の魅力を象徴する曲でもあります。　ワイヤーはやはり超然としています。ポップな楽曲でもけして甘くはならない。ロックでなければなんでもいい、と言っていたワイヤーの魂はしっかり残っていて、こんなにポップであっても、どこか音楽というジャンルの外にいる感じがします。そこが面白い。A bell is a cup... until it is struck / Wire (1988 Mute)Tracks:01. Silk Skin Paws02. The Finest Drops03. The Queen Of Ur And The King Of Um04. Free Falling Divisions05. It's A Boy06. Boiling Boy07. Kidney Bingos08. Come Back In Two Halves09. Follow The Locust10. A Public Place11. The Queen Of Ur And The King Of Um (alternataive version)12. Pieta13. Over Theirs (live)14. Drill (live)Personnel:Bruce GilbertRobert GotobedGraham LewisColin Newman
05Jun
- ビー・ジーズ　～　アイデア
  　１９６８年に発表されたビー・ジーズのインターナショナル三作目のアルバム「アイデア」は当時よく見られたように英米で収録曲が異なります。おまけにジャケットも異なりますから、ビー・ジーズ・コレクターは少なくとも２枚は買う必要があります。　ご紹介するジャケットは米盤のもので、ビートルズと関りが深いクラウス・ヴーアマンがデザインしています。メンバーの顔写真を合成して、そこにサイケデリックなタトゥーを施したかのような時代を感じさせるジャケットです。英盤は電球がどーんと中央に配置されています。　日本では当初は米盤に準拠したジャケットで発売されましたが、「サタデイ・ナイト・フィーヴァー」時の再発は英盤のジャケットでした。収録曲数は英米の両盤をカバーしてなお追加されており、収録順も異なっています。２枚どころでは済みませんね。　なお、ＣＤ化に際して英米盤を合体した全１３曲を収録することが標準となりました。英盤になかった、ビー・ジーズ２曲目の全英１位シングル曲「獄中の手紙」と米盤になかった「サッチ・ア・シェイム」はめでたく双方が収録されています。ひとまず落ち着けます。　この「サッチ・ア・シェイム」は重要な曲です。それというのもビー・ジーズ史上初めてギブ三兄弟以外のメンバー、ヴィンス・メローニーが作曲とリード・ボーカルを担当しているからです。アルバムの中ではロック寄りですが座りもよく、当時はちゃんとバンドだったと分かります。　しかし、この曲は三兄弟の確執が高まったことを憂いてメローニーが作ったと言われています。若くして成功した兄弟はそれぞれが我を張り、バンド内の人間関係はかなり大変だったようです。とはいえどう転んでも身内です。オアシスでさえ再結成するわけですから。　さて、本作品はこの頃のビー・ジーズらしく、前作「ホリゾンタル」の録音を終えた翌月には制作を開始しています。また、この時期にはノン・アルバム・シングルとして「ワーズ」や「ジャンボ」をヒットさせていますし、欧州ツアーにエド・サリヴァン・ショウと多忙を極めています。　本作品発表後はまず死刑囚から妻にあてた形の歌「獄中の手紙」を全英１位、全米８位のシングルとすると、次いで日本でも人気の「ジョーク」を全米６位に送り込みました。アルバム自体も全英４位、全米１７位とそこそこのヒットを記録しました。　前作が暗くて重いと評されたわけですが、本作品では美しいボーカル・ハーモニーを聴かせるスタイルが前に出てきており、ロックやソウルばりばりのサウンドは控えめです。いわゆるビー・ジーズらしい爽やかさなポップスが完成に近づいたといえると思います。　三兄弟の仲が悪かったという話がにわかに信じられないサウンドですけれども、だからといって仲がよさそうでもありません。ちょうどよい塩梅だったのでしょう。蓮の花ではありませんが、泥水の中に咲いてこそその美しさが得られるというものです。　しかし、本作品はオリジナル・ラインナップでの最後のアルバムとなってしまいました。三兄弟と並んでもおかしくなかったメローニーが「もっとブルースをやりたい」とアルバムのプロモーション・ツアーの後で脱退してしまうのです。やはり兄弟が三人もいるとやりにくいでしょう。Idea / Bee Gees (1968 Polydor)Tracks:01. Let There Be Love 愛があるなら02. Kitty Can03. In The Summer Of His Years 素晴らしき夏04. Indian Gin And Whisky Dry05. Down To Earth06. Such A Shame07. I've Gotta Get A Message To You 獄中の手紙08. Idea09. When The Swallows Fly つばめ飛ぶ頃10. I Have Decided To Join The Airforce 空軍パイロット11. I Started A Joke ジョーク12. Kilburn Towers13. Swan Song 白鳥の歌Personnel:Barry Gibb : vocal, guitarRobin Gibb : vocalMaurice Gibb : chorus, bass, piano, organ, MellotronVince Melouney : guitar, harmonica, vocalColin Petersen : drums
04Jun
- メレディス・モンク　～　ヴォルケイノ・ソングス（火山の歌）
  　声による表現を追及し続けるアーティスト、メレディス・モンクが１９９７年にＥＣＭから発表したアルバム「ヴォルケイノ・ソングス（火山の歌）」です。横たわるモンクの姿をシルエットで捉えたジャケットが秀逸です。トレードマークの三つ編みでモンクと知れます。　録音は１９９５年７月にニューヨークのスタジオで行われています。モンクの作品にはオペラのような作品も多いのですが、この作品はそれぞれ独立した比較的短い楽曲からなる楽曲集になっています。ただし、アルバムのテーマはタイトル通り火山です。　モンクによれば、火山は圧倒的な破壊を体現しているものの、一方で火山地帯は最も肥沃な土地であり、火山は地球を形作るものでもあります。死と破壊、再生と多産の間のせめぎ合いを象徴しているということです。なるほどと首肯せざるを得ませんね。　本作品では楽器がほとんど出てきません。まず最初の楽曲「ヴォルケイノ・ソングス・デュエット」では、モンクのボーカル・アンサンブルの一員であるケイティー・ゲイシンジャーとモンクによるデュエットです。３分程度の短い曲４曲からなる声だけの楽曲です。　モンクは二人の声がブレンドしたり、曲によっては二人以上に聴こえるようにしたりとさまざまに工夫しています。ただし、各楽曲はそれぞれに余計な色を加えないように、まるで「筆の一刷毛、あるいは俳句」のように作っています。その気合は十分に伝わります。　これが、「ヴォルケイノ・ソングス・ソロ」ではモンクが声だけで５つのキャラクターを描き分けています。こちらも「デュエット」とは異なる短い曲５曲で構成されます。「ボートマン」などは低い声で確かに船乗りが酒の席で歌っているような風情です。　この２曲にはさまれた「ニュー・ヨーク・レクイエム」はモンクの声とハリー・ハフのピアノによる演奏です。テナー歌手トーマス・ボグダンのために書かれた曲で、ゲイでもあるボグダンがＡＩＤＳ禍の最中、病院や葬祭場にばかり赴いていたという背景があります。胸に染みます。　「サントペテルスブルグ・ワルツ」はピアノのみの曲で、モンクがアジア滞在中に自身の出自であるポーランド／ロシアを強く感じて作り始めたのだそうです。同じような出自のピアニスト、ヌリット・ティレスのために書かれており、確かにロシアを感じる少々沈鬱なワルツです。　アルバム中、最も長い２０分を越える曲が「スリー・ヘヴン・アンド・ヘル」です。これはモンクを含む女性４名によるボーカル曲です。舞台芸術家のカーラ・ブランクの娘さんの詩が使われました。モンクが台詞ではなく初めて言葉を歌にのせた楽曲として貴重なものです。　わずか６行の詩がさまざまに表情を変えて提示されてくる楽曲です。♪天国♪や♪地獄♪といったシンプルな言葉が中心ですが、確かにモンクのいつもの歌にもう一つ次元が加わったようで感動的です。初めてのモンクの「歌」といえそうです。　最後の短い「ライト・ソングス」２曲は少々変わったボーカル・ソロです。この曲を含め、アルバムはすべて全くオーバーダビングをしていないそうです。「オーバーダブは素晴らしいけれども、人々が一緒に音楽を作り上げることには代えられない」。納得です。Volcano Songs / Meredith Monk (1997 ECM)Tracks:Volcano Songs: Duets 01. Walking Song 02. Lost Wind 03. Hips Dance 04. Cry #105. New York RequiemVolcano Songs: Solos 06. Offering 07. Boat Man 08. Skip Song 09. Old Lava 10. Cry #211. St. Petersburg Waltz12. Three Heavens And Hellsfrom Light Songs 13. Click Song #1 14. Click Song #2Personnel:Meredith Monk : voiceKatie Geissinger : voiceAllison Easter : voiceDina Emerson : voiceHarry Huff : pianoNurit Tilles : piano
03Jun
- * ソフト・セル　～　ノン・ストップ・エロティック・キャバレー
