極寒の地で発見された少女の遺体。そこに横たわるのは、自然の厳しさだけではなく、社会の無関心と歴史の痛みでした。『ウインド・リバー』は、サスペンスの枠を超えて、アメリカの忘れられた現実を静かに、しかし鋭く突きつけてきます。
あらすじ
ワイオミング州のネイティブアメリカン保留地「ウインド・リバー」で、少女の遺体が発見されます。FBIから派遣された新人捜査官ジェーン・バナーは、地元のハンターであり第一発見者のコリー・ランバートと共に、事件の真相を追うことに。極寒の地で進む捜査は、やがて土地に根差した深い闇を浮かび上がらせていくのですが…。作品の背景
1. ネイティブアメリカン女性の失踪問題と「MMIW」運動本作の根幹にあるのは、「Missing and Murdered Indigenous Women（MMIW）」という社会運動です。これは、ネイティブアメリカン女性や少女の失踪・殺人事件が長年にわたり無視され、統計すら存在しないという現実に対する抗議運動です。監督のテイラー・シェリダンは、この問題に光を当てるために本作を制作したと語っており、映画のラストには「ネイティブアメリカン女性の失踪者数に関する統計が存在しない」という事実が明示されます 。
2. 保留地における法の空白と無法地帯化
ウインド・リバーのような保留地では、連邦政府の土地であるため、州警察や市警察の介入が制限され、事件の捜査はFBIに限られます。そのため、事件が「殺人」として正式に認定されなければ、捜査すら行われないという現実があります。作中でも、少女ナタリーの死因が「自然死」とされかけたことで、FBIの応援が得られず、ジェーンとコリーが孤立して捜査を進めることになります。
3. 白人社会とネイティブアメリカン社会の断絶
映画の舞台となる保留地は、かつてネイティブアメリカンが強制移住させられた土地であり、白人社会との間には深い断絶があります。作中では、FBI捜査官ジェーンが地元住民から冷たい視線を浴びたり、アメリカ国旗が逆さに掲げられていたりと、白人社会への不信感が象徴的に描かれています。これは、アメリカの歴史的な過ちとその影響が今なお続いていることを示しています。
4. 西部劇へのアンチテーゼとしての「現代のカウボーイ」
主人公コリーは、テンガロンハットをかぶり、寡黙で銃の扱いに長けた「カウボーイ」のような存在です。しかし彼は、かつて先住民を排除する側だった西部劇のヒーローとは異なり、ネイティブアメリカンの側に立ち、彼らを守ろうとする存在として描かれています。これは、過去の西部劇に対する批評的視点を含んだ、現代的な再解釈とも言えるでしょう。
5. 「現代フロンティア三部作」の最終章としての位置づけ
『ウインド・リバー』は、テイラー・シェリダンが脚本を手がけた『ボーダーライン』（2015）、『最後の追跡』（2016）に続く「現代フロンティア三部作」の完結編です。いずれの作品も、アメリカの辺境地における法の不在、貧困、暴力といったテーマを扱っており、本作ではそれがネイティブアメリカンの保留地という形で結実しています。三部作を通じて、アメリカ社会の「見えない痛み」に焦点を当てるという一貫した姿勢が見て取れます。
印象的なシーン５選
1. 雪原に横たわるナタリーの遺体物語の冒頭、白銀の雪原に赤く染まった血が浮かび上がるシーンは、視覚的にも感情的にも強烈なインパクトを与えます。ナタリーの遺体は裸足で、極寒の中を走った末に肺が凍って破裂したという事実が明かされ、観客は一気にこの土地の過酷さと事件の異常性に引き込まれます。
2. コリーがナタリーの父・マーティンと語り合う場面
コリーがナタリーの父親マーティンと雪山の中で静かに語り合うシーンは、喪失を共有する者同士の痛みと理解がにじみ出ています。マーティンが「娘の叫びを聞いてやれなかった」と語る場面では、言葉にならない悲しみが画面越しに伝わってきます。
3. トレーラーハウス前での銃撃戦
FBI捜査官ジェーンと地元保安官たちが、ナタリーの恋人の同僚たちが住むトレーラーハウスを訪れる場面。緊張が高まり、銃を構えたままの対峙が一気に爆発し、激しい銃撃戦へと発展します。このシーンは、暴力の突発性と人間の恐怖がリアルに描かれており、観客の心拍数を一気に上げます。
