パリ・サル・プレイエルで開催「ABBA GOLD」：2027年3月

ABBA GOLD が、2027年にパリへ帰ってきます！
2027年3月9日（火）、パリの名門コンサートホール Salle Pleyel（サル・プレイエル）（※） にて、伝説的スウェーデン・グループの名曲の数々を堪能できる、忘れられない一夜が開催されます。

「ダンシング・クイーン」「マンマ・ミーア」「恋のウォータールー」——
ABBAのこれら不朽の名曲に合わせて踊ったり、口ずさんだことがない人がいるでしょうか？
伝説のスカンジナビア・バンド ABBA は、今なおディスコやポップのファンの心をつかみ続け、その色あせないヒット曲で世界中を魅了しています。

多くのファンが、アグネタ・フォルツコグ、アンニ＝フリード・リングスタッド、ビヨルン・ウルヴァース、ベニー・アンダーソン が再び同じステージに立つ日を夢見ていますが、現在では彼らを称えるトリビュート・コンサートが世界各地で開催されています。
2024年3月のオランピア劇場での完売公演、さらに 2026年2月のサル・プレイエル公演 を経て、ABBA GOLD は 2027年3月9日（火）、再びこの由緒あるパリの会場に戻ってきます。

公演内容は？

約2時間にわたるライブ・エンターテインメントで、ABBAという伝説的バンドへのオマージュがたっぷりと繰り広げられます。
トリビュートバンドはもちろん、
「ダンシング・クイーン」
「マンマ・ミーア」
「ヴーレ・ヴー」
「スーパー・トゥルーパー」
「恋のウォータールー」
に加え、
「ノウイング・ミー、ノウイング・ユー」
「ギミー！ギミー！ギミー！」
「マネー、マネー、マネー」
といったABBAの代表曲を披露する予定です。

＊© LOS PRODUCTION
（© ロス・プロダクション）

忘れられない体験を約束するため、本公演では最先端のテクノロジーを駆使し、ABBAのスピリットを鮮やかに再現。音楽面でも振付面でも、ワクワクするサプライズが用意されています。
2027年3月9日をカレンダーに記し、70年代・80年代のきらびやかな世界へと再び飛び込み、ABBAマニアを存分に味わいましょう。このトリビュート・コンサートは、思わず歌い、踊り続けてしまう夜になること間違いありません。

ABBAへのトリビュート・コンサートを体験したい方は、2027年3月9日、パリのサル・プレイエルへ。
チケットの予約はお早めに。

開催日・開演時間

• 2027年3月9日

会場

• Salle Pleyel（サル・プレイエル）
  252 Rue du Faubourg Saint-Honoré
  75008 Paris 8

アクセス

• メトロ：Ternes（テルヌ）駅

料金

• 45ユーロ～88ユーロ

公式サイト

• www.sallepleyel.com

チケット予約

• チケット販売サービスにて料金を確認してください

※Salle Pleyel（サル・プレイエル）とは、
パリを代表する歴史ある名門コンサートホールで、クラシックからポップスまで幅広い音楽公演が行なわれる格式高い会場です。

基本情報

• 所在地：252 Rue du Faubourg Saint-Honoré, 75008 Paris

• 開場：1927年

• 収容人数：約2,000席

• エリア：パリ8区（シャンゼリゼ近郊）

どんな会場？

• もともとはクラシック音楽の殿堂として誕生

• パリ管弦楽団の本拠地だった時代もあり、
  音響の良さで世界的に評価されている

• 現在はクラシックに限らず、
  ジャズ、ポップス、ロック、映画音楽、トリビュート公演なども開催

音響と雰囲気の特徴

• 楽器や歌声が非常にクリアに響く設計

• オペラハウスほど堅苦しくなく、
  それでいて格式と親しみやすさを兼ね備えた空間

• 座席中心のホールで、
  音楽をじっくり聴く公演に最適

ABBA関連イベントとの相性

• ABBA GOLD のようなトリビュート・コンサートが繰り返し開催される理由は、

  • 名曲を高音質で楽しめる

  • 大人の観客層が多く、70s・80s音楽と相性が良い

  • パリの一流会場で“特別な夜”を演出できる
    という点にあります。

記事用・一文解説（そのまま使える表現）

サル・プレイエルは1927年に開場したパリの名門コンサートホールで、卓越した音響を誇り、クラシックからポップスまで幅広い音楽公演が行なわれている。

ABBA GOLD to perform at the Salle Pleyel in Paris in March 2027

盤上を整える：ブライス・ピンカムが案内する、ブロードウェイ版『CHESS』の世界

ブライス・ピンカムは、ほぼ10年にわたって『CHESS』と共に歩んできた。

＊ブライス・ピンカム
（写真：ブロードウェイ・ドットコム提供／撮影：セルジオ・ヴィラリーニ）

「［脚本家の］ダニー・ストロング、［演出家の］マイケル・メイヤーとは、ケネディ・センターの頃から一緒に取り組んできました」と彼は語る。
「もう10年近くになりますね。本当に長い間、行ったり来たりしながら作ってきました」。
ピンカムは、Broadway.comのマネージング・エディター、ベス・スティーブンスにそう明かしている。