  　ソフト・セルは、シンセサイザーを使ったポップスの開拓者の一人です。音楽に使われる電子機器は多様化しながら、一般化したため、シンセサイザーという言葉も今ではほとんど使われなくなりました。しかし、昔はシンセサイザーは特別な存在でした。　特別な存在ですから、音楽に使用する際には、プログレッシブな使い方をするか、装飾音としてコズミック仕様をアピールするか、たいていはどちらかでした。隠し味としては使われましたが、スティーヴィー・ワンダーを除けば、正面から使うことを躊躇する人がほとんどでした。　しかし、パンクで風通しがよくなった音楽界は、ニュー・ウェイヴ期に突入し、一気にシンセ・ポップなるシンセを使ったポップスが花開くことになりました。ゲイリー・ニューマンやテレックス、デペッシュ・モードなどさまざまなバンドが活躍し始めます。　そうしたバンドが斬新なサウンドを展開する中、ソフト・セルはソウルとシンセを混ぜ合わせるという新しい音楽の世界を切り開きました。ここではシンセは未来の楽器ではなく、昔からある楽器になっています。今では当たり前の感覚ですが、当時は斬新でした。　この作品はソフト・セルのデビュー作で、ソウルなカバー曲「汚れなき愛」の全米超特大ヒットを生んだ作品として名高いです。１７か国で１位となり、全米チャートではトップ１００に１年近くランクインして、１９８３年の年間ベスト１０に入る成績を残しています。　しかし、この大ヒットは何かの間違いだったのでしょう。ソウルとしてヒットしたのですが、マーク・アーモンドのボーカルはリズム感皆無です。シンセの電子リズムでさえも歪んで聴かせてしまうほどのパワーです。ソウル界では一発屋に終わったのも当然でしょう。　もちろん、彼は別の世界で活躍します。彼の真骨頂はトーチ・シンガーとしての姿です。トーチ・ソングとは、辞書によれば「主に女性歌手による失恋などを歌った感傷的な歌」などとなっていますが、安キャバレーの歌手の唄と言った方が分かりやすいです。　この作品でも「汚れなき愛」はむしろ特別で、大たいはべたっとしたはねない歌を自己陶酔しながら歌いまくっています。そこが彼の魅力の最たるものです。そうして彼はトーチ・シンガーとして、今でもイギリスやフランスで大活躍中です。私もそんな彼にぞっこんです。　エレクトロニクス担当はデヴィッド・ボールです。彼のねちっこいシンセ音は、機械にべたべたな粘液をぶっかけたようです。クールで冷たい電子音のはずなのに、マニュアルで操作される一般的な楽器以上に人間味あふれる音がでてきます。　アーモンドとボールはリーズの大学で出会ったそうです。金のラメのズボンを履いていたアーモンドが最初にしゃべったのがボールだということです。ボールの母親の援助で最初のレコードを作ったというエピソードが、何だかべたべたしていて素敵です。　この作品の中では、「さよならと言って別れて」が彼らの本質を表わすベスト・トラックだと思います。アーモンドは歌い上げるのですが、突き抜けない。自分の中に歌声が下りていって陶酔をもたらしている、そんな風情が彼らの真骨頂です。Non Stop Erotic Cabaret / Soft Cell (1981 Some Bizarre)*2010年12月14日の記事を書き直しました。Tracks:01. Frustration　02. Tainted Love　汚れなき愛03. Seedy Films　三流映画04. Youth　ユースは去った05. Sex Dwarf　セックス小人の誘惑06. Entertain Me　操り人形07. Chips On My Shoulder　肩の傷08. Bedsitter　ベッドの上が僕の国09. Secret Life　秘密ゲーム10. Say Hello, Wave Goodbye　さよならと言って別れてPersonnel:Marc Almond : vocalDavid Ball : electronic and accoustic instruments***Vicious Pink, Phenomena : chorusDavid Tofani : sax, clarinet
02Jun
- オーガニゼーション　～　トーン・フロート
  　オーガニゼーションはクラフトワークのラルフ・ヒュッターとフローリアン・シュナイダーが中心となってロベルト・シューマン大学在学中の１９６８年に結成したバンドです。「トーン・フロート」は彼らが残した唯一のアルバムで、１９７０年に英国で発売されています。　オーガニゼーションは件の二人とパーカッションのバジル・ハムーディ、ベースのブッチ・ハウフ、ドラムのアルフレッド・メニックスによる５人組です。しかし、ほどなくこの三人は脱退し、バンドはクラフトワークと名を変えて伝説を作っていくことになりました。　実はアルバム発表時にはすでにクラフトワークと改名していたのですが、英国発売ですから英語でも馴染み深い言葉によるバンド名がよいということでオーガニゼーションのままで発売された経緯があります。発電所と組織、いずれにしても人目を惹く名前です。　オーガニゼーション、すなわち組織はバンドのスローガンである「共通音楽概念の実現のための組織」からとられています。いかにも若い発想で、バンドはみんなそうではないかと思わないではないですが、その点に自覚的だったところが非凡なところなのでしょう。　アルバムはクラウトロックの影の番長コニー・プランクのスタジオで制作されました。この時のプランクのスタジオは精油所の真ん中にあり、一歩スタジオを出るとありとあらゆる工場騒音が流れて来た環境だったそうです。いろいろと含みがあるお話ですね。　プランクはアーティストのマネジメントを手がけるレインボー・プロダクションを設立し、英国ＲＣＡと契約を締結します。やり手です。レインボーに所属したオーガニゼーションはこの縁で英国ＲＣＡから本作品を発表することができたのでした。なおドイツ盤は発売されていません。　アルバムは後のシンセ全開のクラフトワークとは異なります。ヒュッターはオルガン、シュナイダーはフルートを主に演奏し、舞台では中央に位置するという三人、ハウフのベース、メニックスとハムーディのパーカッションがとにかく目立ちます。　ＬＰのＡ面はタイトル曲で２０分を越える即興演奏が続きます。Ｂ面は小曲、といっても７分を越える曲もありますが、４曲が収録されています。こちらは曲の表情がさまざまですけれども、即興演奏を交えたフリー・スタイルな演奏でるところは共通しています。　ここでのサウンドはタンジェリン・ドリームの最初期の演奏と親和性が高いように思います。後に大きく隔たるクラフトワークとタンジェリン・ドリームですが出発点は似通っています。ついでにアモン・デュールやカンなどとも通じるものがあります。　パーカッションを中心にすえた即興演奏はなかなか聴きごたえがあり、クラフトワークの前身バンドとしての歴史的価値以上のものがあると思います。英国プログレ・フォークのコーマスがデザインしたジャケットとともに大いに評価されていいアルバムです。　なお、本作品はクラフトワークの初期三作同様にこれまで公式に再発されたことがありませんでした。これは日本のオールデイズ・レコードから再発されたもので、ちゃんとＪＡＳＲＡＣマークもついています。そういう意味では快挙といえると思います。Tone Float / Organisation (RCA 1970)Tracks:01. Tone Float02. Milk Rock03. Silver Forest04. Rhythm Salad05. Noitasinagro(bonus)06. Cuica (Paul Nero Sounds)Personnel:Ralf Huttter : organBasil Hammoudi : glockenspiel, conga gong, musical box, bangos, voiceFlorian Schnider-Esleben : eletric flute, alto flute, bell, triangle, tambourine, electroviolinButch Hauf : bass, shaky tube, small bells, plastic hammerFred Monicks : drums, bongos, maracas, cowbell, tambourine
01Jun
- ワイヤー　～　アイデアル・コピー
  　英国のニュー・ウェイヴ界において欠くことのできないバンドだったワイヤーの復活です。１９７９年には方向性の違いから活動を休止してしたワイヤーは、１９８５年にバンドとして活動を再開、１９８７年に四作目のスタジオ・アルバム「アイデアル・コピー」を発表しました。　活動休止期間中、グラハム・ルイスとＢ．Ｃ．ギルバートは活動を共にし、ドームやキューポルなどの名義でアルバムを発表していましたし、コリン・ニューマンもソロ・アルバムを発表して、それぞれが高い評価を得ていました。まさに１０ｃｃのようでした。　お互いにかなり方向性が違うように感じたものですから、この再結成には驚きを禁じ得ませんでした。しかも、この後、息の長い活躍をするのですから世界は分からないものです。バンドというものは時にまるで予想できない離合集散をするものです。　さて、ロバート・ゴートゥベッドを加えた四人組で活動を再開したワイヤーは、自身を冗談めかして「ビート・コンボ」であると規定し、過去曲は一切やらないと宣言しています。ただし、ステージではコピー・バンドに過去曲をやらせるという観客サービスを実施しています。　再結成したワイヤーはまず１９８６年１１月に「スネイクドリル」なるＥＰを発表します。さらにアルバムから先行シングルとして「アヘッド」を発表した後、ようやく再結成後初となるアルバム「アイデアル・コピー」が発表しました。いずれもミュート・レコードからの発表です。　「アイデアル・コピー」はＬＰでは全８曲ですけれども、ＣＤには「スネイクドリル」の全曲とシングル「アヘッド」にカップリングされたライヴ３曲などが追加で収録されており、全１６曲入りとなっています。これをボーナス・トラックと称してよいのやらどうかは判然としませんね。　アルバムには結構驚かされました。孤高のバンドだったワイヤーの再始動ですからかなり身構えてしまいます。そうしたところに１曲目「ポイント・オブ・コラプス」が姿を現したわけです。ふわふわとアレンジされた柔らかなメロディーの美しい曲です。　ワイヤーらしい曲ではあるのですが、インダストリアル・サウンドを期待していたので、驚いたわけです。