脳内で弾けていることと、それが音になっていること

なんとなく思っていたことですが、興味深い話だったので書いてみます。

以前より、暗譜を推奨していたところとも関連しますが、譜面という視覚から直接演奏自体へ表現することで脳内を経由しないことが問題だと思います。だから、周りの音を聴いて脳内で演奏できていることはアンサンブルの中では最も大切な要素の一つだと思います。

一方、脳内で弾けていて且つ楽器や歌の演奏のところでそれが再現できないことが多々あります。自分の場合はメインの楽器のフルートではないサックスやベースなどがそれに該当しますが、脳内で弾けているので、構成やリズム、拍を見失うことはありません。しかし、それは音になって外に出ていないので、聞いている人からもほかの演奏者からも情報が欠落していしまいます。

脳内で弾けていることの方が上位で大切なことだと思いますが、それによって脳内の演奏と実際の演奏が同期しないことはこれはこれで問題だということにあらためて気づかされました。

脳内で弾けていることを実際の音にするための訓練は楽器によってさまざまとは思いますが、歌の場合は初めからできてしまう人がいるので、そういう人は本当に苦労せずに表現できているように思います。歌以外の場合は、口や息、指などを脳内と同期するためには、それ相応の訓練が必要ということをプロの方から伺いました。

しっかりと学習していない自分としては具体的な方法がなかなか例示できませんが、クラシックの時にはトリプルタンギングをマスターするのに歩きながらタンギングを唱えるとかをしていました。ジャズを勉強し始めてからは2拍4拍を感じるために歩きながらステップを2拍4拍にあてはめながらDonna Leeを歌うというようなことをやっていました。メトロノームの練習では、スイングの8分の裏をメトロノームに合わせてのビバップのリフを演奏するような練習をしていました。

言い方は悪いですが、ジャズのアドリブの場合ミスをミスでないように胡麻化すようなこともテクニックの一つと考えてしまっていますが、クラシック、ポピュラーで決まったフレーズを弾かなければいけない場合、ジャズでもテーマ、ソリ、キメなどはミスできない大切な音楽の要素だと思います。脳内の演奏を実際の音に具現化する訓練は同等に大切なものだと思いました。

ホストのないセッションとあるセッションの明確な違い

最近いろいろなセッションに伺って気づいたことがあります。ホストのないセッションは自分の開催企画以外ほとんど見たことがないので、ホストありのセッションになりますが、ホストありのセッションをきっちり進行するセッションは、ホストのないセッションと進行以外に目的の面でもずいぶん違うということを再認識しました。

ホストありのセッションの場合は、例えばピアニストであっても、自分のリクエストの曲を必ず演奏してもらえます。そして、ピアノがテーマをとるので、結果管楽器は入ることはなく、ギターが入ることも滅多にないです。

お客さんを順番に回すその人数の中に、ピアノも含まれるので、自分が管楽器の場合、結果そのピアノの人と共演するチャンスはないということになります。だから、ピアニストもほかの人のリクエストの曲を譜面ガン見で演奏しなければいけないことはなくなります。

そして、ピアノに限らず、自分以外のメンバーはホストかホストと同レベルに上手な人を当てるので、基本リクエストは通るし、安心して演奏することができます。ホストのあるセッションはこういう部分が良いところだと思います。

しかし、この状況を当たり前と思って参加する人は、ジャムセッションとしては本来マナー違反と思えることもやってしまう人が来てしまう傾向があります。歌謡曲を譜面なしで演奏しようとするボーカリストや、オリジナルの曲の譜面を持ってくるボーカリスト。ビートを全く刻まないベーシスト、周りを一切聴いていないピアニストなどが、当然といった顔をして演奏しているのを見ると、ちょっと違うなと思ったりします。

そしてデメリットとしては、演奏機会が極端に減るという部分もあると思います。概して3時間のセッションで3曲を超える曲数をできたことはないし、場合によっては2曲です。管楽器の場合は人の演奏に飛び入りするケースもあるので、人によっては曲数は増えるものの、自分は飛び入りを禁止するセッションを企画している手前飛びいることはないし、飛び入りがどんどん入ることで、ピアノ、ベース、ドラムは時間を削減されより演奏機会が減ってしまいます。

逆に、ホストがいないセッションの場合は、ピアノ、ベース、ドラムに曲の選択権はほぼ皆無なうえ、多くの曲を知っていたり、所見ができたりということを当然のように求められます。そして、管楽器がいるときには自らがバッキングであるということを認識して演奏してもらわざるを経ないケースが多いと思います。

自分の企画セッションにいらしたピアニストが、自分のリクエストした曲ができないことに対して不満を持つ方が実際にいらっしゃいました。その方がなぜ不満を持ったのかようやく理由がわかった気がします。

またピアノやベースでどうしても練習した曲しかできない方もいらっしゃいました。ホストではないですが、自分がその方とのセッションに参加する場合にはできるだけリクエストを聞いてあげられるように器用にいろいろな曲をこなせるように準備はしています。