ピンカムが演じるのは、タイトルマッチの審判であり、物語全体を導く存在であるアービター。
「彼のことは、司会者、ホストのような存在だと考えています」とピンカムは説明する。
「僕はスーパースターたちが思いきり輝けるように、テーブルを整えているんです」。

その“スーパースター”とは、アーロン・トヴェイト、リア・ミシェル、ニコラス・クリストファーの3人。彼らのパフォーマンスが、この作品の軸となっている。
「彼らが登場して、思いきり“ぶつけられる”ように、僕が場を整えているんです」。

そのホスト役は、舞台上の進行だけにとどまらない。
「僕は観客の代理人でもあるんです」とピンカムは語る。
「皆さんが見ているものが、実際に何が起きているのかを理解する手助けをしています」。

ミュージカルが誇張表現に振り切れる瞬間には、それをあえて指摘する。
「これから皆さんが目にするものの中には、正直ちょっとバカバカしいものもあります。だから最初にそう言ってしまうんです。そうすることで、観客の肩の力が抜けるんですよ」。

彼自身の役割をこう捉えている。
「観客の皆さんを迷わせないこと。状況を整理し、ABBAのベニー・アンダーソンとビヨルン・ウルヴァースの音楽、そしてティム・ライスの歌詞を存分に楽しむために必要な情報を、きちんと渡すことです」。

その“分かりやすさ”は、脚本家ダニー・ストロングとの共同作業から生まれた。ストロング自身、この作品に長年親しんできたわけではなかったという。
「リハーサル初期の段階では、実は僕自身も、皆さんが思うほど『CHESS』に詳しかったわけではありません」とピンカムは認める。
「ダニーも僕も、いわば“追いついている最中”でした。それが逆に、自由に実験できる余地を与えてくれたんです」。

＊ブライス・ピンカムとミュージカル『CHESS』のキャスト
（写真：マシュー・マーフィー）

アービターの“声”の多くは、リハーサルの中で形作られていった。
「彼が自由に遊ばせてくれると分かった時、アドリブをどんどん入れ始めました」とピンカムは語る。
「リハーサルでの僕の本能は、とにかく人を笑わせることなんです」。

その瞬間が、そのまま残ることも多かった。
「最初は僕がアドリブで言ったことを、ダニーが磨き上げて、翌日には台本に入っている、ということがよくありました」。

そのプロセスによって、この役はピンカム自身にしっくりと馴染んでいった。
「多くのセリフが“自分らしく”感じられるのは、リハーサル中の僕の声から生まれたものだからです。ダニーが書いたものを僕が作り替えたり、逆に僕の言葉を彼が洗練させてくれたりしました」。

アービターには、台本上で正式な名前は与えられていない。ただし、ピンカムは試してみたことはあるという。
「まだ名前を考えている最中なんです」と冗談交じりに語り、「『さあ行くぞ、ロナルド』とか、『行け、デイヴィス』とか言ってみたこともあります」と笑う。

国籍についても、あえて曖昧にされている。
「理論上は中立であるべき存在です。たぶんイギリス人かもしれません」とピンカムは語る。
「でも実際には僕自身が演じているので、基本的にはアメリカ人ですね」。

この作品は、ピンカムにとって個人的な意味も持っている。
彼の妻は女優のスカーレット・ストラレン。その父であるサンディ・ストラレンは、1986年のロンドン初演キャストとして『CHESS』に出演していた。
「スカーレットは、子どもの頃に父親が出演している『CHESS』を観に行ったことを覚えているそうです」。

今回の新プロダクションに参加する話が持ち上がった時、妻の反応は即答だったという。
「彼女は『絶対にやるべき』と言いました。いつものことですが、彼女は正しかったですね」。

そのつながりはいま、世代を超えて続いている。
「今度は、僕が出演している舞台を子どもたちが観に来る。家族にとって、まさに“円環が閉じる瞬間”です」。

公演がインペリアル・シアターに移ってから、観客との関係性はより明確になった。
「観客が、僕のシーンパートナーになるんです」とピンカムは語る。
「客席は毎回違いますし、その場の空気に応じて反応できます」。

高い位置から、長年のファンが歌詞を口ずさむ様子や、初めて観る観客が物語の大きな展開に反応する瞬間を見下ろす。
「物語がリアルタイムで“届く”瞬間が見える。それこそが、僕たちがこの仕事をする理由です」。