続くシングル曲「アヘッド」は出だしはインダストリアルな感覚ですが、エレクトロニクスを多用しており、やはり柔らかいサウンドです。硬質なワイヤーが柔らかい。　世間ではしばしばニュー・オーダーと比較されるに至りました。確かにビートの感覚などは似通ったところが見られます。ニュー・オーダーなどがかつてのワイヤーに影響を受けたスタイルに今度は新生ワイヤーが影響を受けているとの循環説もあって面白いです。　初期ワイヤーとの比較でいえば、先行する「スネイクドリル」の方がまだ近いです。ベクトルとしてはそこから離れる方向に向いているのでしょうね。いずれにせよ、初期の若気の至り的な威勢のよさはここにはありません。とはいえ、それが後退であるわけではありません。　ワイヤーの魅力は音楽界から超然としたところにあります。本作品はニュー・オーダー風と評されはしますけれども、アウトサイダー的な感覚は失われていません。どちらかといえば先行ＥＰの方が好きなのですけれども、これはこれで新たなワイヤーの門出を寿ぎたいです。Ideal Copy / Wire (1987 Mute)Tracks:01. The Point Of Collapse02. Ahead03. Madman's Honey04. Feed Me05. Ambitious06. Cheeking Tongues07. Still Shows08. Over Theirs(bonus)09. Ahead (II)10. A Serious Of Snakes11. Drill12. Advantage In Height12. Up To The Sun13. Ambulance Chasers (live)14. Feed Me (live)15. Vivid Riot Of Red (live)Personnel:Colin Newman : vocal, guitar, variousGraham Lewis : vocal, bass, variousB.C. Gilbert : guitarRobert Gotobed : drums, various
31May
- トニー・ブラクストン　～　シークレッツ
  　１９９０年代の大ヒット曲集には必ず顔を出す「アンブレイク・マイ・ハート」を収録したトニー・ブラクストンのセカンド・アルバム「シークレッツ」です。意外なことに全米チャートでは２位どまりですが、全世界で１５００万枚以上を売り上げたモンスター・アルバムです。　Ｒ＆Ｂ界隈に疎い私は「アンブレイク・マイ・ハート」で初めてブラクストンの名前を知ったのですが、ブラクストンはデビュー・アルバムが全米１位を獲得するわ、グラミー賞の最優秀新人賞を受賞するわですでに大ブレイクを果たしていたのでした。何だかすみませんでした。　衝撃のデビュー作から約３年、セカンド・アルバム「シークレッツ」は、先行するダブルＡサイド・シングル「ユア・メイキン・ミー・ハイ／レット・イット・フロウ」が全米シングル・チャートで１位を獲得しており、大いに期待されている中での発売でした。　そして、第二弾シングルが「アンブレイク・マイ・ハート」です。接頭辞Ｕｎの使い方を学ぶには大変よい教材ともなるこの曲は、全米チャートで１１週連続１位という快挙を成し遂げました。結果、１９９０年代のディケイド・ランキングでも４位、時代を代表する楽曲になりました。　しかし、この曲はＲ＆Ｂチャートでは１位になっていません。実はこの曲はダイアン・ウォーレンが作曲し、デイヴィッド・フォスターがプロデュースするというアルバムの中でも異色の曲なのです。ウォーレンとフォスターといえば、セリーヌ・ディオンのチームとしても有名です。　アルバムの大半は顔役ベイビーフェイスがプロデュースしており、その他Ｒケリーやトニー・リッチ、ＬＡリード、キース・クロウチなどこの頃のＲ＆Ｂを支えたアーティストがプロデュースにあたっています。オランダのＤＪチーム、ソウルショック＆カーリンも異色といえば異色です。　したがって、アルバム全体の雰囲気はベイビーフェイスらしい音数の少ない１９９０年代型Ｒ＆Ｂでおおわれており、「アンブレク・マイ・ハート」もすっかりその流れにのっていてさほど違和感はないのですが、聴く人が聴くとＲ＆Ｂ成分不足が分かるのでしょうね。　多彩なゲスト・ミュージシャンの中で目立つのは「ハウ・クッド・エンジェル・ブレイク・マイ・ハート」におけるケニーGのサックスです。ベイビーフェイスとブラクストンの共作に、特異な魅力を与えていて大変面白い。こういうところにベイビーフェイスのセンスが光ります。　ブラクストンは当初「アンブレイク・マイ・ハート」を歌うことに後ろ向きで、その理由が「失恋ソングはもういい」というものだったといいますから面白いです。不本意かもしれませんが、ブラクストンほど失恋の歌が似合う歌手もいません。生来の失恋歌手といってよいでしょう。　ベイビーフェイスのシンプルなバッキングにのせてブラクストンがねっとりと歌い上げる楽曲の数々は１９９０年代のヒップホップをくぐったＲ＆Ｂの現在地を示しているとともに、Ｒ＆Ｂに疎い層にも十分にアピールしています。当時の輝きは未だに失せずといったところでしょう。　デビューから２作続けて特大ヒットを飛ばしたブラクストンはブロードウェイで「美女と野獣」のベル役を射止めるなど順風満帆な活動ぶりでしたが、ほどなくレコード会社ともめて自己破産してしまいます。その後も活躍するとはいえ、なかなかに波乱の人生ですね。Secrets / Toni Braxton (1996 LaFace)Tracks:01. Come On Over Here02. You're Makin' Me High03. There's No Me Without You04. Un-Break My Heart05. Talking In His Sleep06. How Could An Angel Break My Heart07. Find Me A Man08. Let It Flow09. Why Should I Care10. I Don't Want To11. I Love Me Some Him12. In The Late Of NightPersonnel:Toni Braxton : vocalBabyface, Keith Crouch, David Foster, R. Kelly, L.A. Reid, Tony Rich, Soulshock & Karlinm, Bryce Wilson : producerBabyface : keyboards, guitar, synthesizers, programmingKeith Crouch : organ, other instrumentsR. Kelly : chorus, other instrumentsDean Parks, Michael Thompson, Reggie Griffin : guitarReggie Hamilton, Nathan East : bassLuis Conte : percussionGreg Phillinganes : pianoKenny G : saxMarc Nelson, Shanice Wilson, Chanté Moore, Jakkai Butler, Sherree Ford-Payne, Andrea Martin : chorusRandy Walker, Bryce Wilson, David Foster, Simon Franglen : programmingJeremy Lubbock : strings
30May
- ヘンリー・カウ　～　ストックホルム＆ヨーテボリ
  　ヘンリー・カウの結成４０周年記念ボックス初出の未発表音源集「ザ・ロード」の第五弾はスウェーデンでのライヴの模様を収録した「ストックホルム＆ヨーテボリ」です。ストックホルムはもちろんスウェーデンの首都、ヨーテボリはスウェーデン第二の都市です。　この二つのライヴは、スウェーデンのラジオ・プログラム「トンクラフト」のために録音されており、いずれも後に同プログラムで放送されています。トンクラフト、すなわちサウンド・パワーは１９７２年秋にロックやジャズのライヴ録音を放送することが目的に始まったプログラムです。　ヨーテボリの音源は１９７６年５月２８日に録音されて、７月にラジオで放送されました。前作にあたる「トロンハイム」の２日後のライヴです。「トロンハイム」で、なぜこれが選ばれなかったのか、などと筆がすべってしまいましたが、こちらに収録されていました。お恥ずかしい。　とはいえ、放送が全部収録されているのかどうか分かりません。ここに収録された「ヨーテボリ１」はわずか１６分しかありませんから。そしてストックホルムのライヴに途中に挿入されるという不思議な構成になっています。これなら「トロンハイム」に入れてもよかった。　「ヨーテボリ１」はもちろん「トロンハイム」と同様にクリス・カトラー、フレッド・フリス、ティム・ホジキンソン、リンゼイ・クーパーのカルテットによる完全即興演奏です。三人がテープを使っているのも同じ。こちらはストックホルムにはさまれている分、どこか明るい感じがします。　そのストックホルムはほぼ１年後の１９７７年５月９日に行われたライヴを収録しています。この時のヘンリー・カウは、ダグマー・クラウゼが復帰して加わっている他、ジョン・グリーヴスの後任としてジョージナ・ボーンが参加するセクステットです。男女半々のバンドになりました。　このライヴは、ヨーテボリとは異なり、通常のヘンリー・カウのスタイルで行われており、即興パートと既往曲の演奏が混ざりあっています。特筆されるのはカバー曲の存在で、米国のプロテスト・フォークシンガー、フィル・オクスの「ノー・モア・ソングス」を演奏しています。　アレンジしているフリスは、ヘンリー・カウのステージの途中にこうしたトラディショナルな歌ものを演奏することを楽しんでおり、もっとやればよかったと後悔しています。確かにクラウゼが珍しくエモーショナルに歌い上げるフォーク・ソングは異色ですが素晴らしい。　こうしたアクセントの存在のおかげか、最後の「マーチ」は「トロンハイム」での締めの楽曲と同じ曲のはずですけれども、まるで印象が異なります。