ちょっと支離滅裂ですが、要するにピアノ、ドラム、ベースにとっては、ホストのいないセッションは人によっては非常にハードルが高く、且つ準備したことが出せないことによる不満も出るものなんだなということを考えてしまいました。こういうセッションでもフロントマンは自分のリクエストを通そうとするので、どうしてもレベル的にうまくいかないケースもあります。

今までも、これからもホストのいないセッションを続けていくことを考えた時に、そういうセッションでも不満を言わずに参加していただける熟練の参加者に感謝し、かつ、参加者全員で曲を作り上げるという気持ちをもって選曲や構成など考えたりする、最も参加者にスキルを要求する形のセッションになることをしっかり踏まえ、それでも成立するようにしていきたいものです。そして、ホストではないですが、かけたパートを埋められるだけの最低限の器用な演奏スキルを身に着けたいものです。管楽器とベースは進めていますが、ピアノも何とかしたいものです。

単一指向性マイクの正しい使い方

ロックの場合はマイクを含めPA機器に関する知識をいやおうなしに必要としますが、アコースティック楽器が中心のジャズなどの音楽では、PA機器に対する軽視というか勘違いのために不利益をこうむっているケースがあるように感じます。その中でも最も大切でこだわってほしいところがマイクの使い方です。

特にここではボーカルマイクとして使われる単一指向性マイクについて書きます。安価で定番のダイナミックマイクとしては例えば、SHUREのSM58があります。このマイクの使い方について二つの注意を書きます。

1. 口のマイクとの距離

通常、マイクというのは近接効果とよばれる、ダイアフラムの近くで音を入れると低音が強調される傾向があります。そのため、ボーカル用のマイクでは口を近づけた時に低音が緩和されるようにマイクの構造を作っています。なので、ボーカル用のマイクは原則としてはオンマイク、つまり、マイクと口をかなり近づけて歌うべきです。これを踏まえたうえでマイクを遠ざけることによる効果を使えば尚良いです。

マイクに対する音源の距離は2乗で効果するので、マイクとの距離が遠いということは、音の情報をかなり失ってしまっていると言わざるを得ません。また、遠ざけることにより音量が稼げないため、結果PAで音量を上げることでカバーすることになり、ほかの音を拾ってしまったり、ハウリングとは言わないまでも変なピーク周波数が出てしまったり良いことはありません。

2. マイクのウインドスクリーンを手でつかまない

これは単一指向性マイクの仕組みにも関係しますが、複数のマイクの組合わせよって後ろ側の受音部を打ち消し、結果前の鋭角の範囲からのみ音を拾うようにできています。ウインドスクリーンを手でつかむと、その片側のマイクがキャンセルされることで、音質と指向性の両方を失い、結果、ハウリングしやすくかつこもった音になります。ポピュラーミュージックの悪い影響ですが、こちらも失われた音声情報を補うのに無駄な苦労を必要とし、それでも補いきれないという結果になります。

両方に言えることですが、アコースティックの演奏者は、えてしてPAを軽視し、万能な魔法のようなものだと思う傾向にあるようです。だから使い方によって出る音が変わるということを容易に信じない人が実際にいるし、場合によっては指摘に対して不機嫌な態度をとることすらあります。音にこだわりながら、そういった誤解を持っている人は、一度、マイクの持ち方によってどれくらい音に影響が出るかをじっくり自分で確かめてみるべきだと思います。

繰り返しになりますがPAは万能の魔法の箱ではなく、マイクがない状態に対して音量を稼ぎ、音質の変化をできるだけ抑えるために良い妥協点を探るための道具だと思います。道具を知れば音に対する悪影響は軽減できるし、より道具を知ることで、弱い部分を逆手に取った新しい表現すらできる可能性も秘めていることを考えるとよいと思います。

ジャズボーカルの先生にお願いしたい。

例えば、ジャズのボーカル教室で上手になってきた生徒さんにジャムセッションに参加するよう薦めるときに、最低限ここだけは教えておいてもらいたいことがあります。それは、「ジャズは1コーラス単位で回す」ということです。

すごくシンプルで簡単なことなのに、なぜそれを教えられていないんだろうかと思う参加者が後をたちません。バックの演奏者には譜面を配るのに、本人は歌詞カードしかみていません。永久に正しく後テーマに戻ることは不可能です。

もちろんそれ以外にもたくさん知るべきはあるでしょうが、なぜ原則中の原則を教えずにセッションに参加させることを勧めるのか本当に疑問です。

あとボーカルセッションであっても参加者がお客さんであっても、せめて入り方を間違えたボーカリストには指摘してあげてほしい。

ジャムセッションでホスト、進行の人は演奏を聴いているか

以前好きではないジャムセッションのことを書いたことがありますが、自分に関しては好き、嫌いの原因を作っている人は主にホスト、あるいは進行の人によるところが大きいと思います。

先日初めて伺ったセッションでは、ホストの人が演奏していないときは、なじみのお客さんとずっとしゃべっていたり、外にたばこを吸いに行ったりしていたのですが、ホスト、進行の人は、ほかの人の演奏は聴かないのかということをちょっと思いました。（もしかすると、実際には信頼すべき参加演奏者が来たので、演奏面に関しては全編の信頼を寄せて任せたということだったのかもしれませんが。)