周囲のパフォーマンスは、毎晩彼を驚かせ続けている。
「アーロンが初めて『ピティ・ザ・チャイルド』を歌った時、劇場全体が凍りついたのを覚えています」。

リア・ミシェルの歌声も、強烈な印象を残す。
「彼女の声の使い方は、まるで日の出を聴いているようです」と彼は語る。
「日の出のさまざまな色が、彼女の声の中にある。一曲の中で、太陽が昇り、輝き、沈んでいくんです」。

ニコラス・クリストファーは、また別の種類の電気のような衝撃を生み出す。
「彼がやっていることが“本物だ”と、観客に波紋のように理解が広がっていくのが分かるんです」。

ピンカムは、その華やかさの裏にある規律の厳しさも強調する。
「3人とも親でありながら、ほとんど休みなく毎晩この舞台に立っています。それは職人技です」。

作品を通して、ピンカムはアービターを、常に客席と対話する存在として扱っている。
彼の言葉を借りれば、
「僕の関係性は、他の登場人物ではありません。観客との関係なんです」。

Setting the Board: Bryce Pinkham Guides the Audience Through Chess on Broadway

★クリスマス企画①★ ABBA 名曲トップ40：40位～21位

私たちの「ABBA名曲トップ40」では、40位から1位までをカウントダウンしていきます……
文：イアン・ラヴェンデール

世界累計のレコード（音源）売上は、推定ではあるものの正確な検証が難しい中で3億枚以上とされ、ABBAは史上最大級のセールスを誇るポップ・バンドのひとつです。その実績は、ザ・ビートルズやザ・ローリング・ストーンズと肩を並べるものです。
ビートルズ同様、ABBAのレコーディング・キャリアは比較的短く、わずか9年間にとどまりました。

アバが得意とした耳に残るサビと卓越したメロディ感覚のルーツは、彼らの母国スウェーデンにあります。ベニー・アンダーソンとビヨルン・ウルヴァースが若い頃に影響を受けたのは、中欧・北欧の「シュラーガー音楽」で、これは北欧およびスラヴの民謡に根ざしたスタイルです。
スウェーデン独自のシュラーガーは、印象的なコーラスと大胆な転調を特徴としており、その両方がアバの楽曲の大半に見られます。

時代を超える魅力（Timeless Appeal）

ユーロビジョン・ソング・コンテストでの優勝は、ABBAにとって大きな飛躍のきっかけとなりました。そこからバンドは急速に成長し、作詞・作曲・プロデュースを担ったビヨルン・ウルヴァースとベニー・アンダーソンは、まるでレコーディング・スタジオそのものを楽器のように操る存在となっていきます。

アバの歌声を担ったのは、アグネタ・フォルツコグとアンニ＝フリード（フリーダ）・リングスタッドです。
二人の声域は合わせて3オクターブにも及び、ベニーとビヨルンは、彼女たちに対して、母語ではない言語で、非常に複雑なヴォーカル・パートを次々と歌わせました。

アバの楽曲が持つ時代を超えた魅力、緻密なヴォーカル・アレンジ、そして独創的なプロダクションは、何世代にもわたるプロデューサー、ミュージシャン、ソングライターたちに影響を与えてきました。
ベニー、ビヨルン、アグネタ、フリーダの4人は、1973年から1981年までの間に8枚のスタジオ・アルバムを制作しています。

Thank You For The Music

これらのアルバム、そして数多くのベスト盤は、
流行やファッション、キラキラしたブーツ、引き締まったヒップ、そして結婚生活の破綻さえも超越する、時代を超えたポップ・ソングの宝庫です。

結局のところ、ABBAが本当に大切にしてきたもの――
それは音楽なのです。

さあ、カウントダウンを始めましょう！

40位

「リング・リング」（1973年）

作詞・作曲：ベニー・アンダーソン、ビヨルン・ウルヴァース、ABBAのマネージャーであるスティッグ・アンダーソン

「リング・リング」は、もともと「クロックロート（時計の旋律）」というタイトルでした。
この3人は、1973年ユーロビジョン・ソング・コンテストのスウェーデン代表候補曲として提出する楽曲の制作を依頼されていたのです。

その後、ニール・セダカとフィル・コディによって英語詞が付け加えられ、曲は現在知られている「リング・リング」となりました。

スウェーデン版ユーロビジョン予選であるメロディフェスティバーレンの時点では、4人はまだABBAという名前を名乗っておらず、
「ビヨルン＆ベニー、アグネタ＆アンニ＝フリード」という名義で出演していました。

当時、アグネタ・フォルツコグは妊娠9か月。
万が一出演できなくなった場合に備えて、フリーダ（アンニ＝フリード・リングスタッド）は、自分のパートだけでなく、アグネタのパートも覚えていたといいます。

最終的に審査員は別の楽曲をユーロビジョン代表に選び、「リング・リング」は3位に終わりました。この結果には、スウェーデンのマスコミから大きな批判の声が上がりました。