「トロンハイム」では即興の延長のようでしたが、こちらではしっかりと作曲された楽曲然としているのです。　ボーンはあしかけ３年にわたってヘンリー・カウと行動を共にしました。それ以前にはプロのキャリアはなく、これが出発点です。ボーンは後にケンブリッジで社会学・人類学・音楽の教授になります。カウでの経験は彼女にさまざまな視点を与えた模様です。　なお、「オタワ・ソング」はグリーヴス在籍時のハンブルグでのライヴをもとにしたミックスで、これだけ異質な出自です。しかし、これら三つの音源を同居させてシームレスな作品が出来るのですから、ヘンリー・カウは面白いです。とてもまとまりのよい作品です。Stockholm & Göteborg / Henry Cow (2008 ReR)スイスでの演奏です。Tracks:01. Stockholm 102-06. Erk Gah (aka Hold To The Zero Burn)07. A Bridge To Ruins08. Ottawa Song09-11. Göteborg 112. No More Songs13. Stockholm 214. MarchPersonnel:Georgina Born : bass, celloLindsay Cooper : bassoon, flute, recorder, piano, tapesChris Cutler : drums, electrification, pianoFred Frith : guitar, xylophone, tapes, pianoTim Hodgkinson : organ, alto sax, clarinet, voice, tapesDagmar Krause : singingJohn Greaves : bass, voice
29May
- * ワイヤー　～　１５４
  　老成しました。デビュー作からわずか２年ですけれども、若者の２年は年寄りの２０年に相当すると言ってもよいでしょう。「ロックでなければ何でもいい」と言いつのっていたパンクな若者たちは、すっかり円熟の味を醸し出すまでになりました。　ワイヤーの３作目「１５４」は、これまでに行なったライヴの回数をタイトルにしています。活動期間は３年くらいですから１５４回は決して多いとは言えませんが、少ないとも言えません。パフォーマンスとレコーディングの程よいミックスと言えます。　この作品はワイヤーがハーヴェスト・レーベルに残した三部作の最後を飾るアルバムで、彼らはこの作品を最後に一旦活動を停止しますから、まさに一区切りを付けた作品です。前二作に比べると、格段に落ち着いた印象を受ける作品です。　パンク的な色彩はほぼ一掃されており、ポップな音響派としてのアイデンティティーが確立しました。これはこれで大そう魅力的な作品です。ワイヤーのファンの中にはファーストしか認めないという人もいますが、確かにかなり魅力のベクトルが違っています。　制作は前作発表後ただちに開始されています。各楽曲は、コリン・ニューマン、グラハム・ルイス、ＢＣギルバートの三人が様々な組み合わせで作っています。後にルイス＆ギルバート組とニューマン＆ゴートゥベッド組に分かれるのですが、ここではごちゃ混ぜです。　ルイス＆ギルバートが音響派で実験的なのに対し、ニューマン＆ゴートゥベッドがポップな持ち味です。そうです。これは１０ｃｃと同じ対立構造です。１０ｃｃの作曲組み合わせも二組がごちゃ混ぜでしたから、そんなところまで似ています。　楽曲は実験的なものからポップなものまで多彩ですけれども、ワイヤーらしい音響処理が隅々まで行き届いています。この音の感触がワイヤーの全てだと言っても過言ではありません。まるで工場の音のような無機的な音の響きが返って生々しい。　しかし、バンドは危機に瀕していました。仏の顔も三度までではありませんが、ハーヴェスト・レーベルもそろそろ結果を残すように彼らにプレッシャーをかけます。さらに当時のごたごたしていたロキシー・ミュージックのサポートをしたことで、スターの悲哀を見せつけられます。　こういう状況に置かれると、本来はわずかな違いだったはずの音響派とポップ派の対立構造が先鋭化していきます。ニューマンらしいポップな楽曲「１５日（ジャコバンの暴動）」をシングル・カットするレーベルの思惑は他のメンバーの反対にあいます。　アルバムの曲選びも全体のバランスというよりも、各自のエゴで決まっていったようです。それが功を奏してこんな傑作ができたのですが、バンドとしてはけっしてよろしくありません。結局、彼らはこれを最後に一旦解散してしまうことになりました。　ワイヤーは目指していたロックの脱構築にほとんど成功しかかっただけに残念でした。当時の言葉で言うインダストリアルなスタイルは本当に新しかったですから、大変残念に思いました。ただ、最後にこの作品を残してくれたことには感謝せねばなりません。154 / Wire (1979 Harvest)*2015年9月6日の記事を書き直しました。Tracks:01. I Should Have Known Better02. Two People In A Room03. The 15th １５日（ジャコバンの暴動）04. The Other Window05. Single K.O.06. A Touching Display07. On Returning08. A Mutual Friend09. Blessed State10. Once Is Enough11. Map Ref. 41°N 93°W 北緯４１度西経９３度12. Indirect Enquiries13. 40 VersionsPersonnel:Colin Newman : vocal, guitarGraham Lewis : vocal, bassRobrt Gotobed : drumsB.C. Gilbert : guitar, voice***Hilly Kristal : bass voiceKate Lucas : alto fluteTim Souster : violaMike Thorne : keyboard, synthesizerJoan Whiting : cor anglais
28May
- フュー　～　ソングス
  　孤高のアーティスト、フューのミニ・アルバム「ソングス」です。しばらく休止していた活動を再開してから二作目にあたります。前作「ヴュー」から約４年、その前の活動休止期間が約５年ですから心配した人も多かったのではないでしょうか。　この作品に収録されている４曲はいずれも、いわゆる歌ものです。そして、それらの曲は大きく二つに分けることができます。一つのくくりは「しろいこころ」と「いちばんのもの」の２曲でプロデュースを元フリクションの恒松正敏が担当している楽曲です。　いずれの楽曲でもギター及びベースを恒松、プログラミングを高橋豊が担当しており、二人が楽曲のアレンジも手掛けています。この頃の恒松は自身のバンドＥＤＰＳは解散していましたが、初のソロ・アルバムを発表した頃で、さまざまな方面で活躍していました。　高橋のプロフィールはよく分かりませんけれども、この後も恒松のソロ作品などに参加していますから、恒松人脈ということができると思います。フューのボーカルとともに恒松らしい硬質なギターを光らせるサウンドを作りだしている、なかなかの才人のようです。　このうち「いちばんのもの」はフューのアーント・サリー時代の楽曲「うぬぼれないで」の歌詞を変更したものだということです。なお、「うぬぼれないで」はレコードとしては２００１年に発売されたアーント・サリーのライヴ・アルバムに収録されています。　もう一つのグループは、大津真がプロデュースを担当している「とおいうた」と「ことばのなかへ」の２曲です。こちらは大津がギターとキーボード、藤本敦夫がベース、藤井信雄がドラムというバンド形態での演奏でフューが歌う形の楽曲です。　大津は後に藤井と江藤直子他を加えてジュリエッタ・マシーンを結成しますし、二人とも藤本の妻である橋本一子と共演したりするなどしており、三人は接点の多いミュージシャンです。それぞれが実力派で、さまざまなセッションに名を連ねています。　なお、前作「ヴュー」は大津とともにチャクラなどに参加していた近藤達郎が全面的にフューをバックアップして制作されていましたから、この２曲はその後継といえます。アルバムではこの２曲が、少々趣きを異にしている恒松の２曲に挟まれる形で並んでいます。　「ヴュー」は案に相違してフューのボーカルがなまめかしくてぞくぞくしたものです。昔のフューの印象と少々異なったのですが、ここでは同じ大津がバッキングをしているとはいえ、より初期のしゅっとしたボーカルのイメージが戻っています。　最初の恒松ソング「しろいこころ」からなかなか衝撃的です。恒松のパンクを引きずったリズムとギターで始まり、そこにフューの性を感じさせない明るいのか暗いのかまるで分からないニュートラルな歌が被さる音像はとても気分がすっきりします。　声そのものに加工を施していないように聴こえるところがいいです。フューの歌は素晴らしい楽器のようなもので、この声だけでもう私は十分です。この声に聴き惚れてしまい、歌詞がまるで頭に入ってこない点だけは大変申し訳なく思っています。Songs / Phew (1991 Parco Sectary)Tracks:01. しろいこころ02. とおいうた03. ことばのなかへ04. いちばんのものPersonnel:Phew : vocal恒松正敏 : guitar, bass高橋豊 : programing大津真 : guitar, keyboards藤本敦夫 : bass藤井信雄 : drums
27May
- * ワイヤー　～　消えた椅子