4. コリーの過去の告白
夜、ジェーンに向かってコリーが自らの娘・エミリーを失った過去を語る場面。彼の静かな語り口と、娘を守れなかった自責の念が胸を打ちます。このシーンを通じて、彼がなぜナタリーの事件にここまで深く関わるのかが明確になり、物語にさらなる深みを与えます。
5. 犯人への“裁き”の場面
クライマックスで、コリーが犯人を雪山に連れ出し、ナタリーと同じように裸足で走らせる場面。彼は「お前に選択肢はない。ナタリーにもなかった」と語り、自然の中で“裁き”を下します。このシーンは、法では裁けない罪に対する静かな怒りと、復讐の是非を観客に問いかけます。
合わせて見てみたい作品たちとその理由
１.『ボーダーライン』
制作国：アメリカ
制作年：2015年（平成27年）
監督：ドゥニ・ヴィルヌーヴ
ジャンル：アクション、サスペンス、社会派ドラマ
概要：FBI捜査官ケイトが、メキシコ麻薬カルテル撲滅のための特殊作戦に巻き込まれていく物語。正義と暴力の境界が曖昧になる中、彼女は自らの信念と向き合うことになります。『ウインド・リバー』と同じく脚本はテイラー・シェリダン。どちらも“見えない暴力”に光を当て、沈黙する土地に潜む闇を描いています。
選んだ理由
境界線の内と外、そこに潜む暴力と倫理
『ボーダーライン』ではメキシコ国境の麻薬戦争が描かれますが、その背後には“国家による暴力の正当化”という陰が潜んでいます。『ウインド・リバー』もまた、統計から消された被害者たちを通して、正義の定義と限界を問いかけます。
女性捜査官が見つめる正義のかたち
エミリー・ブラント演じるケイトと、エリザベス・オルセン演じるジェーン。どちらも法に従いつつも、個人としての信念に突き動かされる女性像が浮かび上がります。自らが見た真実に向き合う彼女たちの姿は、静かに胸を打ちます。
荒野に響く沈黙と祈り
メキシコ国境とネイティブの居留地。地理的・文化的には異なる背景を持ちながらも、“見捨てられた土地”で人が何を守り、何に沈黙するのかという共通の問いが立ち上がります。
２.『最後の追跡』
制作国：アメリカ
制作年：2016年（平成28年）
監督：デヴィッド・マッケンジー
ジャンル：クライムドラマ、西部劇、社会派
概要：借金で土地を失いかけた兄弟が銀行強盗に手を染める姿を描く、現代の西部劇。彼らを追う保安官との対峙が、アメリカ社会の断層を浮き彫りにします。『ウインド・リバー』と同じくテイラー・シェリダン脚本で、“制度では救えない人々”への眼差しが共通しています。静かな怒りと土地への執着が物語を貫きます。
選んだ理由
フロンティア三部作の精神的継承
『ボーダーライン』『最後の追跡』『ウインド・リバー』はすべてテイラー・シェリダンが脚本を手掛けた「現代の辺境三部作」。地理・時代は異なれど、それぞれが“制度では救えない人々”に光を当てます。
守るために越える一線
クリス・パイン演じる弟と、ジェフ・ブリッジス演じる保安官。『最後の追跡』では“家族を守るための犯罪”が肯定されうるかを問いかけます。一方『ウインド・リバー』では復讐の代行者としてコリーが行動する。法を越える者たちの内側にある孤独と覚悟が共鳴します。
消えゆくアメリカとその傷痕
石油会社に搾取されるテキサスの土地、そして誰にも知られず消えていくネイティブの娘たち。アメリカという大国の裏にある犠牲者の物語が、詩的に、そして静かに浮かび上がります。
３.『フローズン・リバー』
制作国：アメリカ
制作年：2008年（平成20年）
監督：コートニー・ハント
ジャンル：ヒューマンドラマ、サスペンス、社会派
概要：貧困に苦しむ母親が、モホーク族の女性と共に不法移民の密入国を手助けすることで生活を支えようとする物語。凍った川を渡るその行為は、彼女たちの心の葛藤と希望を映し出します。『ウインド・リバー』と同様に寒冷地を舞台に、“見えない犯罪”と女性の視点から社会のひずみを描いています。静かな空気の中に、強い意志が宿る作品です。
