絵　川原絹子

かれこれ１０ヶ月ぐらい抱えている画集がある。
最初は撮影データを頂き、依頼主も簡単に本作りができると思っていたようだが、
色校正やテスト印刷は何度出したことやら。
作家のもとに通ううちに、最終的には私自身が全部の作品を撮影し直すことになってしまった。

それでも８１歳の画家は仕上がりに１００％満足してもらえず、私は未だに絵の質感や色との格闘中である。

最善をつくしたはずなのに、絵の印象が違うという。
確かに撮影→データ作成→印刷と、行程を繰り返し度に、絵のデータは圧縮されるわけだから、
どうしても絵の濃度は濃くなる。
こちらもそんなことは百も承知で、ラチュチュード全域を使ったオーサリングを心がけているのだが、悩む日が続いている。

さっきはたと気がついたのだが、この作家の絵はかなり大きい。
当然、印刷はその何分の一のサイズに縮小されるわけだ。
縮小されるということは、絵の具の濃度も当然濃縮されるわけだ。

大和絵は鉱石を粉砕した素材を絵の具にしているわけだから、分子レベルで鉱石の素粒子間の距離も近づくことになる。

困ったことに鮮やかな色ほど、濃くなるのだ。
「こんな派手な緑色じゃないのよね」
そう言われて来た理由がやっと分った。謎が解けたのだ。

色別に彩度を落とせば、実際に見た絵の印象に近づけるはずだ。
さあ、もう一息、がんばろう。


PS
例えば、淡いあじさいの花を写真に撮って、ブログにアップした途端に派手で下品な色になった。
これも、同じ法則ですね。
だから、写真は撮るものでなく、誕生させるものなんですよ。

優れたシェフは、食材を見て何を作るかを決めますね。
写真も同じです。

例えば目の前に花があれば、
◉自分が何を惹かれているのかを確認する。
◉写したくないものは何かを再確認する。
◉もっとも美しく見える角度と領域を確認する。
◉構成デザインをシュミレーションする。
◉もっとも美しく写る色彩濃度を想像する。
◉色温度を意識して、カメラをセットする。そのままでもいいし、意識して変えてもいい。
◉どこからどこまでにピントを合わせるかを決める。
◉光の状態を確認し、もっともベストな光がいつなのかを想像する。
◉レンズによるパースを意識し、使用するベストなレンズのサイズを決める。
◉露出を設定する。カメラまかせは駄目です。
◉自分の心を落ち着かせる。

もしかしたら、今日シャッターを押さないで、別な時間に来たほうがいいかもしれません。
花に水をやることが大切かもしれません。
鏡を持って来て、隠れた花びらを鮮やかにすることが得策かもしれません。

このように花と貴方が対峙することが重要なのです。
慌ててファインダーを覗いてうろうろするのではなく、花の香りを全身全霊で感じることに神経を
集中させてください。
五感をフル動員させて、考えるのです。
いい写真が撮れるように念じるのです。

時間をかければかけるほど、花と貴方の関係の密度が濃厚になります。
この濃度の差が写真にはしっかりと写ります。
花だけでなく、人間でも、風景でも、モノでもまったく同じです。
被写体となっているモチーフにどれだけの思いを寄せるかが写真の重要作業なのです。

まあとにかく、カメラを構える前にやることはいっぱいあるわけです。
もし、これだけのことをファンダーを覗きながらやろうとしても、そうそうにできるものではありません。
だから、ファインダーを覗く前の作業、段取りが大切なのです。

私には、はっきりと覗き見撮りをした写真とそうでない写真の区別がつきます。
覗き見撮りをした写真は、インテリジェンスを感じません。
美しいものを作ろうとする意思は感じられないので、すぐ分ります。

覗き見撮りはとても下品な行為です。
私がモデル撮影会を激しく嫌悪している理由のひとつでもあります。
あんなものに出かける男性に、世の中の女性が冷たい視線を送っているかを知ることです。
まして、一般の女性が見る可能性があるブログにアップするなど、私は信じられません。
４０年以上、そういった写真を目にしていますが、１枚もいい写真がありません。
つまり、気持ちが写っていないのです。
写真はマスターベーションの道具ではないのです。

真面目に写真に取り組みたい方は、今日から覗き見撮りはやめるべきです。

デジタルカメラが登場したことで、絵画の撮影は非常に楽になりました。

以前は大きな絵の撮影は専用スタジオに持ち込み大変でした。
絵はムラもない均一な露出の明かりを作る必要があります。
つまり、絵はライティングして撮影するものという概念を私を支配していた時期があります。

最近気がついたのですが、露天の壁画などは別として、絵は燦々と輝く日差しの下で見るものではないことに気がつきました。
つまり、絵が自然な明かりの下で見るものだということが、はっきりして来ました。
特に日本画は、パステルカラーの淡い色が多いので、スタジオ用のストロボで撮ると、魅力が半減してしまうことが分りました。

さて、ご覧になっている作品は、画家の伊藤彰規氏の作品。
火曜まで、銀座でご覧頂けます。
http://ameblo.jp/marikogoto-gallerygoto/
油絵のごつごつした質感の中に、北国の乾いた空気感が写っています。

画集を作らせて頂くことになったのですが、小樽→札幌と時期こそズレていますが、
私のご近所に暮らしていたことが判明、驚きました。

まあ、銀座でお会いしたのも、何かの縁ですね、きっと。

私も人物撮影をするときも、背景をどのようにデザインするかは同じなんですね。
この撮影は蛍光灯が重要なモチーフですので、まずこの蛍光灯が歪まないようにすることを優先しました。
左側に向かってパースが流れていますので、このパースの中に違和感なく、女性を配置すること術を考えました。

◉右足を前に出して、上半身を捩ってもらうことで、自然に身体は左側に傾きます。
◉左手、特に指先を伸ばすことによって、気の流れが左側に流れます。
◉反射的に顔や身の毛の左側に重心が流れます。
◉床のダイルと炊け軸がもっともバランスよく安定するバランス。

結果として、この女性のプロポーションをバランスよく写す角度を自然に探していたのです。
２０代、３０代の女性は、彼女から多くのことを学ぶことができるでしょう。

ちなみに、もし彼女を真っすぐ垂直に立たせて絵作りをしたいのであれば、
壁からある程度離すことで、壁と人物を切り離した人物を浮き上がらせる絵作りも可能です。

まあ、どっちにしても、その空間に漂うエネルギーを敏感に感じ、モデルから気の流れを感じることが大切です。
ですから、人物撮影は共同でおこなうクリエイティブ作業なんです。

大勢で一斉にカメラを向けるモデル撮影会では、こうした一連の作業はできません。

私は東京の神楽坂に居います。
まあ、東京のど真ん中。
都会の熱気に我慢できなくなった空は、ときどきバケツをひっくり返したような土砂降りになります。
これだけ凄い雨なんですが、カメラに納めるとこれが写らないんですね。

雨の落下スピードにシャッターがついていけないせいもあるけど、
雨は透明ですから、そのままでは写りません。
見た目は凄いのに写らないのがしゃくな方は、
カメラについているストロボを発光させてください。

ご覧にように、ストロボを発光させると近くの雨に反射して白く光ります。
それとコツは濃度の濃い背景を選んで撮ることも大切です。
雪も一緒です。

でも、東京って、虹が出ないんですよね。