  　ワイヤーの二作目「消えた椅子」はリアルタイムで日本盤も発売されました。その意味でワイヤーの日本デビュー作にあたる作品です。またまたシンプルこの上ないジャケットが凄味を感じさせてくれます。まるで棺桶に置かれた一輪の花のようです。恐ろしいです。　これは本当に良く聴いたアルバムです。今でもパンクと言えばこの作品の音が真っ先に思い浮かぶほどです。少しは長めになりましたが、それでも短い曲、ポゴ・ダンスが似合うリズム、シンプルでポップなメロディー、媚びることのないストイックさはパンクそのものでした。　ただ、ワイヤーのことをパンクだという人はあまりいません。今となっては、そういうスクールとは別の存在だと観念されています。しかし、このアルバムからは「アウトドア・マイナー」がシングル・ヒットまでしていました。トップ・オブ・ザ・ポップスに出る寸前だったそうです。　この頃、ワイヤーは「ロックでなければ何でもいい」という名言を残していますが、１００人に聞いたら９９人までは、この作品はロックだと答えることでしょう。その意気込みは麗しいですが、ロックの解体作業はまだまだ道半ばでした。かなりの難行ですから。　「アウトドア・マイナー」の他にも、まあ歌詞は何ですが「「アイ・アム・ザ・フライ」のように切れ味が鋭いポップ・チューンもありますし、典型的なパンク・チューンもあります。変な曲もあるものの、全体を通して若いミュージシャンのロック作品だといえます。　しかし、前作からほんの１年足らずの間に、彼らのサウンドは大きく変化しました。何より楽器が上手くなりましたし、楽曲の構成も格段にしっかりしています。勢いで作ったという感覚が残っていた前作とは異なり、隅から隅まで考え抜かれています。　彼らの音楽の最大の魅力はその音響にあると思います。全１５曲それぞれに音の響きが徹底的に追及されています。ポップな楽曲にもアウトロの部分に微妙な音が付加されていて、いわば曲の残響になっています。それがとにかく美しいです。　実際、彼らは「レコーディングの”プロセス”にもっと深く関わりたいと考えた」そうです。当時の新しいテクノロジーや手法をいろいろと試していて、テープ・ループやシーケンサー、シンセなどを多用してサウンドを作っています。この自由度がワイヤーらしい。　そして、その用い方があまり音楽的でないのもワイヤーです。変な言い方をしていますが、音そのものを深く深く追求していて、それが彼らの楽曲に非音楽的な音響を感じさせるのではないかと思います。説明が難しいですが、聴けば分かります。　そんな姿勢が見事に後のクラブ・ミュージックのクリエイターと地続きなのでしょう。ワイヤーのスタンスは後の世代に大きな影響を与えていると言われる所以です。その意味では、姿勢としては見事にロックを脱構築しるといえるのかもしれません。　まるで普通のロック・アルバムとしても楽しめる作品であって、なおかつそのサウンド作りの妙を愛でることができるというワイヤー史上でも一、二を争う類の傑作です。こんなアルバムを早々に作り上げたワイヤーには感謝しかありません。すり切れるほど聴きました。Chairs Missing / Wire (1978 Harvest)*2015年9月1日の記事を書き直しました。Tracks:01. Practice Makes Perfect02. French Film Blurred03. Another The Letter04. Men 2nd05. Marooned 06. Sand In My Joint07. Being Sucked In Again08. Heartbeat09. Mercy10. Outdoor Miner11. I Am The Fly12. I Feel Mysterious Today13. From The Nursery14. Used To15. Too LatePersonnel:Colin Newman : vocal, guitarB.C. Gilbert : guitarLewis : bass, vocalRobert Gotobed : drums***Mike Thorne : keyboard, synthesizerKate Lukas : flute
26May
- ビー・ジーズ　～　ホリゾンタル
  　ビー・ジーズは「ビー・ジーズ・ファースト」を発売するとわずか３日後には次のアルバムの制作にかかりました。前作のレコーディング・セッションから数えても３か月です。出来上がった作品は「ホリゾンタル」と名付けられ、翌年１９６８年１月に発表されました。　前作から本作品の間にはＢＢＣセッションもこなしていますし、当時はスターの殿堂だった「トップ・オブ・ザ・ポップス」にも出演しています。さらにテレビ出演も続いて、さすがは第二のビートルズの名に恥じない人気者ぶりを発揮しています。　さらにビー・ジーズならではですが、自身の曲を他のアーティストがカバーする際にバックグラウンド・ボーカルを提供したり、さらには曲の提供もするなど、その作曲能力、演奏能力の高さを買われた活動が続いています。音楽業界にとっては便利な存在ですね。　本作品の中で最も有名な曲はもちろん「マサチューセッツ」です。この曲は先行してシングルとして発売されるや、英国で初のナンバー・ワンを獲得する大ヒットになりました。米国でも１１位、日本ではオリコン・チャートを制した初めての洋楽シングルになりました。　ビー・ジーズを見出したブライアン・エプスタインはこの曲を聴いて、「必ずヒットする」と言い残して天国へ旅立ったと言われています。元はシーカーズに提供する予定だった、フラワー・パワーの中心地サンフランシスコを皮肉る曲ですが、そんなことより曲の美しさが全てです。　なお、この曲が発売される前に、コリン・ピーターセンとヴィンス・メロニーのメンバー二人が在留資格の問題で国外追放されそうになりましたが、ファンの猛抗議が奏効して、二人は無事に難を逃れ、ビー・ジーズにとどまることができたという逸話が残っています。　そのこともあるのか、本作品ではこの二人の活躍が目立ちます。メロニーに至っては収録されませんでしたがリード・ボーカルをとる楽曲まで作られました。楽曲はすべて三兄弟の作曲ですけれども、音楽的な実験にあたって二人の果たした役割が大きい模様です。　本作品からは「ワールド」も英国でトップ１０ヒットを記録しています。アルバム冒頭を飾るこの曲はバリーとロビンのさわやかなハーモニーが映えるビー・ジーズらしい曲で、やはり少々ビートルズっぽい。メロニーのヘビーなギターがいいアクセントになっています。　このアルバムは前作に比べると、サウンドがヘビーでロックっぽい。そして、暗くて重いと評されることが多いです。オーティス・レディングに影響を受けたという「変化は起こった」などがその典型でしょうか。バリーのソウルフルなボーカルが見事なＲ＆Ｂソングですが。　いずれの楽曲もギブ兄弟の作曲能力の高さを遺憾なく発揮しています。また、メロトロンを使ったり、オーケストレーションを導入したアレンジも見事ですし、ここにアーシーなギターが加わったりとバランスもいい。まだ若いバンドですけれども、実力派だったことが分かります。　本作品は英国では１６位、米国では１２位と前作には及びませんけれども、そこそこのヒットを記録しました。アルバムのプロモーション・ツアーでは各国がビートルズ騒動の再来を危惧したといいますから、チャート・アクション以上に人気は高かったようです。Horizontal / Bee Gees (1968 Polydor)Tracks:01. World02. And The Sun Will Shine そして太陽は輝く03. Lemons Never Forget レモンは忘れない04. Really And Sincerely05. Birdie Told Me バーディは言う06. With The Sun In My Eyes 瞳に太陽を07. Massachusetts08. Harry Braff09. Day Time Girl10. The Earnest Of Being George11. The Change Is Made 変化は起こった12. HorizontalPersonnel:Barry Gibb : vocal, guitarRobin Gibb : vocal, organMaurice Gibb : vocal, bass, piano, MellotronVince Melouney : guitarColin Petersen : drums
25May
- スティーヴィー・ワンダー　～　カンバセーション・ピース
  　ルキノ・ヴィスコンティ監督に「家族の肖像」という作品がありました。ヴィスコンティらしい退廃を感じさせる美しい映画でした。その英語題が「カンバセーション・ピース」、家族の団欒を描いた絵画を指す言葉で、イタリア語での題名はより直截な言葉になっています。　そのイメージがあるものですから、スティーヴィー・ワンダーの７年ぶりとなる新作スタジオ・アルバムの題名が「カンバセーション・ピース」と聞いた時には少々驚いたものです。スティーヴィーはヴィスコンティとは対極の位置にいる存在のような気がしたものですから。　ただし、ここでは「ピース」が同音異義語に置き換えられて「平和」になっています。結局、タイトルが意味するところは「対話と平和」、いつものスティーヴィーらしい主張になっているのでした。同名の曲では家族も交えて平和を訴えています。　本作品は構想が発表されたのが１９８９年でした。前作「キャラクターズ」から２年ですから、ちょうどよいタイミングです。しかし、そこからが長かった。途中で「ジャングル・フィーヴァー」というサントラ制作もあったりして、リリース情報は浮かんでは消えての繰り返しでした。　完成のきっかけとなったのは１９９３年に憧れの国ガーナを訪れたことのようです。毀誉褒貶の激しいローリングス大佐の招待を受けての訪問ということで、若干もやもやしないではありませんが、人の好いガーナ人たちとの交流が刺激となり曲があふれてきたようです。　そこからもスタジオ作業に予定以上に時間はかかりましたけれども、ついに１９９５年３月に本作品が発表されました。完成した作品を通して聴いたスティーヴィーが涙したと伝えられています。実に１１歳の初レコーディング時以来の出来事であったそうです。　スティーヴィー渾身の作品は７０分を越える、ＬＰならば二枚組の大作です。長らく待たされたファンの皆さまの感激も一入だったことでしょう。それに本作品はスティーヴィーのクラシック期、あの三部作や「キー・オブ・ライフ」の頃に戻ったと評されています。感激の二乗です。　確かにアルバム全体を聴き通すと、１９７０年代のスティーヴィーを思わせます。久しぶりに三部作の立役者の一人ロバート・マーゴレフが２曲でミキシングを担当していることもその印象に棹を差しています。軽やかなシンセがずっしりと腹にくるサウンドです。　聴きなれたサウンドだからと評価を下げる向きもあり、実際、全米チャートでは１６位どまりではあります。