選んだ理由
女性たちの選択が描く人間の強さ
『フローズン・リバー』では不法移民の密輸に手を染める母親たちの物語が描かれます。『ウインド・リバー』のジェーンもまた、法の枠を越えて“生きている者たち”のために動く女性。彼女たちは弱さを抱えながら、強さを見せる存在です。
雪に閉ざされた場所が語る心の孤独
どちらの作品も、寒冷地を舞台にしています。白い雪景色の中に浮かぶ“孤独”と“暴力”。その静けさが感情の動きに奥行きを与え、観る者の心にも凍えるような余韻を残します。
見えない犯罪を告発する眼差し
『フローズン・リバー』は国境を越える人々と、その“見えない悲しみ”を描きます。『ウインド・リバー』もまた、失踪者の数すら記録されない女性たちの現実に向き合うことで、社会の盲点に鋭く切り込んでいます。
まとめ
映画『ウインド・リバー』は、極寒のワイオミングの風景とともに、アメリカの社会に根深く残る問題に静かに、けれど力強く切り込んだ作品です。当時の公開背景（2017年）を思うと、「ネイティブ・アメリカンの女性失踪事件」に目を向けること自体が、映画としてはとても意味のある挑戦でした。あの土地に流れる「声なき悲しみ」が、静かな雪景色の中に刻み込まれているようで、観る側も自然と心が引き締まります。視覚的にも、あの沈黙を描くためのロングショットや、寒さが感情に染み込んでくるような色彩設計は秀逸でした。今観ると、より個人の視点から「この痛みは誰のものなのか」という問いを突きつけられます。被害者を特定の人物にせず「存在として」描く姿勢は、誰もが“見過ごすかもしれなかった物語”に気づかされる構造になっていて…それが今の時代にも通じるのが印象的です。特に、男性たちの正義や悔恨の物語を通じて、“守られる側”の存在が決して受け身ではないことが、ゆるやかに伝わってきました。この映画のテンポも、焦らず、けれども無駄なく進むことで、その感覚を支えています。
過去作との比較で言えば、同じテイラー・シェリダン監督の『ボーダーライン』や『最後の追跡』は暴力や正義が前面に出ていましたが、『ウインド・リバー』はより内省的な構造でした。『ボーダーライン』のような「力による均衡」ではなく、「語られなかった痛みを拾う姿勢」がここにはあります。それは、ある意味で“正しさ”ではなく、“気づいてもらえること”が救いになるというテーマの違い。新しさとしては、主人公たちがアクションではなく「選択」によって葛藤する点が、物語に深みを与えていました。
私自身の価値基準では、テーマにおいて“誰もが対等に語られる余地を持つこと”を重要視しています。その点で、この作品はしっかりとその基準を満たしていて、登場人物が自分の言葉で痛みと向き合う姿が自然に描かれていたのが好印象でした。演技も特にジェレミー・レナーが沈黙の中に強さと脆さを織り込んでいて、そこには“保護”ではなく“理解しようとする愛”が表れていたように感じます。“誰かが悲しんでいる”ことではなく、“誰がその悲しみをどう支えているか”に焦点があたっていたのが、説得力のある作りでした。
愛、友情、夢――そのどれもが、この映画の中では“痛みに対する応答”として描かれていて、特定のキャラクターの勝利や成長に還元されないところがまた誠実でした。「犯人が罰せられることで正義が勝った」という構造よりも、むしろ“被害者の無念が語られることで、正義が自覚される”という作りが素晴らしい。それが見えている場面と、見えないまま終わる場面の落差に、人間の弱さと可能性が込められている気がします。そういった点で、映画的にも社会的にも、観ることの意味を丁寧に感じられる作品でした。
基本情報
英題：Wind River制作年：2017年（平成29年）
制作国：アメリカ
監督：テイラー・シェリダン
脚本：テイラー・シェリダン
出演者：ジェレミー・レナー、エリザベス・オルセン、ギル・バーミンガム、ジョン・バーンサル ほか
ジャンル：サスペンス、社会派ドラマ
上映時間：111分
配信サービス
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