しかしこの曲は、その後スウェーデン国内で1位を獲得。
そして間もなく――ABBA（後にそう名乗ることになる彼ら）は、ここから本格的に世界へと歩み出したのです。

39位

「恋のウォータールー」（1974年）

スティッグ・アンダーソンから「1974年のユーロビジョン用の曲を書くように」と指示を受け、
ベニー・アンダーソンとビヨルン・ウルヴァースは、ヴィッグソ島にあるビヨルンの別荘で、この曲の基本となるトラックを作り上げました。

その後、このデモはスティッグ・アンダーソンに渡され、彼が歌詞を担当します。
当初のタイトルは「ハニー・パイ」でしたが、この案はすぐに却下され、どの言語でも同じ意味を持つ言葉である「恋のウォータールー」に変更されました。

ちょうどこの頃、ユーロビジョンでは「各国の母語で歌わなければならない」という規定が撤廃されたばかりでした。
そのため、ABBAはスウェーデン代表曲を英語で披露することが可能となったのです。

イギリス・ブライトンで開催されたユーロビジョン・ソング・コンテスト1974は、
ABBAが視覚面でも本格的に弾けた最初の舞台となりました。
インガー・スヴェンネケがデザインしたきらびやかな衣装は強烈な印象を残します。

さらに、アレンジャーのスヴェン＝オロフ・ヴァルドフは、
ナポレオンに扮した姿でオーケストラを指揮し、演出面でも大きな話題を呼びました。

38位

「ハニー、ハニー」（1974年）

アルバム『恋のウォータールー』は、当時のABBAが、まだ「自分たちはどんなバンドなのか」を完全には掴み切れていなかったことを示しています。
収録曲の半分は、ビヨルンやベニーが歌う定型的なロック・ナンバーで、現在私たちがよく知るABBAのサウンドとはあまり似ていません。

それに対して、当時のABBAらしい“シュラーガー”スタイルがより色濃く表れているのが「ハニー、ハニー」です。
この曲は、アグネタとフリーダ**が歌う楽曲のひとつで、ユーロビジョン候補になっていてもおかしくない出来でした。

イギリスでは、出版権をATVミュージックが所有していましたが、
ABBAがこの曲をシングルとして発売しないと知ると、
スウィート・ドリームズという男女デュオを結成し、カバー盤を制作します。

このスウィート・ドリームズ版は、1974年7月に全英チャート10位まで上昇しました。

一方、ABBAのオリジナル版は、アメリカでは「恋のウォータールー」に続くシングルとしてリリースされ、全米27位を記録。
これは、全米68位にとどまったスウィート・ドリームズ版を上回る成績でした。

37位

「落ち葉のメロディ」（1974年）

「落ち葉のメロディ」は、最初はアルバム『恋のウォータールー』に収録され、その後、1980年のアルバム『グラシアス・ポル・ラ・ムシカ』のためにスペイン語版として再録音されました。この曲は、1974年のユーロビジョン・ソング・コンテストにおけるABBAの代表曲候補として、かなり有力な存在でした。

当時ユーロビジョンで好まれていたのは、感情豊かなスロー〜ミディアムテンポのバラードで、ヨーロッパ的な旋律を持つ“シュラーガー”スタイルの楽曲でした。「落ち葉のメロディ」は、そうした直近の優勝曲の流れに非常によく合致した作品だったのです。

歌詞を書いたのはスティッグ・アンダーソン。彼は当時、カナリア諸島ラス・パルマスで休暇を過ごしており、そこで日常的に使われていた
「アスタ・マニャーナ！（また明日）」
という言葉から着想を得ました。

この曲は主にアグネタがリード・ヴォーカルを担当しています。しかし、ユーロビジョンがもたらす圧倒的な露出効果を考慮した結果、4人組としてのABBAを最も強く印象づける楽曲として、最終的に「恋のウォータールー」の方が適していると判断されました。

36位

「アイ・ドゥ・アイ・ドゥ」（1975年）

1975年、「アイ・ドゥ・アイ・ドゥ」がオーストラリアのチャートを上昇し始めた頃、同国の音楽番組『カウントダウン』（イギリスの『トップ・オブ・ザ・ポップス』に相当する番組）が、RCAオーストラリアに対し、放送用の映像クリップがあるかどうかを問い合わせました。

すると番組側に届けられたのは、「アイ・ドゥ…」のビデオだけではありませんでした。
なんと、
「マンマ・ミーア」「バング・ア・ブーメラン」「SOS」
のプロモーション映像まで一緒に提供されたのです。

これら4本のビデオは、1975年4月にラッセ・ハルストレムによって撮影されました。
制作スピードは驚異的で、1日2本という超ハイペース。
しかも総制作費は、わずか5万クローナ（約5,500ポンド）（※）という極めて小規模なものでした。