しかし、私は耳に馴染んだスティーヴィー節の作品がまた一つ増えたことを素直に喜びたいと思います。ちなみにオリコン・チャートでは１１位と大健闘です。　アルバムからはクラシックな珠玉のバラード「フォー・ユア・ラヴ」がシングル・カットされ、大ヒットにはならなかったものの、見事にグラミー賞に輝いています。この曲を筆頭に全１３曲はそれぞれが緻密にアレンジされていて腹いっぱいになること間違いありません。　黄金期に比べるとまだ４５歳なのに声はかなり渋くなっています。何も知らずに聴くと、スティーヴィーのそっくりさんかなと思うかもしれません。若さには欠けるものの、それに変わる円熟の極みを示した作品です。流行などは無関係なところに立っている作品です。Conversation Peace / Stevie Wonder (1995 Motown)Tracks:01. Rain Your Love Down02. Edge Of Eternity03. Taboo To Love04. Take The Time Out05. I'm New06. My Love Is With You07. Treat Myself08. Tomorrow Robins Will Sing09. Sensuous Whisper10. For Your Love11. Cold Chill12. Sorry13. Conversation PeacePersonnel:Stevie Wonder : vocal, instrumentsEdley Shine : reggae chantingBen Bridges, Greg Moore, Melvin "Wah Wah" Ragin : guitarNathan Watts : bassGreg Phillinganes : keyboardsLenny Castro, Munyungo, Bill Summers, Vinx : percussionJorge Arciniega, Terence Blanchard, Ronald Brown, Fernando Pullum, Nolan Shaheed : trumpetGary Bias, John Stephens : alto saxRay Brown, Ernie Fields, Jr.,, : tenor saxBranford Marsalis : saxOllie Brown : conductorDr. Henry Panion III : stringsStephanie Andrews, Anita Baker, Kimberly Brewer, Daryl Coley, Julie Delgado, For Real, Katrina Harper, Kenneth Lee Harris, Dorian Holley, Bobette Jamison-Harrison, Jazzyfatnastees, Keith John, Marva King, Ladysmith Black Mambazo, Melodyu McCully, Della Miles, Aisha Zakiya Morris, Katrina Perkins, Sounds Of Blackness, Take 6, Deniece Williams, The Winans, Syreeta Wright : chorusAkosua Busia : president/organizerThe Christian Entertainer's Fellowship : chant
24May
- * ワイヤー　～　ピンク・フラッグ
  　１９８０年をはさんだ時期、何か新しいことをやりたい若者は、まずは音楽を始めたものです。パンクの登場によって楽器が弾けなくても音楽ができることが証明されましたし、何よりもその頃にはぞくぞくと新しい音楽が誕生していました。輝いていたのです。　これが１９９０年代になると、そうした若者は映像の世界に移っていきました。ホームビデオの普及で、映像制作が格段に容易になったこともありますし、どんどん見たこともないような映像表現が登場してきたのです。音楽ファンとしてはちょっとさびしい気もします。　それはともかく、そんな背景を念頭に置かないと、なんでこの人たちが音楽を始めたのかは分からないと思います。ワイヤーは当初５人組でしたが、唯一楽器がまともに弾けて作曲もできる、英国トラッドよりのギタリスト、ジョージ・ジルが脱退してから花開きました。　要するに楽器が下手です。それに、メンバーの一人ギルバートが語るところによると、「私はレコード・プレイヤーもＣＤプレイヤーも持っていないし、まったく音楽を消費していない」し、「家でゆっくり聴くということは考えられない」そうです。熱い思い入れなど微塵もありません。　ワイヤーは、そうであるからこそ、背筋が凍るほどカッコいいという逆説的なバンドです。この作品はワイヤーがプログレで有名なハーヴェストに残したデビュー・アルバム「ピンク・フラッグ」です。ジャケットがまず秀逸です。彼らの音楽を過不足なく表現しています。　よく話題にされる通り、３０分強の収録時間に対し、２１曲も詰め込まれています。作曲はコリン・ニューマン、作詞はグラハム・ルイスとメンバーの中で分担を決めて、大急ぎで作りあげた曲ばかりです。別にやっつけ仕事というわけではないでしょう。これが彼らのスタイルです。　アイデアがあるけれども、音楽的な素養がないとなると、長い曲はかけません。ここでの曲の短さはそういう事情が大きいと思います。ただし、本人たちにはロックを脱構築するのだという意欲は漲っていたようで、それも大きく作用しているのでしょう。　日本に伝わってきていたパンク像にこれほどピッタリくる人たちはなかったと思うのですが、意外なことにイギリスではパンクとはみなされていなかったそうです。パンクというには冷たいし、アートに過ぎたということでしょうか。パンク・スピリットと言われると弱いですね。　このデビュー作は、後に息長く活躍するワイヤーの面々の姿から振り返ってみると、まるでアマチュア時代の作品のように思えます。稚拙というと失礼ですが、まだまだロックを脱構築しきれていませんし、常識的なロック・バンドっぽいところが強い。　しかし、その粗削りな音の中に、何かがきらりと光っているというアルバムです。特にミュージシャンの方々に人気が高いというのもうなづけます。恐らく、皆さんにもあった初期衝動を素直に表現しているからでしょう。とにかく聴いているとすかっとします。　意気込みと勢いが半端ないのですが、それが音楽に対してダイレクトに熱く向かっているというよりも、少しそれたところに向けられている。そこが途轍もなくカッコいいわけです。ワイヤーは何かが違う。だれしもがそう思いました。本作品は名盤なのです。Pink Flag / Wire (1977 Harvest)*2015年8月27日の記事を書き直しました。Tracks:01. Reuters02. Field Day For The Sundays03. Three Girl Rhumba04. Ex Lion Tamer05. Lowdown06. Start To Move07. Brazil08. It's So Obvious09. Surgeon's Girl10. Pink Flag11. The Commercial12. Straight Line13. 106 Beats That14. Mr. Suit15. Strange16. Fragile17. Mannequin18. Different To Me19. Champs20. Feeling Called Love21. 12 x UPersonnel:Colin Newman : vocalB.C. Gilbert : guitarRobert Gotobed : drumsGraham Lewis : bass****Kate Lukas : fluteDave Oberle : chorus
23May
- ヘンリー・カウ　～　トロンハイム
  　ヘンリー・カウの結成４０周年記念ボックス初出の未発表音源集「ザ・ロード」の第四弾は「トロンハイム」です。トロンハイムはノルウェー中部に位置する人口約１６万人の都市で、ノルウェー王国の最初の首都がおかれた町として歴史的にも重要な場所です。　ヘンリー・カウは１９７６年５月に２週間に及ぶ北欧ツアーを敢行しました。直前にジョン・グリーヴスが脱退したため、このツアーでのヘンリー・カウはリンゼイ・クーパー、クリス・カトラー、フレッド・フリス、ティム・ホジキンソンのカルテット編成でした。　トロンハイムでのライヴは当地のスチューデント・ソサエティーにて５月２６日に行われました。ちなみにこの会場は、セックス・ピストルズやイギー・ポップ、パブリック・エネミーにモーターヘッドなどさまざまなアーティストが公演を行った由緒ある会場です。　本作品はトロンハイムでのライヴをバンドによってミキシング・デスクからカセットに録音したものです。翌々日にスウェーデンのヨーテボリで行ったライヴは録音されてラジオで放送されたといいますが、わざわざこちらを選んだのには訳がありそうですね。　さて、このライヴはヘンリー・カウの歴史の中でも少々特異なものです。時期でいうとシリーズ前作の「ハンブルグ」の２か月後のライヴなのですが、二つのヘンリー・カウはまるで異なります。こちらではお馴染みの曲は一切やらず、全編をインプロビゼーションで埋めています。　グリーヴスの脱退、ダグマー・クラウゼの体調不良によってカルテット編成を余儀なくされたヘンリー・カウは、すでに決まっていたツアーをどうするか思案した結果。これをキャンセルするのではなく、自らを見つめ直し、最初から最後まで即興演奏でいくことを決めたのでした。　ただし、演奏する背景には、ホジキンソン、フリス、クーパーの三人がそれぞれ事前に用意した２時間のテープが流されています。ただし、ほとんど聴こえない音量にセットされており、時おり演奏者がボリュームを上げた際にのみ観客に聴こえるという面白い形です。　ステージングも徹底しています。照明が落とされたほとんど真っ暗なステージで演奏が始まります。