ショパン ピアノソナタ第二番「葬送」

今日のタイムリーにショパンの「ピアノソナタ第二番」である。

第一楽章では、流れる旋律の間に八分休符が多用されている。

個人的には、かの「葬送行進曲」よりも好きな部分だ。

この、タタッ、タタッ、というメロディが、聞く者にとって急きたてられるような印象を与えるのである。

しかしこの曲は、実は第三楽章の「葬送行進曲」から作られている。

重々しい、葬列が見えるような旋律はあまりにも有名だ。

しかし有名なあの旋律のあとには、以外にも甘い響き（トリオ）が続く。

これは、実は生前の死者への思いをはせた部分である。

在りし日の、回想の旋律。

重いメロディーの間に天にも上るメロディを挟むことで、死を、ただの死で終わらせないのである。

しかし、そもそもショパンはこの葬送を誰にために書いたのだろうか？

それには三つの説がある。

・自分の葬送行進曲　…　ショパンは幼いころから極度に虚弱で、常に死と隣り合わせの人生だったのである。

　　　　　　　　　　　　　　　　さらにこの頃、婚約した女性に別れを告げられている。失意のどん底にあった。

・失われた祖国　…　当時ウィーンにいたショパンは、ポーランドで武装蜂起が起きて多くの人々が亡くなり、

　　　　　　　　　　　　　ショパンは、二度とポーランドに戻れなかった。彼らへの鎮魂歌だったのではないか？

・過去の古い音楽　…　この音楽はそれまでのソナタの常識を覆す内容になっている。過去との決別。

　　　　　　　　　　　　　　「この曲は乱暴な4人の息子を無理やり一つにまとめただけである。」という

　　　　　　　　　　　　　　シューマンの言葉が残っている。一見すると一連の音楽の間には繋がりがない

　　　　　　　　　　　　　　ようにも感じるソナタは、当時は斬新なものだった。

「葬送行進曲」の完成後、他の章も完成していき、ジョルジュ＝サンドの別荘で過ごしたもっとも平穏な時代。

彼がなぜこの幸せな時代に「葬送」を発表したのかは、今となっては分からない。

しかしそこには、死と隣り合わせで、時代にも弄ばれたショパンの、死をも超越した決意がうかがえる。

シューベルト、「さすらい人幻想曲」

冒頭の、行進するような連弾。

ダクチュルと言う。

パターンを変えて何度も繰り返される音楽は、旅や人生の移り変わりに対する

シューベルトの思想を表している。

そしてダクチュルは力強い行進から、激しく揺れ動き、苦悩の中に陥る。

まさに人生そのものである。

悩みに中で突然訪れる「遠隔転調」。

それまでは苦悩の短調だったものが、メロディの最中に突然希望に満ちた長調に変化する。

気まぐれなほど唐突に表れる、一瞬の光のように。

しかし曲は次第に弱々しく、悲しみを帯び、そのまま第二楽章へと引き継がれる。

第二楽章は、悲しく、暗く、重い。

この旋律は、シューベルトが１９歳の時に書きあげた「さすらい人」の旋律をモチーフにしている。

幼いころから音楽に対する非凡な才能を発揮していたシューベルト。

しかし、彼の父親は、息子が教師になることを望んだ。

二人は激しく対立し、シューベルトは言う。

「そして僕は、さすらい人になった。」

父親との対立。

受け入れられない悲しみ。

それがシューベルトの音楽の原風景なのである。

第三楽章は一転、明るい雰囲気でスタートする。

人生の悲しみを通じて、彼は成長し、新しい音楽にたどり着くのである。

そして第四楽章に至ると、第一楽章と同じ行進のメロディが力強く蘇る。

やっぱり自分には音楽しかないんだ。

さすらいの末にそう確信した、彼の強い意思を込めて。

ストラヴィンスキー ～春の祭典～

20世紀の最高傑作といわれる、ストラヴィンスキーの「春の祭典」

しかし初演時は「春の虐殺」とまで言われ大きなスキャンダルとなった音楽だった。

それは、後から後から繰り返される不協和音の嵐。

メロディらしいメロディはなく、楽器ごとに短調と長調がおなじ部分で奏でられる「復調」や、

小節によってリズムが目まぐるしく変わる「変拍子」が続く。

そもそも、音楽の始まりからして、変わっている。

というのも、最初にうっすらと空に響いてくる高い旋律は、もっとも低音を奏でるべきファゴットなのだ。

しかしそこには、ストラヴィンスキーの強い思い入れがこもっている。

曰く、演奏者が必死になって音楽を奏でている様を表したかった、とのこと。

「春の祭典」に多用される不協和音は、しかし、当然ただの思いつきなどではない。

それは聞いている人たちに、心理的なフラストレーションを与えることによって、その後に爆発的な感動を生みための仕掛けなのである。

では、旋律によってフラストレーションを与えておき、何によって爆発させるのか。

それは、リズムによってである。

この曲は、リズムが非常に工夫されている。

先に言った「変拍子」もその一つだ。

不思議なことに、目まぐるしくリズムが変わるにもかかわらず、慣れてしまえばそこまで不快では

なくなるのである。

これは、西洋音楽の形式ばった一定のリズムではなく、人間の体内からあふれ出る、生命のリズムを

重視しているからなのである。

現にストラヴィンスキーの創作メモには、

「生命が脈拍のある時に存在するように、音楽はリズムによって存在する。」

と、残している。

この音楽は、リズムによって成立する音楽なのである。

「春の祭典」とは、そもそも一般的な「祭典」ではない。

これは、大地のために自らを進んで犠牲にする少女の物語なのだ。

かつてロシアの原始宗教では、春の訪れを祝って祭りを開き、その際に少女を生贄として捧げていた。

選ばれた少女は、儀式の末に踊り続けるのだ、死ぬまで。

しかしそれは、悲しいことではない。

肉体を犠牲にして、死ぬまで踊り続くる。

それは、悲しみではなく、壮大な喜び。

雄大で神聖な大地とひとつになる、偉大な役なのである。

ストラヴィンスキーは「春の祭典」で、人間と大地が深く結び付いている喜びを知らせたかったのだ。

芸術至上最大のスキャンダルと言われた「春の祭典」の初演。

会場となったパリの劇場で、ファゴットの音が鳴り出したとたん会場はどよめき、演奏中にも関わらず

保守と革新派の間で大論争が起きたのである。

それは、「春の虐殺」とまで呼ばれた。

しかし、わずか三回の上演で、ストラヴィンスキーの音楽はすぐに受け入れられた。

当時のパリは、新しい芸術を求めたアヴァンギャルトな雰囲気に満ちていた。

その中で、新しい価値を生み出そうとする人々に受け入れられたのである。

こうして「春の祭典」は、２０世紀を代表する傑作となった。