当時のオーストラリアのテレビは、ようやく全面カラー放送へ移行したばかり。
そのタイミングで大量に放送された、低予算ながら明るく親しみやすいハルストレムの映像演出は、視聴者の目に強く焼きつきました。

その結果、ABBAはオーストラリアで最も人気のあるアーティストへと一気に駆け上がることになったのです。

※5万クローナ（50,000 SEK）は日本円でいくら？

• 現在の為替レート（概算）
  1スウェーデン・クローナ ≒ 14～15円

👉 50,000クローナ ≒ 約70万～75万円

補足（時代背景として）

1975年当時の話ですが、
当時の正確な為替レートで換算するのは資料によって差が大きいため、
音楽史・記事解説では 「現在価値で約70万円前後の超低予算」
と説明するのが一般的で、意味合いとしても正確です。

つまり、

4本のプロモーション映像を、現在の感覚で約70万円程度の総予算で制作
→ 1本あたり 20万円弱

という、驚異的な低予算だったことがポイントです。

35位

「バング・ア・ブーメラン」（1975年）

この陽気なポップ・ナンバーは、もともと1975年ユーロビジョン・ソング・コンテストのスウェーデン代表曲として、ベニー・アンダーソンとビヨルン・ウルヴァースがプロデュースしていたスウェーデンのデュオ、スヴェンネ＆ロッタのために録音されたものでした。

しかしスヴェンネ＆ロッタは予選で選出されず、その後、彼らのヴォーカルはトラックから外され、代わってアンニ＝フリード（フリーダ）とアグネタの歌声が加えられました。こうして作り直されたこの曲は、1975年のABBAのアルバムに収録されることになります。

ラッセ・ハルストレムによる躍動感あふれるミュージックビデオでは、
ベニー、ビヨルン、フリーダ、アグネタの4人が海辺で激しく口パクをする姿が映し出されます。
そして「バン！」と歌われるたびに、コミック風の映像が差し込まれます（その中には、どうやら無許可と思われるスーパーマンの登場まで含まれています）。

このビデオは、ラッセ・ハルストレムの“即席作品（クイッキー）”のひとつで、
彼のトレードマークである多用されたクローズアップが印象的です。
画面の中で、4人は笑顔を見せ、笑い合いながらパフォーマンスしています。

34位

「マンマ・ミーア」（1975年）

ミュージカルのタイトルにもなったこの楽曲は、ABBAの尽きることのない人気を象徴する存在となりました。
1975年のアルバム『ABBA』に収録された「マンマ・ミーア」は、全英シングルチャートで2作目の1位を獲得し、ABBAを一過性ではない、本物の成功を収めたポップ・アクトとして確立させました。

ミュージカル『マンマ・ミーア！』は、楽曲そのものを物語化した作品ではなく、
ギリシャの島を舞台に、結婚式を控えた娘が、自分の父親かもしれない3人の男性を招待するという、独立したストーリーを持っています。

この舞台作品は、1999年4月6日に初演され、その後も世界各地の劇場で上演が続き、
観客動員数は5,000万人に達しています。

さらに2008年には映画化もされました。
この映画では、ベニー・アンダーソンとビヨルン・ウルヴァースがエグゼクティブ・プロデューサーとしてクレジットされ、
ストックホルムのメトロノーム・スタジオにて楽曲を再レコーディング。
歌唱はすべて映画キャスト自身が担当しています。

33位

「悲しきフェルナンド」（1976年）

「悲しきフェルナンド」は、もともとフリーダのソロ曲で、1975年に発表されたアルバム『フリーダ・エンサム（フリーダ・アローン）』に収録されていました。このアルバムは当初、スカンジナビア地域のみでのリリースでした。

楽曲は、ベニー・アンダーソン、ビヨルン・ウルヴァース、スティッグ・アンダーソンによって書かれ、
ABBAの代表曲「ダンシング・クイーン」のレコーディングと同時期に制作されていました。

スウェーデン国内での「悲しきフェルナンド」の人気は急速に高まり、その反響を受けて、
この曲はABBA名義の楽曲としてリリースされることが決定します。
結果として、「悲しきフェルナンド」は1976年3月に全英シングルチャートで1位を獲得し、
ABBAにとって3作目の全英No.1ヒットとなりました。

スウェーデン語詞はスティッグ・アンダーソンが書いていましたが、
英語詞はビヨルン・ウルヴァースが担当。
その際、楽曲の内容は、一般的なラヴ・バラードから、
かつてメキシコ革命に関わっていた2人の元革命家が、屋外で座りながら思い出を語り合う会話形式の物語へと作り替えられました。