自分が進行しているジャムセッションでは、破たんしかけることが多いという理由もありますが、常に選曲から演奏中の進行に至るまで耳を傾けます。また、勉強中で自力で修正できない方の演奏の場合は、演奏中でも何らかのヘルプをしたりします。参加者やお客さんとのコミュニケーションも頻繁にとるように心がけていますが、耳は演奏の方にも注意を向けています。

もしかすると自分が背負いすぎなのかもう少し気楽にやった方が良いのかもしれませんが、こうやってやってきたので、気力的には3時間が限界です。

ずいぶん以前参加していたプロがホストのセッションでは、厳しいこともかなり言われましたが、ホストの人が演奏していないときでも、自分の演奏のを聴いていてくれて、良かったところも言ってくれたりして励みになったのを覚えています。

クラシック音楽のピアノ伴奏に関して

今回はジャズではなくクラシック音楽の話です。もともとフルートはクラシック音楽を演奏しており、今から20年近く前でジャズに入る前に結構一緒に演奏していたピアノの方とぶりに練習できる機会がありました。

当時はフルートのソロにピアノ伴奏をしていただいたのがその方しかいなかったので、ピアノ伴奏というものがどういうものかということをあまり意識することなく演奏していました。今偶然に別の方にもピアノを弾いていただく機会があるのですが、そのことで、当時のピアニストがいかに熟練者であったかということを再認識させられました。

シンプルに言うと、ソリストがやりたいことを音を中心にいろいろな情報から察知し、瞬時に対応する能力が半端ないということです。こちらも当然音やアクションで信号は出すわけですが、それをこぼさず受け取らなければいけないというシビアさがあります。

練習の後で、「演奏による指示はわかりやすいので、伴奏しやすい。」と言っていただけました。(でも、実際のところは20年近く前に全くできていなかった演奏による信号の発信を当時彼に鍛えられたというのが真実です。)

たまたま今クラシックの先生のアドバイスを受ける機会があるのですが、クラシックの場合、ソリストの場合は、相手に何かを伝えるためにオーバーアクションをすることはあまり良くないと伺いました。いよいよ音だけからその情報を受け取る必要があるので、耳を研ぎ澄ますことが伴奏道の最も大切な部分なのだなと思いました。

特にポピュラー音楽と違うのはタイム感の所ですが、譜面指示の情報は共有できているとはいえ、それをソリストがどの程度効果させるかという部分までは書かれていないので、主に耳でその情報を得るしかないと思います。

ここからはそれに対する話です。ジャズを含むクラシック以外の音楽の場合、誤解を恐れずに書きますが、タイム感の所では、そこまでソリストの音を聞くことなく、頭の中のメトロノームに合わせるだけでおおむね音楽が成立してしまうことがあります。だから、そのことで聞くことがおろそかになる危険をはらんでいると思います。

ジャズに限った話でいうと、そういうところがどこに影響が出るかと考えれば、ボーカル物のバースの部分やエンディングなどが典型です。高いレベルの話だと、ドラムソロの小節をまたいだタイム感の揺らぎなども当てはまると思います。これはいずれもメロディやソリストの気持ちを演奏から受け取り瞬時に理解して対応するという点でクラシックと似ていると思います。

危険なのは、伴奏者が「こうに違いない」と勝手に予想してしまうことです。ポピュラー音楽の場合はテンポという情報からそれをしてしまいがちですが、それが通用しない部分がクラシック音楽以外でも実際にはあると思います。そういうことを鍛えるためには、クラシック音楽を勉強するのも良いものなのではないかと思ったりします。

フロントマイクのスイッチ

マイクの持ち方についてもいずれ書きたいですが、今回はマイクのスイッチについて書きます。

生演奏をする為の普通にPAシステムが入っているお店であれば、ボーカル用のマイクにスイッチが付いていないのは普通ですが、時々ついているマイクが置いてあるときはトラブル続出です。

こういうケースでジャムセッションをすると、私もやりますが、前の人がご丁寧に使用後にスイッチを切ってしまっていて、マイクがオフのまま演奏を始めてしまったりします。終わったあとにスイッチを切るというのは、カラオケの影響かもしれません。

自分のお店でもMC用のマイクはスイッチ付を使っていますが、MCのハンドリングノイズ等を制御しきれないので話し手に委ねる形にしています。でも演奏用のマイクに関してはやはりスイッチは違うかなと思います。

他のお店に行くときは演奏側の防衛策として事前の確認を怠らないように気を付けるようにします。

ジャムセッションで上手な人と器用な人

自分はジャズでは素人で勉強をしっかりしていないところもあり上手ではありませんが、フロントでセッションでやりがちな曲をメモリーしていて構成を間違えたり見失ったりしないと言う点で便利な存在のようです。

この事で自分をよく知っているホストの方は、上手だか経験不足の方のセットに呼んでいただくことも多々あります。

その事で自分の準備した曲ができないなどの問題も発生するものの、ホストの人に「助けてあげて」と頼まれると嬉しいものです。

いつなんどきも演奏でサポートできるように精進したいものです。可能ならベースやピアノでも将来的には。