Ｍとの芝居談義(後)

(前半からのつづき)

舞台が終って、お客さんに「リアルで面白かった」と思って頂けるのはいい。役者にとっては嬉しいことだ。

でも役者自身が本番のたびに舞台上でリアルを感じていていいのだろうか。
台本があって台詞がある以上、舞台はどこまで行っても「作り物」だ。それはお客さんも承知のこと。
だからこそ、何かが壊れた、こぼれた、小道具忘れた、台詞を忘れた、トチッたフォロったリズムが崩れたなんてことが笑いを誘う。
必死に虚構の世界にしがみついて、現実に戻ってこないように取り繕う役者が、見ていて面白いからだ。

そういったハプニングならまだしも、役者の中にはこんな人もいる。
毎回の本番を常にリアルに感じるために、わざと台詞を変えたり、動きを変えたり、違う道具を持ったり。
そりゃその人自身は楽しいだろう。楽しそうにしている姿がお客さんから見て魅力的に映ることもあるだろう。

でも…

それはプロの仕事ではないと僕は思う。
もちろんまだまだ未熟な若手役者である頼が言うことに価値はないだろうし、読者の方に「自分で実践できるようになってから言え」と言われれば全くその通りだ。でも理想として僕が考えていることをあえて言う。

役者が舞台で行うことは全て計算されたことであるべきだ。
シーンの一つ一つ、それを構成する台詞の一つ一つが全て作品の主題に向かっていて初めて「作品」になるのだと思う。

稽古期間というのは、演出者と役者が、その作品を題材にして世の中に発信する「主題」への共通意識を持つための時間だと思う。
役者によって、または役によってプロセスは様々でも、同じ最終目的地をもった人間が集まって生まれる作品でないと、多くの１度だけ観劇するお客さんには何も伝わらないだろうし、感動できるわけがないのだ。

たった一つの大事なことを伝えるために、それぞれの役はどう働けばいいか、他の役とどう交流すればいいか。そのベストの方法を模索するのが稽古だ。
この時こそ、役者が台詞、動き、道具など、舞台上で演じ得るあらゆる可能性を試す時間だ。この時期は大いに「リアル」を感じようとしていい。

演出者、役者、さらには照明、音響などの全ての関係者で作品の「ベストの形」を本番までに作り上げる。
ひとたび本番が始まれば、全ての関係者がその日の客席のお客様のために「ベストの形」を再現する最大限の努力をする。それがお客様に対するマナーだろう。

舞台で「リアル」が起きてリアルに見えることは芸ではない。計算し尽くされたものが見る人には自然にリアルに映る、さらにはそのリアルが現実世界には存在し得ない「抽象としてのリアリティ」を持っている、これこそがプロの役者の芸だと思う。
名前のある役者の中には「その時に相手を、空間を感じて演ればいい。だから計算はいらない」という人もいる。しかしそういう人の本番ほど、実はかなり計算されているものだ。


(まだつづく…と思う)