このテーマはミュージックビデオにも引き継がれ、
映像では、4人がキャンプファイアを囲み、アコースティック・ギターを手に演奏する姿が描かれています。

32位

「SOS」（1975年）

「SOS」のレコーディング・セッションは、1974年8月末に、
「ターン・ミー・オン」という仮タイトルのもとで始まりました。
アグネタがリード・ヴォーカルを務めたこの曲は、
アルバム『ABBA』からの3枚目のシングルとしてリリースされました。

「SOS」は、ABBAを再びトップ10へと押し戻した楽曲であり、
彼らに『トップ・オブ・ザ・ポップス』出演をもたらしました。
これは当時、ヒットをほぼ確実にする出来事でした。

この曲は最終的に、1975年10月に全英シングルチャート6位を記録し、
2か月間チャートにランクインし続けました。

さらに「SOS」はアメリカでもヒットし、
全米トップ20入りを果たします。

この成功によって、ABBAがユーロビジョン一発屋ではないことは明白となりました。
そして1975年9月、彼らは初のアメリカ・プロモーション・ツアーを実施。
2週間にわたりテレビ出演を重ね、記者たちの取材に応じる日々を過ごしたのです。

31位

「ダンシング・クイーン」（1976年）

「ダンシング・クイーン」は、アルバム『アライヴァル』の先行シングルとしてリリースされ、
ABBAにとって3作連続のチャート1位となりました。発売からわずか2週間で首位に到達し、6週間にわたって1位をキープ、イギリス国内だけで85万枚を売り上げています。

アメリカでは1977年初頭にリリースされ、
これがABBAにとって初めて全米チャート1位を獲得したシングルとなりました。

この曲は、もともと「ブーガルー」というタイトルで構想されており、
当時流行していたダンス・リズムから多くの影響を受けています。
具体的には、ジョージ・マクレーの「ロック・ユア・ベイビー」や、
ドクター・ジョンの1972年作アルバム『ドクター・ジョンズ・ガンボ』に聴かれる
ニューオーリンズ風のドラム・グルーヴなどが挙げられます。

この曲が、思いきりファンキーに踊るための楽曲であることを疑いようのないものにするため、
スティッグ・アンダーソンは「ダンシング・クイーン」というタイトルとオリジナルの歌詞を考案しました。
その歌詞は、のちにビヨルン・ウルヴァースによって手直しされています。

30位

「タイガー」（1976年）

アルバム『アライヴァル』に収録された「タイガー」は、ABBAの短いながらも国際的なツアー活動の中で、
観客の気分を一気に盛り上げるアップテンポなオープニング曲として使われていました。

映画『ABBA：ザ・ムービー』では、
4人がステージ脇に立ち、フリーダが軽くヴォーカルのウォームアップを行ないます。
そこへ長く引き伸ばされたイントロが流れ始め、
アルバム『アライヴァル』のジャケットを想起させるヘリコプター音がスタジアム中に響き渡ります。

やがて4人はステージへ駆け出し、
身にまとっていた長いキラキラのマントを脱ぎ捨て、
勢いよく「タイガー」を演奏し始めるのです。

ラッセ・ハルストレムによるプロモーション・ビデオは、
「夜の街は危険な場所である」という歌詞のテーマを視覚化しています。
映像では、デニムにバンダナ姿のアグネタとフリーダが、
活気ある都会を車で走り回り、精いっぱい“ストリート慣れした”雰囲気を演出します。

その一方で、後部座席に座るベニーとビヨルンは、
どこか退屈そうに、受け身の姿勢で映し出されているのが印象的です。

29位

「ホワイ・ディド・イット・ハフ・トゥ・ビー・ミー？」（1976年）

1976年4月、アルバム『アライヴァル』の制作のために、
ベニー・アンダーソンとビヨルン・ウルヴァースがメトロノーム・スタジオへ持ち込んだ楽曲のひとつが、
ピアノとサックスをフィーチャーしたブギウギ調のナンバー「ホワイ・ディド・イット・ハフ・トゥ・ビー・ミー？」でした。

その後、ペダル・スティール・ギターという斬新な音色や、
打ち寄せる波の効果音が加えられ、
スティッグ・アンダーソンは、
恋人に捨てられた女性が、その相手を忘れるためにハワイへ向かう
という内容の歌詞を書き上げます。

この段階で、フリーダとアグネタがダブル・リード・ヴォーカルを録音し、
曲名は「ハッピー・ハワイ」へと変更され、ミックスも完成しました。

しかし『アライヴァル』の制作が終盤に差しかかると、
ファッツ・ドミノ風の、よりブルージーなアレンジ案が再び採用されることになります。
なお、ビーチ・ボーイズを思わせるコーラスを持つ「ハッピー・ハワイ」版も、
「ノウイング・ミー、ノウイング・ユー」のB面曲としてリリースされました。