そこから約２時間、演奏が終わって明かりがついた時にはカウのメンバーはステージを去っており、観客はほとんどまともに演奏者の姿も見ることがなかったといいます。　ヘンリー・カウを見に来た観客は面喰ったでしょうし、カウの連中にとっても大きな賭けでありました。しかし、結果は観客が怒りだすわけでもなく、まずまずの成功を収めたとカトラーは総括しています。もともと即興を交えた演奏をしていましたから想定内ではあったのでしょう。　約２時間の即興演奏ですが、最後だけはフリス作曲の「マーチ」で締めるお約束でした。この部分は他の即興部分と大きく違うわけではありません。面白いことに、カトラーはボックスのために編集する際、このライヴを「コンポジション」として聴いたといっています。　確かにヘンリー・カウの即興演奏は曲の構造をロジカルに突き詰めるところがあり、一般の即興演奏とは少々趣きが異なります。どこかきっちりとしているのです。その意味で完全な自由を目指す、英国の即興音楽シーンと一線を画していたのかもしれません。Trondheim / Henry Cow (2017 ReR)Tracks:(disc one)01-10. Trondheim I(disc two)01-06. Trondheim II07. The MarchPersonnel:Lindsay Cooper : recorder, oboe, bassoon, flute, piano, tapes, voiceChris Cutler : drums, flotsam, telephone mouthpieces, amplification, voiceFred Frith : guitar, violin, 6-string bass, xylophone, tubular bells, tapesTim Hodgkinson : organ, clarinet, voice, tapes
22May
- * サード・ワールド　～　華氏９６度
  　いわゆるワールド・ミュージックの中でレゲエの占める位置は特異です。あまりに英米のロックやポップスの中に入りこんでいるので、どこかにお客さん的な響きのあるワールド・ミュージックという言葉が似合いません。しかし、それはこちら側からみた意見です。　サード・ワールドはレゲエ界のスターですが、ジャマイカのオーセンティックなレゲエを信奉する原理主義者からは、フュージョン・レゲエとも呼ばれて評判がよろしくありません。欧米のロックやポップスに接近しすぎているというのです。魂を売ったといわんばかりです。　そんな世評を受けた原因の一端は、バンド・メンバーに元副総理大臣の息子キャット・クーアが含まれているなど、メンバーの出自が中流階級だったことにあるようです。なかなかレゲエ界のエリートには受け入れられないことも英国進出の理由の一つかもしれませんね。　そんな世評ですけれども、彼らのセカンド・アルバムにあたるこの作品「華氏９６度」は名作のステータスを確立しています。この頃のサード・ワールドは、私などからすると、世評にかかわらず、クールなルーツ・レゲエを演奏するハードコアなレゲエ・バンドでありました。　サード・ワールドは、アイランド・レコードからセルフ・タイトルのデビュー・アルバムを発表した翌年の１９７７年には早くもセカンド・アルバムを発表しました。ただし、この間にボーカルとドラムスが交替しました。新たに元インナー・サークルから二人が加入したのです。　新たに加入したのはボーカルのウィリアム・「バニー・ラグス」・クラークとドラムのウィリー・スチュワートです。すでにシンガーとしてのさまざまなキャリアを積んでいたクラークは、２０１４年に亡くなるまでサード・ワールドを牽引しつづけることになります。　アルバムに収録された曲は、１曲を除いて全て彼らのオリジナル曲です。中でも話題となったのはアルバム・タイトルともなった「華氏９６度」です。もともとこれは副題で原題は「１８６５」、ジャマイカ事件として知られるモラント湾の暴動の年を示しています。　首謀者のポール・ボーグルは英国の圧政に立ち向かった植民地ジャマイカの英雄です。ボーグルは華氏９６度の暑さの中で処刑されます。♪いつか人々は気がつく。空に太陽が輝くのと同じくらい明らかだ。犠牲者としてここに立っているが、俺はけっして死にはしない♪　民族のプライドをかけた見事なメッセージ・ソングになっています。この後、レゲエを世界に広める役割を果たしていくサード・ワールドの根幹となっている楽曲です。けして暗く重くなったりはしませんが、それだけに芯の強いレゲエであるといえます。　今ではこのアルバムの評価は確立していると言ってよいでしょう。ちょっとネットで検索してみるだけで、この作品が傑作と言われていることが分かります。同年に出たボブ・マーリー＆ザ・ウェイラーズの「エクソダス」と並び称されることもあるほどです。　デビュー・アルバムと同じくルーツ・レゲエといえる作品ではあるものの、この頃からＲ＆Ｂとの親和性も高いことが分かります。そのことが、知的な印象を与えるクールな姿勢と相まって、レゲエにどっぷりはまっていない人にも分かりやすい作品としたのでしょう。96 Degrees In The Shade / Third World (1977 Island)*2015年1月11日の記事を書き直しました。Tracks:01. Jah Glory 神の栄光02. Tribal War 種族戦争03. Dreamland 04. Feel A Little Better 気分は最高05. Human Market Place06. Third World Man07. 1865 華氏９６度08. Rhythm Of Life 生命の鼓動Personnel:Stephen "Cat" Coore : guitarMichael "Ibo" Cooper : keyboardsIrvin "Carrot" Jarrett : percussionRichard Daley : bassBunny Rugs : vocalWillie Stewart : drums
21May
- ビー・ジーズ　～　ビー・ジーズ・ファースト
  　ビー・ジーズの世界デビュー・アルバム、その名も「ビー・ジーズ・ファースト」です。何をわざわざ世界デビューと断るのかといえば、ビー・ジーズはこの作品の前にオーストラリアでアルバムを発表して大ヒットさせていたからです。これをローカル扱いするとはひどいですね。　とはいえビー・ジーズの中心となるバリー、ロビン、モーリスのギブ兄弟はもともとは英国領マン島に生まれています。その後、マンチェスターに住んだかと思うと、１０歳になるやならずやの頃にオーストラリアに移住してほどなく音楽活動を開始しています。　オーストラリアでレコード・デビューしたのは１９６３年、ロビンとモーリスはまだ１３歳の頃です。彼の地でナンバー・ワン・ヒットを放つなど国民的な人気を博したギブ兄弟はビートルズの敏腕マネージャー、ブライアン・エプスタインの目にとまり、ワールド・デビューに至りました。　本作品はそのワールド・デビュー作です。この時、バリーは弱冠二十歳、ロビンとモーリスの双子は１７歳です。この時のラインナップは、この三兄弟にドラムのコリン・ピーターセンとギターのヴィンス・メロニーを加えた５人組です。二人はオーストラリア時代から縁があります。　恐ろしいことに、この作品に収録された１４曲はすべてバリーを中心とする三兄弟のオリジナルであり、さらにオーストラリア時代の曲の再収録ではなく、すべてが本作品のために書き下ろされた新曲です。すなわち恐るべき旺盛な創作意欲です。　しかも、本作品からはいきなり「ニューヨーク炭鉱の悲劇」をヒットさせています。英国で１２位、米国でも１４位と新人としては大成功を収めました。この楽曲は、わざと出自を明かさずにＤＪに配り、ビートルズの新曲と錯覚させたとの逸話が残ります。　そのことに象徴されるように、ギブ兄弟の作り出す曲は確かにビートルズに近い。本人たちも素直に認めています。それもかなりディープで、「イン・マイ・オウン・タイム」などは「トゥモロー・ネバー・ノウズ」を彷彿させます。革新的なところまで似ているのですね。　一方で「ホリデイ」などはローリング・ストーンズのようでもありますし、「ライオン・ハーテッド・マン」は宗教歌のようなアレンジとなっています。三兄弟の見事なコーラスワーク、さらには効果的なオーケストレーションがふんだんに使われ、すでにその音楽は完成しています。　１９６７年という時代を反映したサイケデリックなポップが全開です。耳に残るメロディー・ラインを作り出すのみならず、そこに実験的で緻密なアレンジを施すというこの時代のポップスの王道を堂々と歩んでいます。まだ若いのにさすがは後のスーパースターです。　本作品は英国では８位、米国で７位といきなり大ヒットを飛ばしています。先行した「ニューヨーク炭鉱の悲劇」が大いに期待をあおり、新しいビートルズの登場ともてはやされたビー・ジーズはその期待に見事に応えたのでした。順風満帆な船出です。　アルバムの翌月には次のアルバムに入るビー・ジーズの代表曲となる「マサチューセッツ」が発表され、これが英国で１位を獲得する大ヒットとなりました。アルバムはその勢いにも支えられて大ヒットとなったわけです。このあたりの戦略もうまいですね。Bee Gees' 1st / Bee Gees (1967 Polydor)Tracks:01. Turn Of The Century02. Holiday03. Red Chair, Fade Away 想い出の赤い椅子04. One Minute Woman05. In My Own Time06. Every Christian Lion Hearted Man Will Show You ライオン・ハーテッド・マン07. Craise Finton Kirk Royal Academy Of Arts　ロイヤル・アカデミー・アーツのクレイズ・フィントン08. New York Mining Disaster 1941 ニューヨーク炭鉱の悲劇09. Cucumber Castle10. To Love Somebody11. I Close My Eyes 瞳を閉じて12. I Can't See Nobody 誰も見えない13. Please Read Me14. Close Another DoorPersonnel:Barry Gibb : vocal, guitarRobin Gibb : vocal, organMaurice Gibb : vocal, bass, guitar, piano, Mellotron, organ, harpsichordVince Melouney : guitarColin Petersen : drums