28位

「ダム・ダム・ディドル」（1976年）

「You’re only smileen, when you play your violeen.
Wish I was Dum Dum Deedle, Your darling feedle!」
（※「あなたが笑うのはヴァイオリンを弾いている時だけ。私が“ダム・ダム・ディドル”、あなたの大切なフィドルだったらいいのに！」）

といった歌詞に表れている、フリーダのセクシーなノルウェー訛りと、
とにかく突き抜けて風変わりなテーマによって、
この『アライヴァル』収録曲は、ABBA流キッチュの代表例――“正しい意味でのユーロビジョン的楽曲”として位置づけられています。

しかし後年、この曲はフリーダ本人から
「くだらない曲よ。好きじゃない！」
と一蹴され、
ビヨルンも
「いっそ“ダム・ダム・ディドル”じゃなくて、“ダム・ダム・ディドル（愚か者）”でよかったかもね」
と、やや辛辣な評価を下しています。

実はこの歌詞、酔っぱらったビヨルンが、
レコーディング・セッションを目前に控えた朝5時に書いたものだと、
後に本人が認めています。

恋人の愛情の対象である“ヴァイオリン”そのものになりたいと願う女性――
この発想は間違いなく、
ABBAの歌詞の中でも屈指の奇妙さを誇るコンセプトのひとつと言えるでしょう。

27位

「マネー、マネー、マネー」（1976年）

おそらくABBAの楽曲の中で最も演劇的な一曲である「マネー、マネー、マネー」は、
完成に至るまでに歌詞のコンセプトが何度も変更され、最終的に原点へと戻った楽曲でした。

「お金をテーマにした曲は（文字どおり）ありふれている」という考えから、
ビヨルン・ウルヴァースは当初のアイデアとタイトルであった
「マネー、マネー、マネー」をいったん捨て、
ジプシーの少女を主人公にした新しい歌詞案へと切り替えます。

しかし最終的に、この案はうまく機能しないと判断され、
「マネー、マネー、マネー」という元のコンセプトが復活しました。

ベニー・アンダーソンとビヨルン・ウルヴァースは、
もともとミュージカル作品を書きたいという志向を強く持っており、
しばしばドラマの文脈でも成立するような楽曲を作り上げていました。

フリーダがメロドラマティックに歌い上げるこの曲は、
その演劇性ゆえに、
「アメリカ的というよりヨーロッパ的すぎる」という理由から、
アメリカではシングルとしてリリースされませんでした。

26位

「きらめきの序曲」（1977年）

9年間にわたるレコーディング・キャリアの中で、ABBAは数多くの音楽スタイルを自在に操る達人であることを証明してきました。
「きらめきの序曲」は、情熱的なバラードや全開のユーロポップだけでなく、
抑制と繊細さも表現できることを示した楽曲です。

レコーディングは1977年5月31日に開始され、
当初は「ア・ビット・オブ・マイセルフ」という仮タイトルで進められていました。
まずベースとシンセサイザーの反復フレーズが録音されます。

その後、楽曲全体は6つのパートからなる構成へと発展。
フリーダとアグネタが、ソロ・パートとハーモニー・パートを加えていきました。

ベニー・アンダーソンは、
ピッコロ・トランペットのような音色を含む、
エキゾチックなシンセサイザー効果を提供しています。

タイトルについては、スティッグ・アンダーソンが
「ザ・ネーム・オブ・ザ・ゲーム（きらめきの序曲）」を提案し、
それをもとにビヨルン・ウルヴァースが歌詞を構築しました。

25位

「ノウイング・ミー、ノウイング・ユー」（1977年）

「ノウイング・ミー、ノウイング・ユー」は、1976年3月23日にレコーディングされていたにもかかわらず、
シングルとしての発売は1977年2月16日まで待たされました。
これは、ABBAが他にも即リリース可能な楽曲を数多く抱えていたことへの自信を示しています。

この曲は、アルバム『アライヴァル』のために最初に録音された楽曲で、
1977年4月に全英チャートで5週間連続1位を記録しました。

タイトルはスティッグ・アンダーソンの提案によるものですが、
ビヨルン・ウルヴァースは、
「もう私たちにできることは何もない。今回は本当に終わりだ」
と悟るカップルの失恋への道筋を、歌詞として丁寧に描き出しました。

ラッセ・ハルストレムによるプロモーション・ビデオは、
シンプルながら非常に効果的な演出で知られています。
4人のメンバーが向かい合って歌い、
新しい歌詞の行に入るたびに互いに背を向けるという構成です。

ラストでは、スウェーデンの深い雪の中を、
アグネタとフリーダがベニーとビヨルンから悲しげに離れて歩いていきます。
この結末が、同ビデオをポップ史に残る最も象徴的な映像作品のひとつに押し上げました。

24位

「テイク・ア・チャンス」（1978年）

曲冒頭のア・カペラによるヴォーカルからして、「テイク・ア・チャンス」は王道のポップ・ソングです。
歌い手は、想いを寄せる相手に対して、用心深さを捨てて「思いきってチャンスに賭けてみて」と呼びかけます。

多くのABBA楽曲と同様、この曲も無駄なく核心に切り込む構成になっています。
特に、ビヨルン・ウルヴァースがスティッグ・アンダーソン抜きで歌詞を書くようになって以降、その傾向はいっそう顕著になりました。

ベニー・アンダーソンとビヨルン・ウルヴァースの共同作業は、決して明確に役割分担されたものではありませんでしたが、
概ね、ビヨルンが歌詞の大半を担当し、ベニーが音楽面の中核を担うという形でした。

そしておそらく、この曲におけるABBAならではの決定的な“サイン”――
すなわち、楽器がヴォーカルに“応答する”演出を考え出したのも、
ベニーだったのでしょう。

ここでは、
「It’s magic（それは魔法みたい）」
というフレーズの直後に、
“魔法的”なうねりを持つシンセサイザーのフレーズが続き、
歌と演奏が会話するように絡み合う瞬間が生まれています。

23位

「サマー・ナイト・シティ」（1978年）

1978年5月、ABBAはストックホルムに最先端の自前レコーディング・スタジオ（ポーラー・スタジオ）をオープンしました。
メトロノーム・スタジオで録音された初期のバッキング・トラックをもとに、
このポーラー・スタジオで最初に本格的に制作された楽曲が、
ディスコ色の強い「サマー・ナイト・シティ」でした。

ベニー・アンダーソン、ビヨルン・ウルヴァース、マイケル・B・トレトウの3人は、
満足のいくミックスを作るために1週間を費やしましたが、
なかなか納得できる仕上がりには至りませんでした。

最終的に採用されたミックスでは、
曲の冒頭にあった45秒間のヴォーカル、ストリングス、ピアノによるイントロ部分がカットされ、
より即効性のある展開が重視されました
（ただし、このイントロは1979年のワールド・ツアーでのライブ演奏では復活しています）。

トレトウの耳には、この編集はあまりにも露骨に聞こえたといいます。
後にビヨルンも、このレコーディングについて
「出来が悪く、リリースすべきではなかった」
と語っています。

しかし、一般のリスナーはそうは感じませんでした。
「サマー・ナイト・シティ」は、1978年9月に全英チャート5位を記録するヒットとなったのです。

22位

「ヴーレ・ヴー」（1979年）

常に音楽的進化を続けていたABBAは、6作目のアルバム『ヴーレ・ヴー』で、
ファンクやディスコへの本格的なアプローチを試みました。
多くの楽曲がダンス・ビートを基調とし、
従来よりも演奏時間が長めに設定されています。

1979年2月、次作アルバムのための楽曲制作と準備を行なうため、
ベニー・アンダーソンとビヨルン・ウルヴァースはバハマに滞在していました。
そこでは、当時のスウェーデンでは一般に入手できなかった
さまざまな音楽に触れることができたのです。

そこで受けた刺激から、2人は
「ヴーレ・ヴー」と「キッシィズ・オブ・ファイア」を書き上げるほどに触発され、
そのままマイアミへ飛び、
ビージーズが1970年代半ばに数々のヒットを生み出したことで知られる
クライテリア・スタジオを予約しました。

そこで「ヴーレ・ヴー」の基本トラックが録音され、
その音源はスウェーデンへ持ち帰られて完成に至ります。

この曲のシングルには、
同じくダンス色の強い楽曲である
「エンジェルアイズ」がカップリングとして収録されました。

21位

「イフ・イット・ワズント・フォー・ザ・ナイツ」（1979年）

マイケル・トレトウ（エンジニア）は、
マイアミのクライテリア・スタジオで行なわれる作業が、
ストックホルムのポーラー・スタジオの機材と確実に互換性を保てるよう、
スウェーデンから空輸されました。

現地では、名プロデューサーのトム・ダウドと共に作業が行なわれ、
バック演奏はディスコ・バンドのフォクシーが担当しました。

「ヴーレ・ヴー」に加え、
「イフ・イット・ワズント・フォー・ザ・ナイツ」の新バージョンも試みられましたが、
この試みはうまくいきませんでした。

後にベニーはこう振り返っています。
「この曲は、ヴァース部分に風変わりなコード進行があまりにも多くて、
彼らが普段慣れ親しんでいるグルーヴに乗るのが難しかったんだ」。

しかし、この時期のライブ公演では、
「ヴーレ・ヴー」で幕を開け、
そのまま「イフ・イット・ワズント・フォー・ザ・ナイツ」へと切れ目なくつなぐ構成が採られていました。

この流れは、
ABBAがディスコを誰にも劣らず書き、演奏できることを
はっきりと証明するものとなったのです。

続く