20May
- ホルガー・シューカイ　～　ローマ・リメインズ・ローマ
  　馴染みのないジャケットに一瞬戸惑いましたが、これは正真正銘、ホルガー・シューカイの５枚目のソロ・アルバム「ローマ・リメインズ・ローマ」です。ジャケットもこれがオリジナルで、前作から３年後となる１９８７年にヴァージン・レコードから発表されました。　なぜジャケットに戸惑ったのか。この作品は単独でＣＤ化されるまでに３０年を要しており、その間に前作とカップリングしたＣＤが発売され、それも２種類あってそれぞれジャケットが本作品とまるで違っているからです。前作も同じ事情なんですが、あちらは強烈なもので。　いちいちタイトルが面白い人です。「ローマ・リメインズ・ローマ」、ローマはいつでもローマという成句もどきの表現で、同じ題名の曲は収録されていませんけれども、「ブレスト・イースター」という曲でローマ法王の語りをサンプリングしていることにちなんでいると思われます。　この当時の教皇はヨハネ・パウロ二世、４５５年ぶりの非イタリア人教皇で、在職期間は２７年に及ぶ誰もが知る人物です。まるでブルースな楽曲には教皇のイースター・メッセージがサンプリングされてグレゴリオ聖歌もコラージュされています。シングル・カットされました。　もう一つの話題は「ヘイ・ババ・リーバップ」です。この曲はカンの後期にメンバーだったリーバップ・クワク・バーに捧げられています。リーバップは１９８３年にわずか３８歳で早すぎる死を迎えています。カンの他にもトラフィックなどで活躍したガーナ出身の打楽器奏者です。　追悼曲ということになるのですけれども、これが妙に明るくてポップな楽曲です。刻まれるビートと浮遊するギター、ウキウキするような女声ボーカルで、かえって追悼の気持ちが深く伝わってくるようです。このパーカッションは確かにリーバップを追悼していますし。　この２曲に続く「ズデーテンラント」、すなわちチェコとドイツにまたがるズデーテン地方を題名にした楽曲では、この頃にわかに注目を集めていたブルガリアン・ボイスがコラージュされています。ボーカルは脱力系で、何とも人を喰ったサウンドが面白いです。　そうかと思うと子ども二人のボーカルを加えたユーモラスなサンバ調の曲「ヒット・ヒット・フロップ・フロップ」が登場し、さらに１０分を越えるヒプノティックなクラブ的なビートをもった「パーフェクト・ワールド」へと連なります。近年人気が高いというのもよく分かる楽曲です。　「パーフェクト・ワールド」では、シューカイがスイスで見初めてカンに引っ張ってきたという因縁を持つミヒャエル・カローリのギターが活躍しています。ジェームズ・ブラウンのボーカルもほんの少々サンプリングされており、シューカイの自由自在さが際だつ楽曲です。　最後の「ミュージック・イン・ジ・エア」はダークなアンビエント楽曲で、ここでもカローリのギターは大活躍しています。不穏な空気をまとったサウンドがふわふわと漂うシューカイらしいアルバムの締めになっています。さすがはシューカイ、すきのないアルバムです。　アルバムにはシューカイとのトリオでアルバムも出している、カンの盟友ヤキ・リーベツァイトと元ＰｉＬのジャー・ウォブルが全面的に参加しています。彼らが作り出すこの奇妙なセンスのポップなサウンドは何とも心地よい独特の世界を現出しています。Rome Remains Rome / Holger Czukay (1987 Virgin)Tracks:01. Hey Baba Reebop02. Blessed Easter03. Sudetenland04. Hit Hit Flop Flop05. Perfect World06. Music In The AirPersonnel:Holger Czukay : vocal, guitar, organ, bass, French horn, synthesizerSheldon Ancel : vocalMichael Karoli : guitarOllie Marland : guitar, pianoJah Wobble : bass, vocalJaki Liebezeit : drums, trumpet, piano, percussionDirk Giehmann, Peter Cremer : vocal
19May
- スティーヴ・ライヒ　～　ザ・ケイヴ
  　とてつもなく重い作品です。１９９３年に初演されたスティーヴ・ライヒによる傑作パフォーマンス「ザ・ケイヴ」は、２０２６年の今、とんでもなく重いものになってきています。この作品を前にすると宗教を、世界を、人類を考えずにはいられません。恐ろしい作品です。　「ザ・ケイヴ」は、ライヒと映像作家ベリル・コロットによる共作です。ステージにはいくつものスクリーンに映し出されるコロットによる映像とともに、ライヒの音楽が演奏されます。音楽は奏者による演奏とインタビューで採集したほぼそのままの会話からなっています。　タイトルとなっている「ザ・ケイヴ」はアブラハムの埋葬地を差しています。アブラハムは旧約聖書に登場する預言者で、ユダヤ教・キリスト教・イスラム教を信仰する、いわゆる「啓典の民」すべての始祖です。いがみ合うことの多い三つの宗教ですが、元はつながっています。　この作品では、第一幕ではイスラエルのユダヤ人、第二幕ではパレスチナのアラブ人、第三幕ではアメリカ人に対して、アブラハム、その妻サラとその子イサク、妾ハガルとその子イシュマエルの５人についてＷｈｏｉｓ？と質問を投げかけ、その回答を録音して使用しています。　このインタビューが本作品の主役です。ライヒはこの会話をカットアップして取り出し、その声のイントネーションからメロディを抽出して音楽化していく手法で作曲しています。歌手が会話の一部を繰り返すのみならず、メロディ自身も語りに関係づけられています。　ライヒは「その人に固有のメロディがあって、それを楽譜に書き取り、彼らの語りの音の高さ、リズム、テンポ正確に書き取り、その後でオーケストレーションに移る」と手順を説明しています。そうして創作された作品はそれぞれの幕でずいぶん印象が異なります。　第一幕にはヘブライ語によるトーラの、第二幕にはアラビア語によるコーランの詠唱が含まれていることもあって、やはり厳粛な雰囲気です。反対に第三幕では、イシュマエルに対してメルヴィルの「白鯨」はまだしも旧約のジェームズ・ディーンだといった調子の回答が明るい。　第一幕と第二幕の最後には問題の「ザ・ケイヴ」の内部を表した曲が置かれています。どちらもほぼ同じでフィールド録音のような環境音のみからなります。一方、第三幕ではこの洞窟について質問した回答が使われます。「一体、何それ？」という声が強い。　音楽は室内楽によるオペラです。会話と歌手の歌声が組み合わさって刺激的ですけれども、残念ながら映像を見ていないので作者の意図の半分くらいしか体験できていません。とはいえ、音楽だけでもライヒの代表作たる重みがあって背筋が伸びます。　イスラム教はキリスト教・ユダヤ教が堕落したため、本来の姿に戻った宗教だと自負していることもあって、それぞれは反目しあっていますけれども、啓典の民としては同じです。彼らからすると非啓典の民である日本人などはさらに劣る存在ということになります。　にもかかわらず、現在のガザの惨状があります。よくもまああんなに残酷になれるものです。第三幕のノンシャランなアメリカも今はより宗教がかっていて歯止めもありません。深く心を痛めるライヒによるこの作品が今こそ広く聴かれるべきだと思います。The Cave / Steve Reich (1995 Nonesuch)Tracks:(disc one)Act 101. Typing Music (Genesis XVI)02. Who Is Abraham?03. Genesis XII04. Who Is Sarah?05. Who Is Hagar?06. Typing Music Repeat07. Who Is Ishmael?08. Genesis XVIII09. Who Is Isaac?10. Genesis XXI11. The Casting Out Of Ishmael And Hagar12. Machpelah Commentary13. Genesis XXV14. Interior Of The CaveAct 215. Surah3(disc two)01. Who Is Ibrahim?02. Who Is Hajar?03. he Near Sacrifice04. El Khalil Commentary05. Interior Of The CaveAct 306. Who Is Abraham?07. Who Is Sarah?08. Who Is Hagar?09. Who Is Ishmael?10. The Binding Of Isaac11. The Cave Of MachpelahPersonnel:Chheryl Bensman-Rowe, Marion Beckenstein : sopranoJames Bassi : tenorHugo Munday : baritoneBob Becker, Russell Hartenberger, Carry Kvistad, thad Wheeler : percussionNurit Tilles, Edmund Niemann, Philip Bush : piano, keyboardsElizabeth Lim, Todd Reynolds : violinScott Rawls : violaJeanne LeBlanc : celloLeslie Scott, Al Hunt, : flute, oboe, English horn, bass clarinetPaul Hiller : conductor

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